Senza i club non esisterebbe la scena musicale: un programma di musica dal vivo di alta qualità, innovativo e ambizioso è fondamentale per lo sviluppo artistico e il repertorio dei musicisti. I club con programmi di musica dal vivo facilitano l'incontro e l'interazione diretta con il pubblico e svolgono quindi un'importante funzione socioculturale. Tuttavia, i club che lavorano con artisti emergenti, in particolare, stanno sempre più lottando per sopravvivere a causa delle lamentele per il rumore, delle rigide regolamentazioni imposte dalle autorità e dei concorrenti commerciali senza un programma dal vivo. "Cheers!" sostiene finanziariamente i club di musica dal vivo, ma il premio contribuisce anche a sensibilizzare i comuni e i cantoni sui problemi dei club. Il finanziamento si concentra sui club musicali con un programma di musica dal vivo culturalmente eccezionale e un'alta percentuale di band nazionali e artisti emergenti. L'elevata risposta al primo invito a presentare proposte dello scorso anno, con 63 club svizzeri partecipanti, sottolinea la rilevanza del programma di finanziamento.

I club svizzeri possono candidarsi in due categorie (piccoli fino a 400 e medi fino a 1200 visitatori), che sono in funzione per almeno nove mesi all'anno e in cui la musica dal vivo svolge un ruolo significativo e identitario. L'attenzione deve essere rivolta al pop/rock/elettronica. Il programma dovrebbe includere una percentuale significativa di band svizzere. Il contenuto e la responsabilità finanziaria spettano al club.

Data di chiusura delle candidature: 21 agosto 2018

Linee guida e documenti di registrazione presso:
www.migros-kulturprozent.ch/de/foerderantrag/foerderbeitraege/popmusik
 

La cooperativa Künstlerhaus in Givisiez, responsabile del progetto, vorrebbe convertire gli edifici di Givisiez che è riuscita ad acquisire nel 2016 con il sostegno della Loterie Romande e di fondazioni private. L'obiettivo di questa struttura è creare un centro creativo multidisciplinare per gli artisti del Cantone di Friburgo, offrendo spazi di lavoro a canoni moderati.

Lo spazio per artisti così creato sarà aperto anche per eventi culturali. Strutture di questo tipo, già create in altri luoghi della Svizzera e all'estero, hanno avuto un impatto molto positivo sulla creazione artistica e sullo sviluppo culturale, scrive ancora il Cantone.

Il finanziamento è concesso con la consueta riserva dell'approvazione del bilancio 2019 da parte del Gran Consiglio. Sarà finanziato dal budget degli investimenti dell'Ufficio della cultura.
 

Nella stagione 2019/20, il Musikkollegium Winterthur organizza per la prima volta nella sua storia un concorso internazionale di composizione. Con il titolo "Concorso Rychenberg - Concorso internazionale di composizione", il Musikkollegium Winterthur intende rivolgersi a compositori di tutte le età e di tutti i Paesi. Gli interessati possono iscriversi fino al 31 luglio 2018 e presentare le loro composizioni entro la fine di marzo 2019. Le composizioni devono riguardare una delle tre serie fotografiche selezionate e messe a disposizione dal Fotomuseum Winterthur a questo scopo.

La giuria del concorso comprende i compositori Alfred Zimmerlin, Bettina Skrzypczak e Martin Wettstein, oltre al musicologo Roman Brotbeck e al direttore e trombettista principale del Musikkollegium Winterthur Pierre-Alain Monot. Tra le opere orchestrali presentate, la giuria selezionerà dieci opere per il primo turno, che il Musikkollegium Winterthur registrerà in video. Queste registrazioni video saranno pubblicate online nell'ottobre 2019 e il pubblico sarà invitato a votare online per una delle opere che riceverà il Premio del pubblico. Altri quattro premi saranno assegnati dalla giuria.

Il Concorso Rychenberg mira a promuovere la musica contemporanea e a continuare una tradizione iniziata nella prima metà del XX secolo. Sotto l'egida del mecenate Werner Reinhart, Winterthur divenne un centro di musica contemporanea di richiamo internazionale. Compositori come Anton Webern, Arnold Schönberg, Igor Stravinsky e Richard Strauss hanno composto per il Musikkollegium Winterthur e si sono esibiti con esso. Non solo compositori, ma anche esecutori e direttori d'orchestra di fama mondiale venivano a Winterthur su invito di Reinhart e spesso soggiornavano con lui nella Villa Rychenberg, che oggi è la sede del Musikkollegium Winterthur.

Ulteriori informazioni e condizioni di partecipazione:

www.rychenbergcompetition.ch
 

La giuria, composta da rappresentanti del Cantone di Lucerna, della Città di Lucerna e della Conferenza regionale della cultura RKK, ha valutato le candidature ricevute con la consulenza di esperti. I rappresentanti delle istituzioni Swiss Music Export e Rockförderverein Basel RFV sono stati consultati come esperti.

Il progetto "Other Music Lucerne" di Marcel Bieri, Lucerna, ha convinto la giuria in particolare "per le misure concretamente formulate e significative per la promozione dei musicisti lucernesi, per l'ampia e versatile rete nella scena musicale cantonale e nazionale, per una struttura associativa indipendente pianificata e per i molti anni di esperienza e di prestazioni".

Marcel Bieri ha iniziato come organizzatore culturale presso il centro culturale Braui Hochdorf ed è stato cofondatore dell'associazione B-Sides e dell'omonimo festival. Fino all'estate 2017 è stato corresponsabile del coordinamento generale; da allora è responsabile della direzione artistica e del networking.

Il Cantone, la città, la RKK e la Fondazione Koechlin sostengono la creazione del centro di mediazione musicale durante la fase pilota di tre anni con un contributo annuale di 60.000 franchi. Il contributo si baserà su un accordo di servizio con il Cantone, la città e la RKK.

A volte la genesi piuttosto insolita di un'opera può ostacolarne l'accesso, soprattutto quando viene invocata come giustificazione della sua esistenza. L'opera di Othmar Schoeck Castello di Dürande basato su un racconto di Joseph von Eichendorff, era stato a lungo consegnato ai cassetti "non toccarmi" della storia della musica. Fu eseguita per la prima volta nella Berlino nazista durante la Seconda Guerra Mondiale e fu commissionata dai nazisti. Inoltre, il libretto è stato scritto dall'ormai del tutto sconosciuto Hermann Burte, un poeta del sangue e del suolo di scarsa sottigliezza; è pieno di metafore sgraziate e rime di natura piuttosto rozza.

Per non perdere completamente la musica, un team guidato da Thomas Gartmann, capo del dipartimento di ricerca dell'Università delle Arti di Berna, ha azzardato una parziale ricontestualizzazione. In vista della prima esecuzione in concerto di questo arrangiamento da parte dell'autore Francesco Micieli e del direttore d'orchestra Mario Venzago, i media si sono quindi confrontati soprattutto con domande sulla posizione storica dell'opera e sulla sua riesecuzione.

È quindi comprensibile che il Teatro della città di Berna sia stato accolto con non poco scetticismo e molte altre obiezioni: Che senso ha un progetto del genere in un momento in cui i movimenti nazionalisti di destra in Europa sono di nuovo in crescita? Non è forse un tentativo di lavare il gioco sbagliato dai sospetti di appropriazione nazionalsocialista nel momento sbagliato? Queste risorse non potrebbero essere destinate, ad esempio, a una prima messa in scena dell'opera, socialmente molto più attuale, "La vita di un uomo"? Anello magico del compositore ticinese Francesco Hoch? E può riuscire a dare attualità a un'opera il cui linguaggio musicale sembrava essere fuori dal tempo quando fu scritta?

Dopo poche battute, tuttavia, tali temi sembrano lontani. L'Orchestra Sinfonica di Berna diretta da Venzago, il coro del Konzert Theater Bern e tutta una serie di eccellenti solisti (in ruoli minori anche dalle file del coro) riempiono lo spazio scenico fino allo sfondo. Anche senza una realizzazione scenica, la musica e la storia creano una suggestione a cui è difficile resistere.

Da un lato, Micieli ha sostituito le battute scadenti del libretto con brani tratti dalle opere di Eichendorff e, dall'altro, ha disinnescato asperità insignificanti cambiando le parole e apportando altri ritocchi. È proprio la commistione tra le citazioni di Eichendorff, che sostituiscono passaggi politicamente o esteticamente inaccettabili del libretto originale, e le battute originali di Burte, che in questo contesto appaiono stranamente ingombranti, a rendere questo spettacolo Castello di Dürande in un'opera enigmatica e intrecciata, contraddittoria nei suoi strati drammatici più profondi.

Inoltre, il ritocco conferisce ai conflitti della storia, che sono stati masticati innumerevoli volte nel romanzo, un fascino proprio. A livello individuale: Il fratello crede di dover ripristinare l'onore della famiglia e uccide la sorella e il suo amante, socialmente superiore, coinvolto in un errore di valutazione sulla sincerità dei sentimenti del conte che ricorda i motivi delle tragedie greche. E sul piano sociale: la distruzione del castello di Dürande diventa un topos ottocentesco dei conflitti tra movimenti rivoluzionari e oligarchie aristocratiche, compreso l'attentato suicida finale.

L'intenzione del progetto potrebbe essere stata motivata dalla storia della musica. Il risultato, tuttavia, è un altro: ricorda in qualche modo i metodi postmoderni di intertestualità, che ancora una volta si sono allontanati dall'attualità. Il poema di Eichendorff, ad esempio, si intreccia con il nuovo libretto In un terreno fresco. In Germania, quando Hitler prese il potere, i Comedian Harmonists, a cui era stato vietato di esibirsi a causa dei loro membri "non ariani", lo resero estremamente popolare. Di conseguenza, le associazioni esterne si infiltrano costantemente nella nuova versione.

La revisione Castello di Dürande può probabilmente essere onorata solo se viene distaccata dalle circostanze della sua creazione e rielaborazione e percepita come un'opera d'arte autonoma. Ironicamente, il fatto che il tentativo di riabilitazione si riferisca così intensamente alla storia della sua creazione potrebbe portarlo a fallire due volte a causa di un malinteso: in primo luogo, al momento della prima nel tentativo di evitare l'appropriazione; in secondo luogo, per quanto riguarda la nuova versione, nel tentativo di presentarla come una liberazione dai difetti storici. Sarà interessante vedere come il regista Ansgar Haag affronterà la prevista messa in scena, prevista per il 2019 allo Staatstheater Meiningen. Il Castello di Dürande vi si legherà un corsetto di teatro musicale convenzionale, enfatizzando così l'impulso morale-didattico del progetto, o continueranno le rotture del linguaggio visivo e teatrale?

Da 27 anni Daniel Fontana, il fondatore del club, è impegnato in un programma musicale originale, vario e stimolante, sostenuto dal 1998 da Patrick Boschung. Con il loro programma annuale e il festival annuale - il Bad Bonn Kilbi - si sono fatti un nome e si sono guadagnati una reputazione che ha reso il comune di Düdingen rinomato a livello internazionale nella scena musicale e uno dei luoghi per concerti più ricercati del Paese.

Secondo il Cantone, Bad Bonn riunisce "musicisti svizzeri e stranieri che dettano nuove tendenze, nonché un vasto pubblico vicino e lontano e programmatori da tutto il mondo". Negli ultimi anni ha già ricevuto numerosi riconoscimenti per il suo programma particolarmente creativo in tutti i generi musicali (Gégé d'Or nel 2005, Atec nel 2009, applausi del Percento culturale Migros e della Fondazione Suisa nel 2017).

Il Premio statale per la cultura di Friburgo è stato istituito nel 1987 per "onorare una persona o un gruppo di persone che si sono distinte per il loro impegno nel campo della cultura o per premiare un operatore culturale per il suo lavoro complessivo". Il Premio per la cultura viene assegnato ogni due anni dal Consiglio di Stato. Nel 2016 è stato assegnato al pittore e artista Guy Oberson di Lentigny.

Secondo l'annuncio del Cantone di Berna, le lezioni individuali di strumento e di canto non sono più impartite in larga misura dagli insegnanti delle scuole secondarie. Le scuole autorizzano la frequenza di lezioni individuali di musica presso una scuola di musica o un insegnante di musica indipendente. L'esternalizzazione delle lezioni di musica non genera costi aggiuntivi per il Cantone.

Secondo l'Associazione Pedagogica Musicale Svizzera (SMPV), gli alunni dei licei svizzeri specializzati in musica seguono una lezione di strumento a settimana dal decimo al dodicesimo anno scolastico come cosiddetto "sostegno individuale". Di norma, queste lezioni sono tenute da un insegnante del ginnasio. Il ginnasio può concordare il proseguimento delle lezioni con un insegnante esterno. La scuola di musica fattura i costi direttamente al liceo.
 

Va da sé che lo sviluppo tecnico dei media digitali procede a rotta di collo. Il processo legislativo, invece, è lento.

Quando nel 2011 il Consiglio federale ha deciso, in risposta al postulato Savary, che non era necessario adottare misure legali contro il download illegale di musica su Internet, l'industria musicale si è indignata. Ciò ha portato all'istituzione del gruppo di lavoro AGUR 12 I e, dopo un intenso processo di consultazione, alla continuazione dello scambio in AGUR II. Questo lavoro preliminare è sfociato nella Proposta di revisione della Legge sul diritto d'autorecome è ora disponibile.

Nella sua presentazione, Andreas Wegelin, Direttore generale della Suisa, ha illustrato i temi trattati nell'AGUR II e quali di questi sono stati infine inseriti nella bozza di revisione. Ha sottolineato i punti più importanti per la musica:

• Adeguamento della durata della protezione dei diritti di vicinato al livello dell'UE (70 anni invece dei 50 precedenti).
• Obbligo di "Stay-down" (i provider di hosting devono garantire che i contenuti caricati illegalmente e poi cancellati non vengano caricati di nuovo).
• Raccolta di dati in caso di sospetto di upload illegale (in questo caso possono essere analizzati gli indirizzi IP per poter intraprendere azioni legali).
• Procedure tariffarie accelerate
• Segnalazione elettronica dei dati di utilizzo a Suisa
• Licenza collettiva estesa

Christoph Trummer, musicista, co-presidente di Sonart e membro dell'AGUR dal 2012, ha sottolineato che il download illegale, che all'epoca era il problema principale per i creatori di musica, oggi è solo un problema marginale. Il blocco della rete, auspicato dai musicisti, non avrebbe avuto alcuna possibilità in questo contesto.

Ha inoltre fatto riferimento alla legge sul gioco d'azzardo, attualmente in fase di votazione, che prevede certamente il blocco della rete. Tuttavia, è importante che questa revisione vada in porto. Anche il settore musicale la sosterrebbe se l'"insoddisfazione condivisa" (citazione della Consigliera federale Sommaruga), che è stata negoziata per un lungo periodo di tempo, rimanesse stabile, cioè se non venissero apportate ulteriori modifiche in entrambe le direzioni. - Con l'eccezione di un passaggio nell'art. 13a e, analogamente, nell'art. 35a, dove, come aveva già detto Andreas Wegelin, un compromesso già raggiunto era stato eliminato dalla bozza a causa dell'intervento dell'amministrazione. Trummer ha concluso con l'osservazione: "Sarebbe un pessimo segno se questo compromesso non venisse approvato".

Anche se la pirateria non è più un problema grave, la situazione delle entrate per i creatori di musica non è migliorata. Il problema attuale è lo streaming! Quasi nessuno scarica più musica, tutti sono sempre online. I grandi provider come Spotify, Apple Music e Deezer pagano i diritti d'autore, ma sono bassi rispetto a quelli della radio o della televisione. Marlon MacNeill, amministratore delegato di IndieSuisse, l'associazione delle etichette discografiche indipendenti, ha spiegato che la pratica di YouTube, che paga un tasso molto più basso, è particolarmente offensiva. Ha parlato di value gap, di divario nella creazione di valore, del fatto inquietante che solo una minima parte dei proventi di queste piattaforme va agli autori, mentre la maggior parte finisce nelle loro tasche.

Nel corso della discussione conclusiva, Stefan Müller-Altermatt, Consigliere nazionale e Presidente del Consiglio di Stato. Gruppo parlamentare sulla musica (PGM), ha dichiarato che la revisione della legge è ancora una volta tre passi troppo pochi. La consigliera nazionale Christa Markwalder ha fatto notare che la legge si applica comunque solo ai confini nazionali e che questi giganti tecnologici difficilmente possono essere contestati legalmente. Alla luce di questa impotenza, tra i parlamentari e i rappresentanti delle organizzazioni musicali è emerso un palpabile senso di umorismo da forca.

Se il Mozione di Balthasar Glättli potrebbe migliorare questa situazione proponendo che le piattaforme con più di 200.000 utenti in Svizzera abbiano anche una sede legale in Svizzera? In ogni caso, la proposta sarà discussa a breve nei consigli.

Con Matthias Aebischer, Christa Markwalder, Stefan Müller-Altermatt, Rosmarie Quadranti, Albert Vitali e Karl Vogler, un buon numero di membri dell'Assemblea federale era rappresentato a questo incontro.

Il polistrumentista Ueli Mooser, uno dei musicisti country più esperti e versatili della Svizzera, ha pubblicato nel 1989 un libro che spiegava in modo dettagliato e pratico le basi teoriche della musica country. Ora ha ripubblicato questa leggendaria pubblicazione La musica popolare strumentale della Svizzera ampiamente rivisto, integrato e aggiornato.

"Fondamenti e pratica musicale della musica country: forme, modelli, esempi e suggerimenti" è il sottotitolo - e non promette troppo. Da un lato, l'opera fornisce una panoramica teorica completa della musica country. Forma, struttura, melodia, ritmo e armonizzazione sono presentati in modo chiaro e dettagliato e illustrati con l'aiuto di numerosi spartiti ed esempi sonori. Vengono inoltre discusse le parti di accompagnamento, la linea di basso, l'arrangiamento e la pratica della ripetizione. Il libro offre quindi una grande quantità di materiale per la pratica esecutiva e suggerimenti per le proprie composizioni. Ci sono anche consigli su come formare i gruppi, sulle prove, sulle esibizioni dal vivo e sulla scelta dei titoli dei brani. Fornisce anche una panoramica dello sviluppo storico della musica country e delle diverse pratiche esecutive regionali.Lungo 300 pagine, il libro di Mooser non è una guida rapida e didattica. In termini di terminologia, è chiaramente del XX secolo e non è del tutto aggiornato nemmeno dal punto di vista musicale. Tuttavia, ciò può essere perdonato, soprattutto nel caso di questo argomento, poiché Mooser riassume quasi tutto il XX secolo della musica country e fornisce quindi una base ampia e profonda per un ulteriore sviluppo nel XXI secolo.

Chi si impegna a leggere il libro sarà ricompensato con una visione estremamente competente, emozionante e piacevole della musica dei Ländler. Se non si vuole fare questo sforzo, si può sfogliare il libro e soffermarsi su campioni sonori o spartiti per avere una prima impressione della musica popolare strumentale svizzera.

La Gesellschaft für die Volksmusik in der Schweiz ha pubblicato la nuova opera rivista in forma digitale in collaborazione con la Haus der Volksmusik e la sta rendendo liberamente disponibile su Internet.

Ueli Mooser: Die instrumentale Volksmusik der Schweiz - Grundlagen und Musizierpraxis der Ländlermusik: Formen, Modelle, Beispiele und Anregungen, 2a edizione online aggiornata e rivista, 2017

https://instrumentale.volksmusik.ch/

Con questo libro l'autore, professore emerito di tedesco antico all'Università di Colonia e autore di diverse guide d'organo, si è posto un compito estremamente impegnativo. Scrivere una storia culturale di uno strumento che probabilmente non ha eguali in un campo di tensione che unisce aspetti economici, sociologici, storico-religiosi e confessionali, nonché questioni di artigianato, acustica, architettura e composizione, è probabilmente difficilmente possibile senza un certo grado di superficialità. È quindi ancora più sorprendente che molti argomenti abbiano trovato spazio in questa pubblicazione, o siano almeno brevemente accennati: Dopo un'introduzione agli albori dell'organo, vengono descritti i vari stili nazionali, la costruzione dell'organo e il suo contesto vengono delineati con l'esempio di alcuni grandi nomi (Schnitger, Silbermann, Walcker, Cavaillé-Coll) o sviluppi storici (l'organo nel "Terzo Reich"), vengono descritti alcuni organisti e il loro ambiente (da Francesco Landini nel XIV secolo all'"enfant terrible" Cameron Carpenter) e viene tracciato un breve quadro della musica d'organo nei media di oggi.

È indiscutibile che si possa avere un quadro dell'argomento in breve tempo e che si possa comunque godere di una lettura "piacevole". Tuttavia, proseguendo nella lettura, si viene infastiditi dal linguaggio a volte piuttosto disinvolto (le sonate per trio di Bach "brutalmente difficili") e da imprecisioni più o meno reali; ad esempio, Haydn non ha scritto solo "uno" ma ben 30 pezzi per il flauto d'orologio, e Michael Praetorius descrive a malapena la disposizione dell'"organo di Bach" (!) nella chiesa di San Tommaso a Lipsia nel 1619. D'altra parte, la bibliografia elenca tutta una serie di opere più o meno conosciute, ma non vengono fornite citazioni, né vengono fornite le origini di teorie non comprovate, come ad esempio la paternità di Michael Gotthard Fischer di opere anonime a lungo attribuite a Bach. Otto piccoli preludi e fughe. È un peccato, perché il libro di Göttert, scritto in modo scorrevole e splendidamente illustrato, che evita un inutile gergo tecnico, riesce certamente a suscitare la curiosità di ulteriori letture.

Conclusione: un libro da gustare con un po' di cautela, probabilmente più adatto agli appassionati che agli intenditori!

Karl-Heinz Göttert: L'organo - Storia culturale di uno strumento monumentale, 408 p., € 34,95, Bärenreiter, Kassel 2017, ISBN 978-3-7618-2411-5

Proprio come il pontile fatto di tasti di pianoforte sulla copertina della rivista Il ponte delle melodie I brani per pianoforte di Adrian Bucher ci conducono in sonorità pianistiche finemente intrecciate. I 14 brani qui riuniti sono stilisticamente stratificati e colorati. Nonostante la loro vicinanza alla musica popolare, si percepiscono chiaramente le radici classico-romantiche dell'autore e le elevate esigenze che questo pone a una composizione pianistica armoniosa. Armonicamente e ritmicamente molto curati e annotati in modo altrettanto dettagliato, considero i brani una preziosa letteratura per l'insegnamento, che dovrebbe interessare direttamente i giovani di livello intermedio. Per loro, questi brani potrebbero aiutare a gettare un ponte verso la scrittura pianistica dei Romantici, sia in termini di stile che di tecnica esecutiva. Troviamo ampi accompagnamenti accordali (a volte distribuiti su due mani) con belle linee di basso, voci secondarie e sorprendenti intrecci melodici e armonici. Con le diteggiature dettagliate, le indicazioni precise per modellare le frasi e le progressioni di tempo e dinamica, Adrian Bucher vuole incoraggiare un fare musica e un modellare consapevole, prestando particolare attenzione all'uso del pedale. Sul suo sito web adrianbucher.net i brani sono disponibili come file mp3 e possono essere ordinati anche lì.

Bridge of Melodies, 14 brani per pianoforte stilisticamente versatili per il livello intermedio, BUA 3901, fr. 25.50, autoproduzione 2016, www.adrianbucher.net

Ad Aarau, vicino alla sua città natale di Brugg, si sentì sepolto vivo musicalmente, dopo aver respirato per diversi anni l'aria molto più cosmopolita e culturalmente ricca della lontana Berlino. Non solo a suo vantaggio, ma Friedrich Theodor Fröhlich (1803-1836) era un giovane molto intelligente, ricco di talento e di cultura, ma anche pensieroso, a volte polemico e soprattutto troppo sensibile. Pur avendo incontrato a Berlino i grandi del suo tempo, come Felix Mendelssohn, e pur avendo studiato sotto la guida del suo maestro Carl Friedrich Zelter, rimase una figura emarginata, mite e paternalistica, che trasformava ogni rifiuto e ignoranza del suo lavoro e della sua persona in un'amara frustrazione, che lo consumò per tutta la vita e lo spinse infine al suicidio. La sua eccitabilità emotiva, il suo spirito affamato di bellezza, costituirono il grande serbatoio tematico per uno sviluppo artistico espressivo e di successo. Tuttavia, sarebbe stata necessaria una costituzione di base più stabile e un maggiore sostegno esterno per fornire la disciplina e il quadro economico necessari. Fröhlich era quindi un grande talento, secondo le conoscenze attuali addirittura il più importante del primo Romanticismo svizzero, che fallì troppo presto per colpa sua e del suo ambiente.

Nonostante il periodo creativo relativamente breve, la catalogazione completa della sua opera è ancora lontana dall'essere completa. È grazie a un'iniziativa della Società Internazionale Fröhlich e della casa editrice Amadeus di Winterthur che è stata completata, tra l'altro, la serie dei quattro quartetti per archi da lui lasciati, che sono tra le sue creazioni più ambiziose e migliori. In linea con l'impulso appassionato e urgente del suo tempo, essi si caratterizzano per la loro originalità, che rende ancora più dolorosa l'assenza delle opere successive. Tanto più che la fine di Fröhlich avvenne in un momento in cui il contributo dominante di Beethoven al genere portò a una paralisi del quartetto d'archi, che solo Robert Schumann riuscì a superare dopo Mendelssohn. Di Fröhlich vanno ricordati innanzitutto i meravigliosi temi cantati e luminosi, soprattutto nei movimenti lenti, ma anche la gioia formale della sperimentazione, il rischio di colpi di scena armonicamente sorprendenti, la conversazione sempre accattivante tra gli strumenti. Può darsi che a volte egli si spinga troppo in là con i contenuti della sua musica, che voglia troppo e che quindi perda coerenza intellettuale. Ma la sua originale musicalità ha da tempo compensato queste carenze con una drammaticità e una densità narrativa piacevoli per il pubblico, che può sempre assicurarsi gli applausi e l'attenzione dei suoi ascoltatori.

Il quartetto per archi in sol minore (tre dei quattro quartetti sono in minore, tra l'altro), pubblicato da Amadeus come sempre ad altissimo livello, dovrebbe contribuire a far conoscere meglio questo compositore svizzero, che è ancora considerato una punta da addetti ai lavori. Le icone di Fröhlich, Bach, Beethoven e Mendelssohn, sono qui onnipresenti e si fondono sotto la sua creatività nella genialità, in definitiva dominante, di un maestro originale e per nulla epigonale.

Inizia in modo insolito con un tema struggente, simile a un inno, con quattro variazioni meravigliosamente ornate nell'Andante, che mettono in mostra tutti gli strumenti al meglio. Il secondo movimento è un rapido scherzo alla maniera beethoveniana che, nonostante le accentuazioni, riesce a suonare allegro come un valzer. Il Largo cantabile si dedica interamente all'intimo tema principale e alla sua modulazione; l'Allegro molto, infine, inizia in modo oscuro e misterioso e avrebbe potuto costituire un finale brillante in termini di materiale tematico. Fröhlich si sofferma ripetutamente su dialoghi un po' troppo brevi che rallentano la spinta emergente e impediscono il grande slancio. Tuttavia, la musica vale assolutamente la pena di essere ascoltata.

Friedrich Theodor Fröhlich: Quartetto per archi in sol minore, a cura di Gerhard Müller, partitura e parti BP 2824, fr. 62.00, Amadeus-Verlag, Winterthur 2018

La nuova edizione delle Fantasie di Telemann per violino solo è altrettanto bella dell'edizione Bärenreiter del 1964, ma l'editore ha scritto una prefazione dettagliata. Essa fornisce agli amanti di queste sonate e suite, impegnative ma più facili da suonare rispetto a quelle di Johann Sebastian Bach, preziosi consigli su come eseguirle. Lo stesso Telemann distingue due gruppi nel suo catalogo: i primi sei - con le fughe - sono piuttosto sonata da chiesaLe seconde sei sono "Galanterien", suite di movimenti seri e di danza. Le note critiche rappresentano importanti miglioramenti rispetto alle vecchie edizioni e forniscono indicazioni sulla composizione deliberata dei singoli passaggi: Poiché la polifonia sul violino, a causa del fatto che non possiamo usare più archi (di violino), richiede molte decisioni di abbandono e di priorità, i dettagli criticati ci aiutano con l'allineamento dei gambi delle note per raggruppare le parti superiori, medie e inferiori. Anche una battuta mancante viene segnalata: Nel Largo del Fantasia VII Se la battuta 5 deve essere ripetuta come un'eco, si ottengono le otto battute logiche. Anche le sezioni sulla dinamica, l'ornamentazione e il vibrato forniscono utili suggerimenti per gli esecutori.

Georg Philipp Telemann: 12 Fantasie per violino solo, TWV 40:14-25, a cura di Bernhard Moosbauer, UT 50415, € 10,95, Wiener Urtext Edition, Schott/Universal Edition, Mainz/Vienna 2017

Nato in Austria nel 1957, Gernot Wolfgang è un musicista di frontiera. Ha studiato prima chitarra e composizione jazz nel suo Paese e poi composizione cinematografica negli Stati Uniti, dove vive dal 1997. Nelle sue opere cerca "una sintesi tra l'energia ritmica del jazz... e la tradizione della musica seria europea".

Il brano per pianoforte Percorso 33 è stato scritto nel 2014 ed è stato pubblicato da Doblinger. È dedicato alla pianista Gloria Cheng, che ha suonato anche la prima. La composizione ricorda un "viaggio in macchina", interrotto da diversi segmenti di sogno. Pare che il compositore abbia dato il titolo all'opera solo dopo averla completata. Wolfgang ha contato il numero di scale sintetiche ed è arrivato a 33. "Route 66... Route 33... potrebbe funzionare... ma forse un po' troppo intelligente", ammette a se stesso nell'epilogo. Tra l'altro, il suo umorismo traspare anche dalle numerose istruzioni per l'esecuzione, come "fermata opzionale" o "con un po' di malizia, uno scintillio negli occhi".

In otto minuti divertenti, la musica stessa attraversa vari stadi, dalla fortezza onirica all'iperattività, per poi tornare all'inizio alla fine. Naturalmente sono presenti numerosi elementi jazz, soprattutto nei ritmi che vengono lanciati con mano leggera. Ma niente di tutto questo è inutilmente complicato, e anche i passaggi veloci e gli accordi sono comodi da suonare. - In breve: un brano compatto, vario e divertente!

P.S. Questa "Route 33" esiste davvero...

Gernot Wolfgang: Route 33 per pianoforte, D 01697, € 13,95, Doblinger, Vienna 2017

Gli esercizi di tecnica strumentale hanno una cattiva reputazione - a torto, secondo me, perché in fondo creano le basi necessarie e supportano l'acquisizione di passaggi difficili del repertorio. Gli esercizi per il sassofono non sono disponibili in una grande varietà. Mancano in generale studi per lo sviluppo dell'abilità delle dita che abbiano al centro anche un'espressione musicale e perseguano un'idea compositiva, così come la conosciamo dalle scuole di pianoforte o di violino, ad esempio. Non c'è quindi da stupirsi se molti brani di questa raccolta sono stati trascritti per sassofono. Ed è ancora più gratificante quando nuove idee arricchiscono il repertorio.

Con i suoi 15 studi tecnici ispirati alla musica minimale, Christoph Enzel ha dimostrato coraggio per la semplice idea della ripetizione e l'ha sostenuta spiritualmente. I suoi mantra musicali sono uno stimolo per liberare il processo di pratica dalla sua noia, aiutando le sequenze di movimento apparentemente noiose a fluire e facendo risuonare la sacralità della ripetizione lontano da qualsiasi meccanica di ripetizione insensata. Questo non è facilmente accessibile a tutti gli studenti e richiede sensibilità pedagogica e metodica da parte dell'insegnante, soprattutto quando gli esercizi in posizioni esposte rappresentano una sfida tecnica. Poiché il compositore e sassofonista afferma nella prefazione che le difficoltà nella prova di un concerto sono il punto di partenza di questa pubblicazione, insegnanti e allievi potrebbero seguire questa idea e comporre i propri mantra in base al livello individuale. Divertitevi!

I libretti di James Rae sono da anni una presenza fissa in molte biblioteche didattiche: i sassofonisti classici in particolare apprezzano la ricchezza di brani didattici legati al pop e al jazz. La sua produzione di innumerevoli pubblicazioni può sembrare inflazionistica, poiché gli insegnanti di musica non sempre hanno un impulso musicale innovativo con cui incorporare nuovi aspetti nelle loro lezioni.

In ultima analisi, tuttavia, è probabilmente la natura musicale a convincere - come nel caso della 18 studi da concerto per sassofono solo. Qui la gioia di suonare è all'ordine del giorno: si alternano brani solistici ritmici, melodici e armonici, che sicuramente saranno molto apprezzati come pezzi da esecuzione. Insieme al 12 studi moderni (UE 18795) e il 20 Studi moderni (UE 18820), questi etudes sono un popolare supporto didattico.

Christoph Enzel: Saxophone Mantras, 15 studi tecnici per sassofono, ADV 7158, € 14,95, Advance Music, Mainz 2017

James Rae: 18 Etudes da concerto per sassofono solo (S, A, T, Bb), UE 21705, € 16,95, Universal Edition, Vienna 2017