Oltre alla sala prove di alta qualità acustica nell'ex sala della chiesa della Prima Chiesa di Cristo Scientista di Basilea, il nuovo edificio offre opportunità di workshop e programmi educativi. I locali non sono destinati alle esibizioni concertistiche. Inoltre, in futuro anche gli uffici del SOB saranno situati nello stesso edificio. Il nuovo centro prove può essere utilizzato anche da altre orchestre oltre al SOB. In futuro, il SOB sarà responsabile del subaffitto e della gestione dello spazio.

Il completamento della ristrutturazione è previsto per la fine del 2019. Ciò consentirà all'Orchestra Sinfonica di Basilea di iniziare le prove nei nuovi locali insieme all'ufficio nella primavera del 2020.
 

Da quando Iannis Xenakis ha creato la composizione sonora spaziale Concret PH per 425 altoparlanti e i suoni casuali di John Cage per le gallerie d'arte americane negli anni Sessanta, sono stati condotti innumerevoli esperimenti con l'obiettivo di creare un rapporto significativo tra musica e architettura. Alcuni con una pianificazione strategica, come il Musica per una casache Stockhausen mise in scena con quattordici compositori assistenti a Darmstadt nel 1968, alcuni in modo piuttosto casuale e su base improvvisata. "Rendere lo spazio acusticamente tangibile" è la formula onnicomprensiva. Implica che la composizione rinunci a leggi autonome e tenda alla "musique d'ameublement", come disse ambiguamente Erik Satie. L'esecuzione musicale si avvicina all'installazione sonora e per il pubblico la percezione situazionale ha la precedenza sull'ascolto musicale strutturale o semantico. Nel caso di concetti non completamente sviluppati, questo può finire in banalità, ma può anche portare a risultati illuminanti.

È il caso dell'evento sonoro che Francesco Hoch ha realizzato l'ultimo sabato di agosto a 1700 metri di altezza sul Monte Generoso. Ciò è dovuto non solo alla musica accuratamente concepita, ma anche all'oggetto architettonico a cui la composizione è stata funzionalmente adattata: l'edificio "Fiore di pietra" dell'architetto Mario Botta. La nuova stazione di montagna della ferrovia a cremagliera, progettata in modo ambizioso e dotata di ristorante panoramico, sale per esposizioni e conferenze, è stata inaugurata l'anno scorso e da allora attira gitanti, escursionisti e appassionati di architettura da ogni direzione.

Vista dall'alto nelle profondità dello spazio sonoro. Foto: Max Nyffeler

Oltre a un ascensore, i quattro piani dell'edificio sferico sono collegati da una scala angolata e illuminata dalla luce del giorno che si apre agli spazi utilizzabili in vari modi e apre costantemente nuove prospettive sia all'interno che all'esterno. Questo ambiente, visivamente e acusticamente altrettanto stimolante, è stato lo scenario del progetto Colorazione musicale per il Fiore di pietrala "colorazione musicale del fiore di pietra", come Francesco Hoch ha definito la sua musica. L'evento sonoro è durato mezz'ora ed è stato ripetuto tre volte nel pomeriggio.

Gli otto musicisti necessari per l'opera sono stati distribuiti a coppie sui quattro piani: gli strumenti bassi violoncello e fagotto in basso vicino all'ingresso, oboe e ottavino in alto e gli strumenti "medi" violino, flauto, clarinetto e cor anglais in mezzo. La scala è separata dalla parete esterna su un lato da uno spazio largo circa un metro e mezzo, che non solo permette una visione dall'alto verso il basso, ma crea anche le condizioni perché il suono si mescoli facilmente sul piano verticale. Grazie a questa permeabilità spaziale, le otto voci si sono fuse in una scultura sonora comune che varia a seconda della posizione. Camminando su e giù per i quattro piani, si poteva sperimentare come gli strati orizzontali del suono venissero alternativamente alla ribalta e poi scomparissero di nuovo nel suono complessivo, mentre chi si sedeva in una delle stanze vicine percepiva una sorta di suono statico e distante che cambiava costantemente solo nella sua struttura interna.

Francesco Hoch con il suo punteggio. Foto: Max Nyffeler

Il compositore aveva elaborato una partitura precisa per gli otto esecutori. Come di consueto in questi esperimenti sonori spaziali, il materiale è strutturato in modo semplice: brevi frasi melodiche, per lo più componenti di scale o pattern ripetitivi che cambiano continuamente e formano un insieme simile a un caleidoscopio. Tuttavia, le durate e le entrate sono definite con precisione nella partitura, in modo che il percorso complessivo sia formalmente strutturato; durante l'esecuzione, il coordinamento tra i quattro piani è stato assicurato da una click track. La composizione, della durata di mezz'ora, è divisa in tre parti di dieci minuti secondo lo schema A-B-A'. Le parti con Petalo (petalo), che formano la cornice compatta, si differenziano per le dinamiche e i rapporti di densità opposti, e nelle loro progressioni strutturali interne imitano le forme a fiore del fiore di pietra di Botta. Nella forma grande in tre parti, la composizione potrebbe forse essere paragonata a un fiore che si chiude e si riapre lentamente.

Estratto dalla partitura di Francesco Hoch. Foto: Max Nyffeler

Le tre performance sono state seguite da una tavola rotonda non incentrata su questioni musicali o architettoniche, ma su esperienze biografiche condivise. I partecipanti erano tutti nati nel 1943, lo stesso anno di Francesco Hoch, e quindi avevano 75 anni: un avvocato, un musicista, uno scrittore, un chirurgo, un pittore e un compositore, tutti ticinesi. Mancava solo Mario Botta, attualmente a San Pietroburgo. Una generazione che ha partecipato attivamente a plasmare i decenni del dopoguerra da prospettive diverse e in campi molto diversi ha guardato indietro in modo intelligente e stimolante.

Francesco Hoch a musinfo.ch

La Scuola di Musica della FHNW è ora composta da tre istituti: Scuola di Musica|Musica Classica (precedentemente Scuola di Musica), Scuola di Musica|Jazz e Scuola di Musica|Schola Cantorum Basiliensis. La creazione di questi istituti ha lo scopo di dare al jazz un profilo più distinto in termini di contenuti e finanziamenti, nonché di opportunità di sviluppo nell'insegnamento e nella ricerca.

A fine novembre/inizio dicembre, la Schola Cantorum Basiliensis organizza un simposio sulla musica antica tra fonti storiche e presente estetico dal titolo "Darf man das?" ("È permesso?") ed esplora la questione centrale del proprio lavoro: la questione delle convenzioni della prassi esecutiva storica nel contesto della cultura contemporanea.

All'inizio di settembre, un simposio sull'educazione musicale affronterà la questione di come le lezioni di musica ispirate possano avere successo e a marzo, i primi risultati dell'omonimo progetto del Fondo Nazionale Svizzero per la Ricerca Scientifica saranno presentati al simposio "Musica e migrazione" presso la Hochschule für Musik, Klassik.

Il clarinettista, bassista e compositore jazz svizzero Paed Conca è attivo in numerosi gruppi e progetti. Dall'inizio degli anni '90 collabora con il Blast4tet (con Dirk Bruinsma, Frank Crijns e Fabrizio Spera), con cui ha registrato diversi album. Praed è un duo con il libanese Raed Yassin, altre formazioni di duo di Conca sono So nicht con Dani Lieder e Otholiten con Dirk Bruinsma.

Christian Kobi è docente di musica improvvisata presso l'Università delle Arti di Berna (HKB). Dal 2003 è l'iniziatore e il direttore artistico del festival di musica improvvisata Zoom in. È membro del quartetto di sassofoni Konus Quartett e nel 2006 ha co-fondato l'etichetta di nuova musica Cubus Records.

Sassy J, che presenta le Patchwork Club Nights alla Dampfzentrale di Berna e ha portato nella città federale artisti come Steve Spacek, Little Dragon, J'Davey, PPP, Georgia Anne Muldrow e Slum Village, suona regolarmente anche a livello internazionale, tra cui al leggendario Plastic People (COOP) di Londra e al Sonar Festival di Barcellona.

Björn Meyer è un bassista e compositore svedese. Collabora, tra gli altri, con il compositore e suonatore di fiati svizzero Don Li ed è occasionalmente docente ospite presso i conservatori di Stoccolma, Zurigo, Berna, Lucerna e Losanna. Il suo primo album da solista è stato pubblicato da ECM nell'autunno 2017.
 

In un'epoca di inquinamento acustico, la Deutsche Bahn sta usando la musica come un'arma, spiega Christian Höppner, segretario generale del Consiglio musicale tedesco. Invece di fornire personale sufficiente per far rispettare le regole della casa e garantire la sicurezza, le persone vengono sovrastimolate dal suono continuo e quindi tenute lontane.

L'asserito "aumento percepito della sicurezza" è una farsa e lo sgombero di senzatetto e tossicodipendenti non ha già funzionato ad Amburgo. Questo tentativo di strumentalizzare la musica negli spazi pubblici è inqualificabile e discrimina i compositori, indipendentemente dallo stile.

Il Consiglio musicale tedesco chiede a Richard Lutz, presidente del consiglio di amministrazione della Deutsche Bahn, di porre fine a questo bombardamento sonoro.

È una sala di 14 metri quadrati, una Tonhalle in miniatura. Vi siedono forse 20 persone: quattro suonatori d'archi davanti al palco, circa 16 tra il pubblico. All'ingresso di questa mini-sala da concerto, splendidamente allestita, un attore presenta il programma. Fornisce informazioni sul "quartetto d'archi" con due viole, ad esempio sul passato di questo "Henosode Quartet" in un appartamento per studenti. Tra i suoni, per lo più scarsi, viene spiegato l'edificio, che ha un'acustica speciale e un sistema audio interno molto particolare. Poi l'esecutore Thomas Douglas apre ripetutamente la porta. È infastidito dall'abbaiare dei cani o dal suono apparentemente infinito delle campane della chiesa del villaggio di Rümlingen.

L'arte a volte ha una strana vita propria: questo vale anche per il progetto della Tonhalle del compositore e regista teatrale svizzero Ruedi Häusermann. Gli inquietanti rumori ambientali non provengono da animali, chiese o motociclette, ma da altoparlanti posizionati intorno alla Tonhalle. Il tema è quindi stabilito. Si tratta di interni ed esterni. Qui la sala da concerto devotamente silenziosa, là l'ambiente incontrollabile, a volte fastidioso, che si intromette nella sacra sfera musicale. Häusermann crea un'interazione divertente, ma purtroppo troppo stiracchiata. Le gag, uguali o leggermente diverse, si ripetono troppo spesso. Ciò che funziona all'inizio diventa sempre più stantio. È un bel tema, ma troppo lungo.
 

Lunga è anche la passeggiata sonora nell'ambito del motto di Rümlingen di quest'anno "In scena. 7 opere del paesaggio". L'escursione, che si svolge all'insegna della natura, dura tre ore e mezza, con salite ripide e stazioni musicali molto diverse tra loro. Una gigantesca soprano (Eva Nievergelt) in veste rossa si trova a circa 750 metri di altezza. Canta estratti di arie d'opera, brevi episodi dell'opera di Arnold Schönberg. Aspettativedalla famosa opera di George Bizet Carmen o dall'opera di Benjamin Britten Peter Grimes. I frammenti durano appena più di un minuto. Sono accompagnati da un fisarmonicista che, nascosto sotto il vestito di Nievergelt, suona suoni del compositore svizzero Mischa Käser. Il tutto suona scarno, ridotto, non proprio allegro. Il carattere di canto del cigno operistico è accompagnato dai costumi sparsi per la foresta: abiti logori di un'epoca apparentemente passata con registratori a cassette all'interno. Dovrebbero suonare lo-fi, le registrazioni rumorose delle opere degli ultimi secoli, dice Mischa Käser. Ha immaginato i costumi vuoti come cantanti d'opera estinti, per così dire; ciò che rimane è il cantante in carne e ossa come ultimo rappresentante di un genere in via di estinzione.

Circa 50 metri sotto gli stravaganti ma riuscitissimi frammenti d'opera di Mischa Käser, lo spettacolo teatrale Nella foresta di Manos Tsangaris. I protagonisti sono un percussionista e una cantante. All'inizio ci sono dialoghi musicali verbali e non verbali tra i due, vicino al pubblico. Poi entra in gioco il grande spazio della foresta. Il cantante si allontana e continua a cantare, passeggiando nella foresta. Le figure si muovono avanti e indietro dietro gli alberi, con i timpanisti a dieci o venti metri di distanza. Tsangaris è un multitalento. Incorpora effetti di luce che, purtroppo, non si esprimono al meglio in piena luce. Ciononostante, anche questa scena della foresta fa la sua figura.
 

Foto: Kathrin Schulthess

Eva Nievergelt come ultima rappresentante di un genere in via di estinzione nei frammenti d'opera di Mischa Käser

No, a Rümlingen non ci si annoia. Il festival non offre solo spazio nella foresta, ma anche libertà. Compositori come la giovane italiana Clara Ianotta amano poter sperimentare lontano da formati concertistici predeterminati, che di solito sono determinati dalla strumentazione, dalla durata e dalla presentazione frontale di fronte a un pubblico seduto. Il concetto di Rümlingen pone l'accento soprattutto sul cambiamento della situazione di ascolto. Sì, fa una grande differenza se il corpo è coinvolto, se si è fisicamente impegnati e si può semplicemente guardare le montagne e le nuvole. Il compositore austriaco Peter Ablinger fa un punto speciale dell'ascolto all'aperto. Sette dei suoi cosiddetti "cubi tenda beduini" si trovano ai margini della foresta. I lati delle strutture quadrate in legno sono ricoperti da svolazzanti teli di tessuto bianco. All'interno ci sono tappeti che danno libero sfogo all'immaginazione. Senza arte né parte, si possono semplicemente guardare le nuvole, pensare a Gustav Mahler, alla musica di Beethoven e alle sue opere. Pastorale oppure - anche se si tratta della foresta svizzera - l'opera di Richard Wagner Tessitura della foresta.

Il rapporto dell'Ufficio Federale di Statistica sulla Comportamento culturale in Svizzera (Un'analisi approfondita - Indagine 2008Neuchâtel 2011) afferma: "In Svizzera, una persona su cinque suona uno strumento musicale" e aggiunge che quasi la metà della popolazione svizzera (47 %) ha completato almeno un anno di formazione musicale non professionale. Ciò significa che circa 43 % di ex studenti di musica continuano a fare musica.

Tuttavia, l'investimento di fondi pubblici non può essere giustificato solo dall'attività musicale in età adulta, ma soprattutto dal guadagno di musicalità e cultura. Se gli ex alunni ascoltano la musica con maggiore frequenza e consapevolezza, contribuiscono alla conservazione e all'ulteriore sviluppo della tradizione musicale e alla sua diffusione.

Il programma CAS (Scuola di Musica di Lucerna) Effetti a lungo termine dell'insegnamento strumentale e vocale presso le scuole di musica ha analizzato la sostenibilità delle lezioni di musica utilizzando un campione di persone iscritte alla Scuola di musica di Olten o membri del programma musicale giovanile nell'anno scolastico 2004/2005. In totale hanno partecipato all'indagine 99 persone su 491 invitate.

Rispetto alle statistiche federali sul comportamento culturale in Svizzera, 63 % degli ex studenti sono ancora attivi musicalmente. È inoltre degno di nota il fatto che 8 % delle persone che hanno partecipato all'indagine si guadagnano da vivere con la musica. Tuttavia, a partecipare al sondaggio sono state soprattutto persone interessate alla musica.
 

Dei partecipanti, 80 % facevano parte di un ensemble nell'anno scolastico 2004/2005; la maggior parte di loro (66 %) suonava in un ensemble alla scuola di musica o nella musica giovanile, il resto con amici o familiari.

L'attività in ensemble alla scuola di musica non è di per sé un indicatore del successivo fare musica, da soli o con altri. Tuttavia, è molto probabile che le persone che hanno già fatto musica privatamente con amici e familiari a scuola continuino a farlo da adulti, poiché fare musica con gli amici nasce da una particolare motivazione intrinseca che si protrae anche in età adulta. Questo non è un argomento contro la promozione di ensemble nella scuola di musica stessa, ma la creazione di infrastrutture (sale prova) o di opportunità di esibizione per gruppi e ensemble privati dovrebbe anche aumentare la sostenibilità delle lezioni di musica.

Le lezioni di musica come parte dell'istruzione sono molto apprezzate dai partecipanti: 90 % hanno dichiarato che vorrebbero che i propri figli prendessero lezioni alla scuola di musica se si presentasse l'opportunità: un forte voto a favore della sua importanza.

Secondo i partecipanti allo studio, i benefici delle lezioni di musica non si limitano alle competenze musicali: L'acquisizione di disciplina e concentrazione è stata citata quasi con la stessa frequenza dell'apprendimento di abilità musicali pratiche e di nozioni di teoria musicale. Inoltre, hanno descritto l'educazione musicale e culturale, le capacità di esecuzione e la capacità di concentrazione come contributi importanti delle lezioni di strumento al loro sviluppo personale.
 

Secondo la motivazione, Vital Julian Frey è sinonimo di "brillantezza tecnica e leggerezza". Con la sua apertura a metodi di lavoro sperimentali e di mentalità aperta, avvicina il suo strumento a una vasta gamma di pubblico, secondo le motivazioni della commissione culturale per l'assegnazione del premio musicale a Vital Frey. Il premio in denaro ammonta a 10.000 franchi.

Frey vive e lavora a Steffisburg. Come solista, la sua attività concertistica lo ha portato sui più importanti palcoscenici e festival internazionali. Si è esibito al Festival di Lucerna e al Rheingau Music Festival. Nel 2016, l'impegnato musicista ha assunto la direzione del Bachwochen Thun. Vital Julian Frey è anche leader di ensemble, insegna alla Scuola di Musica della Regione di Thun, è organista e rappresentante culturale della parrocchia riformata di Steffisburg. Nel 2000 ha ricevuto il Premio per la promozione culturale della città di Thun.

George Steinmann è cresciuto a Thun e vive e lavora a Berna. Artista visivo, musicista e ricercatore, ha studiato pittura, musica e studi afroamericani a Basilea e San Francisco. Dal 1966 è attivo come musicista in tournée e festival in Europa con i propri gruppi e con musicisti rinomati come Mike Henderson.

La Città di Thun premia con il Gran Premio della Cultura risultati culturali di rilievo sovraregionale. Il Gran Premio della Cultura è dotato di 15.000 franchi svizzeri.

Klosters e Davos sono separate da soli tredici chilometri di auto e quattrocento metri di altitudine. A Davos c'è un festival musicale da 33 anni e anche Klosters ne ha fondato uno un anno fa. Il primo sabato di agosto, Klosters termina e Davos inizia contemporaneamente. Può andare bene? Molto probabilmente sì. Certo, sembra che ci sia ancora un po' di mancanza di comunicazione tra vicini, e si dice che questi festival estivi nelle Alpi stiano lentamente finendo; ma in primo luogo, i concetti di programma di Davos e Klosters sono completamente diversi, in modo da non rubarsi la scena a vicenda, e in secondo luogo, il mercato è tutt'altro che saturo. Il pubblico della musica classica, spesso apostrofato come conservatore, è estremamente propenso a viaggiare durante le vacanze e apprezza l'ascolto della musica in un ambiente diverso, vicino alla natura e lontano dallo stress della vita urbana quotidiana.

I responsabili di Klosters hanno quindi pensato di essere in una buona posizione per aggiungere una nuova società con un proprio volto ai festival già affermati di Verbier, Gstaad e della vicina Davos. Il festival è organizzato da un gruppo di iniziativa locale, una sessantina di volontari si occupano del buon funzionamento e il budget di circa 600.000 franchi è in gran parte finanziato da privati. Dopo una prova limitata a un solo fine settimana l'anno scorso, il programma di questa edizione presenta nove concerti orchestrali, di musica da camera e per solisti, con opere che spaziano dal barocco alla musica classica moderna di facile comprensione. La preferenza è data alle esibizioni in un contesto concertistico tradizionale con nomi di fama internazionale che garantiscono un elevato standard interpretativo, compresi gli interpreti svizzeri; si evitano esperimenti come quelli di Davos. Le sale, una sala polifunzionale con cinquecento posti a sedere e l'antica chiesa del villaggio con trecento posti a sedere, così come la spaziosissima showroom nella casa-studio dell'artista visivo Christian Bolt, sono state riempite in media per oltre l'ottanta per cento. Una sorta di tenda di benvenuto è stata allestita anche alla stazione ferroviaria, dove le persone possono incontrarsi in modo informale e ascoltare suoni alternativi che vanno dal jazz alla musica folk durante il giorno.
 

Molti dei visitatori facoltosi vengono a Klosters per un lungo weekend e il bacino di utenza si estende oltre la Svizzera fino a Vienna. Tuttavia, i visitatori abituali sono ospiti in vacanza e proprietari di seconde case di Klosters e dintorni, tra cui un numero impressionante di inglesi. L'inglese è praticamente la seconda lingua non solo nel villaggio, ma anche al festival, il che si riflette anche nel nome: Klosters Music Festival. Il Principe Carlo, che da decenni trascorre qui le sue vacanze invernali, ha scritto una prefazione per il programma, e quando i reali hanno la loro benedizione, nulla può davvero andare storto.

I locali hanno riconosciuto il vantaggio di questo legame con l'Inghilterra e hanno assunto un direttore artistico di prim'ordine, David Whelton, direttore artistico della London Philharmonia Orchestra, ora in pensione. Così come Martin Engström è riuscito a sfruttare i suoi legami con l'industria discografica quando ha creato il Festival di Verbier, anche Whelton ora si avvale dei contatti con gli artisti del suo periodo con l'orchestra. È assistito da Raluca Matei, manager della Camerata Zürich, in qualità di responsabile dell'organizzazione.
 

Foto: Max Nyffeler

Allestimento dei due pianoforti a coda nello studio d'artista Christian Bolt per il duo pianistico lituano Vilija Poskute & Tomas Daukantas

Il pianista Nikolai Luganski, il Trio Tetzlaff e il duo pianistico lituano Vilija Poskute & Tomas Daukantas hanno dato vita a un programma di grande impatto. L'ensemble bernese di musica antica Les Passions de l'âme, con la sua direttrice Meret Lüthi, ha offerto un'emozionante visione del periodo d'oro del barocco austriaco con opere di Heinrich Ignaz Franz Biber, Johann Joseph Fux e Schmelzer padre e figlio. Alcuni brani si riferivano all'assedio turco di Vienna e alla liberazione nel 1683 con l'aiuto della cavalleria polacca - musica da programma con il rumore della battaglia, lo scalpitio dei cavalli e i cori di vittoria. Accompagnata dall'Orchestra da Camera di Basilea, il soprano russo Julia Lezhneva ha brillato con arie del periodo dell'opera seria; è ancora l'allodola trillante dall'intonazione sicura che era all'inizio della sua carriera, intorno al 2010, quando è apparsa per la prima volta con Marc Minkowski a Salisburgo, anche se la sua voce di soprano leggero come una piuma tende ora più al mezzo.

Il clou finale è stato rappresentato da due serate dedicate a Robert Schumann con la Deutsche Kammerphilharmonie Bremen diretta da Paavo Järvi. Con un'interpretazione appassionata di tre sinfonie, il concerto per violoncello suonato con devozione da Steven Isserlis e il pezzo da concerto per quattro corni e orchestra, raramente programmato, con il quartetto German Hornsound come solista, l'orchestra di Brema ha entusiasmato il pubblico. Tuttavia, hanno anche mostrato i limiti dell'acustica della sala, sia verso l'alto che verso il basso: Nei fortissimo orchestrali, la trasparenza del suono diminuisce e la ventilazione gioca un ruolo inconfondibile nei passaggi tranquilli. Affinché il festival possa realizzare appieno il suo indubbio potenziale futuro, è probabilmente inevitabile un ulteriore investimento nelle infrastrutture.

Oltre a interpretazioni di altissimo livello, il Quartetto Stradivari Svizzero è sempre caratterizzato da forme e luoghi di concerto creativi e insoliti. Ciò è stato evidente anche al festival Stradivariano recentemente conclusosi a Gersau e dintorni. Il festival si è aperto con il Mythenkonzert nella Mythensaal dell'Hotel Waldstätterhof di Brunn. La violoncellista e leader del quartetto, Maja Weber, ha esordito in modo eccellente con la Sonata in sol minore op. 19 di Sergei Rachmaninov in duo con il pianista Per Lundberg e - ampliata in trio dal violinista Xiaoming Wang - con il Trio in si bemolle maggiore D 898 di Franz Schubert.

Al concerto nella chiesa parrocchiale di Gersau, il Quartetto Stradivari, completato da Sebastian Bohren, violino, e Lech Uszynski, viola, ha presentato una collaudata combinazione di opere con i quartetti per archi di Maurice Ravel e Claude Debussy. Tra le due composizioni francesi, il Trois pièces pour quatuor à cordes di Igor Stravinskij ha fornito un contrasto rinfrescante e rinvigorente che probabilmente ha persino irritato alcuni membri del pubblico. Tuttavia, la standing ovation alla fine del concerto ha fatto capire che si è trattato di un programma musicale interpretato in modo eccellente.
 

Alla matinée sul Rigi Scheidegg, il Quartetto Stradivari ha suonato tanghi di Astor Piazzolla in un'arca stilizzata con una vista panoramica a 360 gradi. Gli ambienti insoliti dei concerti offrono sempre l'opportunità di esperienze musicali insolite. Questo, e non il tentativo a buon mercato di essere "diversi", è il motivo per cui il quartetto non si sottrae a luoghi di concerto sorprendenti. Va da sé che le diverse condizioni di esecuzione pongono spesso richieste interpretative impegnative. Il pubblico, tuttavia, non ha avvertito nulla di tutto ciò.

Il palcoscenico del lago di Gersau e l'atmosfera serale sul lago dei Quattro Cantoni hanno fatto da cornice alla Serenata sul lago con il Quartetto per archi in la minore op. 13 di Felix Mendelssohn e l'Ottetto per clarinetto, corno, fagotto, quartetto d'archi e contrabbasso in fa maggiore D 803 di Franz Schubert. L'affascinante insieme della natura, le composizioni eccezionali e gli esecutori ispirati e impegnati hanno offerto un'esperienza musicale di tipo speciale: si sono alternati musica da camera intima, passaggi di gesto sinfonico, esecuzioni solistiche virtuosistiche e talvolta brillanti, nonché dialogo e comunicazione udibili e visibili, intelligenti.

Anche i concerti alla Cappella di Tell e sul Rütli, il prato più famoso della Svizzera, sono stati caratterizzati dal rispettivo genius loci. Nel primo, ad esempio, è stata eseguita una versione dell'ouverture dell'opera di Gioacchino Rossini Guglielmo Tell e sul Rütli, fedele al motto del concerto "Delizie musicali svizzere", opere di Adolf Reichel (Camminare(Quartetto per archi n. 2 in do maggiore) del compositore Othmar Schoeck di Brunner e di altri autori svizzeri. Come riferimento musicale ai quattro cantoni che circondano il Lago dei Quattro Cantoni, per il concerto del Rütlikon sono stati appositamente arrangiati brani di musica popolare di Uri, Svitto, Untervaldo e Lucerna. "Possiamo e dobbiamo farlo?", si chiederanno i puristi della musica da camera. La risposta in entrambi i casi è sì, se il risultato è presentato in modo così rispettoso e armonioso e se le circostanze del concerto lo invitano. In ogni caso, non si è sentita nemmeno l'ombra di un'ingratitudine popolare.

La "Republik" di Gersau Nauen ha fornito un'altra piattaforma concertistica non convenzionale. Al pubblico della tradizionale ex chiatta da trasporto si sono aggiunte altre 70 persone che hanno viaggiato dalla Cina appositamente per la cosiddetta Stradivariclass nell'ambito del Gersau Stradivarifest. Hanno ascoltato i suoni del quartetto a bordo di una barca sociale ormeggiata in "alto mare" a Nauen. Ancora una volta, è stato interessante sperimentare le opere in un ambiente che ha permesso di sperimentare diverse sfaccettature delle composizioni rispetto alle consuete sedi concertistiche. L'esplorazione delle potenzialità acustiche e degli effetti extramusicali sulla percezione è una questione che sta molto a cuore al Quartetto Stradivari.
 

Foto: Denise Gerth

Tanghi nelle Arche sul Rigi Scheidegg

I musicisti del quartetto e il pianista Per Lundberg hanno offerto per la prima volta lezioni a bambini e ragazzi di talento provenienti dalla Cina con l'etichetta Stradivariclass. I circa 30 allievi hanno sperimentato un'atmosfera da vera masterclass durante le lezioni individuali. Qui e assistendo ai concerti con i loro insegnanti, hanno imparato alcuni dei segreti dei musicisti professionisti di successo. I giovani talenti cinesi hanno presentato quanto appreso in un concerto al Parkhotel Vitznau. Con questo nuovo programma, il Quartetto Stradivari, che compie tournée in Cina, Corea e altri Paesi asiatici diverse volte all'anno, ha fornito una piattaforma per un emozionante scambio artistico, sociale e culturale. È auspicabile che quest'ultimo impegno si ripeta nei prossimi anni. Permettete all'autore un'idea: E se i membri del quartetto offrissero un servizio di coaching per giovani quartetti o trii d'archi?

Da quando ha assunto l'incarico nel marzo 2011, Michael Kaufmann ha "plasmato e sviluppato in modo significativo" il Dipartimento di Musica dell'Università di Scienze Applicate e Arti di Lucerna in termini di contenuti, cultura, strategia e organizzazione, scrive l'università.

Sotto la sua guida, sono stati realizzati progetti lungimiranti nelle quattro aree di servizio dell'istruzione, della formazione continua, della ricerca e dei servizi, è stata intensificata la collaborazione con i partner pratici e con i donatori terzi ed è stata impostata la strada per l'apertura del nuovo edificio musicale presso la sede di Südpol a Kriens nel 2020.

In qualità di responsabile dell'interdisciplinarità, Michael Kaufmann ha anche promosso temi interuniversitari. In quest'area, particolarmente importante nella strategia dell'Università di Scienze Applicate e Arti di Lucerna, si è dedicato allo sviluppo e all'ampliamento delle aree di interesse interdisciplinare e attualmente ai due nuovi cluster tematici interdisciplinari "Spazio e Società" e "Trasformazione digitale del mondo del lavoro".

Come scrive la Fondation Suisa sul suo sito web, i musicisti dovrebbero ora ricevere borse di studio che consentano loro di lavorare, svilupparsi ed evolversi senza pressioni finanziarie. L'attenzione non è necessariamente rivolta al risultato del lavoro su un particolare brano, ma piuttosto la borsa di studio dovrebbe essere uno stimolo per qualcosa di nuovo. In questo modo, la fondazione si allontana dai soliti criteri di assegnazione e guarda al futuro.

Mentre una giuria di esperti assegna ogni due anni una borsa di studio di 80.000 franchi nell'ambito del progetto "Carte Blanche" senza bando, è possibile presentare domande per "Get Going! La Fondation Suisa assegna quattro borse di studio da 25.000 franchi l'una all'anno. Il programma si rivolge ad autori, scrittori e musicisti che possono dimostrare un chiaro legame con l'attuale produzione musicale svizzera o del Liechtenstein.

Quest'anno la scadenza per la presentazione delle domande è il 31 agosto. È possibile candidarsi solo online:

https://www.fondation-suisa.ch/de/werkbeiträge/get-going
 

Franziska Burkhardt è attualmente direttore generale del centro culturale Progr di Berna e lascerà questo ruolo alla fine di ottobre. In precedenza ha lavorato presso l'Ufficio federale della cultura. Oltre al suo lavoro al Progr, ha guidato il processo di sviluppo della nuova strategia culturale della città per conto del Consiglio comunale di Berna, l'organo esecutivo della città. Il suo compito sarà quello di rappresentare Berna come città della cultura in tutte le sue sfaccettature, sia all'interno che all'esterno, con una politica culturale di alto profilo, una promozione culturale lungimirante e un dialogo aperto.

Il passaggio di consegne dal 1° febbraio 2019 tra la precedente direttrice del dipartimento Veronica Schaller e Franziska Burkhardt è finalizzato al rinnovo in corso dei contratti quadriennali tra la città e le sue istituzioni culturali: Entro la fine di gennaio 2019, Veronica Schaller avrà completato il dossier chiave di politica culturale "Priorità e utilizzo dei fondi 2020-2023" per quanto riguarda la parte amministrativa.
 

Al centro del progetto "Cultural Agents - for Creative Schools" ci sono i cosiddetti agenti culturali che vengono impiegati nelle scuole partecipanti per un periodo di quattro anni. Gli agenti hanno familiarità con la cultura, spesso sono essi stessi attivi artisticamente e hanno esperienza nel lavoro con bambini e giovani. Il loro compito è quello di sviluppare e attuare un programma di educazione culturale completo insieme ad alunni, insegnanti, direzione scolastica, genitori, professionisti della cultura e istituzioni culturali. Possono partecipare al programma sei scuole primarie per cantone o associazione cantonale.

Il costo totale del progetto è di 4,3 milioni di franchi svizzeri, di cui 3,4 milioni coperti dalla Fondazione Mercator Svizzera. I cantoni partecipanti coprono i costi della tassa artistica, che ammonta a 12.500 franchi per scuola e anno scolastico. Le scuole forniscono le risorse umane necessarie e possono contribuire volontariamente con fondi aggiuntivi per finanziare i progetti nelle scuole.
 

Altri festival hanno un "artista in residenza", Davos ha un "artista a riposo". Questo è esattamente il tipo di contrappunto e di interrogazione a cui mira il direttore artistico Reto Bieri. E ha anche la persona giusta per questa posizione unica: Patricia Kopatchinskaja. La radio ha chiesto: "Quando suona?" - Non suona affatto, ma lascia riposare il suo violino. Di tanto in tanto, parla alla stazione radio del festival, Ruhe, sulla quale si può ascoltare "l'attuale pace e tranquillità sul posto": lo scorrere dell'acqua, i barbecue sulla Stafelalp, le lavastoviglie dell'Hotel Schweizerhof.

Per lui, Patricia Kopatchinskaja è un fenomeno di calma, spiega Bieri. Una volta hanno suonato insieme un pezzo terribilmente difficile. Lui si era esercitato per sei mesi. Quando si incontrarono tre giorni prima dell'esecuzione, la violinista confessò di non aver ancora guardato il pezzo. Allora lo ripassarono insieme, molto lentamente, e lo misero a punto. "Ora devo dormire", ha detto Kopatchinskaja. "Non avevamo fatto quasi nulla", riferisce Bieri, "ma quando ci siamo rivisti la sera, aveva imparato il pezzo!".

L'intero festival di quest'anno, intitolato "Heute Ruhetag" ("Oggi giorno di riposo"), mira a rintracciare la tranquillità, o meglio ad assecondarla. Il sottotitolo "Giovani artisti in concerto" indica ciò che il festival fa fin dalla sua fondazione nel 1986: offre a giovani musicisti alle soglie della vita professionale l'opportunità di lavorare ed esibirsi in ensemble selezionati per quindici giorni.

L'ultimo concerto che ascolto durante il mio soggiorno a Davos è una matinée nella chiesa di San Paolo. Si intitola "Chiuso oggi per decesso" e combina opere di compositori che hanno avuto a che fare con avvisi di morte falsi o addirittura deliberatamente falsificati. Ad esempio, un arrangiamento della musica funebre che Cherubini scrisse alla morte di Haydn. Tuttavia, non era morto Joseph Haydn, ma suo fratello. Il compositore fece sapere: "Se avessi saputo prima della cerimonia, sarei andato a Parigi". Friedrich Gulda, l'eccentrico compositore e pianista, aveva proibito i necrologi e poi aveva usato un falso annuncio di morte per testare se la stampa li avrebbe onorati. La vincitrice del Premio Geza Anda Claire Huangci, che interpreta alcuni dei suoi brevi brani con grande verve, riproduce questo spirito ribelle e ostinato.

Sono seduto nella galleria, circondato da molti giovani partecipanti al festival. Guardano con attenzione i loro colleghi che suonano. Quando Thomas Reif, Ruiko Matsumoto e Michael Schöch affrontano molto velocemente l'ultimo movimento del Trio per pianoforte e orchestra in do maggiore Hob XV:27 di Haydn, un mormorio attraversa le file, che si trasforma in un applauso entusiasta alla fine. Dopo tutto, i tre portano la loro velocità a rotta di collo al traguardo con gioia, malizia e precisione.

Quando parlo con la persona seduta accanto a me, voglio sapere cosa porterà a casa con sé, oltre ai suoi progressi musicali. La violinista emergente Maria Elisabeth Köstler non ci pensa due volte: "Meno è meglio! Sia in un programma che nel lavoro". Ha già partecipato a diverse accademie estive. Non solo la sistemazione era spesso precaria, ma doveva anche provare ed esibirsi in cinque diversi ensemble. Era frenetico e il risultato era insoddisfacente. Qui, invece, a volte si ha un giorno libero per fare escursioni o per fare musica con gli altri. Nel gruppo di musica da camera è possibile conoscersi davvero. Questo è esattamente l'obiettivo di Reto Bieri. Sottolinea che pensa molto attentamente a chi vuole far incontrare con chi. E alla fine, anche il pubblico può percepire questa messa a punto.

Köstler cita un'altra esperienza importante: "Come creare programmi coerenti in cui ogni cosa è in relazione con l'altra". A Davos c'è davvero molto da imparare. I titoli e i riferimenti incrociati non sono solo un'esca nel libretto del programma. Nei concerti, il narratore Tom Tafel e lo stesso Reto Bieri legano la letteratura, la storia locale e mondiale alla musica per formare pacchetti plausibili. L'opera di Goethe "Über allen Gipfeln ist Ruh" viene percorsa dal deserto di pietra sullo Jakobshorn fino alla valle, con una musica appropriata a ogni fermata. Così integrato, il pubblico risponde curiosamente anche alle imposizioni, ad esempio quando l'evento, che dovrebbe essere una breve eco dell'escursione, termina verso le dieci con l'annuncio che l'opera pianistica conclusiva di Morton Feldman durerà 70 minuti! Naturalmente non tutti rimangono, ma non è un problema se alcuni spettatori preferiscono la pace e la tranquillità delle proprie case. Nei primi giorni del festival, le sei ore di Feldman Quartetto per archi n. 2 con la nota: "L'ingresso e l'uscita sono possibili in qualsiasi momento". I fringuelli erano a disposizione per consentire al pubblico di entrare in silenzio.

L'opera da camera, che verrà rappresentata nel primo fine settimana del festival, è piuttosto rumorosa ed è già stata provata in anticipo a causa dei lunghi tempi di preparazione. La scelta del soggetto è immediatamente evidente dal tema della tranquillità: Il racconto a episodi di Tim Krohn Dalla vita di un materasso di alta qualità. In otto episodi, dal 1935 al 1992, le persone amano e giocano, litigano e soffrono su un materasso. Ciò che nel libro si espande in una sorta di caleidoscopio del XX secolo concentrandosi su piccoli episodi, non riesce del tutto nell'omonima versione teatrale musicale di Leo Dick. I mezzi e le tecniche utilizzate sono troppo misti, troppo poco specifici.

Reto Bieri in viaggio con "Über allen Gipfeln ist Ruh" di Goethe. Foto: © Yannick Andrea

"Un festival deve nascere dal luogo, deve avere a che fare con il posto e la gente, altrimenti non ha senso". Bieri ha assunto la direzione di Davos cinque anni fa con questa convinzione. Ecco perché i titoli del festival sono sempre reperti verbali della zona. Ancora più importante: gli abitanti del villaggio e gli ospiti in vacanza devono essere coinvolti. Da questo impegno è nato, ad esempio, il Canto Aperto. All'inizio erano poche le persone che vi partecipavano, ma da allora è diventato un momento popolare, a volte addirittura atteso, delle settimane del festival. Il festival nel suo complesso, prima forse più un evento privato per gli abitanti della pianura, si è aperto. Ma per quanto Bieri abbia in mente il pubblico, non si vede come un animatore disinteressato: "Ora dirò qualcosa di provocatorio: in realtà ho fatto tutto solo per me stesso! E non per avere successo, ma perché mi piace ogni piccolo dettaglio! Ho la sensazione che facendolo per me stesso, possa essere apprezzato anche dagli altri".

Perché Reto Bieri se ne va dopo cinque anni? "Qui abbiamo fatto davvero la differenza, non solo io, ma tutta la squadra. Ora dobbiamo gestirla. Ci sono novità in arrivo. E se posso respirare, lo farò altrove". Dall'anno prossimo, il pianista Olivier Schnyder dirigerà il Festival di Davos.