Soirée (lancio dell'opera): 1 aprile 2025

Nota dell'editore: Il testo di Herbert Büttiker è stato pubblicato per la prima volta il 12 marzo 2020. La versione attuale è stata rivista per riflettere le nuove circostanze.

Per la prima volta dopo il suo riorientamento digitale, l'Annuario svizzero di musicologia presenta un'edizione speciale curata dalle due etnomusicologhe Helena Simonett e Patricia Jäggi dell'Università di Scienze Applicate e Arti di Lucerna (HSLU) e frutto del loro progetto di ricerca Seeking Birdscapes. Quattro articoli principali e due contributi artistici affrontano il canto degli uccelli da diverse prospettive.

Nella loro introduzione, Helena Simonett e Patricia Jäggi introducono il tema "Birdscapes" e presentano il progetto di ricerca di Lucerna. Nel suo saggio "The Anatomy of a Benign Failure" (L'anatomia di un fallimento benigno), Gergely Loch decostruisce l'affermazione antropocentrica di Péter Szőke, secondo cui il canto degli uccelli e quello umano sono il risultato di processi neurologici e fisiologici identici. Il saggio di Andrew Whitehouse "Inquisitory Birds" mette in discussione l'etica del metodo di riproduzione del canto degli uccelli quando si tratta di attirare specie rare di uccelli dal loro nascondiglio per scopi di ricerca. Una passeggiata nella foresta sonora svizzera Tùn Resùn è alla base dell'articolo di Nathalie Kirschstein e Helena Simonett, che documenta e categorizza le esperienze multisensoriali di vari testimoni.

Emily Doolittle presenta le sue composizioni Gannetry, un'opera multimodale ispirata ai suoni delle sule scozzesi e creata in collaborazione con la poetessa Dawn Wood. Infine, Matthias Lewy e Helena Simonett presenteranno la mostra Birdscapes, strettamente legata al progetto di ricerca dell'HSLU ed esposta al Museo della Natura di Lucerna nel 2022.

Animali che fanno musica?

Non sembra un caso che il "fare musica" degli animali sia oggi al centro di una pubblicazione musicologica. La crescente preoccupazione per l'ambiente in cui viviamo - causata dall'attuale crisi climatica, dalla diminuzione e dal cambiamento dell'habitat naturale e dei paesaggi sonori ad esso associati - richiede uno sguardo e un ascolto più attenti, un ripensamento radicale del ruolo dell'Antropocene e la ricerca di nuovi modi di rapportarsi al nostro mondo.

La ricerca musicologica, in particolare negli studi sull'uomo-animale, sulle ecologie sonore e sull'ecomusicologia, sta diventando sempre più importante, il che ha portato alla costituzione di un gruppo di ricerca internazionale a Norimberga, lo scorso ottobre, dedicato al tema "Multispecies Sound and Movement Studies". Con il suo focus sul canto degli uccelli, il volume speciale dell'Annuario svizzero di musicologia si inserisce bene negli attuali dibattiti di ricerca.

L'Associazione culturale di Arosa organizza da 39 anni le Settimane dei corsi di musica di Arosa. Ogni estate e autunno, circa 1450 partecipanti si recano nel magnifico mondo montano di Arosa. Circa 200 istruttori esperti provenienti dalla Svizzera e dall'estero sono coinvolti nel programma. I corsi, la maggior parte dei quali dura 6 giorni, sono rivolti a musicisti dilettanti, professionisti e studenti.

Non solo corsi di musica

Vengono offerti circa 80 corsi strumentali per un'ampia varietà di strumenti a corda, a fiato, a tastiera e a percussione. Un programma vario attende i partecipanti alle varie settimane di coro e canto.

Ma Arosa Cultura non offre solo corsi di musica. Il programma prevede anche corsi di pittura, vari corsi di danza, un corso di costruzione di strumenti e un weekend di letteratura. Anche in questo caso si terranno diversi corsi per principianti e corsi speciali per bambini e giovani.

Novità del programma

I seguenti corsi saranno offerti per la prima volta nel 2025: Flauto indiano con Samuel Staffelbach - Handpan per studenti avanzati con Kay Rauber - Tango per strumenti a corda con Katharina Deissler - Musica contemporanea per flauto con Rebecca Blau - Musica popolare per formazioni esistenti con Madlaina Küng e Thomas Aeschbacher - Fiddle a testa di cavallo mongolo e canto di gola con Bayanzul Damdinsuren - Viola da gamba con Soma Salaat-Zakariás - Violino barocco con Claire Foltzer - Basso continuo storico al clavicembalo con Andreas Westermann - Musica da camera per archi e chitarra con Nicolas Corti e Han Jonkers - Musica di Hannes Meyer con Matthias Gubler - Musica da camera con il Trio Degas - Body Music Mentales con Ivo Prato - Corso di danza per principianti:innen ü45 con Peter Wingling - Corso di danza nuziale con Valeria Klaus - Weekend letterario su Hermann Hesse con Reto Bonifazi - La A - Z del tempo con Anna Jelen - Cantare e fare musica nello Zwergliland con Bettina Boller e Christina Schwerzenbach (per bambini dai 2 ai 5 anni).

Accademia musicale di Arosa e masterclass

Le Settimane dei corsi di musica di Arosa sono anche un attore internazionale nel campo della promozione di alto livello. 14 diverse masterclass e due Arosa Music Academies si svolgeranno ad Arosa nell'estate e nell'autunno 2025. I partecipanti riceveranno diversi premi dalla Fondazione Hans Schaeuble.

Informazioni e registrazione

Tutte le informazioni sui corsi e le iscrizioni sono disponibili sul sito . Il programma stampato dei corsi può essere ordinato presso Arosa Kultur (vedi contatto). Per chi prenota in anticipo c'è uno sconto di CHF 40.00 fino alla fine di febbraio.

L'11 novembre 2024 si è svolto il concorso annuale per le borse di studio dell'Università di Musica Kalaidos. Questo strumento di finanziamento premia i giovani artisti di spicco e integra i servizi del Fondo per le borse di studio Kalaidos, che sostiene gli studenti in situazioni finanziarie difficili.

Gli studenti di tutti i corsi di studio dell'Università di Musica Kalaidos sono stati invitati a esibirsi in una performance di circa venti minuti con brani di vari stili, al fine di qualificarsi per le borse di studio e i premi. Dalle sonate virtuose per violino alle canzoni pop, in questa giornata di concerti si è potuta ascoltare un'ampia varietà di brani, interpretazioni e stili molto personali.

Gli studenti dei dipartimenti di musica classica e jazz/pop hanno cantato e suonato violino, viola, contrabbasso, tromba, pianoforte e flauto. Anche gli studenti di educazione musicale hanno fatto domanda per le borse di studio offerte. Per ognuno dei diversi strumenti sono stati invitati degli esperti che hanno giudicato le performance dei singoli studenti. Naturalmente non è stato facile per la giuria assegnare le borse di studio e i premi: ha dovuto confrontare molte esibizioni eccellenti di diversi stili e gruppi di strumenti, nonché i campioni didattici e onorare alcuni di essi in particolare.

Siamo quindi particolarmente lieti di annunciare i musicisti che sono stati premiati nel concorso per le borse di studio dell'Università di Musica Kalaidos di quest'anno! La giuria, composta dai professori Michael Bühler, Leslie Leon, Jens Bracher, Stefan Häussler ed Erna Ronca, ha assegnato 10 borse di studio. Le borse di studio garantiscono ai vincitori il pagamento completo delle tasse universitarie per 6 o 12 mesi.

Le nostre più sentite congratulazioni vanno a:

- Nicola Angileri - Master of Arts Kalaidos FH in Educazione musicale

- Immanuel Brunner - Bachelor of Arts FH in Musica con specializzazione in Musica classica

- Adeline Favre - Bachelor of Arts FH in Musica con specializzazione in Musica Classica

- Aida Jauslin - Master of Arts Kalaidos FH in Educazione Musicale con specializzazione in Jazz e Musica Popolare

- Lilla Krájer - Bachelor of Arts FH in Musica con specializzazione in Musica Classica

- Elisabeth Kulmer - Master of Arts Kalaidos FH in Educazione Musicale con specializzazione in Musica Classica

- Milana Perduv - Master of Arts Kalaidos FH in Educazione Musicale con specializzazione in Musica Classica

- Zhixin Zhang - Master of Arts Kalaidos FH in Music Performance con specializzazione in Musica Classica

- Zeyu Zhao - Master of Arts Kalaidos FH in Music Performance con specializzazione in Musica Classica

- Tatiana Zubova - Master of Arts Kalaidos FH in Educazione Musicale con specializzazione in Musica Classica

Auguriamo a tutti i premiati grande successo e gioia nel loro percorso musicale e siamo lieti di poterli sostenere nella realizzazione dei loro obiettivi! Sappiamo per esperienza personale quanto grande sia l'impegno, la perseveranza e l'energia creativa di cui i musicisti hanno bisogno per imparare uno strumento musicale fin dalla più tenera età, per trascorrere innumerevoli ore a perfezionare la tecnica e l'interpretazione musicale e per perseverare attraverso tutti gli ostacoli, non ultimi quelli finanziari, per appassionarsi alla musica e condividere questo entusiasmo con il pubblico. Il nostro amore per la musica a volte ci fa dimenticare il grande sforzo che comporta dare tutto per una professione che a volte è associata a condizioni di lavoro difficili.

Siamo lieti di poter sostenere finanziariamente il lavoro di questi giovani artisti e ci auguriamo che il nostro lavoro aiuti questi musicisti a continuare a svilupparsi nel loro stile individuale e a continuare a contagiare il pubblico con il loro entusiasmo per la musica e a incantarlo con la loro ricchezza espressiva - dopo tutto, negli ultimi anni abbiamo imparato che, soprattutto nei momenti di incertezza e di paura del futuro, l'espressione artistica profondamente sentita e l'impegno di una giovane generazione possono darci la forza e la speranza di affrontare il futuro in modo più ottimistico e di trasformarlo in qualcosa di positivo.

Per la quinta edizione del nuovo Annuario svizzero di musicologia (vol. 42 (2025)), la redazione invita gli autori a presentare articoli sul tema "Temporalità nella musica". Allo stesso tempo, il team editoriale incoraggia i ricercatori che stanno attualmente lavorando a progetti musicali presso gli istituti di ricerca svizzeri a presentarli come rapporti di ricerca.

Tempo e temporalità nella musica

In questo numero verranno esaminati vari aspetti del tempo e della temporalità nella musica dal punto di vista culturale, geografico, storico, concettuale e teorico. La musica ha un effetto unico sulla nostra percezione del tempo. Nella sala da concerto o in discoteca, il tempo viene percepito in modo diverso rispetto alla vita quotidiana. Questo carattere flessibile e ibrido del tempo è stato utilizzato consapevolmente e inconsapevolmente da compositori, esecutori, musicisti e istituzioni (inter)nazionali nel corso della storia e in tutto il mondo.

Per capire come la musica e la temporalità siano legate in modo unico, è necessario superare i confini della musicologia ristretta. Sono quindi richiesti contributi da varie sottodiscipline. Oltre alla musicologia, all'etnomusicologia e all'educazione musicale, queste includono studi letterari, storia culturale, studi cinematografici, studi di genere e scienze sociali.

Ci chiediamo, ad esempio, come si caratterizzano e si modificano i fenomeni musicali sotto forma di memoria, anticipazione o nostalgia? Che ruolo gioca il tempo nel revival di una vecchia canzone popolare, come suonava allora e come suona oggi? Come funzionano dispositivi narrativi come l'accelerazione e il flashback all'interno di determinate convenzioni in diversi contesti storici e culturali? Come possiamo comprendere la complessa interazione di diverse temporalità nella musica, ad esempio come viene rappresentata musicalmente una storia che si svolge nell'arco di diversi giorni o anni in poche ore in un'opera?

Questi fenomeni temporali musicali non sono legati a un particolare stile o epoca musicale: possono essere esaminati sulla base di una sinfonia, di un concerto rock o di un'improvvisazione jazz.

Tre formati di pubblicazione

Gli articoli principali di massimo 40.000 caratteri (spazi e note a piè di pagina inclusi) sul tema del tempo e della temporalità nella musica costituiscono la parte principale del numero e sono sottoposti a una revisione in doppio cieco. Nella sezione "Testimoni contemporanei" vengono pubblicati contributi più brevi di massimo 10.000 caratteri (spazi e note a piè di pagina inclusi) dedicati al tema della temporalità musicale. Possono assumere diversi formati, ad esempio una presentazione scritta, acustica o visiva di una fonte storica o musicale originale, un'intervista con un artista o un esperto o una dichiarazione su eventi attuali. La sezione "Werkstatt-CH" pubblica contributi selezionati che mettono in luce approcci e questioni attuali provenienti da istituzioni di ricerca svizzere. Questi contributi possono avere anche formati diversi, come poster o altri formati digitali. Questi contributi non sono vincolati all'argomento principale del numero.

Le proposte di articoli completamente redatti in tedesco, italiano, francese, romancio o inglese devono essere inviate entro il 15 febbraio 2025 tramite il sito web da presentare. La notifica di accettazione sarà inviata nel marzo 2025 e il numero sarà pubblicato alla fine del 2025.

Siete in piedi sul palco con le ginocchia deboli, il battito cardiaco accelerato e le mani sudate. Volevate davvero concentrarvi sulla musica, ma ora i vostri pensieri sono tutti rivolti al nervosismo. Questa situazione vi suona familiare?

La paura del palcoscenico può compromettere gravemente le prestazioni. Quando il corpo è sotto stress, viene rilasciato l'ormone dello stress, il cortisolo, che scatena sintomi come tremori, sudorazione o respirazione superficiale. Sebbene la reazione allo stress avvenga a livello inconscio, può essere influenzata da tecniche specifiche, come ad esempio la respirazione consapevole.

Una tecnica utile per la respirazione consapevole è la "respirazione quadrata", che funziona come segue:

Posizionarsi comodamente e dirigere l'attenzione "verso l'interno". Inspirate ed espirate con calma. Poi contate fino a cinque mentre inspirate e seguite mentalmente il primo lato di un quadrato immaginario. Trattenete il respiro per lo stesso tempo senza tendere (il secondo lato), poi espirate e seguite il terzo lato del quadrato. Trattenere nuovamente il respiro per completare il quarto lato. Ripetere questo ciclo. Regolate la durata dei lati in base alle vostre esigenze.

Esistono diverse tecniche di respirazione e ogni persona reagisce in modo diverso. È importante scoprire quale tecnica vi calma o attiva meglio, in modo da poter riprendere il controllo sul vostro nervosismo.

Oltre alla tecnica di respirazione, anche la gestione dei pensieri distraenti svolge un ruolo importante. I "pensieri distraenti" sono pensieri che ci distraggono dal compito da svolgere in situazioni di stress o che hanno un impatto negativo su di noi, ad esempio durante un concerto o un'audizione. Un approccio efficace per gestire questi pensieri è il principio WAVE, sviluppato dallo psicologo dello sport Jörg Wetzel (da "GOLD - Mental stark zur Bestleistung", Jörg Wetzel, 6a edizione, 2019). "WAVE" sta per:

1. percepire: Riconoscere consapevolmente i propri pensieri, sentimenti e reazioni fisiche.

2. fermarsi: Interrompere attivamente il flusso di pensieri dicendo "stop" o "alt".

3. cambiare: Sostituire i pensieri negativi con modelli di pensiero positivi e costruttivi.

4. esercitarsi: Ripetere il nuovo pensiero e verificarne l'effetto.

Esempi: Invece di "Non ho azzeccato di nuovo la nota giusta, che imbarazzo!", potreste dire: "Posso fare meglio di così. Spuntala e vai avanti!". Oppure, invece di pensare: "Se mi innervosisco adesso, sono sicuro che non funzionerà", il pensiero potrebbe essere: "Rimarrò calmo e farò musica come a casa". Imparando a dirigere attivamente i vostri pensieri, potrete controllare il vostro nervosismo e concentrarvi meglio.

Il training mentale offre anche l'opportunità di esercitarsi in situazioni concertistiche. Le tecniche di visualizzazione aiutano a rivivere un'esperienza concertistica positiva con tutti i sensi o a provare mentalmente una futura esibizione davanti a un pubblico immaginario. Questo metodo vi prepara mentalmente al "momento speciale", in modo da poter anticipare meglio il nervosismo e affrontarlo con calma. In molti casi, la terza o quarta esibizione è molto più facile della prima.

I momenti che precedono l'esibizione sono cruciali per il successo. Un'attenta pianificazione e l'allenamento di questo processo, supportato da tecniche mentali, sono altrettanto importanti della preparazione tecnica e musicale.

Il nervosismo non può essere completamente eliminato, ma con le tecniche mentali si può imparare a controllarlo e a sviluppare un approccio positivo per affrontarlo. Questo vi permetterà di ottenere prestazioni affidabili anche nei momenti di stress e di apparire calmi.

Sebastian Rosenberg
... consiglia musicisti e tiene corsi e workshop nel campo del mental training, insegna tromba e dirige ensemble presso la scuola di musica Rontal LU.

Arosa Sounds promette un programma energico dalla fine di gennaio all'inizio di febbraio. Il festival prende il via mercoledì sera con il sestetto Afro Jazz della giovane cantante bernese Malika Kaita. L'afrobeat incontra il jazz, eseguito da musicisti giovani e motivati. Per creare l'atmosfera, prima del concerto si terrà una conferenza con Malika Kaita sul tema della collaborazione musicale interculturale. Il cantante Andreas Lareida, cresciuto a Coira, ha risvegliato il suo vecchio progetto di band "Andreas Lareida Agorà" dal suo sonno decennale e salirà sul palco come un settetto con una nuova vita. Ladunna può essere descritta come la scoperta grigionese del 2024. Due giovani donne romande combinano ritmi pulsanti con voci jazz. Il contrabbassista Marc Jenny suona musica più tranquilla nel Bergkirchli. Il festival si concluderà con due concerti nel formato "Bündner Sounds": i cantanti Andreas Lareida, Malenco, Anna Bläsi e la sassofonista Gianna Lavarini arrangeranno e proveranno le proprie composizioni con una band di accompagnamento; il risultato di questa collaborazione sarà presentato in esclusiva ad Arosa Sounds.

Il motto del Festival di musica classica di Arosa di quest'anno è "Voci come ospiti ad Arosa". All'inaugurazione, l'ex direttore della Televisione Svizzera Ueli Haldimann e l'attore Christian Sprecher daranno voce a Hermann Hesse. Haldimann ha fatto ricerche sui soggiorni di Hesse ad Arosa nel 1928/29 e Sprecher leggerà i meravigliosi testi sullo sci e sul sole di Arosa scritti da Hermann Hesse. Il baritono Samuel Zünd è ospite ad Arosa con i "Galgenlieder" di Christian Morgenstern. Il direttore d'orchestra e compositore svizzero Enrico Lavarini si è occupato dei testi allegri e morbosi. Zünd sarà affiancato sul palco dal clarinettista Emil Scheibenreif e dal pianista Nilgün Keles.

"La cosa più importante è la musica che hai in testa", diceva Madame Flo, il soprano imperturbabile, sicuro di sé e favolosamente privo di talento. Ma purtroppo ha cantato male, per carità, il pubblico l'ha amata lo stesso ed è accorso in massa per farsi divertire da lei. Lo spettacolo teatrale "SOUVENIR" di Stephen Temperley sulla carriera della Jenkins è un tributo meravigliosamente toccante a questa leggenda dello spettacolo americano. L'attrice Ute Hoffmann interpreta la Jenkins. Fanno parte del cast anche Nikolaus Schmid e Marco Schädler.

Mentre lo zoologo ed educatore museale Flurin Camenisch di Coira parla di come gli animali comunicano tra loro in una conferenza, il film "Sibel" mostra una giovane donna la cui voce è diventata muta. Riesce a comunicare solo in parte fischiando. Il film è ambientato nell'aspra regione montuosa sulla costa turca del Mar Nero, dove la gente parla e coltiva ancora la lingua tradizionale del fischio.

Come negli anni precedenti, i vincitori del Premio Hans Schaeuble terranno concerti nell'ambito del Festival di musica classica di Arosa. Ciascuno di loro lavorerà a un programma di concerti in due gruppi ad Arosa, che sarà eseguito, oltre che ad Arosa, anche a Coira, Boswil e Zurigo.

Per concludere il Festival di musica classica di Arosa, il Coro misto di Arosa canterà brani corali tratti da note operette sotto la direzione di Ursula Müller-Weigl. I solisti sono il mezzosoprano Stefanie Schaefer e la pianista Kristina Ruge.

Nel 1975, nel cuore della Svizzera, dove le tradizioni musicali incontravano una vivace ricerca di innovazione, nacque un sogno che sarebbe durato mezzo secolo: il Concorso Svizzero di Musica per la Gioventù (SJMW). Con un obiettivo ambizioso, l'allora direttore dell'Orchestra della Tonhalle di Zurigo, Gerd Albrecht, intendeva creare una piattaforma nazionale in cui i giovani talenti musicali potessero esprimersi, ricevere un prezioso feedback da una giuria di alto livello e, soprattutto, "riconoscere il proprio posto in un confronto nazionale". Questo ambiente di promozione del talento ha sempre affascinato generazioni di musicisti.

Un alleato per la vita

Fin dall'inizio, il SJMW si è rivolto ai bambini e ai giovani nel campo della musica classica - un'idea rivoluzionaria in un'epoca in cui i concorsi musicali erano riservati principalmente agli adulti. Fin dalla prima edizione, il concorso ha attirato giovani talenti musicali da tutta la Svizzera e ha fornito un ambiente stimolante per la crescita artistica.

Nel corso del tempo, il SJMW ha ampliato le sue discipline per includere nuove forme di espressione musicale, dalla composizione al jazz e alla tecnologia musicale. Il suo obiettivo rimane quello di permettere ai giovani talenti di vivere appieno la loro passione per far brillare il loro fuoco artistico.

Un aspetto particolarmente prezioso della SJMW è il forte senso di comunità che crea. Partecipanti di diversa provenienza si riuniscono per competere tra loro, ma anche per imparare e ispirarsi a vicenda. La musica diventa un linguaggio comune, come diceva Nadia Boulanger: "La musica non conosce confini, solo incontri" - e questi incontri sono alla base del successo della SJMW, che ha creato collaborazioni artistiche che durano tutta la vita.

Negli ultimi 50 anni, il SJMW è stato il trampolino di lancio per molti dei musicisti di fama mondiale di oggi. Ma anche coloro che non sono rimasti nel mondo della musica portano avanti i valori del concorso: disciplina, dedizione e creatività. Zoltán Kodály disse: "La musica non solo forma il cuore, ma anche il carattere" - un'eredità incarnata dal SJMW.

"Impulsi per una vita intera"

Questo è il motto del 50° anniversario, che sottolinea l'impatto duraturo della SJMW su migliaia di bambini e giovani: un impulso che è ancorato nelle scelte di vita, nel carattere e nei valori dei partecipanti.

L'anniversario sarà celebrato il 13 settembre 2025 alla Tonhalle di Zurigo. L'evento si aprirà con un concerto per bambini dei giovani premiati, seguito da un concerto jazz degli ex vincitori. Una mostra interattiva farà rivivere la storia del concorso. Una pubblicazione per l'anniversario presenterà anche i ritratti degli ex vincitori.

Il momento culminante è un concerto di gala nella Sala Grande della Tonhalle. L'Orchestra della Tonhalle, diretta da David Bruchez, accompagnerà gli ex vincitori come solisti. Due prime mondiali composte appositamente per l'evento da Daniel Schnyder e Richard Dubugnon completano il programma.

50 anni sono una pietra miliare, ma anche una promessa per il futuro. Il SJMW si impegna a guardare al futuro, nello spirito delle parole del nostro compatriota Yehudi Menuhin: "Se il futuro ci insegna qualcosa, è che la musica non cesserà mai di unire". Il concorso continuerà a essere un importante punto di riferimento per i giovani talenti musicali di tutta la Svizzera, al fine di promuovere il loro talento e arricchire la nostra cultura musicale.

L'editore può cercare etichette per produrre una registrazione. L'editore può assicurarsi che la musica sia utilizzata in una nuova registrazione per la pubblicità, i film o i giochi per computer o organizzare commissioni di composizione. L'editore può anche autorizzare o incoraggiare adattamenti come traduzioni o cambiamenti di stile a pagamento. Tradizionalmente, un editore stampa anche spartiti, pubblica canzonieri o concede a un servizio di streaming una licenza per visualizzare i testi durante lo streaming. D'altra parte, non è compito dell'editore occuparsi dell'analisi delle registrazioni. Questo è tipicamente uno dei compiti principali di un'etichetta o di un distributore.

I bravi editori musicali dispongono solitamente di un'ampia rete, idealmente anche all'estero, che rende loro possibili o più facili questi compiti. Nel decidere se lavorare o meno con un editore, un artista deve anche considerare se la rete si adatta alle proprie esigenze e al proprio stile musicale.

Affinché l'editore musicale possa svolgere i suoi compiti, l'autore (compositore, paroliere o arrangiatore) gli cede i diritti d'autore per un periodo di tempo definito in un territorio definito.

Per il suo lavoro, l'editore riceve una percentuale dei proventi dell'autore derivanti dall'utilizzo delle composizioni. L'ammontare della percentuale dipende dal tipo di utilizzo. L'editore e il compositore sono entrambi membri di una società di gestione collettiva come la SUISA. L'editore è iscritto alla SUISA per le singole opere e nel contratto di edizione i proventi vengono suddivisi come previsto dal regolamento di distribuzione della SUISA. Questo vale per tutti i diritti, ad eccezione della sincronizzazione (ad esempio l'utilizzo della musica in film, giochi, ecc. ma anche la combinazione della musica con una coreografia, l'inserimento in un'opera teatrale, ecc.), dell'editing (ad esempio la traduzione dei testi, la modifica degli stili, ecc. Per i diritti gestiti direttamente dall'editore, l'editore e l'autore concordano liberamente una quota di ricavi.

Poiché l'editore riceve una quota di ricavi invece di un compenso fisso, si assume il rischio di lavorare molto ma di ottenere pochi risultati e quindi di guadagnare poco. Tuttavia, è anche possibile che l'editore faccia poco per lo sfruttamento di certa musica e che comunque guadagni bene perché gli artisti, ad esempio, fanno grandi tournée in cui vengono eseguite le loro canzoni. In questo caso, l'editore riceve sempre una parte dei proventi della SUISA.

I contratti di edizione hanno una durata minima di tre anni, ma vengono regolarmente stipulati anche per il "termine di protezione", cioè fino a 70 anni dopo la morte dell'autore. I contratti di edizione sono inoltre generalmente stipulati per tutto il mondo.

La legge regolamenta le caratteristiche di base più importanti di un contratto di edizione. Tuttavia, le norme sono pensate per i tipici editori di libri e difficilmente sono adatte agli editori di musica. A causa del lungo impegno e della mancanza di requisiti legali, è consigliabile chiarire tutti gli argomenti essenziali nel contratto. Oltre alla durata e al territorio, questo include anche chiari obblighi dell'editore, royalties e possibili motivi di annullamento. È inoltre consigliabile che l'autore abbia voce in capitolo nel decidere per quali tipi di film, pubblicità, giochi, ecc. la musica può essere utilizzata. L'associazione della musica ad altre produzioni ha inevitabilmente un impatto sugli artisti e sulla loro reputazione.

Poiché i contratti di edizione hanno durate molto lunghe e gli artisti non hanno praticamente alcuna possibilità di recedere da un contratto di edizione, il soggetto interessato deve valutare attentamente se la collaborazione sia conveniente per lui in ogni singolo caso. La sfida più grande è rappresentata dalle costruzioni in cui organizzazioni come etichette, commissionari musicali, ecc. vogliono rilevare i diritti di pubblicazione per rifinanziare i propri investimenti, come le commissioni. A volte la cessione dei diritti di pubblicazione è una condizione per ottenere il contratto o per commercializzare la registrazione. Sebbene ciò sia di solito legalmente consentito, gli artisti dovrebbero verificare con particolare attenzione se il pacchetto complessivo ha senso dal loro punto di vista.

Come sempre, prima di firmare il contratto, chiedete a uno specialista quali sono i rischi e gli effetti collaterali.

Chantal Bolzern ... è avvocato, mediatrice e co-presidente di Helvetiarockt.

Il mestiere del musicista è e rimane (quasi) lo stesso da decenni. La situazione è diversa quando si tratta del loro ruolo nella società: qui tutto è in uno stato di cambiamento permanente. Con questi cambiamenti, cambiano anche i termini utilizzati dalle università per rispondere alle sfide sociali che le arti devono affrontare. Non appena ci siamo resi conto che l'"educazione musicale" era diventata una disciplina rilevante per la quale era urgente formare degli specialisti, abbiamo dovuto abituarci al termine "partecipazione culturale". Allo stesso tempo, si parlava anche di "audience development", "community music", "co-creazione" e "musicking". Tutti questi termini hanno in comune il fatto che i musicisti contribuiscono alla società come artisti, oltre che con il loro mestiere. O come dice Augusto Boal, regista e teorico brasiliano: "Essere cittadini non significa vivere nella società, ma cambiarla". Queste tendenze vengono discusse intensamente non solo nelle università, ma anche in associazioni internazionali come l'AEC (accademie di musica) o l'ELIA (accademie d'arte).

Presso l'Università delle Arti di Berna si è recentemente svolto un programma di insegnamento interdisciplinare sul tema della "cittadinanza artistica", per rispondere all'interesse degli studenti per un impegno sociale che va ben oltre l'educazione musicale. Durante una settimana di ricerca, abbiamo indagato teoricamente ed empiricamente se e come il modello della "cittadinanza artistica" sia adatto a questo scopo: concetti come cittadinanza artistica, responsabilità sociale e missione civica possono entrare in una connessione fruttuosa con l'eccellenza artistica, l'immaginazione e la creatività? Cosa succede alla nostra arte quando intendiamo la sua pratica come un processo sociale o come uno "strumento nella società"? Abbiamo anche analizzato le megatendenze globali identificate con parole chiave come "migrazione globale" o "down-aging" (persone anziane che si sentono sempre più giovani). Gli studenti di tutte le discipline hanno condotto un proprio esperimento qualitativo, che hanno collegato a una delle megatendenze discusse. Hanno potuto presentare i risultati, tra cui performance, progetti e concetti di workshop, agli organizzatori di concerti durante un evento pubblico.

In questo contesto, una studentessa si è dedicata specificamente al gruppo di dialogo degli anziani e ha inserito il suo esperimento nel filone della "Silver Society". L'invecchiamento della società odierna è sia una sfida che un'opportunità per una nuova vitalità socio-culturale. La studentessa - una flautista - visitava regolarmente una signora di 90 anni affetta da demenza, che suonava il flauto, presso il centro per anziani. È rimasta profondamente colpita dalla grande e gratificante risposta della signora al suo modo di suonare il flauto, soprattutto alle sue canzoni popolari liberamente arrangiate.

Per sviluppare nuovi metodi e strategie innovative come università, l'Università di Scienze Applicate di Berna si concentra da tempo su tre settori strategici: trasformazione digitale, sostenibilità e società attenta. L'obiettivo è rispondere alle sfide e consentire agli studenti di condividere la musica classica con gli anziani, ad esempio. Un team dei dipartimenti di Musica e di Lavoro sociale sta attualmente lavorando su come rispondere al bisogno degli anziani di espressione musicale e di dialogo creativo e processuale con i giovani. A lungo termine, questo dovrebbe essere insegnato e appreso in un contesto universitario.

Da qualche tempo, il Dipartimento di Musica dell'Università delle Arti offre agli studenti l'opportunità di studiare temi legati alla mediazione e alla partecipazione nell'ambito del Master in Specialised Music Performance. Una parte della tesi finale consiste in un progetto personalizzato, che può includere nuovi formati di concerto o l'inclusione di gruppi esterni al mondo classico.

Quindi, se intendiamo la musica non solo come un atto performativo da parte di esecutori per un pubblico passivo, ma pensiamo, ricerchiamo ed espandiamo la sua pratica in un modo socialmente completo, allora questo rafforza il significato di questa musica nel suo complesso, porta gruppi sociali precedentemente separati in un dialogo attivo e aumenta la legittimità delle nostre università come istituzioni educative, di comunicazione e culturali.

Barbara Balba Weber è responsabile della specializzazione "Musica in contesto" presso l'Università delle Arti di Berna.

"Abbiamo delle opzioni, forse non dovrete pagare tutto di tasca vostra!", rispondiamo.

In effetti, dovete occuparvi del finanziamento delle vostre tasse universitarie, che possono essere suddivise in costi fissi e variabili. Certo, non ci si può aspettare di essere finanziati completamente. Ma seguire il principio di sussidiarietà, attingere a varie fonti oltre al sostegno statale e dare un contributo personale apre una prospettiva diversa sulla propria situazione.

Acquisizione di diverse fonti di finanziamento

La ricerca di modi per finanziare la propria istruzione fa praticamente parte del processo di ricerca dei programmi di studio disponibili. Tuttavia, questo non è necessariamente il caso quando si tratta di corsi di perfezionamento o di studi universitari, poiché i corsi di laurea in musica sono offerti principalmente da università sovvenzionate dallo Stato. Di norma, il contributo personale alle spese è minimo o quasi nullo, se rapportato ai costi effettivi di un posto di studio.

Concorso per borse di studio universitarie interne

Anche la verifica delle opzioni disponibili presso la rispettiva università per l'acquisizione di finanziamenti può influenzare la decisione a favore o contro l'iscrizione a un corso di laurea.

L'Università di Musica Kalaidos offre agli studenti che si iscriveranno in futuro la prospettiva di un interessante sostegno finanziario. Si tratta di borse di studio basate sul merito e assegnate annualmente nell'ambito di un concorso pubblico, valido anche per gli studenti già iscritti. Oltre alle borse di studio che coprono una parte del costo degli studi, vengono assegnati anche dei premi.

Nuova categoria: Educazione musicale/didattica

Come annunciato nell'ultimo numero della SMZ, quest'anno non solo organizzeremo il concorso di esecuzione musicale, ma terremo conto in modo esplicito e indipendente dell'educazione musicale. Ciò significa che, oltre alla valutazione puramente artistica dell'esecuzione musicale, verrà introdotta anche una categoria separata per i risultati didattici di rilievo. Sia in Esecuzione che in Pedagogia, è possibile partecipare negli stili "Classico" e "Jazz/Pop", corrispondenti alle nostre due specializzazioni di studio. È inoltre possibile concorrere in diverse categorie.

Test di ammissione successivo

La partecipazione al concorso garantisce una borsa di studio o un premio all'inizio del programma. Tuttavia, non garantisce l'ammissione formale al corso di laurea. Per questo, il test di ammissione deve essere sostenuto separatamente alla fine di novembre.

L'Università della Musica Kalaidos è particolarmente interessante per i ritardatari e/o per coloro che desiderano studiare musica a tempo parziale o continuare la loro formazione - forse, se non l'unica opzione...

Pochi compositori svizzeri del XX secolo hanno lasciato un'opera con un così ampio spettro stilistico come Benno Ammann. Nato a Gersau, ha creato oltre 500 opere, inizialmente tonali nello stile del Groupe des Six e meno progressive nella tradizione classico-romantica per la musica amatoriale, per poi orientarsi sempre più verso l'avanguardia coltivata a Darmstadt e infine concentrarsi quasi esclusivamente sulla musica sperimentale ed elettronica. Quest'ultimo periodo creativo è da tempo oggetto di vivaci discussioni negli ambienti della Nuova Musica e i Madrigalisti di Basilea hanno riportato il nome di Benno Ammann alla ribalta nel 2021 - grazie alla prima registrazione della sua più importante composizione vocale, la Missa Defensor Pacis, eseguita in prima assoluta nella Basilica di San Pietro nel 1947 in occasione della canonizzazione di Fra Nicola.

Secondo il detto "Dove c'è la luce, c'è l'ombra", la biografia di un musicista, tradizionalmente ricca di highlights, tende a dimenticare che, in contrasto con i momenti significativi sotto le luci della ribalta, c'è un'esistenza quotidiana nell'ombra - il che non è affatto negativo come potrebbe sembrare, perché nella freschezza dell'ombra si lavora sobriamente per vivere. Benno Ammann non solo ha lavorato come celebre compositore e direttore d'orchestra tra Darmstadt e Roma, ma anche come direttore di diversi cori amatoriali nella regione di Basilea. Il suo lavoro nella parrocchia cattolica di San Giuseppe ad Aesch (BL) dal 1951 al 1959 è esemplare, soprattutto perché in questo periodo Ammann ha vissuto non solo i momenti salienti della composizione, ma anche i conflitti interpersonali, come accade ovunque le persone lavorino insieme e talvolta, purtroppo, l'una contro l'altra.

Le circostanze che portarono alla nomina di Ammann ad Aesch nel 1951 erano già di natura fin troppo umana: la Domenica Bianca, un assistente dell'organista sbagliò l'inizio di un inno durante la funzione, scatenando una disputa tra l'organista principale Hans Kirschner e il parroco Isidor Ottiger che continuò a tormentare la vita della parrocchia fino all'autunno. Per solidarietà con l'organista, anche l'insegnante del villaggio Fritz Renz si dimise dalla carica di direttore del coro, cosicché padre Ottiger poté convincere il suo compagno di scuola Benno di Einsiedeln a succedergli. Il 19 ottobre 1951 Ammann diresse la prima prova del Cäcilienchor nella chiesa di Aesch e, nonostante un periodo di prova di sei mesi, godette fin dall'inizio di una notevole libertà. Nel gennaio 1952, ad esempio, gli fu concessa una deputazione più lunga, da maggio a settembre, per svolgere un lavoro di composizione. Questo includeva la partecipazione ai corsi di vacanza di Darmstadt, dove incontrò tra gli altri Olivier Messiaen, ma presumibilmente anche la composizione di una nuova messa festiva Missa Christus Dominus per la parrocchia di Aesch, che fu eseguita in prima assoluta nella Pasqua del 1953. Questo ci fa riflettere, soprattutto perché non ci sono prove che la parrocchia abbia pagato il compenso per una commissione di composizione. Sembra piuttosto plausibile che padre Ottiger, in qualità di presidente della Società svizzera di San Luca per l'arte e la chiesa, ne sia stato l'artefice: nello stesso periodo, Ammann stava lavorando alla composizione di tre poesie del poeta della Svizzera centrale Walter Hauser (1902-1963) per baritono solo e organo, che furono ascoltate per la prima volta nella versione orchestrale alla Conferenza di San Luca a Zurigo nel 1954. È quindi ipotizzabile che Ottiger e Ammann abbiano messo insieme un pacchetto, dal momento che alcuni estratti della Missa Christus Dominus sono stati ripresentati in una serata di musica sacra nel marzo 1954 insieme alla prima della versione per organo dei già citati Tre canti spirituali.

Il pastore Ottiger non si stancava di lodare le nuove creazioni dei suoi intimi. Nel Basler Volksblatt fece sapere che era "probabilmente la prima volta che si ascoltava musica dodecafonica in un concerto in chiesa nel nostro Paese". In qualità di presidente della Società di San Luca, doveva avere una buona visione della musica sacra contemporanea; se si trattasse effettivamente della prima esecuzione di musica sacra dodecafonica in Svizzera richiede ulteriori ricerche. Formalmente, i tre pezzi con preludio strumentale separato sono conservatori e ricordano vagamente una suite. L'armonia è ancorata più alla tonalità libera del primo Novecento che a una mancanza di regole dodecafoniche. Ammann ha orchestrato in modo diverso ciascuna delle versioni originali per organo. Il n. 1 (Der Weihrauch), con i suoi toni recitativi sempre a ventaglio, è impostato per orchestra d'archi, il n. 2 (Der Kelch), simile a un recitativo, richiede l'aggiunta di fiati e due corni, mentre il n. 3 (Aufstieg) richiede nuovamente l'aggiunta di timpani e due trombe. Il baritono, protagonista melodicamente conciso, dialoga quasi continuamente in modo responsoriale con l'accompagnamento strumentale armonicamente gentile, che sembrava rispondere alle esigenze della musica sacra e dell'estetica dell'epoca e non sovraccaricava il pubblico di Aesch, abituato a una musica piacevole. Esiste una versione del n. 1 con un assolo di soprano, che Ammann creò appositamente per la prima ad Aesch e che non fu inclusa nella versione finale completa con un assolo di baritono.

Ammann ha anche eseguito in prima assoluta due opere più brevi per coro a cappella in occasione della celebrazione serale. Il primo è una semplice Ave Maria, composta nel 1949 e pubblicata due anni dopo dalle Éditions Schola Cantorum di Parigi, mentre il secondo è la Litania Anima Christi per coro e baritono solo. Ammann la scrisse nel 1952 in una prima versione tedesca e fu elogiata da Messiaen a Darmstadt come "œuvre sincère et émouvante": "J'en ai hautement apprécié l'esprit modal, la variété rythmique et le caractère profondément réligieux". Il fatto che Ammann abbia scelto la cittadina periferica di Aesch, lontana dai grandi centri della musica sacra, per la prima di queste acclamate opere corali può essere certamente visto come un segno di riconoscimento per il Cäcilienchor e come un'espressione di solidarietà nei confronti del pastore Ottiger, dal momento che la successiva versione pubblicata in latino fu eseguita per la prima volta in circostanze diametralmente opposte: nel 1957 al Congrès international de musique sacrée III di Parigi, famoso in tutto il mondo.

L'opera principale di Ammann ad Aesch è senza dubbio la Missa Christus Dominus. È dedicata a padre Ottiger e al Cäcilienchor Aesch e presenta l'Ordinario della Messa nei consueti sei movimenti Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus, Benedictus e Agnus Dei. Dal punto di vista formale, l'opera si mantiene semplice: Ammann ha scelto un'impostazione corale in gran parte omofonica, con occasionali assoli delle file del coro senza parti solistiche indipendenti e un accompagnamento organistico impegnativo e ricco di colori, che deve eseguire passaggi virtuosi, soprattutto nel Gloria e nel Credo. Il Sanctus e il Benedictus sono caratterizzati da melodie monofoniche con un accompagnamento trasparente e ridotto all'essenziale. Il Kyrie e l'Agnus Dei formano la cornice con un suggestivo terzo motivo ostinato, che Ammann ha preso in prestito dal Proprium In festo S. Pauli a Cruce. In una recensione dell'opera (pubblicata sul Basler Volksblatt il 20 aprile 1953), il critico musicale Joachim Keller descrive l'armonia come "fluttuante, in gran parte politonale e persino atonale in alcuni punti", dove "questi diversi modi di espressione si fondono e si dissolvono in transizioni quasi impercettibili, senza mai offendere l'orecchio". Come molte altre nuove creazioni, la Missa Christus Dominus non fa eccezione. I movimenti tranquilli Sanctus e Benedictus fecero nuovamente parte della suddetta celebrazione serale del marzo 1954, dopo la quale l'opera scomparve inedita negli archivi. L'autore di questo testo, l'attuale direttore del Cäcilienchor Aesch, ha intrapreso una ripresa dell'opera, che ha avuto una collocazione estremamente importante nel maggio 2024, quando il coro è stato invitato alla cerimonia annuale di giuramento della Guardia Svizzera nella Basilica di San Pietro a Roma - il cosiddetto Sacco di Roma. La messa si rivolge a cori amatoriali e a gruppi vocali professionali di buon livello. Sulla base dell'impostazione organistica, è stato aggiunto un accompagnamento opzionale per quintetto d'archi e diverse sezioni corali sono state contrassegnate per l'esecuzione solistica opzionale. Ciò offre ai cori interessati l'opportunità di eseguire la Missa Christus Dominus sia nella sua forma originale che con colori tonali aggiuntivi, che sostengono il coro con il quintetto d'archi aggiuntivo e allo stesso tempo alleviano la tensione grazie alle parti solistiche.

Per quanto i primi anni fossero caratterizzati da creatività e successo, la reputazione di Ammann ad Aesch cominciò a incrinarsi. Nella primavera del 1954, i preparativi per la già citata celebrazione serale soffrirono di molte assenze da parte dei membri del coro e ci furono tensioni con il giovane organista Othmar Lenherr, ancora in formazione, che furono risolte grazie alla mediazione di padre Ottiger. In collaborazione con padre Bertwin Frey (1916-1999), della Svizzera centrale, fu composta la Messa di preghiera in onore di Pio X, nota anche semplicemente come Messa cantata in tedesco. La forma e il contenuto dell'opera in sette movimenti per coro monofonico e accompagnamento d'organo sono fortemente modellati sulla Messa alta tedesca di Michael Haydn o sulla Messa tedesca di Franz Schubert. La melodia è interamente orientata al canto congregazionale, così come l'accompagnamento discreto dell'organo, che rimane armonicamente semplice, pur riflettendo lo stile di Ammann. È stata eseguita per la prima volta dal Cäcilienchor di Aesch il 6 marzo 1955. L'opera sarà presto pubblicata in un arrangiamento polifonico, in modo da rendere disponibile una versione per piccoli cori amatoriali oltre alla versione originale monofonica.

Toni concilianti dopo una lunga disputa

Dal novembre 1956 al giugno 1958, Ammann assunse anche la direzione ad interim del coro della chiesa di Muttenz. Ad Aesch si diffuse il malcontento per la pianificazione dei programmi di Ammann, spesso troppo a breve termine. Nell'estate del 1957 fu richiesto un vicedirettore come sostituto regolare e nel gennaio 1958 la richiesta di una commissione musicale. Anche in questo caso si scatenarono mesi di controversie, alimentate dal licenziamento dell'organista Othmar Lenherr e culminate in un'assemblea generale straordinaria del Cäcilienchor, deliberatamente non registrata nei verbali. In una discussione di tre ore tra il consiglio ecclesiastico e il consiglio del coro, vennero fornite le ragioni della forte opposizione: "Il coro [era] insufficientemente preparato, [...] era impossibile negoziare con il direttore, che agiva sempre di propria autorità. Durante le lezioni di canto, si sforzava sempre di interrompere le prove in anticipo per tornare a casa in tempo". Ammann rispose con una richiesta di dispensa "a causa del grave sovraccarico professionale" per "dedicare più tempo al proprio lavoro e ai problemi della nuova musica". Nell'autunno del 1958, il pastore Ottiger fece in modo che Josef Hunkeler, un insegnante che lavorava ad Aesch, diventasse il nuovo organista. Ammann consegnò le sue dimissioni nel giugno 1959 e raccomandò come suo successore Hunkeler, che in seguito rimase direttore del Cäcilienchor Aesch per 30 anni. Nella relazione annuale del 1959, Kuno Stöckli, neoeletto presidente del coro e da poco vicedirettore di Ammann, si esprime in modo conciliante: "Il suo carattere artistico gli rendeva difficile lavorare con successo con noi. Siamo quindi ancora più contenti che la sua natura artistica lo abbia portato di recente a ottenere diversi successi internazionali nel campo della composizione. Vorremmo ringraziarlo per il suo lavoro con noi e augurargli molti altri grandi successi come compositore".

Chissà come Benno Ammann avrebbe continuato a comporre ad Aesch se la collaborazione non fosse stata ostacolata dalla reciproca incapacità. Lo indicano l'abbozzo di un movimento polifonico sul gregoriano Tantum ergo, datato 29 giugno 1953, e un'altra Ave Maria per coro misto, che Ammann completò il giorno di Natale del 1953 e che presumibilmente aveva in mente per Aesch, ma a cui aggiunse solo una successiva dedica per l'abate Benno Gut dell'abbazia di Einsiedeln nel 1957. Inoltre, sono sopravvissuti frammenti di un'altra messa, la Missa sopra AESCH, anch'essa abbozzata da Ammann nel 1953 con motivi sulla sequenza tonale A-E-Es-C-H. Non sembra che Ammann abbia proseguito con questi lavori e schizzi dopo i primi problemi sorti nella primavera del 1954. Tuttavia, essi documentano anche la vivace attività compositiva che Ammann portò avanti per la musica da chiesa ad Aesch e che - a parte semplici arrangiamenti di canzoni popolari - non portò avanti con nessuno degli altri cori che aveva diretto. È certamente l'amicizia di lunga data con il pastore Ottiger, che probabilmente lo aveva trattenuto ad Aesch più a lungo di quanto fosse opportuno, ma che andò perduta dopo la sua partenza: Ammann lasciò senza risposta gli inviti a cena di Ottiger a casa sua ad Aesch, sempre introdotti con "Mio caro".

Nuova edizione da Pizzicato Verlag Helvetia

È grazie all'interesse di Pizzicato Verlag Helvetia che, oltre alle opere elettroniche di Benno Ammann, vengono pubblicate in una nuova edizione anche tutte le opere del periodo di Aesch di cui si parla qui: La Missa Christus Dominus con accompagnamento d'archi opzionale; la Deutsche Singmesse con impostazione corale polifonica opzionale; i Drei geistliche Gesänge in tutte le versioni superstiti per soprano, baritono, organo e orchestra; la Litania Anima Christi in tutte le versioni superstiti per coro femminile o misto, oltre che in tedesco e latino; due ambientazioni dell'Ave Maria e un'ambientazione polifonica del Tantum ergo gregoriano; e i frammenti della Missa sopra AESCH con completamento opzionale in una versione eseguibile. In questo modo, una selezione rappresentativa e stilisticamente ampia dell'opera artisticamente significativa e orientata alla pratica di Benno Ammann può essere resa accessibile a varie formazioni in patria e all'estero sulla base di un periodo creativo autonomo: Cori amatoriali, ecclesiastici e professionali, solisti e gruppi strumentali, dall'organo al quintetto d'archi all'orchestra. Le opere saranno disponibili presso l'editore a partire dall'autunno 2024.

Nel 2022 è stato sviluppato un nuovo concetto di masterclass in collaborazione con l'OSI (Orchestra della svizzera italiana) e il CSI (Conservatorio della svizzera italiana).

Quest'anno Robert Kowalski, primo concertatore dell'OSI, ha seguito e insegnato a quattro studenti del CSI Pre-College per una settimana ad Arosa. La masterclass di quest'anno si è svolta dal 24 al 29 giugno. A ciò sono seguiti tre concerti ad Arosa, Cham e Lugano. I quattro giovani musicisti - Adeleide Chiaradonna, Gianluigi Sartori, Tommaso Braido e Milo Antognini - hanno trascorso un periodo istruttivo ad Arosa. Le giornate di prova sono state intense. Hanno potuto acquisire una preziosa esperienza grazie alla guida esperta, professionalmente e personalmente riconosciuta di Robert Kowalski e all'accompagnamento di Redjan Teqia.

La prossima masterclass si terrà nel giugno 2025 e il breve tour di concerti porterà i giovani musicisti a Cham e Lugano oltre che ad Arosa. Altre sedi di concerti sono attualmente in fase di definizione.

"Premio Hans Schaeuble

Dal 2015, il "Premio di riconoscimento Hans Schaeuble" viene assegnato ogni anno a diversi partecipanti alle due settimane dell'Accademia musicale di Arosa. Grazie al generoso aumento del contributo della Fondazione Hans Schaeuble a partire dal 2023, questo premio potrà essere notevolmente potenziato. Oltre ai premi di riconoscimento, per ogni settimana dell'Accademia verrà consegnato un premio Hans Schaeuble del valore di 2.000 franchi. Le Arosa Music Academy sono due masterclass internazionali delle Settimane del Corso di Musica di Arosa per gli strumenti violino/viola/violoncello e sassofono/fisarmonica. I premi includono un invito a partecipare attivamente al Festival di musica classica di Arosa nella primavera successiva. Sotto la direzione di Markus Fleck (violino) e Lars Mlekusch (sassofono), verrà sviluppato un programma di musica da camera che verrà poi eseguito ad Arosa, Coira, Zurigo e Boswil.

A Coira, i concerti sono organizzati in collaborazione con il Konzertstudio e "klibühni, Das Theater". A Zurigo, il concerto si svolgerà nell'ambito della serie di concerti "Mittagsmusik im Predigerchor" presso la Biblioteca Centrale di Zurigo. L'ultimo concerto si terrà poi alla Haus der Musik di Boswil.

Festival di musica classica di Arosa

L'Arosa Classical Music Festival 2025 si svolgerà dal 7 al 29 marzo in varie sedi concertistiche di Arosa.

Oltre ai concerti dei premiati dell'Accademia musicale di Arosa, la voce in tutte le sue sfaccettature sarà al centro della scena. L'evento di apertura si concentrerà sulla voce letteraria. Tra questi, una conferenza su "Hermann Hesse ad Arosa" con il giornalista Ueli Haldimann e l'attore Christian Sprecher. Saranno presentati e ascoltati recital di canzoni, una conferenza sulle voci degli animali, un musical teatrale sulla "regina della dissonanza" Florence Foster Jenkins e un film su un popolo turco di montagna che comunica a grandi distanze usando fischi al posto della voce.

Alla fine del festival di musica classica, il coro misto di Arosa eseguirà un programma di musica classica "leggera".

Le informazioni sul festival saranno pubblicate a fine novembre su www.arosaklassik.ch accesa.