Es gibt Bauaufgaben, nach denen sich Architekten ihre Finger lecken. Dazu gehört gewiss der Entwurf eines Konzerthauses. Trotz heikler akustischer Aspekte, trotz räumlicher Vorgaben und trotz manch spezieller Wünsche eines Bauherrn kann der Architekt seine besonderen Ideen ausbreiten: siehe die ebenso teure wie faszinierende Elbphilharmonie von Herzog & de Meuron, siehe Norman Fosters imposante Zénith de Saint-Étienne Métropole oder die Berliner Philharmonie von Hans Scharoun, eingeweiht im Jahr 1963.

Nicht nur Fosters und Scharouns Bauten sind im Fotoband Konzerthäuser zu sehen. Insgesamt sind es 104 weitestgehend bekannte europäische Häuser, die der Herausgeber Michel Maugé präsentiert. Schöne Aufnahmen gelangen dem Fotografen Manfred Hamm, sowohl Innen- wie Aussenansichten der Gebäude aus dem 18., 19. und 20. Jahrhundert. Eine «vorrangig ästhetische Perspektive» liege der Sammlung zu Grunde, schreiben Michael Astroh und Manfred Hamm im Vorwort. Letztlich aber könnte man auch von einem auf die Spitze getriebenen Ästhetizismus sprechen, wenn man sich die menschenleeren Innenansichten der grossen, oft ja bis zu 2200 Plätze bietenden Hallen anschaut. Zwar «klingen» die Bilder im Kopf auch ohne Musiker auf der Bühne. Dass Architektur letztlich aber doch «für Menschen» gemacht ist, gerät in einer zu sterilen und aseptischen Präsentationsform aus dem Blickfeld.

Den Vorwurf einer wenig «geerdeten» und lebensfernen Darstellung muss sich auch Michael Astroh, der Autor des Einführungstexts „Räume der Musik“ gefallen lassen. Viel zu wenig schreibt er über konkrete Problemstellungen, seien es akustischen Fragen oder besondere architektonische Erfordernisse von Werken des 20. und 21. Jahrhunderts. Stattdessen changiert der Philosoph Astroh zwischen Allgemeinplätzen und merkwürdig redundanten Betrachtungen über so etwas wie metaphysische Konstellationen. Nach solch elaborierten Episoden wie der folgenden wendet man sich doch lieber den vielen farbigen und schwarz-weissen Fotografien zu: «In einer technologisch ausgerichteten Kultur kontrastieren Kunst und Unterhaltung recht offensichtlich miteinander. Ihre disparaten Zielsetzungen, zum einen die gemeinsame Verinnerlichung autonomen Ausdrucks, zum anderen das hier und jetzt intensive Erlebnis gemeinsamer Wahrnehmung und Bewegung, erfordern unterschiedliche ästhetische Strategien. Allerdings konvergieren die Alternativen in der Apotheose einer gemeinschaftlichen Subjektivität, die sich auf ihre kulturellen Bestände verlässt.» (S. 23) Nun ja.

Konzerthäuser, photographiert von Manfred Hamm, hg. von Michel Maugé, 192 S., € 98.00, m:con Edition, Mannheim 2012, ISBN 978-3-9814220-0-9

Nachdem ein halbes Jahrhundert lang nur Willi Apels Die Notation der polyphonen Musik (engl. 1942, dt. 1962) in das Lesen von originalen Noten einführte, sind nun gleich zwei neue Lehrbücher zur Notation Alter Musik erschienen. Doch obwohl beide mit «Notationskunde» betitelt sind, könnten sie unterschiedlicher nicht sein, ein Vergleich würde von Äpfeln und Birnen handeln. Dabei ähnelt das Buch von Schmid, emeritierter Musikwissenschafts-Professor aus Tübingen, weitgehend dem von Apel, während Paulsmeier, die das Fach während 30 Jahren an der Basler Hochschule für Alte Musik unterrichtete, etwas völlig Eigenständiges vorlegt.

Schmids Anspruch besteht darin, die Entwicklung der Notenschrift vom Mittelalter bis zum Jahr 1900 darzustellen, mit Ausblicken auf antike Vorläufer, auf Neumenschriften, Tabulaturen usw. Ein zentrales Anlegen ist ihm dabei, «ein Verständnis für die Funktionen von Schrift und ihre aktive Rolle im Prozess der Kompositionsgeschichte zu wecken». Die sehr übersichtlich gehaltenen Kapitel sind regelmässig von Aufgaben begleitet, in denen etwa in Faksimile gezeigte Originalnotation in moderne Notenschrift übertragen werden soll oder Wissensfragen zu beantworten sind. Das zeigt die Herkunft des Buches aus dem universitären Unterricht, bei dem Studierenden der Musikwissenschaft in einem (!) Semester diesen Stoff zu bewältigen hatten. Die gestellten Aufgaben sind als «digitaler Lehrgang» angekündigt, dabei handelt es sich schlicht um ausgelagerte Textaufgaben im pdf-Format, obwohl hier ganz anderes möglich gewesen wäre. Merkwürdig ist weiter, dass im Buch eine umständliche Umschrift mit pseudohistorischen Notenzeichen der sogenannten Münchner Schule verwendet wird, die sich durch Schmids Notationskunde hoffentlich nicht verbreiten wird.

Bei der Publikation von Paulsmeier handelt es sich um den ersten von insgesamt drei Bänden, der sich allein der Notation des 17. und 18. Jahrhunderts widmet – also eine Zeit, die bei Schmid auf wenigen Seiten abgehandelt wird, da hier wenig Systematisches zu berichten und die Musik scheinbar problemlos zu entziffern ist, sieht man von den in der Praxis bedeutsamen Proportionen ab. Die anderen beiden Bände werden dann das späte 12. bis 14. sowie das 15. und 16. Jahrhundert behandeln. Auch Paulsmeiers Ausgangspunkt ist das originale Notenbild, aber dort will sie ausdrücklich auch bleiben: Sie verzichtet auf Übertragungen in moderne Notation, leitet dagegen mit zahlreichen Faksimile in das Lesen und selbständige Nachvollziehen der aufgezeichneten Musik an. So fordert die Autorin auch zum Singen oder Spielen der Beispiele auf – es geht schliesslich um Musik (zugleich verweist dies auf die Herkunft aus dem Unterricht an der Schola Cantorum Basiliensis). Die Fülle der Beispiele dient denn auch nicht der Exemplifikation eines Systems, sondern zeigt eher die vielfältigen pragmatischen Abweichungen von einem im Hintergrund geltenden Notationssystem, wie sie von Komponisten und Musikern seit jeher praktiziert wurden.

Wie gesagt, Äpfel oder Birnen: Wer mit überschaubarem Aufwand einen Einblick in die Entwicklung unserer Notenschrift erhalten will, der möge zum Buch von Schmid greifen. Wer aber eine genauere Kenntnis der in originaler Notation aufgezeichneten Musik gewinnen will, dem sei der Kursus von Paulsmeier empfohlen.

Manfred Hermann Schmid, Notationskunde. Schrift und Komposition 900-1900, Kassel etc.: Bärenreiter 2012 (Bärenreiter Studienbücher Musik 18)

Karin Paulsmeier, Notationskunde 17. und 18. Jahrhundert, Basel: Schwabe 2012 (Schola Cantorum Basiliensis Scripta 2)

 

Anlässlich des Liszt-Jahres 2011 lud der Verlag Doblinger Verlagskomponisten verschiedenster Stilrichtungen ein, ein Statement zum Jubilar in Form eines kurzen Klavierstücks zu verfassen. Das Ergebnis wurde eine Sammlung von zehn Kompositionen, die unterschiedlicher nicht sein könnten und die uns natürlich meist mehr über die Komponisten selber verraten als über Liszt …

Da gibt es Johannes Berauers poetisch-pathetisches but the birds still sing oder Rainer Bischofs parodistisches (oder schon sarkastisches?) Ausgeträumt: Ein Liebestraum Nr. 3, der zum Albtraum mutiert. Radikal dann das Spätwerk von Bernd Richard Deutsch für präpariertes Klavier. Witzig und dankbar zu spielen Tristan Schulzes Für Franz, den Lisztigen, wie auch das Fugato von Wolfram Wagner, welches sich am Kopfthema von Liszts erstem Klavierkonzert erhitzt. Johanna Doderer, die einzige Komponistin in dieser Gruppe, schreibt einen kurzen Totentanz, der Lust auf mehr macht. Etwas dürftig dann Dédicace tardive von Peter Planyavsky. Ein Softpop-Nocturne im Stile Richard Claydermans, das nicht das Niveau dieses doch sonst so originellen Musikers verrät.

Als Höhepunkt der Sammlung darf wohl A personal view on the 4th movement of Liszt’s Dante Symphony von Mathias Rüegg gelten. Auf knappen sechs Seiten peitscht uns der Komponist hier mit Feuer und Witz durch ein Wechselbad von Gefühlen und Stilen. Dem Meister selber hätte das wohl zugesagt!

Liszten to: Hommage to Franz Liszt, Stücke von Johannes Berauer, Rainer Bischof, Bern Richard Deutsch, Johanna Doderer, Peter Planyavsky, Mathias Rüegg, Helmut Schmidinger, Tristan Schulze, Erich Urbanner, Wolfram Wagner, D 01684, € 20.65, Doblinger, Wien 2011

 

Eislers politische Lieder

Noch vor den Ehrungen von Verdi und Wagner hat der Verlag Breitkopf & Härtel die Gelegenheit wahrgenommen, zum 50. Todestag von Hanns Eisler (6. September 2012) einen feinen Band mit 20 Liedern herauszugeben. Bisher war es nicht so einfach, an solches Notenmaterial heranzukommen, während Tonaufnahmen, sogar historische Ersteinspielungen mit dem Sänger Ernst Busch, schon länger verfügbar sind. Das Heft enthält neben bekannten Songs, welche längere Zeit vergriffen waren (wie z. B. das titelgebende Stempellied), verbesserte Editionen (z. B. das Kuppellied aus Brechts Die Rundköpfe und die Spitzköpfe) und sieben Erstdrucke.

Mit seinen politischen Liedern zu Arbeitslosigkeit, Hunger und Krieg traf Eisler den Nerv der Zwanziger- und Dreissigerjahre; die Texte von Brecht, Tucholsky u.a. setzte er kongenial in zündende Musik um. Kein Wunder, dass er als kommunistischer Jude aus Deutschland emigrieren musste. Aber es ist auch kein Wunder, dass er bald nach Kriegsende trotz grosser Erfolge im amerikanischen Filmbusiness wieder nach (Ost-)Deutschland zurückkehrte, zurück in seine

Mark Brandenburg, du sandige,
doch havelwellenbrandige
kartoffelreiche Flur!
Du grunewäldlich föhrige
und stets zu mir gehörige
schlackwurstige Natur!

(Text von Robert Gilbert zu Gruss an die Mark Brandenburg, komponiert im Exil und ebenfalls in dieser Sammlung enthalten).

Songs und Balladen ist eine rundum erfreuliche Ausgabe. Ein ausführliches Vorwort in Deutsch und Englisch von den Herausgebern Peter Deeg und Oliver Dahin gibt Informationen zu Leben und Werk des Komponisten, und die Anmerkungen zu jedem Lied beschränken sich nicht auf Quellenangaben, sondern sind selber kleine Geschichten über Textdichter, Entstehung der Lieder, Interpreten, Aufführungsorte usw., wie etwa die köstliche Beschreibung zu Wenn die Igel in der Abendstunde.

Hanns Eisler, Keenen Sechser in der Tasche, Songs und Balladen für Singstimme und Klavier, hg. von Oliver Dahin, Peter Deeg, DV 9073, € 20.00, Breitkopf und Härtel, Wiesbaden 2012

Bernsteins Ohrwürmer

Der Band Bernstein Broadway Songs vereinigt zwölf Titel von Leonard Bernstein aus West Side Story, 1600 Pennsylvania Avenue, Candide und Wonderful Town. Die fünf Songs aus der West Side Story sind arrangiert von Carol Klose, die übrigen von Rachel Chapin, und zwar als Easy-Piano-Bearbeitungen. Diese geben links einen leichten Bass, im System der rechten Hand die Singstimme oder in den Zwischenspielen leichte melodische Ergänzungen. Über allem stehen in Buchstaben die harmonischen Bezeichnungen, für klassisch geschulte Augen nicht auf Anhieb zu entziffern.

Es handelt sich um einen Nachdruck der Ausgabe von 1957, gut leserlich mit grossem Notenbild. Schön, dass man diese bestens unterhaltenden und stimmfreundlichen Kompositionen aus Bernsteins Feder – wie etwa die Ohrwürmer America oder Maria –wieder kaufen kann. Leider gibt die Edition ausser einem Titelverzeichnis keine Informationen, kein Vorwort und keine Angaben zu den einzelnen Musicals, wie man sie etwa bei den Schirmer- und älteren Hal-Leonard-Ausgaben finden kann.

Leonard Bernstein, Broadway Songs, Easy Piano, hg. von Carol Klose, BHL 24648, € 14.99, Boosey & Hawkes/Hal Leonard, New York 2011

Nein, ein «Kompendium», also ein kurzer Abriss, ist es nicht, das grundlegende Werk zur Gitarrentechnik des renommierten deutschen Gitarristen und Gitarrenpädagogen Hubert Käppel – auch wenn es im Untertitel als solches bezeichnet wird. Die Technik der modernen Konzertgitarre beschreibt die aktuellen Spieltechniken detailliert und umfassend und stellt entsprechendes Übematerial bereit. Käppel bezieht sich unter anderem auf die Standardwerke von Pujol und Carlevaro, in deutscher (Original-)Sprache gab es bis jetzt aber nichts Vergleichbares.

Der erste Teil beginnt mit einigen Gedanken zum systematischen Üben, dann werden ausführlich Haltung und Bewegungsabläufe der linken und rechten Hand besprochen, mit klaren Positionen zu einzelnen Fragestellungen und trotzdem undogmatisch. Auch wenn vielleicht nicht jeder Gitarrist und jede Gitarristin mit jedem Detail einverstanden ist, sind die ausführlichen Anweisungen doch sehr aufschlussreich. Im umfangreichen zweiten Teil geht es um Technik-Übungen. Hier werden am Anfang auf über 40 Seiten alle möglichen Arpeggios ausgebreitet. Auch Bindungen erhalten viel Raum, während die Flamenco-Techniken doch eher am Rande behandelt werden. Im abschliessenden dritten Teil geht es um Fingersätze und einige weitere Themen wie Auswendigspiel oder Lampenfieber. Dass das Stimmen der Gitarre hier und nicht in den Grundlagen am Anfang Platz gefunden hat, ist etwas verwunderlich. Die Übepläne, die von Techniktrainingszeiten von dreiviertel bis drei Stunden ausgehen, zeigen, dass sich das Buch an Studierende und Profis richtet, dass es aber als Lehrwerk an Musikschulen (als das es im Vorwort ebenfalls vorgeschlagen wird) kaum geeignet ist.

Bei aller Systematik schimmern doch immer wieder Käppels jahrzehntelange praktische Erfahrungen als Gitarrist und Dozent durch. Interessant das «Prinzip der vier Handrahmen», bei dem alle Bewegungen der linken Hand auf vier Grundpositionen zurückgeführt werden. Beim Fingersatz der rechten Hand scheut Käppel sich nicht, auch das mehrmals aufeinanderfolgende Anschlagen mit demselben Finger zu propagieren. Trotz des Strebens nach Vollständigkeit gibt es auch einzelne Aspekte, die nicht berücksichtigt werden. So fehlt, zum Beispiel, die Möglichkeit des Daumenanschlags beim künstlichen Flageolett, und auch der Umgang mit Nebengeräuschen bei Lagenwechseln auf tiefen Saiten wird nicht thematisiert.In der Praxis wird das fast 250-seitige A4-Buch wohl eher als Nachschlagewerk denn als Lehrgang eingesetzt werden. Ob es sich zu einem Gitarren-Standardwerk des 21. Jahrhunderts entwickelt, werden wir erst in einigen Jahren beurteilen können.

Hubert Käppel, Die Technik der modernen Konzertgitarre, Detailliertes Kompendium zu den Grundlagen und Spieltechniken der Gitarre im 21. Jahrhundert mit umfassendem, progressiv aufgebautem Übungsteil, € 26.95, Art. Nr. 610425, AMA-Verlag, Brühl 2011

Zwei Hände, zwölf Tasten, Spielfreude und Inspiration, dies braucht es, um Miniaturen zu schreiben, wie es der Pianist und Komponist Thierry Huillet (*1965) mit Treize à la douzaine getan hat. Diese dreizehn Erzählungen, eigentlich Abzählreime, für Klavier (Comptines pour piano) eignen sich hervorragend, Schülerinnen und Schüler der unteren Mittelstufe in neuere Musik einzuführen. Die sehr kurzen Stücke mit Titeln wie Plus loins, Pierrot, Arc-en-ciel oder Larme sind in einer sehr persönlichen Tonsprache geschrieben, und es fehlt ihnen trotz der sparsamen Mittel nicht an Poesie und klanglichem Reiz. «A la douzaine» bezieht sich auf die 12 Töne der Oktave, die oft alle in einem Stück vorkommen. Diese farbige Musik ist ganz vom Klavier her gedacht und hilft durch ihre klaren Strukturen, die Angst vor ungewohnten Klängen und vor vielen Vorzeichen zu nehmen. Als zusammenhängender Zyklus gespielt dauert er fünfeinhalb Minuten. Auch fortgeschrittenere Spielerinnen und Spieler dürften an diesen Stücken Gefallen finden und ich kann sie als kleine Vortragsstücke durchaus empfehlen.

Thierry Huillet, Treize à la douzaine, comptines piano, AL 30 595, ca. € 12.50, Alphonse Leduc, Paris 2011

Charles Ives: A Songbook; bearbeitet für Stimmen und Kammerensemble von Sebastian Gottschick. Jeannine Hirzel, Mezzosopran; Omar Ebrahim, Bariton; ensemble für neue musik zürich. Hat nowART 183

Anna Kaenzig erklärt diesen Einfluss damit, dass ihr Vater in den USA aufgewachsen sei und die Musik in ihrer Kindheit geprägt habe. Inspiriert worden sei sie insbesondere von Sängerinnen wie Emmylou Harris und Bonnie Raitt; auch Joni Mitchell kann man stellenweise heraushören. Der Jazz-Unterricht ist allenfalls noch in ihrem nuancierten Gesang festzustellen, der an die träumerische Phrasierung von Norah Jones erinnert. Die grösstenteils von Anna Kaenzig selbst geschriebenen Songs leben wesentlich von dieser einnehmenden Stimme. Bestechend unangestrengt singt sie ihre Texte, die, zur musikalischen Grundstimmung passend, meist schwebend melancholisch sind und von Fernweh, aber auch von Heimweh handeln. Anna Kaenzig und ihre fünf Begleitmusiker beweisen bei der Umsetzung der filigranen Songs ausgezeichnetes Handwerk.

Anna Kaenzig: Slideshow Seasons. Vertrieb: annakaenzig.com

Anna Kaenzigs Zweitling ist bis ins Detail schön ausgearbeitet – und mag deshalb etwas brav wirken. Jedenfalls im Vergleich zum Debütalbum von JJ & Palin, dem Projekt von Sarah Vieth und Hans-Jakob Mühlethaler. Die beiden greifen auf Meanwhile In Kolin auf allerlei Retro-Elemente von Folk über Blues bis zu Gospel zurück. Sie tun dies aber nicht nostalgisch verbrämt, sondern höchst eigenwillig und manchmal mit einem Augenzwinkern. Mit allerlei Instrumenten schaffen sie so eine kratzbürstige und immer wieder überraschende Klangkulisse, die dem Gesang von Sarah Vieth stets viel Raum lässt. Zu Recht, denn die 25-Jährige fasziniert mit einem riesigen Ausdrucksspektrum.

JJ & Palin: Meanwhile In Kolin. Vertrieb: irascible.ch

Historisch informierte Aufführungspraxis ist im Konzertleben angekommen. Fast jedes Festival, fast jeder Konzertveranstalter integriert heute Ensembles mit Alter Musik in die Programme. Noch immer ausgesprochen selten anzutreffen ist jedoch die Improvisation. So selbstverständlich sie über Jahrhunderte hinweg praktiziert wurde, so kurios mutet heute das freie Spiel mit Stilkopien an. Die diesjährigen Studientage Improvisation an der Schola Cantorum Basiliensis widmeten sich diesem Thema unter dem vieldeutigen Oberthema Concerto.

Improvisation – und damit verbunden vor allem Improvisationslehre – sei schon lange ein wichtiges Thema an der Schola gewesen, sagte der seit Januar diesen Jahres amtierende Leiter Pedro Memelsdorff in seiner Begrüssungsansprache. Er attestierte der Schola gar die weltweite Führung in diesem Bereich. Und verwies auf die vielen Anknüpfungspunkte zu anderen Wissenschaften, die eine Beschäftigung mit den Begriff der Improvisation bietet: Schrift und Gedächtnis, Text und Subtext, fixierte und fixierbare Ereignisse, Wahrnehmung der Zuhörer aus vergangenen Zeiten.

Schola-Dozent Sven Schwannberger richtete den Fokus auf das diesjährige Oberthema Concerto. Da alle heutigen Verwendungen des Begriffes – Instrumentalkonzert, ritualisierte (Live-)Aufführung, Titel eines Gemäldes – im 16. und 17. Jahrhundert nicht gebräuchlich waren, suchte er im historischen Umfeld und fand mannigfaltige Wortbedeutungen: Etienne Mouliniés (1599–1676) Concert des différents oiseaux bezeichnet die Übernatürlichkeit und die affektiv-tröstende Wirkung des Gesangs als «Concerto», Michael Praetorius verstand das «con-certare» als Scharmützeln zweier Kontrahenten, als «con-centus«, als gemeinsames Singen findet sich der Begriff schliesslich auf zahlreichen Titelblättern. Häufig wurden Werke, in denen mehrere instrumentale und vokale Stimmen agieren, als «Concerto» bezeichnet; ab 1761 schliesslich auch einen ganzer Klangkörper: das Orchester.

Der Blick in die Werkstatt …
Wie so oft, und das macht die wissenschaftlichen Veranstaltungen der Schola Cantorum Basiliensis so anschaulich, folgte den etymologischen Ausführungen ein Blick in die Werkstatt. Schwannberger zeigte, wie man solche Erkenntnisse im Unterricht nutzen kann. Er improvisierte mit seinen Schülern, einem Sänger und zwei Violinisten, ad hoc auf der Bühne: musikalisch im Stile Frescobaldis, in der Form an einem Concerto Monteverdis orientiert – und mit herrlich frischem Klang.

Einen solchen Workshop, in dem musikalische Darbietung und wissenschaftlicher Vortrag kunstvoll verbunden werden, hielten unter anderem auch Markus Schwenkreis (zu konzertanten Bausteinen in italienischen Partimenti), Rudolf Lutz (zu Ritornell und Episode in den Klavierkonzerten Wolfgang Amadeus Mozarts) und Dirk Börner. Letzterer unternahm den Versuch, Johann Sebastian Bachs Bearbeitungen vivaldischer Concerti als Improvisationsanweisung zu lesen. Seine Analyse legte die Bausteine der Komposition offen, sein Spiel setzte sie improvisierend wieder zu neuer Musik zusammen – ein eindrückliches Schauspiel praktischer Musikforschung.

… auf den musikalischen Wettstreit …
Dem Concertieren im lateinischen Wortsinn, dem musikalischen Wettstreit, widmete sich schliesslich Arthur Godel in seinem durch Rudolf Lutz musikalisch unterstützten Vortrag. Godel erinnerte an prominente Streitereien in der Musikgeschichte – etwa den Buffonistenstreit in Frankreich, den Disput zwischen Wagner und Brahms – und fragte nach dem heutigen Ort musikalischen Streitens. In der Komposition sei man heute bei einem «anything goes» angekommen; der musikalische Wettstreit habe sich auf die Ebene der Interpreten und des Starkults verschoben.

… und in die Zukunft
Der abschliessende runde Tisch mit allen Vortragenden stellte jedoch noch einen anderen Ort des Streitens fest: den Wettstreit der Improvisation mit den etablierten Strukturen der Musikerausbildung. Hier stünden noch immer der Interpret und das von ihm interpretierte Werk im Vordergrund, Improvisation und Stilkopie würden als zweitrangig angesehen. Doch wie kann man diese Strukturen, die in der Alten Musik einen Anachronismus darstellen, aufbrechen? Es brauche Hauptfachlehrer, die selbst in ihrer Ausbildung erfahren hätten, wie befruchtend Improvisationsunterricht für das eigene Spiel sei, so die einhellige Meinung. Und: Auch im Bereich der allgemeinen Musikschulen müsse Improvisation angeboten werden. Denn nur wer sie von klein auf als selbstverständliche Art des Musizierens erlebe, könne sich ohne Scheuklappen auf das schwierige Terrain wagen.
 

Otto Nicolais Die lustigen Weiber von Windsor ist eigentlich eine grosse Oper für rund zehn Solisten, Chor und Ballett. Hier wird sie reduziert und gekürzt. Statt des Orchesters kommt das Klavier zum Einsatz. Übrig bleiben die drei für die Intrige zentralen Rollen: Frau Fluth, Frau Reich und Sir John Falstaff. Drei Studentinnen und Studenten von Barbara Locher an der Hochschule Luzern – Musik haben sich dieses Stück auf Mass geschneidert und erproben so ihr sängerisches und schauspielerisches Geschick.

Auch in der extrem verknappten Form birgt die Geschichte um den dicken und verarmten Sir John Falstaff, der es wagt, zwei gewitzten, verheirateten Damen den gleichen Liebesbrief zu schreiben, viele komödiantische Möglichkeiten.

Besetzung: Rebekka Bräm, Sopran; Eva Herger, Alt; Alexandre Beuchat, Bass; Stefka Rancheva, Klavier; Andrew Dunscombe, Regie

Die Aufführungen finden am 25 April 2013 im BLVD Zürich, am 27. April in der Kächschür Oberdorf, Solothurn, und am 4. Mai in der Aula Reussbühl, Luzern, statt.

 

Die Wanderausstellung wachsen – verankern – leuchten begleitet das Aargauer Symphonie Orchester während seiner ganzen Jubiläumssaison. Fünf Dreieckstürme beleuchten die Geschichte des Orchesters und damit auch das Musikleben des Kantons Aargau.

Sibylle Ehrismann und Verena Naegele, die Kuratorinnen der Wanderausstellung, haben viele überraschende Anekdoten und interessante Details zur Geschichte des Orchesters zusammengetragen. So hat zum Beispiel schon der Star-Geiger Nigel Kennedy als junges Talent zusammen mit dem Aargauer Symphonie Orchester gespielt.
Neben einem Überblick auf die verschiedenen Zeitabschnitte und ihre jeweiligen Chefdirigenten zeigt die Ausstellung die Entwicklung des Ensembles vom Musiklehrer-Orchester zum national bedeutenden Klangkörper und kulturellen «Leuchtturm» des Kantons Aargau.

Die Ausstellung ist seit September letzten Jahres unterwegs und nun vom 4. April bis 26. April in der Schalterhalle der Aargauischen Kantonalbank im Hauptsitz in Aarau zu besichtigen.

www.aso-ag.ch
 

Das Musical basiert auf dem Weltbestseller «Alice im Wunderland» und der Biografie des Autors Lewis Carroll, der mit seiner Geschichte eine bis heute faszinierende Reise in surreale Welten beschrieb. Oft als Kinderfiguren missverstanden, sind die Gestalten des Romans – das weisse Kaninchen, die Schachkönigin oder Humpty Dumpty – verstörende Bewohner eines absurden Traumlands, durch das die Protagonistin auf der Suche nach dem Sinn im Unsinn irrt.

«An odyssey in dream and nonsense» nennt der Komponist selbst diesen Trip, für den er eine Waits-typische Mischung aus melancholischen Jazz-Balladen und rauer Rhythmik erfand. Die Schweizer Erstaufführung ist am 28. März um 19.30 Uhr im Theater Luzern.

Weitere Aufführungen: 5.4., 14.4., 18.4., 20.4., 22.4., 26.4., 19.5., 6.6. und 16.6.2013
 

Im Rahmen seiner Jahrespresse­konferenz hat der BVMI in Berlin bekanntgegeben, dass mittlerweile ein Fünftel der durch Musikverkäufe generierten Umsätze auf das Konto von Downloads oder dem Streaming von Musik gehen.

Der Gesamtmarkt hat nach der 2011 begonnenen Stabilisierung einen leichten Dämpfer erhalten: Insgesamt sind die Umsätze aus Musikverkäufen um 3,2 Prozent auf 1,44 Milliarden Euro zurückgegangen. Grund hierfür war neben einem erneuten Rückgang im physischen Geschäft (-7,7 Prozent) ein überraschend schwaches viertes Quartal.

Die Einnahmen aus dem digitalen Geschäft (294 Millionen Euro) haben mit einem Anteil von 20,5 Prozent im letzten Jahr einen bisherigen Spitzenwert erreicht. Rund 8,4 Millionen Menschen haben in 2012 Downloads gekauft, der Downloadumsatz kletterte um 24,4 Prozent auf etwa eine viertel Milliarde Euro.

Mehr als die Hälfte dieser Umsätze (55 Prozent) gehen auf das Konto von Musikalben, die auch im digitalen Zeitalter die zentrale Währung im Musikgeschäft bleiben. Insgesamt 112 Millionen Alben wurden 2012 verkauft, davon jedes sechste (17,5 Millionen) digital.

Rohrer lebt seit neun Jahren in Berlin und gehört zu den gefragtesten europäischen Jazzschlagzeugern. Er hat mit Wolfert Brederode, Colin Vallon und Malcom Braff gespielt, aber auch mit dem Klarinettisten Claudio Puntin oder der Sängerin Susanne Abbuehl.

Beim BMW Welt Jazz Award tritt er mit einer Formation an, die er zusammen mit dem Saxophonist Daniel Erdmann leitet. Die weiteren Mitglieder sind der Cellist Vincent Courtois und der Gitarrist Frank Möbus.

Der Schlagzeuger Ari Hoenig präsentiert ein New Yorker Quartett mit Gilad Hekselman an der Gitarre, Tivon Pennicott am Saxophon und Orlando le Fleming am Bass.

Der erste Preis des Wettbewerbs ist mit 10’000 Euro dotiert, das zweitplatzierte Ensemble erhält eine Prämie in Höhe von 5000 Euro.

Mollet war Sekretär des Verwaltungsrats und Mediensprecher der Schweizerischen Volksbank und massgeblich verantwortlich für die Umwandlung des Finanzinstitutes von einer Genossenschaft in eine Aktiengesellschaft.

Danach hat er während drei Jahren die Ressortleitung Unternehmenskommunikation der Credit Suisse übernommen, wo er unter anderem die kommunikative Führung der Reorganisation der Bank innegehabt hat. Schliesslich wechselte er zur Schweizerischen Post als Leiter Kommunikation und Mitglied der erweiterten Konzernleitung.

Mollet ist an der Einführung der neuen Postgesetzgebung in erheblichem Masse beteiligt gewesen. Nach zwölf Jahren hat er die Post verlassen. Zwischenzeitlich hat er verschiedene Beratungsmandate im Kommunikations- und Governancebereich wahrgenommen.

Daniel Mollet wird seine neue Aufgabe als Generalsekretär im Departement Bildung, Kultur und Sport des Kantons Aargau per 8. April 2013 antreten.