Da molti decenni ormai, la casa editrice viennese Doblinger sorprende i lettori con le sue Diletto Musicale con rarità musicali di quattro secoli. In questo caso, si tratta di due sinfonie di Michael Haydn - il "fratello minore" del grande classico, che viene eseguito ancora troppo raramente nella vita concertistica.

Con due oboi, due corni e archi in un ensemble relativamente piccolo, si tratta di opere gratificanti, se non altro per la facilità di gestione della tonalità di re maggiore. Questo vale soprattutto per la Sinfonia MH 287 con il suo fugato conclusivo, che sembra un'anticipazione del ben più pesante finale della Sinfonia Jupiter di Mozart. La notazione pulita delle partiture faciliterà le prove.

Tuttavia, le edizioni non si rivelano "pronte all'uso", ma richiedono un'attenta regolazione dell'articolazione nei passaggi paralleli, a volte anche alcune correzioni e aggiunte: nel primo movimento di MH 287, ad esempio, lo staccato (battuta 99, cfr. battuta 1) e la necessaria "a" (battuta 103, cfr. battuta 6) nei fiati. Inoltre, legature, punti e cunei non sono armonizzati, dando luogo a situazioni strane che potrebbero corrispondere alla fonte principale (un insieme di parti), ma che avrebbero richiesto una chiara decisione da parte del redattore - si vedano le battute 2 e 45, nonché 39 e seguenti del secondo movimento, e la battuta 217 (cfr. battuta 75) del terzo movimento.

Colpisce anche il fatto che apparentemente non esistono linee guida generali per l'intera serie: Un'edizione si presenta con punti metallici rotondi, l'altra con punti quadrati. Nonostante le gioie della scoperta, in questi casi vorrei avere la mano ordinata di un editore.

Michael Haydn: Sinfonia in re maggiore (MH 24 / Perger deest), a cura di Michaela Freemanová, DM 1453 (partitura € 26,35; set di parti € 63,80), Doblinger, Vienna

id.: Sinfonia in re maggiore (MH 287 / Perger 43), a cura di Wolfgang Danzmayr, DM 1454 (partitura € 30,70; set di parti).
€ 75.90)

Ad oggi, nessuna delle relativamente poche compositrici del XIX secolo è riuscita a raggiungere le vette dei colleghi uomini. Le produzioni di donne di pari livello sono ancora delle curiosità nel mondo dei concerti; metterle in evidenza in un programma, per quanto meritevole e onorevole, equivale a una stigmatizzazione involontaria. Una donna che in vita fu riconosciuta e apprezzata dal pubblico e dai colleghi fu la compositrice Emilie Mayer (1812-1883), originaria del Meclemburgo.

La sua opera è notevole; era considerata molto ambiziosa e laboriosa, tanto da sacrificare la propria famiglia alla sua arte. La sua vita fu caratterizzata da otto sinfonie, dodici quartetti per archi, musica da camera per pianoforte, quindici ouverture da concerto, sonate per violino e violoncello, opere per pianoforte, un singspiel basato su Goethe, canzoni e cori a quattro voci, una vivace vita concertistica, una casa a Berlino aperta a personaggi della società e a concerti, e il rispetto di uomini e donne.

È difficile capire perché lei e la sua opera siano tornate a essere così silenziose, dato che contengono tutto ciò che fa buona musica: padronanza tecnica e strumentale, temi immediatamente concisi e comprensibili, raffinatezza, innovazione, cantabilità e un sapore specificamente individuale. Si potrebbe obiettare che non era diversa da molti compositori del suo tempo, come Friedrich Gernsheim, quindi la storia non è giusta. Ma perché sulle pedane dei concerti delle buone orchestre non si ascolta la grande e travolgente Quinta Sinfonia in fa minore, bensì per l'ennesima volta Brahms, accanto al quale non ha bisogno di nascondersi, ma potrebbe quasi essere scambiato per lui? Purtroppo gli organizzatori e i direttori di concerti sono spesso troppo disinteressati o ignoranti. Purtroppo, la compositrice non ha nemmeno un sostenitore impegnato sotto forma di una Società Emilie Mayer, che deve ancora essere fondata!

Dodici quartetti per archi del periodo tardo-romantico sono un numero insolitamente elevato; la Mayer fu quindi intensamente coinvolta in questo genere. Essi risalgono alla sua prima fase compositiva, l'ultimo dei quali, l'op. 14 in sol minore, fu pubblicato nel 1858, quando la Mayer era ormai un maestro pienamente maturo del suo mestiere che amava riferirsi a Beethoven in questo periodo. Mentre i due quartetti per pianoforte e i trii per pianoforte sono stati registrati, non esistono registrazioni dei quartetti per archi. La presente partitura è caratterizzata da un'architettura cristallina, voci equilibrate, unità formale e bei temi. Non ci sono intrecci o intrecci complessi come nelle opere di Schumann. Non è nemmeno modellata sul tardo Beethoven, ma al massimo sul Beethoven medio. È certamente un brano che vale la pena di riscoprire. È solo un peccato che l'edizione Furore continui a fare affidamento su un aspetto esteriore davvero poco attraente e metta il grande contenuto in una copertina scadente, dietro la quale non ci si può aspettare alcun gioiello.

Emilie Mayer: Quartetto per archi in mi minore, a cura di Heinz-Mathias Neuwirth, prima edizione, fue 10056, € 39,90, furore-Edition, Kassel

Johann Benjamin Gross (1809-1848) fu violoncellista principale del Gewandhaus di Lipsia e dal 1837 suonò nell'orchestra imperiale di San Pietroburgo. Fino a poco tempo fa, le opere di questo contemporaneo di Mendelssohn e Schumann erano quasi completamente dimenticate. Il virtuoso della scrittura dedicò la maggior parte delle sue composizioni al proprio strumento, ma scrisse anche diversi quartetti d'archi, essendo il partner cameristico del famoso violinista belga Henri Vieuxtemps in Russia.

Pan-Verlag ha pubblicato per la prima volta diverse opere di Gross. Tre edizioni in particolare meritano di essere menzionate:

• I tre movimenti Sonata in do maggiore per due violoncelli si muove all'interno del 1° e del 5° registro, dove il compositore sfrutta abilmente le possibilità tonali della gamma limitata. Grazie alle facili esigenze tecniche, l'opera si presta bene all'insegnamento. Un piccolo inconveniente di questa prima edizione: contiene due parti singole, ma non la partitura.

• Il Capriccio op. 6 (Pan 1602) su un tema dell'opera di Étienne-Nicolas Méhul Giuseppe in Egitto per violoncello e basso è un efficace brano virtuoso che, con la sua forma di variazione, corrisponde allo spirito del primo Romanticismo. Mentre la parte solista richiede una brillante tecnica d'arco e una sicura posizione del pollice, alla parte del basso è assegnata una funzione di puro accompagnamento.
• Il Sonata in si minore op. 7 per violoncello e pianoforte (Pan 1603) è stilisticamente vicino a Mendelssohn e rappresenta un significativo arricchimento del repertorio per duo della prima metà del XIX secolo. Insieme alle canzoni e al Quartetto per archi in fa minore op. 37.3, è stato registrato dall'etichetta Laborie Records (interpreti: Quatuor Mosaïques; Michael Dahmen, baritono; Yoko Kaneko, pianoforte; Christophe Coin, violoncello).

Johann Benjamin Gross: Sonata in do maggiore per 2 violoncelli, a cura di Folckert Lüken-Isberner, PAN 1600, € 10,00, Pan, Kassel

id.: Capriccio op. 6 per violoncello e basso, PAN 1602, € 16,00

id.: Sonata in si minore op. 7 per violoncello e pianoforte, PAN 1603, € 19,00

"Carl Czerny è stato forse il più grande pianista che non si è quasi mai esibito e il più grande compositore che è caduto nell'oblio", scrive Iwo Zaluski nella prefazione alla nuova edizione della nona sonata per pianoforte di Czerny. Lo considera addirittura, insieme a Beethoven e Schubert, parte del "grande triumvirato" della sonata classica per pianoforte. Queste affermazioni sono ovviamente molto discutibili. Per quanto riguarda il "triumvirato", Haydn e Mozart non dovrebbero essere trascurati con tanta leggerezza. E non è nemmeno vero che Czerny sia stato dimenticato come compositore. Tuttavia, non sono necessariamente le sue sonate per pianoforte a venire in mente. Queste ultime, infatti, meriterebbero maggiore attenzione.

La sua nona in si minore op. 145 è stata ora ristampata da Iwo Zaluski per Doblinger. La struttura formale è insolita: sei movimenti, compresa una fuga libera alla fine. Ricorda più i tardi quartetti per archi di Beethoven che una sonata classica. Anche il linguaggio armonico è in alcuni punti insolitamente particolare. Le frasi melodiche sono molto espansive, soprattutto nel terzo movimento lento (Adagio molto espressivo) - probabilmente il culmine dell'opera - che è caratterizzato da un respiro quasi sinfonico.
Sorprendentemente, è la realizzazione pianistica di questa musica a fare l'impressione più debole. Sebbene la scrittura pianistica sia facile da eseguire, soffre del fatto che le numerose frasi di accompagnamento suonano stereotipate e poco fantasiose.

Se si vuole sperimentare il compositore Czerny "al suo meglio", è meglio raggiungere l'opera a quattro mani Grande Sonata in Fa minore op. 178, un'opera insolitamente appassionata e colorata, interamente nello spirito della Appassionata del suo maestro Beethoven.

Carl Czerny: Sonata n. 9 in si minore op. 145, a cura di Iwo Zaluski, Diletto Musicale DM 1470, € 18,95, Doblinger, Vienna 

Per coloro che si stropicciano gli occhi quando guardano questa partitura, va detto subito: sì, è il compositore di Tosca o Turandote no - le 7 sonate, i 6 versetti e le 4 marce qui pubblicate hanno poco a che fare con lo stile di Puccini così come lo conosciamo dal palcoscenico dell'opera. Discendente di una famiglia di musicisti che ha plasmato la vita musicale della città di Lucca per quattro generazioni - il padre era, tra l'altro, organista della cattedrale - Giacomo Puccini entrò certamente in contatto con la musica sacra in tenera età, imparò a suonare l'organo e fece la sua prima apparizione pubblica come organista. Dal 1872 al 74 fu impiegato come organista aggiunto presso la cattedrale e lavorò presso la chiesa di San Girolamo fino al 1882. A questo periodo sembrano risalire anche le 61 opere organistiche finora inedite, di cui Carus presenta qui un'edizione selezionata; una pubblicazione completa sembra essere prevista nella Puccini Complete Edition.

Anche se si avverte ancora poco della successiva raffinatezza tonale di Puccini, con questi lavori egli si inserisce in una tradizione caratterizzata da compositori come Vincenzo Petrali o Padre Davide da Bergamo: Piccoli movimenti vivaci che ricordano la musica per ottoni o le opere di Rossini, brevi e di facile esecuzione, che rivelano un compositore sicuro di sé che già scriveva con disinvoltura e che qua e là accenna persino a un ritorno a uno stile più "serio" di composizione di musica da chiesa. Per inciso, anche l'organista olandese Liuwe Tamminga, che lavora a Bologna, ha pubblicato una registrazione di queste opere con l'etichetta Passacaille (PAS 1029). Grazie agli organi che Puccini potrebbe aver conosciuto o suonato, dà una buona impressione di come anche la musica che sembra un po' semplice sulla carta possa essere orchestrata magnificamente su uno strumento adatto. Una preziosa aggiunta al repertorio italiano, per una volta di un grande e noto compositore, versatile per l'uso nelle funzioni religiose e nei concerti - e di sicuro successo!

Giacomo Puccini: Sonata, Versetti, Marce - Opere organistiche scelte, a cura di Virgilio Bernardoni, CV 18190, € 28,00, Carus, Stoccarda 2018

Melodie ben note tratte da opere, balletti e musica da camera russi del XIX e XX secolo (Čajkovskij, Borodin, Prokofiev, Rimsky-Korsakov, Mussorgsky, Shostakovich e Khachaturian) sono qui arrangiate per due parti di violino di media difficoltà. Il materiale melodico e l'accompagnamento sono divisi tra i due esecutori.

Le diteggiature nella partitura del duo devono essere migliorate o integrate in alcuni punti. È molto motivante suonare questi brani stimolanti, che a loro volta incoraggiano la volontà di soddisfare i requisiti tecnici (sequenze cromatiche, gioco ritmico, armonici, pizzicati).

David Brooker: Classical Favourites from Russia, arr. per due violini, UE 36749, € 16,95, Universal Edition Vienna 2017

Le cose spettacolari a volte sono poco appariscenti. La semplice copertina arancione è priva di foto. Cercherete invano i nomi dei solisti. Il direttore d'orchestra Rudolf Lutz e la sua orchestra della Fondazione J.S. Bach di San Gallo, che suona su strumenti d'epoca, si dedicano all'argomento in questione: un'esecuzione completa delle opere vocali di Bach nell'arco di 25 anni, comprese le registrazioni audio e video (vedi Sgiornale musicale svizzero 9/2009, p. 14 s.).

Dal punto di vista musicale, il ventesimo CD di questo ambizioso progetto è un grande successo. La chiarezza del testo è eccellente in ogni sua parte. Il coro della Fondazione J.S. Bach brilla per agilità e trasparenza, mentre i solisti colpiscono per il loro abile fraseggio e i numerosi colori tonali. Nella cantata BWV 96 Signore Cristo, l'unico e solo Figlio di Dio L'ospite speciale Maurice Steger disegna elaborate linee sul flauto dolce sopranino. Il veloce coro iniziale è leggero e danzante. Le note distese dell'orchestra sono vivaci, l'articolazione è sempre eloquente. Il contralto di Jan Börner è altrettanto commovente del soprano zoppicante di Noëmi Sohn Nad. Anche le arie sono in buone mani con Hans Jörg Mammel (tenore) e Wolf Matthias Friedrich (basso).

Nella cantata leggera BWV 67 Ricordare Gesù Cristo il coro ispira con una coloratura rilassata. E quando il basso Dominik Wörner intona il suo calmo saluto di pace alle anime in pena del coro e dell'orchestra, il risultato è di grande teatralità. Nella cantata Dovremmo già lodare Cristo BWV 121 è accentuato da Andreas Holm all'oboe d'amore, mentre Johannes Kaleschke (tenore) esegue la coloratura nell'aria O creatura esaltata da Dio scintille. Solo i corali finali sembrano un po' in affanno in questa stimolante interpretazione di Bach, che enfatizza tempi fluidi e grande agilità. Ma questo non può rovinare l'eccellente impressione generale.

Questo CD è un "affare di famiglia" secondo il libretto; questo affare di famiglia ha un programma che è accennato nel titolo del CD: Costellazioni Ardenti - costellazioni luminose; questo titolo si riferisce a sua volta al brano Ori, che il compositore bernese Jean-Luc Darbellay (*1946) ha scritto nel 2007 per i suoi due figli Noëlle-Anne (violino, viola, voce) e Olivier (corno). Ori si riferisce a Orione, una costellazione il cui centro di potere si trova nella stella Betelgeuse, una stella gigante con un diametro mille volte superiore a quello del nostro sole. Il brano, della durata di undici minuti, è come un campo sonoro gravitazionale creato dal corno e dal violino, che orbitano l'uno intorno all'altro con movimenti alternati, scintillanti, carezzevoli e contrastanti.

Per gli stessi interpreti, il compositore zurighese Stefan Wirth (*1975) ha scritto il brano Lunette elettriche (2012). In esso, Wirth non intendeva tanto un dialogo tra violino e corno quanto piuttosto connessioni e fusioni dei due strumenti in un nuovo suono. Ad esempio, le lingue svolazzanti del corno vengono riprese dai tremoli del violino e si creano costantemente nuove combinazioni di colori nello spettro dei toni dei due strumenti. Verso la fine del brano, gli strumenti si uniscono in un passaggio di tipo corale, in cui la voce del violinista si unisce al suono del corno e del violino, con un vocalizzo su "lunules électriques" dalla poesia di Rimbaud Il bateau ivre.

Il programma è arricchito da due trii romantici: il Quatre Petites Pièces di Charles Koechlin (1867-1950) e il Trio op. 40 di Johannes Brahms (1833-1897). Le quattro miniature di Koechlin, allievo di Fauré, furono composte tra il 1890 e il 1909 e sono un ricordo sognante e struggente del profumo di fine secolo. La versione per la strumentazione standard, violino, corno e pianoforte, è stata seguita da un'altra con la viola al posto del violino, e l'opera è stata registrata qui in questa versione raramente ascoltata e straordinariamente bella.

Il CD è incentrato sull'opera 40 di Brahms per pianoforte, violino e corno francese. L'autore scrisse questo trio riflessivo in uno stato d'animo di profondo lutto per la morte della madre.

L'interpretazione è un colpo di fortuna: i due fratelli Darbellay sono affiancati dall'eccellente pianista svizzero Benjamin Engeli, anch'egli proveniente da una famiglia di musicisti. I tre suonano insieme in modo potente, sottile e tecnicamente impeccabile.

Nata a Londra nel 1967, Rebecca Saunders ha studiato con Nigel Osborne a Edimburgo e con Wolfgang Rihm a Karlsruhe. La sua musica è sinonimo di "gesti e suoni musicali raffinati, l'esplorazione di timbri mai sentiti prima e la spazializzazione delle progressioni musicali". È stata insignita, tra gli altri, del Premio musicale Mauricio Kagel e del Premio musicale Ernst von Siemens.

Dal 2003, ogni due anni viene commissionata un'opera a un compositore di fama mondiale nell'ambito delle "Roche Commissions". La Saunders è stata scelta da Roche su suggerimento del direttore artistico del Lucerne Festival. La prima mondiale della sua opera avrà luogo durante il Festival estivo del 2020.

Il regista franco-svizzero Georges Gachot ha realizzato alcuni film notevoli che ci avvicinano alle leggende della Música Popular Brasileira. Ha ritratto Maria Bethânia, Nana Caymmi e Martinho da Vila e nel farlo - come nel suo eccellente lungometraggio sulla pianista Martha Argerich, altrimenti schiva di fronte alla macchina da presa - ha creato una vicinanza intima e non affettata con questi protagonisti che contribuisce notevolmente alla nostra comprensione della loro musica. È proprio questo punto di forza che può utilizzare nel film Dove sei João Gilberto? non può essere interpretato. Ciò è dovuto in parte al concetto stesso del film, ma anche al significato artistico piuttosto dubbio del cantante oggetto della ricerca.

Gachot nasconde al pubblico Gilberto, che si nasconde deliberatamente al pubblico, in diversi modi. In primo luogo, lo avvicina solo indirettamente, raccontando la ricerca di qualcun altro: Il defunto giornalista tedesco Marc Fischer aveva fallito nel tentativo di avvicinarsi al pioniere della bossa nova e aveva scritto un libro al riguardo. Il film ripercorre anche il tentativo di Gachot di ripercorrere la ricerca di Fischer, il che significa che due assenti bloccano già l'accesso diretto al fenomeno Gilberto. In realtà ce n'è un terzo: Bebel, la figlia di Gilberto, che pare abbia avuto contatti con il padre durante le riprese, ma che rimane anch'essa un fantasma. Per lunghi tratti del film, tutto ciò che dobbiamo fare è seguire le banalità del viaggio, le telefonate che non portano da nessuna parte, le conversazioni che non producono alcun risultato, nemmeno con l'ex moglie di Gilberto, Miúcha. Impariamo un po' - troppo poco - sulla cultura della bossa nova da incontri episodici con i grandi dello stile, soprattutto Marcos Valle e Roberto Menescal, in cui la musica stessa viene talvolta - anch'essa troppo poco - menzionata.

Si potrebbe accettare tutto questo se il gioco a nascondino di João Gilberto avesse in realtà un significato estetico più profondo, in grado di gettare luce su un'epoca estremamente feconda della storia della musica brasiliana. Sebbene João Gilberto sia considerato uno dei padri della bossa nova, lo stile è stato influenzato in modo decisivo da altri, in particolare da Tom Jobim e Vinicius de Moraes, oltre che da Marcos Valle, Roberto Menescal, Carlos Lyra ed Edu Lobo, tra i tanti. Nel Brasile di oggi, oseremmo dire, João Gilberto non gode della stessa stima di cui gode tra il pubblico della vecchia e colta classe media europea del jazz e della world music. Alla maggior parte dei brasiliani probabilmente non importa dove e perché sia presumibilmente rintanato in una stanza d'albergo a Rio.

Questa ricerca di Gilberto, che sembra una sorta di negazione della realtà, è particolarmente irritante alla luce dell'attuale situazione politica e artistica del Brasile, estremamente instabile: Mentre tutto sembra andare a rotoli nel Paese, Gachot si sofferma su un aspetto secondario e irrilevante di un'epoca d'oro della Música Popular Brasileira ormai tramontata. Dove sei João Gilberto? diventa un film nostalgico ben fatto e a tratti suggestivo, ma con il tema sbagliato al momento sbagliato.
 

Il Consiglio musicale tedesco sostiene l'appello dei Consigli musicali statali di Renania Settentrionale-Vestfalia, Baviera, Brandeburgo, Berlino, Schleswig-Holstein e Turingia, nonché del Consiglio culturale della Renania Settentrionale-Vestfalia, che invitano i membri del Parlamento europeo a votare a favore della prevista direttiva UE sul copyright nel mercato unico digitale.

Nella votazione del 5 luglio, il Parlamento europeo ha votato a stretta maggioranza contro il mandato negoziale proposto dalla Commissione giuridica sulla prevista direttiva UE sul diritto d'autore nel mercato unico digitale. La posizione del Parlamento sarà ora discussa e votata nuovamente nella prossima sessione plenaria. I negoziati con la Commissione europea e il Consiglio europeo potranno iniziare solo dopo che il Parlamento avrà votato a favore della bozza.
 

Il premio è organizzato dalla neonata Verein zur Förderung der Klassischen Musik e.V. (Associazione per la promozione della musica classica). I membri fondatori sono l'Associazione degli Indipendenti Classici in Germania, Deutsche Grammophon, Konzertdirektion Dr Rudolf Goette, Dagmar Sikorski, Sony Music, Benedikt Stampa e Warner Music Group. La cerimonia di premiazione sarà trasmessa il 14 ottobre alle 22.00 dal media partner ZDF. 

L'associazione è stata fondata dopo che l'organizzatore dell'Echo, l'Associazione tedesca dell'industria musicale (BVMI), ha annunciato la fine di tutti i premi Echo nelle categorie pop, classica e jazz. Mentre le regole e la giuria del nuovo premio sono ancora basate su quelle dell'Echo Klassik in questo anno di transizione, l'associazione mira a sviluppare costantemente il nuovo premio per la musica classica sulla base del feedback dell'industria.