Neun Bands hatten sich beim zweiten Schweizerischen Jugendmusikwettbewerb Jazz Rock&Pop, der sich dieses Jahr in einem neuen Format präsentierte, für das Finale, das Come Togehter im Moods, qualifiziert. Die Bands wurden von einer neunköpfigen Jury bewertet. In der Jazz-Jury sassen Hans Peter Künzle, Florian Heeb, Thomas Dobler, Urs Röllin und Gregor Frei. Die Rock&Pop-Bands wurden von Martin Lehner, Daniel Schwarz, Claudio Cappellari und Christophe Rosset bewertet. Urs Schnell von der Suisa-Foundation moderierte den Anlass. In jeder Kategorie wurde eine Band zur besten gekürt. Es gab Sonderpreise und Eltern, Lehrer und Zuhörer hatten die Möglichkeit, sich mit der Jury und den Bands auszutauschen.

Auszeichnungen und Sonderpreise
Zur «Best of Band Jazz» wurde die Berner Band M’Adam(e) gewählt. Neben dieser Auszeichnung durfte die Band als Sonderpreis einen Auftritt im Rahmen des Schaffhauser Jazzfestivals 2014 entgegennehmen.
In der Kategorie Rock&Pop holte sich die Gruppe Funk Alliance aus dem Berner Jura den Titel «Best of Band Rock&Pop». Zudem darf die Band dank einem Sonderpreis an den Stanser Musiktagen 2014 auftreten.
Das Jakob Kulke Jazz Quintett bekam einen Gutschein für einen kostenlosen Besuch eines Jazz-Kurses im Rahmen der Musik-Kurswochen Arosa 2014 und BOBaDROP erhielt den EMCY–Preis (European Union of Music Competition for Youth). Dieser Sonderpreis bringt der Band ein Preisträgerprofil bei emcy.org und eventuell ergeben sich daraus Konzerte oder Masterclasses für Jazz in Europa.

Mit einer Qualitätsoffensive sind die 1987 vom Verein Arosa Kultur gegründeten Musik-Kurswochen Arosa in den letzten drei Jahren gestärkt worden. Gleichzeitig wurden Möglichkeiten geschaffen, um das kulturell und touristisch bedeutende Angebot weiter auszubauen. Die Investitionen in der Gesamthöhe von über einer halben Million Franken machen sich bereits bezahlt. So stieg die Teilnehmerzahl in diesem Sommer gegenüber dem Vorjahr (1218 Teilnehmende) um fast sechs Prozent auf 1298. Damit wurde auch der bisherige Rekord aus dem Jahre 2011, als 1286 Teilnehmende nach Arosa pilgerten, minim überboten. Dazu kommen über 200 Lehrkräfte und mindestens 300 Angehörige, so dass sich wegen der Musik-Kurswochen Arosa in diesem Sommer mindestens 1800 Leute in Arosa aufhielten und total weit über 12 000 Logiernächte generiert werden konnten.

Besonders erfreut ist Arosa Kultur über die Entwicklung der erstmals 2011 durchgeführten Arosa Music Academy. Nahmen in den ersten zwei Jahren jeweils rund 50 Studierende an diesen an zwei Wochen im August und September angebotenen internationalen Meisterkursen teil, so sind es in diesem Jahr bereits 80. Damit wurde das bei der Lancierung genannte mittelfristige Ziel, rund 100 Teilnehmende, schon beinahe erreicht. Unter der Hauptleitung von Markus Fleck (casalQuartett) arbeiten Musiker wie etwa Konstantin Lifschitz (Klavier), Helge Slaatto und Ingolf Turban (Violine), Conradin Brotbek (Violoncello) und Christiane Oelze (Gesang) während einer Woche intensiv mit jungen Talenten aus zehn verschiedenen Nationen. Die internationale Ausrichtung stellt auch für die gut 40 Teilnehmenden aus der Schweiz eine grosse Bereicherung dar.
 

Foto Homberger

Der Münchner Geiger Ingolf Turban unterrichtet Andrina Däppen (Violine) und Lisha Kim.

Unterstützt wird Arosa Kultur bei der Durchführung der Arosa Music Academy vor allem von der Kulturförderung Graubünden und vom Bundesamt für Kultur. Beide Institutionen tragen auch die Musik-Kurswochen Arosa mit, deren Angebot (rund 100 Musikkurse) sich im Gegensatz zur Academy schwergewichtig an Laien (Kinder, Jugendliche und Erwachsene) richtet. Laut Christian Buxhofer, Präsident von Arosa Kultur, steht das Bundesamt für Kultur auch deshalb hinter dem Angebot, weil in Arosa sowohl die Breite (Musik-Kurswochen) als auch die Spitze (Academy) der musizierenden Jugend gefördert wird.

Um die kantonale und nationale Unterstützung auch in Zukunft rechtfertigen zu können, setzt Arosa Kultur weiterhin auf eine hohe Unterrichtsqualität und eine professionelle Organisation. Diese Ziele sollen durch kleine Klassen, hochkarätige Lehrkräfte, eine möglichst perfekte Infrastruktur und eine kompetente administrative Betreuung erreicht werden. Das Konzept der Arosa Music Academy, das neben dem Einzelunterricht in Anwesenheit aller Teilnehmenden auch intensive Kammermusik beinhaltet, hat sich laut Markus Fleck bewährt. Für die nächsten Jahre ist aber ein punktueller Ausbau vorgesehen. Und um keine Interessenten mehr abweisen zu müssen, soll es neu neben den Aktiven auch die Kategorie «Hörer» geben. Studierende, die dem Unterricht beiwohnen können, selber aber keinen Unterricht erhalten.

Wichtiger Bestandteil der Arosa Music Academy sind auch die Dozentenkonzerte und die Abschlusskonzerte der Studierenden. Sowohl als Zuhörer als auch als aktive Musiker würden die Studierenden hier wertvolle Erfahrungen sammeln, so Markus Fleck. Damit alle Absolventen die Möglichkeit haben, diese Möglichkeit zu nutzen, wurden vier Abschlusskonzerte durchgeführt.
 

Markus Aellig ist seit 1992 Organist in der Stadtkirche Thun. Er organisiert regelmässig Abendmusiken und Orgelmatinées. Im April dieses Jahres konnte er in dieser Reihe ein einmaliges Jubiläum feiern: die 700. Orgelmatinée seit 1997.

zvg

Markus Aellig

Wie die Thuner Medienstelle Mitte August mitteilte, erhielt er seine Ausbildung vom ehemaligen Berner Münsterorganisten Heinrich Gurtner. Aellig schloss die Studien am Konservatorium Bern mit dem Lehrdiplom und dem Höheren Studienausweis ab. Seither hat er sich zu einem Meister seines Fachs weiterentwickelt, der keine musikalischen Grenzen zulässt. In seinen Konzerten in der Stadtkirche Thun pflegt er das gesamte Orgelrepertoire von Barock, Romantik bis Moderne, macht aber auch vor Jazz, Folklore, Pop- und Rockmusik nicht halt. Sowohl mit seinen Eigenkompositionen wie beim Interpretieren anderer Komponisten zieht er in eigenwilligen Variationen und Arrangements das Publikum in Bann.

Weitere Preise gingen an die Kunstgesellschaft Thun, an den Filmmacher Jeshua Dreyfus und die Schriftstellerin Saskia Winkelmann. Die Kulturpreise werden am 14. November im Kultur- und Kongresszentrum Thun verliehen.
 

«Sa complexité formelle, sa densité d’écriture, sa richesse harmonique, sa variété émotionnelle et ses difficultés techniques considérables placent cette composition parmi les plus difficiles du répertoire pianistique du 19e siècle.» Dieses Urteil Philipp Faurés über die Ballade op.19 seines Vaters mag heutzutage etwas übertrieben klingen. Tatsache ist, dass sie zu Gabriel Faurés repräsentativsten und ambitioniertesten Klavierwerken gehört.

Was die pianistischen Schwierigkeiten anbetrifft, hat kein geringerer als Franz Liszt dem Komponisten mit dem ihm eigenen Charme geklagt, mehr Finger habe er nicht. Liszt war es vermutlich auch, der zu einer Umarbeitung riet. Fauré nahm sich diesen Rat offenbar zu Herzen, und so kennt man das Werk heute eher in der Fassung für Klavier und Orchester.
Der Bärenreiter-Verlag hat gut daran getan, die Originalfassung im Grossformat herauszubringen. Faurés komlpex versponnener Klaviersatz ist so doch viel angenehmer zu lesen. Christophe Grabowski hat als Herausgeber nicht nur ein lesenswertes Vorwort, sondern auch anregende Interpretationshinweise aus der Feder von Philipp Fauré und der Pianistin Marguerite Long beigefügt.
 

Gabriel Fauré
Ballade op. 19
Urtext hg. von Christophe Grabowski
BA 10841, € 12.95,
Bärenreiter, Kassel 2012

In Südfrankreich mit jüdisch-spanischen Wurzeln geboren, sog die in Genf lebende Sängerin Esther Ackermann in ihrer Kindheit die jüdischen Lieder regelrecht auf, die ihr die Mutter zum Einschlafen sang. So erzählt sie. Fasziniert von der Musikalität der Sprache soll sie mit sieben Jahren ihr erstes Gedicht geschrieben haben. Nun, fast 40 Jahre später, hat sie diese Lieder mit dem Gitarristen Paco Chambi unter dem Titel A la una yo naci eingespielt. Es ist ein kurzes Album mit zwölf Stücken – totale Spielzeit gerade mal 31 Minuten – geworden, auf dem sie mit grosser Zartheit die Kindheit und die jüdische Kultur besingt. Und sie tut es intensiv und konzentriert und mit so kindlicher Lust, als ob sie einfach nur für sich beim Gemüserüsten vor dem Haus unter einem schattigen Baum singen würde. Das schafft eine eindringliche Intimität, die umso mehr berührt, als sie den Zuhörer in eine Welt eintauchen lässt, die Sehnsüchte weckt, ohne in volkstümliche Süsslichkeit zu verfallen. Vielleicht ist es die heitere Wehmut ihrer Lieder, dass daraus eine sehr persönliches Album geworden ist. Es hat, was schöne und gute Musik ausmacht: Sie vermag uns zu berühren.

Die einfachen Lieder werden von einer klassischen Gitarre unaufdringlich und mit viel Gespür in folkloristisch-jazzigem Stil begleitet. Mehr braucht diese Musik nicht. Und so hat man man schnell das Gefühl: Hier musizieren zwei Künstler, denen es nie um technische Aufdringlichkeit und Raffinesse geht, sondern einzig um Ausdruck. Passend dazu ein Glas Wein am Bistrotisch und den Traum, irgendwo nach Süden zu entfliehen. – Zum Glück gibt es für A la una yo naci die Repeat-Taste.

David Philip Hefti schrieb seine Beethoven-Resonanzen, sein zweites Klavierstück, im Auftrag des Musikkollegiums Winterthur. Die Aufgabe bestand darin, ein Klavier-Solowerk mit Bezug auf Beethovens Sinfonik zu schreiben. Hefti nahm als Ausgangspunkt für sein Stück das Thema aus dem langsamen Satz der 7. Sinfonie.

«Die kompositorischen Mittel wurden in diesem Klavierstück insofern reduziert, als auf die erweiterten Spieltechniken im Innern des Flügels … verzichtet wurde. Durch den Einsatz aller drei Pedale und verschiedener Pedaleffekte wird dennoch eine vielschichtige Palette an Klangfarben erreicht. Zudem entsteht ein Spannungsfeld zwischen freien und exakt notierten Passagen sowie zwischen scharfen Attacken und zart resonierenden Echotönen, die immer wieder Beethovens Musik in diffuser Klanggestalt erahnen lassen.» Diese präzise und sehr zutreffende Beschreibung stammt vom Komponisten selber. Tatsächlich sind die Beethoven-Zitate nur an wenigen Stellen vordergründig wahrnehmbar. Viel dominierender sind die Resonanzen, welche mit Hilfe des oft verwendeten Tonhaltepedals dem Stück einen «doppelten Boden» verschaffen.

Entstanden ist eine anspruchsvolle Komposition, die auch unabhängig von Beethovens Thematik bestehen kann, eben als Klavierstück Nr. 2. Und obwohl nur traditionelle Spieltechniken zur Anwendung kommen und der Notentext sich klar und plausibel liest, erfordert das Werk – wie sich der Schreibende selbst überzeugen konnte – eine gehörige Portion Geduld und Disziplin beim Einstudieren …

David Philip Hefti: Beethoven-Resonanzen, Klavierstück Nr. 2, GM 1880, Fr. 21.00, Edition Kunzelmann, Adliswil 2012

Der 1946 in Ungarn geborene Zsolt Gárdonyi wuchs in einer Musikerfamilie auf (sein Vater war Schüler von Kodály und Hindemith) und erhielt schon im Alter von 19 Jahren Preise in den Fächern Orgel und Komposition an der Musikhochschule Budapest. Er wirkte als Professor für Musiktheorie an der Hochschule für Musik Würzburg, übte eine rege Konzerttätigkeit als Organist aus und machte sich durch zahlreiche Publikationen und Gastvorlesungen international einen Namen.

Sein Blues für Trompete und Orgel ist ein waschechter Blues und bewegt sich innerhalb der Konventionen, was Melodiebildung, Phrasierung und Harmonisierung betrifft. Speziell ist der Orgelsatz: Pedaliter und manualiter werden die Möglichkeiten einer dichten Begleitung gänzlich ausgenützt durch Vollgriffigkeit der Akkorde gepaart mit raffinierter Jazzharmonik. Trompete und Orgel sind dialogisch gesetzt, wodurch auch das Kircheninstrument zum Jazzsolisten avanciert und so in ganz neuem Kontext auftrumpfen und in ungewohnter Weise abgrooven kann. Der Blues ist auf jeden Fall in einem Konzertprogramm für Trompete und Orgel ein «Stück zum Hinhören».

Zsolt Gárdonyi: Blues, für Trompete und Orgel, EW 866, € 12.00, Edition Walhall, Magdeburg 2012

Ursula Erhart-Schwertmann hat bei den berühmten barocken, klassischen und romantischen Komponisten noch unbekannte Melodien gefunden, für zwei Violinen und Cello bearbeitet und mit ausgezeichneten Bogenstrichen versehen. Wie im ersten Heft darf auch der eine oder andere Ohrwurm dabeisein, hier Bizets Carmen-Habanera und Mozarts Luci care…

Die Tonarten bewegen sich zwischen 3 b und 3 Kreuzen, für die Fingersätze der selten benötigten 2.-4. Lagen muss die Lehrperson helfen. Die Schätze können kammermusikalisch und im Ensemblespiel gehoben werden.

Erstes Triospiel – Leichte Bearbeitungen für 2 Violinen und Violoncello, Heft 2, hg. von Ursula Erhart-Schwertmann, Partitur und Stimmen, D 06042, € 24.95, Doblinger, Wien 2012

«Ich strebte die Aktivierung des Schülers durch Selbstmusizieren, das heisst durch Improvisieren und Entwerfen eigener Musik an. So wollte ich nicht eine Ausbildung an hochentwickelten Kunstinstrumenten, sondern eine solche an vorzüglich rhythmisch orientierten und verhältnismässig leicht erlernbaren, primitiven, körpernahen Instrumenten.» – Carl Orff (1895-1982) war ein Pionier. Sein Schulwerk revolutionierte die Musikpädagogik und brachte neue Ansätze in den Unterricht, weit über das gemeinhin übliche Singen hinaus: «Elementare Musik ist nie Musik allein, sie ist mit Bewegung, Tanz und Sprache verbunden, sie ist eine Musik, die man selbst tun muss, in die man nicht als Hörer, sondern als Mitspieler einbezogen ist.» Seine Gefährtin Gunid Kneetman fügt hinzu: «Diese Einheit (…) ist (…) nur noch bei Kindern vorhanden. Sie ihnen zu erhalten und weiterzuentwickeln ist eine Hauptaufgabe, die sich die Schulwerk-Arbeit gestellt hat.»

In jeder Schule von heute finden sich «Orff-Instrumente». Erfunden hat Carl Orff sie allerdings nicht, weder das Xylofon noch den Schellenkranz. Aber er hat die Schlaginstrumente zusammengestellt für seinen Unterricht, zuerst für seine Studentinnen in ihrer Ausbildung für Gymnastik, Musik und Tanz, dann für den Einsatz mit Kindern. Und genau genommen dürfe der Name «Orff-Instrumentarium» nur für die Stabspiele verwendet werden, die Orff in Zusammenarbeit mit dem Münchner Instrumentenbauer Karl Maendler entwickelte, meint Autorin Micaela Grüner. 48 verschiedene Schlaginstrumente stellt sie in ihrem Buch vor, aufgeteilt in Stabspiele (Glockenspiel, Xylofon), Fellinstrumente (Trommeln), Kleines Schlagwerk (Claves, Triangel, Rasseln) und Erweiterte Orff-Instrumente (Latin Percussion, Boomwhackers). Diese Einteilung ist zwar weder wissenschaftlich (Instrumente geordnet nach dem klingenden Teil) noch besonders unterrichtspraktisch (was man in den Schulzimmern so findet). Aber sie zeigt die Entwicklung des Instrumentariums auf, vom Kern bis zu den Erweiterungen.

In Kapitel 2 werden Handhabung und Spielweise anschaulich beschrieben und illustriert. Das ist gut, denn Schlaginstrumente haben ein Problem: Man schlägt sie, anstatt sie zu spielen. Dabei sind sie genau so klangsensibel wie ein Klavier oder eine Geige. Wo auf dem Fell muss die Hand aufschlagen, damit die Trommel am vollsten klingt? Welcher Schlag entlockt ihr den lautesten Klang, welcher den trockensten? Und wie nimmt man eine Kabassa eigentlich richtig in die Hand, wie hält man eine Guiro? Überhaupt: Wie macht man damit Musik? Das Kapitel 4, «Mit Orff-Instrumenten spielen», bringt Rhythmuslinien und ganze Spielsätze, welche die Klangvielfalt der Schlagzeuge schön aufzeigen. Und es werden viele unterrichtspraktische Spielideen vorgestellt. Orientierungshören im Raum, Klangketten bilden, Wetterspiele und grafische Notation, Trommelgespräche, Texte und Geschichten verklanglichen. Alle diese Anregungen sind gut beschrieben – in Wort, Bild und Ton – und leicht umzusetzen. Besonders interessant: die Tonbeispiele auf der CD mit Kompositionen von Orff selber!

Micaela Grüner: Orff-Instrumente – und wie man sie spielt, Ein Handbuch für junge, alte, kleine und grosse Hände, ED 21039, 128 S., mit CD, € 24.95, Schott, Mainz 2011

Franz Xaver Wolfgang Mozart (1791–1844) war ein beachtlicher Pianist und Komponist. Ausgebildet unter anderem bei Johann Nepomuk Hummel und Antonio Salieri, verliess er seine Geburtsstadt Wien bereits 1808 in Richtung Galizien, wo er sich in Lemberg (heute Lwiw in der Ukraine) niederliess. Immer schon als «W. A. Mozarts Sohn» gefeiert, setzte er sich auch kompositorisch mit dem Erbe des Vaters auseinander. Dabei sind wohl weniger seine Don-Giovanni-Variationen von Interesse, bei welchen der erst 14-Jährige dem Menuett aus der Oper viel leeres Tastengeklingel zumutet, als vielmehr die Kadenzen und Auszierungen, die er zu einigen Klavierkonzerten seines Vaters schrieb. Harmonik und pianistische Schreibweise sind hier zum Teil bereits sehr von der Frühromantik geprägt.

Musikalisch am überzeugensten ist F. X. Mozart dann (wen wunderts?), wenn er sich nicht an die Musik seines Vaters anlehnt und sich beispielsweise von der Folklore seiner galizischen Umgebung inspirieren lässt. So geschehen in den Polonaises mélancholiques op. 17 und 22. Da weht schon ein Hauch von chopinscher Eleganz und Wehmut…

All diese Werke und vieles mehr (darunter auch zwei «Diabellivariationen») hat der G. Henle-Verlag nun in zwei schön gestalteten und sehr handlichen Bänden herausgebracht.

Franz Xaver Mozart: Sämtliche Klavierwerke, Urtext hg. von Karsten Nottelman, Fingersatz von Rolf Koenen; Band 1, HN 958; Band 2, HN 959; je € 22.00, G. Henle, München 2011/12

«Sa complexité formelle, sa densité d’écriture, sa richesse harmonique, sa variété émotionnelle et ses difficultés techniques considérables placent cette composition parmi les plus difficiles du répertoire pianistique du 19e siècle.» Dieses Urteil Philipp Faurés über die Ballade op.19 seines Vaters mag heutzutage etwas übertrieben klingen. Tatsache ist, dass sie zu Gabriel Faurés repräsentativsten und ambitioniertesten Klavierwerken gehört.

Was die pianistischen Schwierigkeiten anbetrifft, hat kein geringerer als Franz Liszt dem Komponisten mit dem ihm eigenen Charme geklagt, mehr Finger habe er nicht. Liszt war es vermutlich auch, der zu einer Umarbeitung riet. Fauré nahm sich diesen Rat offenbar zu Herzen, und so kennt man das Werk heute eher in der Fassung für Klavier und Orchester.
Der Bärenreiter-Verlag hat gut daran getan, die Originalfassung im Grossformat herauszubringen. Faurés komlpex versponnener Klaviersatz ist so doch viel angenehmer zu lesen. Christophe Grabowski hat als Herausgeber nicht nur ein lesenswertes Vorwort, sondern auch anregende Interpretationshinweise aus der Feder von Philipp Fauré und der Pianistin Marguerite Long beigefügt.

Gabriel Fauré: Ballade op. 19, Urtext hg. von Christophe Grabowski, BA 10841, € 12.95, Bärenreiter, Kassel 2012

Zu Recht hat der eine halbe Generation ältere Camille Saint-Saëns die1877 erschienene erste Violinsonate von Fauré überschwänglich gelobt: «… und über allem schwebt ein Zauber, … der die Masse der gewöhnlichen Zuhörer dazu bringt, die wildesten Kühnheiten als ganz normale Sache zu akzeptieren …» Sie steht ganz vorne im Repertoire der Konzertierenden. Fauré war 1774 zum Sekretär der Société nationale de musique berufen worden, die sich dem «renouveau» des französischen Musiklebens verschrieben hatte im Wettstreit zur deutschen Instrumentalmusik. Dies steht unter Anderem im interessanten Vorwort dieser Neuausgabe. Der Urtext von Henle vergleicht den Erstdruck von Breitkopf & Härtel mit den autografen Skizzen und zeigt Differenzen in Bindebogen und Dynamik auf, die beim Erarbeiten des Werkes zu erwägen sind; es ist ein Blick in Faurés Werkstatt. Neben der Urtext-Violinstimme steht eine Einrichtung von Igor Ozim zur Verfügung. Ozim sucht die richtigen Farben der Saiten auf und passt die Bogenstriche der Dynamik an. Manchmal verwendet er vorsichtige Saitenwechsel für spannende Intervalle, die expressiver auf einer Saite wirken würden.

Gabriel Fauré: Sonate Nr. 1 A-Dur op. 13, Urtext hg. von Fabian Kolb,mit zusätzlicher bezeichneter Violinstimme von Igor Ozim, Partitur und Stimmen, HN 980, € 21.00, G. Henle Verlag, München 2012