L'8 settembre, esperti di vari Paesi si sono incontrati al Florhof di Zurigo per discutere il tema a livello teorico e pratico. Una settimana dopo, un evento simile è stato organizzato a Ginevra con il titolo "Orchestre en classe". L'evento era rivolto a insegnanti e dirigenti di scuole musicali e primarie.

A nome della Fondazione Suisa, Urs Schnell ha ringraziato Cristina Hospenthal, ex direttrice della Fondazione Suisa. Conservatorio di musica di Zurigo (MKZ)e Martin Sonderegger (Didattica del clarinetto, ZHdK) per l'organizzazione della conferenza. Dal 2016, il La Fondazione Suisa ha già superato i 40 progetti "Klamu sostenuti. Tuttavia, è apparso subito chiaro che in futuro la creazione di musica di classe dovrebbe essere finanziata su una base più ampia e ha espresso il desiderio che anche altre persone e istituzioni vogliano sostenere questo programma di successo a bassa soglia.

Erich Zumstein, direttore del MKZ, ha presentato cifre impressionanti nel suo discorso di benvenuto. Quello che è iniziato nove anni fa con due corsi di ottoni nella Glatttal è cresciuto fino a diventare un'organizzazione con 2.000 partecipanti ogni anno. Ogni due anni è stato organizzato un grande concerto nella Volkshaus con famose star dello spettacolo. La scuola collabora con l'Orchestra della Tonhalle a progetti educativi e dall'altra parte del grande stagno via Skype con un "L'educazione attraverso la musica"- progetto nel Bronx.

La moderatrice Esther Girsberger ha avuto l'onore di dare il benvenuto a Helena Maffli, una delle maggiori esperte svizzere di educazione musicale. La relatrice ed ex presidente dell'Unione Europea delle Scuole di Musica ha sottolineato l'importanza del fare musica in classe in un contesto europeo. Esistono molti modelli internazionali e il programma è ideale come ponte tra le scuole primarie e le scuole di musica. Helena Maffli ha suggerito la creazione di un centro di informazione nazionale come passo necessario per andare avanti, un'idea che ha incontrato l'interesse di tutti.

Se una delle più grandi scuole di musica d'Europa, con i suoi 24.000 allievi e 600 insegnanti, in collaborazione con un'importante fondazione svizzera, è così impegnata in un sotto-settore dell'educazione musicale, allora deve esserci qualcosa di vero. Il fare musica in classe non è visto solo come un prezioso strumento educativo in termini di "partecipazione alla vita culturale", come formulato nell'attuale messaggio culturale. È stato dimostrato che obiettivi educativi come le abilità sociali, la concentrazione e l'attenzione sono molto favoriti dal fare musica insieme. Zumstein ha scoperto che i corsi di musica sono più popolari nei quartieri con un'alta percentuale di immigrati rispetto ai quartieri più istruiti. Raggiungere i quartieri svantaggiati dal punto di vista educativo ha probabilmente anche un alto valore integrativo.

In otto workshop paralleli, i visitatori hanno avuto modo di conoscere i vari aspetti e le forme di "Klamu" da parte di diversi esperti. Nel corso di dibattiti e dimostrazioni individuali, i visitatori hanno potuto farsi un'idea del lavoro pratico. Elisabeth Karrer ha trattato il tema della musica e della creazione di musica in classe nell'ambito del Curriculum 21 e lo specialista tedesco di Jeki Achim Tang ha presentato un'unità sulla "creazione di musica sperimentale in classe". Michaela Hahn, docente per lo sviluppo delle scuole di musica in Austria, ha ampliato la visione degli obiettivi e delle sfide in tutto il mondo di lingua tedesca.

L'esperta insegnante di scuola primaria e direttrice Idil Calis ha parlato apertamente del malessere della musica nelle scuole primarie. Ha insegnato musica per 25 anni nei suoi 38 anni di carriera, "ma in realtà non sono musicale... Per me, suonare in classe è la cosa migliore che mi sia capitata in tutta la mia carriera".

Con "Klamu", le scuole elementari hanno ora la possibilità di risolvere il loro problema latente di insegnamento della musica e le scuole di musica hanno accesso a un segmento di clienti più ampio, che possono poi considerare come giovani talenti: una classica situazione win-win.

Dal 2013 il Cantone dei Grigioni mette a disposizione degli artisti grigionesi un monolocale a Vienna. Durante una fase pilota nel 2019 e nel 2021, i professionisti della cultura dei Grigioni avranno ora l'opportunità di utilizzare anche un monolocale a Roma. Questo sarà utilizzato alternativamente dai Cantoni San Gallo e Grigioni e dal Principato del Liechtenstein. L'affittuario principale è il Cantone di San Gallo.

Il monolocale arredato (3 stanze) si trova nel quartiere di San Lorenzo, in via dei Latini 18, ed è disponibile per un periodo di sei mesi (1° giugno - 30 novembre 2019 e 1° giugno - 30 novembre 2021). Il Cantone dei Grigioni mette a disposizione degli artisti lo studio a titolo gratuito e versa un contributo mensile di 2.000 franchi per le spese di soggiorno.

Sono invitate le candidature di artisti professionisti che risiedono nel Cantone dei Grigioni o che hanno stretti legami con il Cantone dei Grigioni o con la cultura grigionese. Le candidature sono aperte a tutte le discipline e non ci sono limiti di età. Il termine di presentazione delle domande per l'Atelier Rom 2019 è venerdì 26 ottobre 2018 (fa fede il timbro postale).
 

Secondo il comunicato stampa del Cantone di San Gallo, il Klanghaus, con il suo programma ampliato, sarà più strettamente integrato nella regione turistica. Inoltre, la Fondazione Klangwelt Toggenburg intende gestire in futuro il centro a proprie spese nell'ambito di un nuovo modello di finanziamento. La prima proposta per la costruzione del Klanghaus Toggenburg non ha raggiunto la maggioranza qualificata richiesta nella votazione finale del Consiglio cantonale nel marzo 2016.

Il governo ha quindi dato la possibilità a una task force regionale di rivedere il progetto senza ripetere i lunghi processi di approvazione. I membri della task force sono la Fondazione Klangwelt Toggenburg, la regione Toggenburg, il comune di Wildhaus-Alt St. Johann e Toggenburg Tourism, nonché l'Università di Scienze Applicate (HTW) di Coira.

Il governo ha adottato il messaggio rivisto per il Consiglio cantonale a metà agosto. Il Parlamento discuterà il disegno di legge nel novembre 2018 e nel febbraio 2019. Se il Consiglio cantonale approverà il disegno di legge, l'elettorato dovrebbe votare su di esso il 30 giugno 2019.

Cosa?
Il Premio Giovani Orecchie è alla ricerca di programmi esemplari e innovativi per le nuove generazioni di pubblico. Quest'anno, per la prima volta, il Premio Giovani Orecchie ha un focus tematico curato dal comitato consultivo del netzwerk junge ohren: la diversità. Si tratta di programmi sostenibili che uniscono le persone attraverso attività musicali condivise. Inoltre, la seconda categoria del Premio Giovani Orecchie riconosce personalità di spicco nel panorama dell'educazione musicale.

Nel corso della sua ultima riunione, l'AKO ha adottato una dichiarazione sui contratti culturali 2020-2023 della Conferenza regionale di Berna-Mittelland (RKBM). In linea di principio, la commissione accoglie con favore i contributi di sostegno proposti per 15 istituzioni culturali. Ritiene positivo che anche le due nuove istituzioni aggiunte all'elenco nel maggio 2018, l'Orchestra svizzera di jazz di Berna e il Museo del castello di Jegenstorf, riceveranno ora contratti quadriennali.

Il Comitato concorda con la ripartizione dei costi presentata e con l'adesione alla regola precedente di una partecipazione ai costi del 12% per i Comuni regionali. Concorda inoltre con il maggiore onere aggiuntivo di 47.281 franchi svizzeri ciascuno per la Città di Berna per il 2020 e il 2021, dovuto al meccanismo di ammortizzazione proposto per i casi di rigore.

La Commissione sottolinea inoltre che in futuro, nell'assegnazione dei contributi di sostegno, si dovrebbe prestare maggiore attenzione alla distinzione tra costi di investimento e costi operativi delle istituzioni sostenute. Sarebbe quindi opportuno trovare un meccanismo che permetta di finanziare congiuntamente anche i costi di ristrutturazione o di investimento generale delle istituzioni, ad esempio attraverso un fondo. Finora il cofinanziamento dei comuni è avvenuto su base volontaria, come è avvenuto di recente per la ristrutturazione dello Stadttheater di Berna. Tuttavia, la Commissione non ritiene che ciò sia appropriato.
 

Questioni di potere, posizione, accesso e rappresentazione caratterizzano la produzione, la distribuzione e la ricezione della musica popolare di ieri e di oggi. Nella cultura hip-hop nigeriana, ad esempio, la globalizzazione del mercato pop rischia di far scomparire l'uso libero dei campioni: la pressione per l'adozione di norme internazionali sul copyright è diventata troppo forte. Oppure in Egitto, ai musicisti senza carta di credito viene negato l'accesso al mercato musicale online. "L'obiettivo di questa conferenza è esaminare scientificamente questi fenomeni e mettere in luce le complesse dinamiche in gioco", afferma Hannes Liechti dell'Università delle Arti di Berna, co-organizzatore della conferenza.

Il programma è caratterizzato da un'ampia varietà di argomenti e da una formazione internazionale. Oltre ai Paesi di lingua tedesca, presenteranno i loro risultati ricercatori provenienti da Stati Uniti, Turchia, Finlandia e altri Paesi. Jenny Mbaye, rinomata ricercatrice nel campo della musica e dei media della City University di Londra, darà il via alla conferenza con un discorso programmatico sulle pratiche musicali cosmopolite nell'Africa urbana. Le presentazioni sull'Eurovision Song Contest, sulla musica pop in un contesto post-socialista, sul ruolo della musica dopo la rivoluzione egiziana e sul significato della musica per i rifugiati afghani in Europa sono solo una piccola selezione del programma in lingua tedesca e inglese. Nel tentativo di ridurre il divario tra scienza, pratica musicale e presentazione mediatica, gli artisti Ali Gur Pir (Pakistan) e Umlilo (Sudafrica) risponderanno alle conferenze con interventi artistici. Infine, l'installazione "Arkestrated Rhythmachine Complexities" di ARKollektive rende visibile e udibile la complessa storia della diffusione del pop e dei ritmi pop, nonché le loro necessità tecniche.

La conferenza è organizzata in collaborazione con l'Università delle Arti di Berna, l'Istituto di Musicologia dell'Università di Berna e la rete di ricerca musicale Norient di Berna. Interventi artistici e un'installazione multimediale sonora accompagneranno il dibattito accademico.

Più informazioni: http://www.musik.unibe.ch/forschung/tagungen/poppowerpositions/index_ger.html

Il batterista jazz Lionel Friedli riceve il Premio Cultura 2018 della Città di Biel/Bienne in riconoscimento della sua esemplare carriera di musicista jazz. Vero e proprio ambasciatore della cultura di Bienne nel mondo, Lionel Friedli si esibisce regolarmente in tutta la Svizzera e all'estero (Stati Uniti, Europa, Asia, America Latina e Australia) e tiene più di 130 concerti all'anno.

Lionel Friedli è attivamente coinvolto in una ventina di formazioni e progetti musicali ed è aperto a un'ampia varietà di tendenze. È un maestro dell'improvvisazione libera e del jazz moderno e sperimentale. Nel 2015, la Fondation Suisa gli ha conferito il prestigioso Premio Jazz.

Allo stesso tempo, il consiglio comunale di Biel/Bienne conferisce all'Esposizione Svizzera di Scultura il Premio al Merito Culturale 2018 in riconoscimento del suo eccezionale impegno nelle arti visive. Grazie a questo evento, dal 1954 è possibile portare le opere di artisti famosi a Biel/Bienne, dove possono essere esposte in un contesto insolito.

La cerimonia di consegna del Premio Cultura Città di Biel/Bienne e del premio per meriti culturali si terrà il 30 ottobre 2018 nella Farelhaus e inizierà alle 18.30. L'ingresso è libero.
 

Avete voglia di fare un bel viaggio nella contea inglese del Somerset? L'arrangiatore e compositore Hywel Davies ci accompagna in questo viaggio con il sassofono tenore nel vibrante passato della musica popolare inglese. Ha arrangiato con successo alcune delle canzoni folk raccolte da Cecil Sharp e le ha arricchite con composizioni originali fresche e creative. Questa antologia con accompagnamento pianistico sonoro e puntuale - facile da padroneggiare anche per i non pianisti - è un ostacolo facile da superare per gli allievi con il massimo fattore di divertimento possibile e offre all'insegnante un potenziale di espansione nell'area dell'improvvisazione sulla base dei temi esistenti (ballate, canti di mare e canti di lavoro).

Altrettanto rinfrescanti sono gli schizzi per sassofono contralto e pianoforte. Tre schizzi latini di Mike Cornick. I tre brevi brani hanno uno swing latinoamericano, un tocco di malinconia da blues e tango e daranno agli ascoltatori molto piacere nelle serate di recital grazie all'interattività richiesta.

Altre trouvailles meritano di essere conosciute, tra cui il brano del giovane compositore di talento Linus Köhring dal titolo autobiografico Un viennese in America. Questo concerto di otto minuti per sassofono contralto e piccola orchestra tratta la musica dei due Paesi in modo stereotipato e ironico e termina, secondo il compositore, con un valzer "infernale".

 Il trio per sassofono contralto, violino e pianoforte di Aleksey Igudesman chiude in modo diverso e furioso. Porta a undici iè una composizione frizzante ed efficace che tiene conto dell'equilibrio tra sassofono e violino e richiede un'esecuzione strumentale vivace e di livello superiore.

Saxofonisticamente ancora più impegnativo è il Suite di Fazil Say per sassofono contralto e pianoforte, dedicato a Nobuya Sugawa. L'opera richiede flessibilità nell'affrontare le variazioni dei metri dispari e abilità tecniche nello slap, nel flutter-tonguing e nell'altissimo. L'arco dei sei movimenti è guidato da idee improvvisative, particelle musicali e una forma pittorica libera. Questa musica è piena di espressività e in una certa misura riflette anche l'atteggiamento impegnato del compositore, che è molto aperto al fare musica in modo libero.

Hywel Davies: Folk Roots per sassofono tenore e pianoforte, BH 13309, € 17,99, Boosey & Hawkes, Londra

Mike Cornick: Three Latin Sketches, Tre pezzi da concerto in stile latino-americano per sassofono contralto e pianoforte, UE 21712, € 16,95, Universal Edition, Vienna

Linus Köhring: Un viennese in America, concerto per sassofono contralto e piccola orchestra, riduzione per pianoforte, D 05490, € 16,95, Doblinger, Vienna 2017

Aleksey Igudesman: Take It To Eleven per sassofono contralto, violino e pianoforte, UED3667700, disponibile solo in download, Universal Edition, Vienna

Fazil Say: Suite per sassofono contralto e pianoforte op. 55, ED 22267, € 49,00, Schott, Mainz

"Carl Czerny è stato forse il più grande pianista che non si è quasi mai esibito e il più grande compositore che è caduto nell'oblio", scrive Iwo Zaluski nella prefazione alla nuova edizione della nona sonata per pianoforte di Czerny. Lo considera addirittura, insieme a Beethoven e Schubert, parte del "grande triumvirato" della sonata classica per pianoforte. Queste affermazioni sono ovviamente molto discutibili. Per quanto riguarda il "triumvirato", Haydn e Mozart non dovrebbero essere trascurati con tanta leggerezza. E non è nemmeno vero che Czerny sia stato dimenticato come compositore. Tuttavia, non sono necessariamente le sue sonate per pianoforte a venire in mente. Queste ultime, infatti, meriterebbero maggiore attenzione.

La sua nona in si minore op. 145 è stata ora ristampata da Iwo Zaluski per Doblinger. La struttura formale è insolita: sei movimenti, compresa una fuga libera alla fine. Ricorda più i tardi quartetti per archi di Beethoven che una sonata classica. Anche il linguaggio armonico è in alcuni punti insolitamente particolare. Le frasi melodiche sono molto espansive, soprattutto nel terzo movimento lento (Adagio molto espressivo) - probabilmente il culmine dell'opera - che è caratterizzato da un respiro quasi sinfonico.
Sorprendentemente, è la realizzazione pianistica di questa musica a fare l'impressione più debole. Sebbene la scrittura pianistica sia facile da eseguire, soffre del fatto che le numerose frasi di accompagnamento suonano stereotipate e poco fantasiose.

Se si vuole sperimentare il compositore Czerny "al suo meglio", è meglio raggiungere l'opera a quattro mani Grande Sonata in Fa minore op. 178, un'opera insolitamente appassionata e colorata, interamente nello spirito della Appassionata del suo maestro Beethoven.

Carl Czerny: Sonata n. 9 in si minore op. 145, a cura di Iwo Zaluski, Diletto Musicale DM 1470, € 18,95, Doblinger, Vienna 

Il fatto che Paul Huber (1918-2001) sia stato una personalità di spicco e importante per San Gallo non è stato dimostrato solo in occasione dello scoprimento della sua statua nell'Huberpärkli, di cui Thomas Scheitlin, sindaco di San Gallo, scrive nella sua prefazione al volume appena pubblicato sul compositore e insegnante di musica. Il gran numero di appassionati di musica che hanno partecipato al vernissage di questo libro, organizzato dalla Società Paul Huber, lo scorso febbraio, non lascia dubbi al riguardo.

La prima parte contiene uno schizzo biografico, redatto con amore da Hanspeter Spörri. Paul Huber nacque come secondogenito in una famiglia di contadini e dovette accettare la perdita del padre e della madre all'età di dieci anni. Si avvicinò alla musica classica attraverso la sua famiglia adottiva. La formazione al Conservatorio di Zurigo in pianoforte, organo, musica scolastica e materie teoriche, un breve viaggio a Parigi per studiare con Nadia Boulanger, l'elezione a direttore della scuola cantonale di San Gallo per canto e pianoforte, la formazione di una famiglia, i concerti e le tournée: Tappe di una vita appagante. Ha ricevuto molte onorificenze, tra cui un dottorato onorario dall'Università di Friburgo.

Un catalogo ragionato delle opere di Huber è stato pubblicato nel 1993, a cura di Max Lütolf e Bernhard Hangartner. Quest'ultimo lo ha ora completato insieme a Eva Martina Hanke in occasione del centenario della sua nascita. Contiene 460 titoli, con una particolare inclinazione per la musica sacra e un'affinità con la musica per fiati.

La valutazione della produzione compositiva di Huber che introduce il catalogo ragionato si basa in gran parte sulla prefazione di Max Lütolf del 1993: "Sebbene abbia ripetutamente cercato di accedere alla comprensione della musica moderna, il modernismo ... rimase insignificante nella sua opera", scrive; la personalità e la musica di Anton Bruckner furono il modello decisivo per Paul Huber durante tutta la sua vita.

Paul Huber - il compositore e la sua opera, a cura di Bernhard Hangartner, Eva Martina Hanke e Hanspeter Spörri, 233 p., fr. 29.50, VGS Verlagsgenossenschaft St. Gallen 2018, info@vgs-sg.ch, ISBN 978-3-7291-1167-7

30 anni fa, il titolo del primo libro di Brigitte Bryner-Kronjäger Esercitarsi è stupido (coautore Peter Schwarzenbach) di parlare dal cuore di generazioni di allievi. Tuttavia, chiunque abbia letto il libro si è subito reso conto che esercitarsi - a patto di farlo correttamente - non è stupido, ma può essere divertente. Questo studio completo e, all'epoca, rivoluzionario, capovolgeva e metteva nella giusta luce alcuni concetti di pratica e insegnamento: era importante ripetere i successi, non soffermarsi sugli errori - questa era la quintessenza sorprendentemente evidente. 30 anni di esperienza come flautista e insegnante separano questo primo libro dal suo ultimo. Il mio salto nel mondo della musica. Sull'interazione tra audizione/pre-canto e pratica. Nel frattempo, l'autore ha pubblicato Sci di fondo (2001) e Punto di incontro per le lezioni (2010).

Il mio salto nel gioco può essere considerato un sunto del lavoro di Bryner-Kronjäger. L'opera è allo stesso tempo un libro di base, un testo di studio, un manuale di lavoro, una guida pratica e un'opera di riferimento per la pratica didattica e le esecuzioni. L'autore utilizza l'immagine di una casa della musica con una sala giochi, una sala prove, una sala ritmica, una sala gruppi e una sala concerti, un espediente per rendere il lettore consapevole di ciò che sta facendo musicalmente, in quale "stanza" si trova.

In primo luogo, il continuum tra apprendimento e gioco è illustrato con la figura otto, che intende simboleggiare l'interazione delle due attività. Il gioco non è quindi visto solo come il compimento e l'obiettivo della preparazione, ma è anche un prerequisito per una nuova pratica; si forma, per così dire, un ciclo. L'autore denuncia ripetutamente il fenomeno diffuso di mescolare la pratica e il gioco, una delle ragioni principali delle esperienze di fallimento.

È un libro di base perché fornisce informazioni di base dettagliate su ogni argomento. Per ogni capitolo sono presenti spiegazioni e definizioni. Le caratteristiche peculiari del suonare la musica sono enfatizzate rispetto ad altri tipi di esecuzione, i principi di base dell'apprendimento e della memorizzazione sono anteposti al principio della pratica, la respirazione e la postura sono oggetto di particolare attenzione, il concetto di ritmo è spiegato in dettaglio, il suonare e l'esercitarsi in gruppo sono supportati psicologicamente e l'esperienza del concerto è valutata sullo sfondo dei concetti di successo e fallimento e della paura del palcoscenico. Per ogni sezione sono fornite istruzioni per gli esercizi e liste di controllo che possono essere facilmente consultate.

Quest'opera completa per la didattica generale risparmia a ogni studente strumentale o vocale un sacco di lavoro, perché contiene tutto ciò che i futuri musicisti devono sapere sull'apprendimento e sul suonare.

L'appendice contiene una guida di stile di Heinrich Baumgartner, intitolata "Città della musica".

Brigitte Bryner-Kronjäger: Il mio salto nel suonare. Sull'interazione tra audizione/pre-canto e pratica,
288 p., € 34,00, Musikverlag Burkhard Muth, Fernwald 2017, ISBN 978-3-929379-45-7

Per coloro che si stropicciano gli occhi quando guardano questa partitura, va detto subito: sì, è il compositore di Tosca o Turandote no - le 7 sonate, i 6 versetti e le 4 marce qui pubblicate hanno poco a che fare con lo stile di Puccini così come lo conosciamo dal palcoscenico dell'opera. Discendente di una famiglia di musicisti che ha plasmato la vita musicale della città di Lucca per quattro generazioni - il padre era, tra l'altro, organista della cattedrale - Giacomo Puccini entrò certamente in contatto con la musica sacra in tenera età, imparò a suonare l'organo e fece la sua prima apparizione pubblica come organista. Dal 1872 al 74 fu impiegato come organista aggiunto presso la cattedrale e lavorò presso la chiesa di San Girolamo fino al 1882. A questo periodo sembrano risalire anche le 61 opere organistiche finora inedite, di cui Carus presenta qui un'edizione selezionata; una pubblicazione completa sembra essere prevista nella Puccini Complete Edition.

Anche se si avverte ancora poco della successiva raffinatezza tonale di Puccini, con questi lavori egli si inserisce in una tradizione caratterizzata da compositori come Vincenzo Petrali o Padre Davide da Bergamo: Piccoli movimenti vivaci che ricordano la musica per ottoni o le opere di Rossini, brevi e di facile esecuzione, che rivelano un compositore sicuro di sé che già scriveva con disinvoltura e che qua e là accenna persino a un ritorno a uno stile più "serio" di composizione di musica da chiesa. Per inciso, anche l'organista olandese Liuwe Tamminga, che lavora a Bologna, ha pubblicato una registrazione di queste opere con l'etichetta Passacaille (PAS 1029). Grazie agli organi che Puccini potrebbe aver conosciuto o suonato, dà una buona impressione di come anche la musica che sembra un po' semplice sulla carta possa essere orchestrata magnificamente su uno strumento adatto. Una preziosa aggiunta al repertorio italiano, per una volta di un grande e noto compositore, versatile per l'uso nelle funzioni religiose e nei concerti - e di sicuro successo!

Giacomo Puccini: Sonata, Versetti, Marce - Opere organistiche scelte, a cura di Virgilio Bernardoni, CV 18190, € 28,00, Carus, Stoccarda 2018

Nella sua dichiarazione sull'argomento, il Presidente Berset ha affermato che le società sono forti quando il maggior numero possibile di persone può contribuire con il proprio potenziale. Ha sottolineato l'importanza sociale della cultura. Più le nostre società diventano diverse, più abbiamo bisogno di cultura per riflettere questa complessità e riconoscerci in essa.

Oltre al Presidente Berset, hanno preso parte ai colloqui ufficiali il Granduca di Lussemburgo, il Principe ereditario Alois von und zu Liechtenstein, il Re del Belgio, il Presidente austriaco Alexander Van der Bellen e il Presidente tedesco Frank-Walter Steinmeier. Si è discusso, tra l'altro, dell'importanza della cooperazione internazionale per risolvere le questioni globali, della pressione sulle istituzioni statali e della cooperazione europea. Si è discusso anche di politica migratoria.

Su invito del Presidente Berset e di sua moglie Muriel Zeender Berset, anche le consorti dei capi di Stato dei Paesi di lingua tedesca hanno partecipato all'incontro a sei nei Grigioni. L'evento si è concluso con una visita al teatro Origen sul Passo dello Julier. Gli incontri annuali dei capi di Stato di lingua tedesca si tengono dal 2004 e sono ospitati alternativamente dai Paesi partecipanti. L'ultima volta che la Svizzera ha ospitato l'evento è stato nel 2012.

Johann Benjamin Gross (1809-1848) fu violoncellista principale del Gewandhaus di Lipsia e dal 1837 suonò nell'orchestra imperiale di San Pietroburgo. Fino a poco tempo fa, le opere di questo contemporaneo di Mendelssohn e Schumann erano quasi completamente dimenticate. Il virtuoso della scrittura dedicò la maggior parte delle sue composizioni al proprio strumento, ma scrisse anche diversi quartetti d'archi, essendo il partner cameristico del famoso violinista belga Henri Vieuxtemps in Russia.

Pan-Verlag ha pubblicato per la prima volta diverse opere di Gross. Tre edizioni in particolare meritano di essere menzionate:

• I tre movimenti Sonata in do maggiore per due violoncelli si muove all'interno del 1° e del 5° registro, dove il compositore sfrutta abilmente le possibilità tonali della gamma limitata. Grazie alle facili esigenze tecniche, l'opera si presta bene all'insegnamento. Un piccolo inconveniente di questa prima edizione: contiene due parti singole, ma non la partitura.

• Il Capriccio op. 6 (Pan 1602) su un tema dell'opera di Étienne-Nicolas Méhul Giuseppe in Egitto per violoncello e basso è un efficace brano virtuoso che, con la sua forma di variazione, corrisponde allo spirito del primo Romanticismo. Mentre la parte solista richiede una brillante tecnica d'arco e una sicura posizione del pollice, alla parte del basso è assegnata una funzione di puro accompagnamento.
• Il Sonata in si minore op. 7 per violoncello e pianoforte (Pan 1603) è stilisticamente vicino a Mendelssohn e rappresenta un significativo arricchimento del repertorio per duo della prima metà del XIX secolo. Insieme alle canzoni e al Quartetto per archi in fa minore op. 37.3, è stato registrato dall'etichetta Laborie Records (interpreti: Quatuor Mosaïques; Michael Dahmen, baritono; Yoko Kaneko, pianoforte; Christophe Coin, violoncello).

Johann Benjamin Gross: Sonata in do maggiore per 2 violoncelli, a cura di Folckert Lüken-Isberner, PAN 1600, € 10,00, Pan, Kassel

id.: Capriccio op. 6 per violoncello e basso, PAN 1602, € 16,00

id.: Sonata in si minore op. 7 per violoncello e pianoforte, PAN 1603, € 19,00

Le cose spettacolari a volte sono poco appariscenti. La semplice copertina arancione è priva di foto. Cercherete invano i nomi dei solisti. Il direttore d'orchestra Rudolf Lutz e la sua orchestra della Fondazione J.S. Bach di San Gallo, che suona su strumenti d'epoca, si dedicano all'argomento in questione: un'esecuzione completa delle opere vocali di Bach nell'arco di 25 anni, comprese le registrazioni audio e video (vedi Sgiornale musicale svizzero 9/2009, p. 14 s.).

Dal punto di vista musicale, il ventesimo CD di questo ambizioso progetto è un grande successo. La chiarezza del testo è eccellente in ogni sua parte. Il coro della Fondazione J.S. Bach brilla per agilità e trasparenza, mentre i solisti colpiscono per il loro abile fraseggio e i numerosi colori tonali. Nella cantata BWV 96 Signore Cristo, l'unico e solo Figlio di Dio L'ospite speciale Maurice Steger disegna elaborate linee sul flauto dolce sopranino. Il veloce coro iniziale è leggero e danzante. Le note distese dell'orchestra sono vivaci, l'articolazione è sempre eloquente. Il contralto di Jan Börner è altrettanto commovente del soprano zoppicante di Noëmi Sohn Nad. Anche le arie sono in buone mani con Hans Jörg Mammel (tenore) e Wolf Matthias Friedrich (basso).

Nella cantata leggera BWV 67 Ricordare Gesù Cristo il coro ispira con una coloratura rilassata. E quando il basso Dominik Wörner intona il suo calmo saluto di pace alle anime in pena del coro e dell'orchestra, il risultato è di grande teatralità. Nella cantata Dovremmo già lodare Cristo BWV 121 è accentuato da Andreas Holm all'oboe d'amore, mentre Johannes Kaleschke (tenore) esegue la coloratura nell'aria O creatura esaltata da Dio scintille. Solo i corali finali sembrano un po' in affanno in questa stimolante interpretazione di Bach, che enfatizza tempi fluidi e grande agilità. Ma questo non può rovinare l'eccellente impressione generale.