Seinen Siegeszug begann das 1846 patentierte, vom Belgier Adolphe Sax erfundene Saxofon erst mit dem Aufkeimen des Jazz in der US-amerikanischen Musikmetropole New Orleans. In der Folge betitelte es der deutsche Musikkritiker Alfred Baresel bereits 1929 als «wichtigstes Melodie-Instrument des Genres». Zwei neue Veröffentlichungen belegen, dass es längst auch in anderen Bereichen zentral ist.

Die Spur führt zunächst zu Klapparat, die sich 2021 umformiert haben und seither nicht mehr als Sextett, sondern als Quintett mit vier Saxofonen und Schlagzeug unterwegs sind. Ihr aktuelles Album Orbit zeigt auf, dass sich die mehrheitlich aus Bern stammende Formation nicht nur umbesetzt, sondern auch neu ausgerichtet hat: Zwar haben es Klapparat schon früher verstanden, sich mit findigen Improvisationen und grollendem Streetjazz hervorzutun. Jetzt sind sie mit ihrem Schaffen jedoch auf einem neuen Level angelangt. Nicht zuletzt, weil es sich als kluger Schachzug erwiesen hat, ihren Sound mittels eines Tubax – ein Basssaxofon – anzureichern. Dieses sorgt für besonders tiefe Töne, und zwar solche, die knarren und brummen. Das Resultat sind Tracks wie Lydische Leiden, das sich zwischen Elegischem und Vertracktem austobt, oder auch wie Abendlicht, das sich nach und nach als Drama zu erkennen gibt. Zu den weiteren Highlights zählen das freimütig swingende Part 3 und Fields – eine feinschichtige Nummer, die mit kontinuierlich variierenden Stimmungsbildern aufzutrumpfen weiss. Songs wie die genannten verdeutlichen, dass Klapparat mit Orbit ein verspieltes, dynamisches und zugleich innovatives Werk gelungen ist.

Corona hat manches verhindert, bisweilen jedoch auch Neues begünstigt: Während dem Lockdown suchte die Münchner Sängerin Stefanie Tornow nach Möglichkeiten, ihre Projekte zu proben und landete dabei auf JamKazam, einer Internet-Plattform für Jamsessions. Dort tummelte sich auch Beat Baumli – ein an der Swiss Jazz School und am Berklee College of Music ausgebildeter Gitarrist. Nachdem sich die beiden im Rahmen einer Onlinesession kennengelernt hatten, beschlossen sie alsbald, gemeinsame Sache zu machen, und mittlerweile liegt ihr Debüt The Night Has A Thousand Eyes vor. Auf diesem Album gilt ihr Fokus insbesondere dem Great American Songbook, aber auch Bossa-nova-Klassikern wie «Berimbau». Das schweizerisch-deutsche Duo ist nicht etwa darauf aus, das Rad neu zu erfinden, was das Klangspektrum angeht, sondern, die insgesamt 16 Songs mit möglichst persönlicher Note zu versehen – dies mit einem Sound, der sich zugleich ruhig, entspannt und beschwingt präsentiert.

Während sich der Titeltrack in der 1964er-Version von John Coltrane noch dicht und dringlich zeigte, wirkt dieser in der Bearbeitung von Tornow und Baumli anschmiegsam, leichtfüssig und als Hohelied auf die turbulente Welt der Gefühle. Die Eigenkomposition Chasin’ Wes entpuppt sich derweil als fingerflinke Hommage an den Gitarristen Wes Montgomery, der zu Baumlis Vorbildern zählt. Und Moon River von Henry Mancini, ein weiteres Cover, wird durch das Duo von jeglicher Sentimentalität befreit, wodurch die Melancholie der Melodie an Kontur gewinnt.

Geprägt wird das Album von der samtgleichen Stimme der Sängerin und dem einfühlsamen Gitarrenspiel ihres Kompagnons. Dass sich auf der Platte nur ein einziges, wenngleich überaus gekonntes und stilvolles Stück aus ihrer Feder findet, mag ein kleines Manko sein. Zugleich lässt das Werk jedoch spüren, dass in dieser Zusammenarbeit noch viel Potenzial steckt. Entsprechend gespannt darf man sein, was das Duo zukünftig an gemeinsamen Liedern austüfteln wird.

Der rührige Leiter der Musikinstrumentensammlung Willisau, Adrian Steger, und der Organist Zeno Bianchini haben einen Tonträger erarbeitet, der sich unscheinbar präsentiert, aber für Organologen und Musikhistoriker ein Kleinod sein dürfte. Bianchini ist in Stockach (Baden-Württemberg) tätig. In der dortigen Loreto-Kapelle befindet sich ein Positiv von Johannes Christophorus Pfleger (1602–1674). Diese Orgel ist zusammen mit dem Pfleger-Regal von 1644, das heute in Willisau zu sehen ist, das einzige überlieferte Instrument des bedeutenden Orgelmachers aus Radolfzell (Bodensee) und Thann (Elsass).

Das original erhaltene Regal wurde für das Kloster Frauenthal (Kanton Zug) erbaut und laut einer Notiz von 1688 im Tagebuch der Äbtissin Verena Mattmann zur Begleitung des gregorianischen Chorals verwendet. Der Luzerner Instrumentensammler Heinrich Schumacher (1858–1923) kaufte das Pfleger-Regal von den Zisterzienserinnen und stellte es mit anderen Musikinstrumenten in Hotelhallen aus. Später kam die Sammlung Schumacher ins Richard-Wagner-Museum nach Tribschen und 2010 nach Willisau. Erstmals wurde dieses spielbare Zungeninstrument aus dem 17. Jahrhundert nun auf einem Tonträger dokumentiert. Bianchini spielt abwechselnd auf beiden Instrumenten Werke von Frescobaldi, Ferrini, Froberger, Buxtehude und anderen italienischen und deutschen Komponisten des 17. Jahrhunderts.

Das Regal war vor vierhundert Jahren in Haus und Kirche beliebt. Unsere Ohren aber müssen sich an den speziellen Klang zuerst gewöhnen. Er erweitert unsere Vorstellung von vorbarocker Musik.

Keinen Synthi-Piep lang käme der Verdacht auf, dass to hell with ewigkeit wie so viele andere Alben der letzten Monate ein ferngesteuertes Lockdown-Opus ist. Im Gegenteil, die Rhythmen fahren ins Bein wie der Rote Pfeil und die lakonischen Gesänge von himself, dem King Pepe, sind kein bisschen weniger lakonisch, melancholisch und träf geraten als diejenigen auf seinen früheren Werken. Das Album entstand praktisch ganz im Distance-Recording-Verfahren. «Also Spuren aufnehmen und einander schicken und wieder zurückschicken etc.», schreibt Simon Hari, die fleischliche Manifestation der exzentrischen Musenfigur King Pepe, per E-Mail. «Später wäre dann der gemeinsame Gang ins Studio möglich gewesen, aber wir fanden die Distance-Aufnahmen toll und sagten: Komm, das machen wir jetzt so fertig!» Zuvor hätten die Abläufe mehr Zeit beansprucht. «Normalerweise würde mä im Studio sagen: Hei, lass uns dieses Chörli noch mal anders probieren, so chli cheesy, so chli abglöschter oder was weiss ich. Hier erfolgte diese Rückmeldung dann per Mail oder Telefon, und es dauerte halt wieder zehn Tage, bis eine neue Version vorhanden war.»

Ironischerweise hatte Hari sein letztes Album Karma OK ganz im Computer zusammengebastelt, um es danach mit dem Co-Produzenten Rico Baumann in mühsamer Kleinarbeit «zum Leben zu erwecken». Diesmal waren nebst Baumann (Schlagzeug, Tasten) auch Sibill Urweider (Tasten, Stimme), Jeremias Keller (Bass, Stimme), Giulin Stäubli (Drums) und Tontechniker Sander Wartmann zugegen, allerdings eben in ihren «jeweiligen Daheims» (wie es auf dem von Haris neunjährigem Sohn gezeichneten Cover heisst). Hari selber hat zusätzlich zu seinen oft lapidaren, aber mit allerhand Doppel- und Triple-Böden gespickten berndeutschen Texten Gitarre, Klavier, Trompete und Piccolo beigesteuert. «Ich fand es eindrücklich», berichtet er, «wie easy bei echt gespielter Musik Leben hineinkommt. Da kriegst du gratis das volle Leben. Durch all die Veler, die komischen Sachen! Das ist schön! Selbst wenn es nicht im selben Raum aufgenommen wird!»

To hell with ewigkeit beginnt mit einem Knüller, nämlich dem Titelstück. Da blubbert und sirrt der Synthi fast wie in den Achtzigerjahren, Perkussion und Drums galoppieren daher wie Pferde. Derweil beklagt King Pepe sein tannhäuserhaftes Schicksal: Umgeben von ätherisch tanzenden Engeln, die ständig nur doof lächeln, sitzt er im Himmel und langweilt sich tödlich. Das Neonlicht blendet endlos und die Engelsmusik kommt ausschliesslich in C-Dur daher. Mit seinem psychedelisch variierten Giorgio-Moroder-Groove gemahnt auch das sardonische Geit scho an frühere Epochen und schreit förmlich nach einer elfminütigen «Extended Disco Mix»-Maxi-Single. Hei Mond ist eine fernwehhafte Ode an den kränkelnden Himmelskörper: «Mier geits mängisch äänlich, nimm’s bitte nid so schwär.» Fingiguet ist eine minimalistische Hymne ans allgemeine «Gutfinden» und Stoubsuger ein träumerisch gecroontes Liebeslied mit fulminanter Klimax. Verspielt, vielseitig, ironisch, ein bisschen verschroben, aber auch von tiefem Ernst beseelt – grandios.

king pepe & the queens,to hell with ewigkeit, Big Money Records

Seine Musik hat Witz, lebt von sprudelndem Einfallsreichtum und rhythmischer Raffinesse: Die Rede ist von Jean Françaix, einem Unikum des 20. Jahrhunderts. Der 1912 in Le Mans geborene französische Komponist war alles andere als ein Avantgardist, seine Musik orientiert sich an Strawinskys Neoklassizismus, verinnerlicht aber auch die Eleganz und Finesse eines Francis Poulenc und generell der Groupe des Six. Bis zu seinem Tod 1997 in Paris blieb Françaix seiner Linie treu.

Schaffte er den internationalen Durchbruch 1936 in Baden-Baden auch mit einem Concertino für Klavier und Orchester, so zeichnet ihn besonders sein umfangreiches Œuvre für Bläser aus. Einer weiten Verbreitung seiner unterhaltenden Bläsermusik steht wohl vor allem ihre ungewöhnliche Besetzung entgegen. Exemplarisch seien hier seine an sich bekannten Neuf pièces caractéristiques genannt, die für zehn Blasinstrumente komponiert und daher kaum im Konzertsaal zu hören sind.

Dem schafft nun die Bläsergruppe des Orchestre de chambre de Lausanne unter der Leitung von Nicolas Chalvin wenigstens auf CD Abhilfe. Da staunt man über die rhythmische Akkuratesse im motorischen Ablauf des einleitenden Presto und die Tiefgründigkeit des nachfolgenden, elegisch-charmanten Amoroso. Es ist ein starkes Plädoyer für eine beim Publikum wenig bekannte Musik.

Klug aufgebaut ist die Programmabfolge, die sinnigerweise mit einer Musique pour faire plaisir von Poulenc-Françaix beginnt, womit man sich gleich mittendrin in diesem raren, witzig-eloquenten «Musikidiom» mit je zwei Flöten, Oboen, Klarinetten, Fagotten und Hörnern befindet. Viele der vorgestellten Stücke sind Bearbeitungen, wie drei Écossaisen von Chopin oder der Cortège burlesque von Chabrier.

Die Einspielung endet mit Trois marches militaires von Schubert-Françaix, die zuweilen an Bläserserenaden der Frühklassik erinnern, aber auch etwas langfädig wirken, obwohl das Ensemble sich stilsicher für die Stücke einsetzt. Als Vorbehalt sei angemerkt, dass für ein nicht ausschliesslich bläseraffines Publikum die meist nicht länger als zwei Minuten dauernden «Miniaturen» ermüdend wirken können.

Eltern müssen ja sein, sind aber nicht immer die besten Ratgeber. Da gibt es Helikopter-Väter und -Mütter, da gibt es Bedenkenträger und Sorgenmacher, die ihren Kindern schon mal eigene Erfahrungsräume nehmen. So etwas fällt einem ein, wenn man die wunderbare CD Struwwelpeter – eine (haarige) Geschichte hört. Geschichte und Musik haben vier Mitglieder des Kammerorchesters Basel schon oft in Klassenzimmern gespielt.

1845 kam das Kinderbuch Struwwelpeter des Psychologen Heinrich Hoffmann auf den Markt. Ursprünglich dachte Hoffmann an ein Weihnachtsgeschenk für seinen dreijährigen Sohn. Doch siehe da: Schon bis zum Tod des Autors verkaufte sich das Buch 950 000 Mal und wurde zu einem Evergreen. Wer kennt sie nicht, die teils grausamen Geschichten vom Suppenkasper, vom Hanns Guck-in-die-Luft oder vom Daumenlutscher?

Eva Miribung (Violine), Georg Dettweiler (Violoncello), Konstantin Timokhine (Horn) und Jan Wollmann (Trompete) erzählen nicht nur. Geschmackssicher wählen und spielen sie auch die Musik: Zur Geschichte vom bösen Friederich tönen Ausschnitte des düsteren Cellokonzerts von Dmitri Schostakowitsch. Die Geschichte von den schwarzen Buben begleiten augenzwinkernde Reggae- und Ska-Rhythmen. Zum Zappel-Philipp intoniert das Quartett kammermusikalisch bearbeitete Passagen aus Richard Strauss‘ Till Eulenspiegels lustige Streiche.

Eltern und ihre Ermahnungen kommen auf der CD gar schlecht weg. Da guckt der Hanns zwar in die Luft, aber die Eltern – auch nicht besser – stur auf ihre Handys. Zumindest sagen das die Kinder, die auch zu Wort kommen. Ihre erfrischenden Kommentare zeigen, dass die Eltern sich mal keine Sorgen zu machen brauchen über potenzielle Grausamkeit der Geschichten. Einem Vierjährigen sollten sie sie vielleicht nicht zum Einschlafen auflegen. Aber für alle Kinder von der ersten bis vierten Klasse ist es eine tolle, vor allem auch musikalisch lehrreiche CD. «Unheimlich, aber aufregend», kommentiert ein Mädchen Die gar traurige Geschichte mit dem Feuerzeug.

Drei Klarinettisten und ein Pianist haben im vergangenen Jahr aus der Corona-Not eine Tugend gemacht und ein Konzert mit Werken von vier Schweizer Komponisten aus der Romantik bis in die Gegenwart auf CD eingespielt. Das ist ausserordentlich unterhaltsam und anregend zu hören, weil sie sechs verschiedene Instrumente der Klarinettenfamilie benutzen, hinzu kommt in drei Stücken noch ein Klavier. Und: Alle Musiker sind Meister ihres Fachs.

Schon das erste Werk, Fantasie und Capriccio op. 13 für Klarinette und Klavier des vergessenen Romantikers August Walter, nimmt gefangen: Die Fantasie erinnert an Carl Maria von Weber, das Capriccio an Schumann. In dieser Erstaufnahme werden sie vorgestellt durch Bernhard Röthlisberger (Klarinette) und Benjamin Engeli (Klavier).

Röthlisberger spielt auch den wunderschönen Canto für Bassklarinette (2012) von David Philip Hefti (*1975), wo Mehrklänge erscheinen, die an mittelalterliche Mehrstimmigkeit erinnern. Wie Hefti gekonnt barocke Elemente mit zeitgenössischen verbindet, zeigt sein verinnerlichtes Trio Counterpoints on Come, Sweet Death (2000, nach Bachs Choral Komm, süsser Tod), sensibel interpretiert von Röthlisberger, Nils Kohler und Ernesto Molinari. Zwei Bassklarinetten im Dialog lassen Röthlisberger und Kohler in Heftis (T)raum-Ze(n)it (2008) erklingen, dessen komplex verschachtelter Titel schon andeutet, worum es dem Komponisten hier geht: um die Verbindungen von Raum und Zeit, die bis zu irrealen Traumbildern führen können.

Othmar Schoecks Andante Es-Dur WoO 35 für Klarinette und Klavier stellen Röthlisberger und Engeli als Erstaufnahme vor. Erstaunlich, dass ein solch faszinierendes Werk von 1916 so lange warten musste, bis es eingespielt wurde. Zum Repertoire gehört dagegen Schoecks Sonata op. 41 für dieselbe Besetzung aus dem Grenzbereich zwischen Spätromantik und erweiterter Tonalität, vorzüglich interpretiert.

Der Berner Komponist Jean-Luc Darbellay (*1946) ist mit zwei charakteristischen Werken vertreten: Sentences, 2009 als Pflichtstück für den Concours National d’Exécution Musicale de Riddes entstanden und 2020 für Bassettklarinette bearbeitet, neun teilweise sehr kurze Stücke, die zum Nachhören und Nachdenken über Musik anregen. Das Gleiche gilt für Darbellays Chant d’adieux (1998), den er als Klarinettist mit seiner Frau Elisabeth auf der Wartburg bei Eisenach uraufführte: wunderbar ruhige, zarte Musik, die man gerne immer wieder hören möchte.

«Never waste a good crisis» – mit diesem Churchill-Zitat antwortete einer der mitwirkenden Musiker, als der holländische Jazzgeiger Tim Kliphuis ihn für diese Produktion mit seinem Trio (mit Nigel Clark, Gitarre, und Roy Percy, Kontrabass) anfragte. Das Projekt entstand während des ersten Lockdowns im Frühjahr 2020, als sich die Agenden der Musiker leerten und alle ihre Auftritte abgesagt wurden. Produziert wurde das Album in Studios in den Niederlanden, Irland und Schottland, weitgehend im Playback-Verfahren. The Five Elements ist eine Reflexion über den Umgang mit unserem Planeten und ein Ausdruck der Hoffnung, die Erde für uns und unsere Nachkommen als Lebensraum erhalten zu können. Das fünfte Element, die «Quintessenz», steht für die Kultur, hier vor allem die Musik, welche unser Innerstes erreicht und uns lehrt, in Harmonie mit unserer verletzlichen Umwelt zu leben.

Wer dieses Programm als esoterischen Kram abtut, verkennt das ehrliche Engagement der beteiligten Musiker und ihre hohe Professionalität. Mit dem Vokabular des Jazz, der Minimal Music und klassischen Elementen ist eine Musik entstanden, welche die Hörer über ihre ganze Dauer fesselt. Ostinate Tutti-Stellen stehen im Wechsel mit fantasievollen Solos und fetzigen Riffs. Tim Kliphuis, in der Schweiz auch als begeisternder Pädagoge bekannt durch seine Workshops bei ESTA, ZHdK, Konsi Bern und Swiss International Music Academy, bewegt sich in diesem Crossover-Bereich sehr gekonnt und entdeckt immer wieder neue Wege, Klassik, Jazz und World Music zu anregenden Kompositionen zu verbinden. Dass er ein virtuoser Geiger ist und sich mit ebenso hervorragenden Musikern umgibt, bringt seine musikalische Botschaft erst recht über die Rampe. Das Stück Threnody (Klagelied) ist eine Improvisation über Bachs Chaconne mit Streichquartett, die dem Original im Wesentlichen folgt und es immer wieder neu reflektiert, dies in einem mehrheitlich barocken Stil. Auch hier wird virtuos und blitzsauber gespielt.

«Tradition ist nicht die Anbetung der Asche, sondern die Weitergabe des Feuers.» – Ein Zitat, das neben Thomas Morus auch Gustav Mahler zugeschrieben wird. Auf dem Coverbild der Ersteinspielung von Joseph Laubers Sinfonien Nr. 1 und 2 ist der Schweizer Komponist abgebildet, wie er mit einer Heugabel Zweige auf ein Feuer nachlegt. Dirigent Kaspar Zehnder hat Laubers sinfonisches Werk in der Universitätsbibliothek Lausanne entdeckt und nun mit seinem Sinfonieorchester Biel Solothurn eine auch technisch vorbildliche Aufnahme (Tonmeister: Frédéric Angleraux) beim neuen Label Schweizer Fonogramm vorgelegt. Im Laufe des Jahres werden noch zwei weitere Alben mit den Sinfonien Nr. 3 bis 6 folgen. Keine Asche wird hier ausgegraben, sondern lodernde Glut. Joseph Lauber (1864–1952) zeigt sich in den 1895/96 entstanden Sinfonien zwar nicht als Erneuerer, aber sein Umgang mit der Tradition hat durchaus eine eigene Ausprägung.

Musikalisch orientiert an seinen Lehrern Joseph Rheinberger und Jules Massenet, verbindet er deutsche Spätromantik mit französischem Raffinement in der Farbgestaltung. Eleganz, feine Differenzierung und eine eher flächige Anlage kennzeichnen seine Sinfonik. Und gelegentlich auch Schweizer Lokalkolorit, wenn er die erste Sinfonie mit einer zweistimmigen Alphornmelodie in den Hörnern beginnen lässt, die zwei Flöten als Echo wiederholen und sinfonisch weiterführen. Viele lyrische Ruhepunkte entfaltet die erste Sinfonie, der es an echter Dramatik fehlt. Der warme Streicherklang des Sinfonieorchesters Biel Solothurn wie im feinen Unisono-Beginn des Andante espressivo ist die Grundlage von Zehnders schlüssiger Interpretation. Agogische Flexibilität und dynamische Nuancierung sind weitere Qualitätsmerkmale. In den schnellen Repetitionen wie im Finale schaut auch Felix Mendelssohn um die Ecke. Die zweite Sinfonie in a-Moll verbindet zauberhafte Themen, etwa im Kopfsatz, mit grösseren dramatischen Entwicklungen. Das Andantino, quasi Allegretto erinnert in seiner süsslichen Melancholie an Antonín Dvořák. Böhmen in der Schweiz – auch das ist in Joseph Laubers Musik zu entdecken.

Büchelbox. Balthasar Streiff und Yannick Wey. Zytglogge, EAN 7611698043694

Das Notenbuch zur CD ist beim Müllrad-Verlag in Altdorf erschienen (Art.Nr. 1064, Fr. 34.00).

Luciano Berio war ein Ausnahmekomponist. Schon in den 1960er-Jahren machte er Furore mit seiner «offenen Ästhetik», die zu solch einem Schlüsselwerk wie der Zitatkomposition Sinfonia (1968/69) führte. «Ich leihe mir Zitate aus dem Museum», sagte er einmal, «und vermische sie mit meiner eigenen Musik.» Die vom Sinfonieorchester Basel unter der Leitung von Ivor Bolton eingespielte CD mit dem schlichten Titel Transformation bietet nun besondere Einblicke. In der Tat ist Berio «offen» – offen für Johann Sebastian Bach, für Gustav Mahler, aber auch für Beatles-Klassiker wie Michelle, Ticket to Ride oder Yesterday.

Lange könnte man streiten über die Begriffe Bearbeitung, Orchestrierung oder Instrumentation. Berio jedenfalls betreibt keine Avantgarde-typische Dekonstruktion bei seinen Umgestaltungen. Bachs Contrapunctus XIX aus der Kunst der Fuge bettet er in ein warmes Holzbläser-Arrangement. Elegant kommen die Stimmen nun daher, nicht in jener «Röntgenblickshärte», die der strukturell orientierten Schönberg-Schule noch am Herzen lag. Berio zeigt sich auch in anderen Adaptionen von einer undogmatischen, ganz lustvoll-musikalischen Seite. Das feurige Spanien spiegeln die Transkriptionen von Manuel de Fallas Siete Canciones populares Españolas wider. Ungeheuer klangsensibel orchestriert er die zuweilen forschen, manchmal auch sehr intimen Lieder, wobei er die Partie des Mezzosoprans unberührt lässt.

Wie locker aus dem Ärmel geschüttelt klingt die Sonate op. 120 No. 1 für Klarinette (oder Viola) und Klavier, 1894 geschrieben von Johannes Brahms. 1986 orchestrierte Berio die fünfsätzige Kammermusik zu einer veritablen romantischen Sinfonie. Als schräg-lustige Gelegenheitswerkchen muss man wohl die Beatles-Adaptionen einordnen. Einen schönen Zirkelschluss jedoch bilden die seltsam barocken, ganz im Sinne der Brandenburgischen Konzerte gedachten Beatles-Klassiker. Es ist wohl mehr Privatsache als ein besonderer Beitrag zur hehren Musikgeschichte. Cathy Berberian, die amerikanische Sängerin und damalige Frau von Luciano Berio, war «crazy about the Beatles» – warum also kein barocker Liebesgruss mit «I love you, I love you, I love you» aus Michelle? Nun, alles in allem eine erfreuliche Doppel-CD, die übrigens auch beim Kochen schmeckt.

Als Theorie- und Kompositionslehrer prägte er mehrere Musikergenerationen der Schweiz, als Autor von Chorwerken hat er Bleibendes geschaffen; seine nicht minder eigenständige Kammermusik muss erst wieder entdeckt werden: Paul Müller-Zürich (1898–1993) war ein begnadeter Pädagoge und als Komponist ein Meister des Kontrapunkts. Davon zeugen bereits seine Frühwerke für Streichinstrumente.

In Zürich, Paris und Berlin u. a. von Philipp Jarnach und Volkmar Andreae ausgebildet und mit der Musik seiner Zeitgenossen vertraut, distanzierte er sich von der Avantgarde, um sich lieber an Brahms und Reger als an Schönberg oder Webern zu orientieren. Weit brachte es Paul Müller-Zürich als Berater und Organisator, trat er doch 1957 dem Stiftungsrat der Pro Helvetia bei, bevor er 1960 zum Präsidenten des Schweizerischen Tonkünstlervereins ernannt wurde.

Wie ausdrucksvoll die Anfänge des 1953 mit dem Musikpreis der Stadt Zürich ausgezeichneten Komponisten sind, gibt das Casal-Quartett mit dem Zuzüger Razvan Popovici (Viola) in drei verschieden besetzten Werken höchst eindrücklich zu verstehen. Das Streichquintett op. 2 in F-Dur (1919) springt den Hörer schon im ersten Takt an, wenn sich an einen Fortissimo-Akkord ein erstes Ostinato-Motiv pianissimo anschliesst und das spannungsvoll in die Höhe schnellende Hauptthema erklingt. Verstörend sirrende Presto-Einschübe trüben im dritten Satz, einem lieblich beginnenden Intermezzo, den sanften Fluss der leicht melancholischen Musik. Ostinati prägen auch das durch Fugato-Einschübe verdichtete, abrupt in d-Moll endende Finale.

Im Streichquartett Es-Dur op. 4 (1921) herrscht ebenfalls hochexpressives Drängen und Stürmen vor, wobei die Chromatismen im Adagio den grössten Gegensatz zur weniger komplizierten Harmonik im volkstanzartigen Rondo-Finale bilden.

Beruhigt gibt sich das um 1950 entstandene Streichtrio op. 46 von Anfang an, dessen lyrischer Kopfsatz von c-Moll zu C-Dur führt. Mit viel Klangintensität und musikantischem Esprit laden die Mitglieder des Casal-Quartetts das kräftig zupackende Finale auf.

Paul Müller-Zürich: Streichquartett op. 4, Streichtrio op. 46, Streichquintett op. 2. CasalQuartett (Felix Froschhammer, Rachel Späth, Markus Fleck, Andreas Fleck), Razvan Popovici, Viola. Solo Musica SM 287

Die melancholische Melodie des Eröffnungs-Préludes auf dieser CD mutet fast wie eine minimalistische Filmmusik an. Ein Walzer deutet auf Chopin hin, ist aber auch von einer ganz anderen, eigenwilligen Farbe durchtränkt. Ebenso wirkt das spätere impressionistische Farbenspiel in Deux estampes von einem bisher kaum bekannten, sehr individuellen Personalstil durchdrungen …

Der Schweizer Pianist Christian Erny stiess während seines Studiums in den USA auf das Œuvre von Arthur Lourié, dessen Name so «un-russisch» wie seine Musik klingt. Ist Lourié, der 1891 im heutigen Weissrussland geboren wurde, längere Zeit in Paris und später in den USA lebte, wo er 1966 starb, gerade deswegen weitgehend in der Versenkung verschwunden?

Christian Ernys Spielweise nimmt sich auf seiner zweiten Solo-CD denkbar unaufgeregt dieser Klang- und Gedankenwelt an. Erny weiss die Register und Farben subtil zu mischen, als wären es menschliche Stimmen. Das ist kein Zufall, da Erny ja sehr ambitioniert als Leiter seiner Zurich Chamber Singers zu Werke geht, und dies nach eigenem Bekunden viele Synergieeffekte für die pianistische Gestaltung mit sich bringe.

So entfalten sich gewisse neoklassizistische Züge in Louriés Musik betont schwerelos und detailscharf zugleich, wie auch ein meditatives Intermezzo und später ein getragenes Nocturno tief berühren. Aber Lourié und sein engagierter heutiger Interpret können auch ganz anders: Eine furiose Gigue wird zur entfesselten Rhythmus- und Klangstudie, die viel eher an einen rebellischen Strawinsky und gar nicht an barocke Vorbilder erinnert. Für die Doppelbödigkeit von Louriés Zeitumständen steht ein Lullaby, also ein Wiegenlied: Zwar noch tief in der Romantik gründend, nimmt eine Sekundreibung den Anfang der Moderne unmissverständlich vorweg.