Da un lato alimentati da un progetto di vita idealistico, dall'altro spinti dalla necessità di guadagnarsi da vivere: La conferenza di tre giorni si è concentrata su questa contraddizione, che è particolarmente virulenta per gli artisti creativi. Sulla vita Alla fine di aprile, presso l'Università delle Arti di Zurigo ZHdK. Artisti di quasi tutte le discipline hanno presentato le loro strategie di sopravvivenza e riassunto le loro esperienze; gli accademici hanno fornito le basi teoriche dell'argomento. Sicuramente un tema importante dal punto di vista artistico e sociale e, soprattutto, esplosivo per gli studenti dell'università. L'unica cosa strana è che tra i relatori non c'erano musicisti. Come se gli artisti del suono non fossero interessati dal problema.

Tuttavia, con Diedrich Diederichsen, gli organizzatori offrivano almeno il luminare tedesco della dissezione intellettuale della musica pop per eccellenza. Questo compensa un po' chi è interessato principalmente alla vita musicale, anche se si sarebbe voluto sentire di più sull'intreccio tra concetti artistici, autopromozione e self-marketing nella musica seria. Tuttavia, Diederichsen è davvero un esperto in questo campo. Non solo nel 2008 ha realizzato con Doping del sangue. Auto-utilizzazione, romanticismo artistico, partecipazione un'opera standard, è anche un abile interprete di se stesso. Lo si può notare non da ultimo nel suo linguaggio costantemente elaborato: è infatti convincente nel suo rifiuto di usare banalità e porta davanti a sé lo stile di formulazioni sofisticate come uno striscione pubblicitario.
 

In modo appropriato, ha tenuto la sua presentazione Biografia incompleta Il libro si presenta anche come un'autobiografia autocritica. Diederichsen, che ha lavorato tra l'altro come scienziato culturale, critico, giornalista, curatore, autore e docente universitario, si è posto il problema di come testimoniare adeguatamente ciò che fa ed è, cosa rivela di sé e quali pericoli si nascondono in questo comportamento. Lo ha fatto invertendo la consueta divisione dei ruoli, secondo la quale gli artisti riferiscono soggettivamente su se stessi e gli scienziati oggettivamente sugli altri. In questo modo, ha elaborato due strategie fondamentali di narrazione di sé:

Un modo in cui ha inscritto la sua biografia nei contesti esistenti è applicarla al sistema scolastico. Da questo punto di vista, si tratta del modo in cui i docenti definiscono il loro ruolo. Non solo lì, ma soprattutto nei licei artistici, si può spesso osservare che il docente si mette in scena come una persona piuttosto casuale di fronte alla classe o allo studente, cercando di negare il divario di autorità tra lui e gli studenti ironizzando su di esso. Come se si potesse farlo sparire separando la sua persona dalla funzione che svolge. Non solo il tentativo è inutile, ma il problema principale di questa strategia è che elimina la responsabilità personale. Purtroppo, Diederichsen non offre soluzioni concrete per migliorare le cose.

Diederichsen ha poi presentato la possibilità di una "lista negativa" come forma alternativa di descrizione della vita. Un elenco di ciò che non si fa, non si può fare, non si è fatto, che comprende cose come: "non ho un dottorato", "non ho figli" o "non ho una cucina funzionale". In sintesi, questa lista presenta un'irresponsabilità mascherata come l'opposto di un'incombenza; nulla in essa è orientato verso un qualche tipo di futuro. In questo modo condivide l'atteggiamento di monaci, dandy, editorialisti e snob o, più in generale, diagnostici. A questo segue una critica ai diagnostici di questo mondo, che dichiarano la loro condizione ma non possono presentare una soluzione, poiché la diagnosi viene fatta in modo del tutto indipendente da qualsiasi possibile trattamento. I diagnostici si erano oggettivati fuori dal mondo e quindi non potevano più intervenire, cioè curare.

A questo punto, le due strategie di auto-narrazione presentate si uniscono di nuovo, o meglio la loro critica. Entrambe implicano la relativizzazione di se stessi. Ma, secondo Diederichsen, non ci si può liberare dei propri legami soggettivi con il mondo oggettivandoli. Bisogna coltivarli, non negarli. In questo senso, la conferenza era un appello a favore di un approccio soggettivo al mondo e, in un certo senso, anche una giustificazione del lavoro di Diederichsen. In fondo, essa è sempre stata caratterizzata da un punto di vista schiettamente soggettivo. Le sue critiche sono sempre state anche analisi delle sue stesse premesse estetiche.

In qualità di spettatore, va detto che il giornalista musicale ha sicuramente tratto più beneficio dalla conferenza rispetto agli artisti in erba presenti in sala. Perché in quanto tali, come sottolinea lo stesso Diederichsen, è necessario essere riconoscibili dal mercato e sviluppare uno stile caratteristico. Questo non è compatibile con un atteggiamento intellettuale di rifiuto, come dimostra la "lista negativa".
 

La Future Band è una banda giovanile regionale di ottoni i cui membri sono il Musikverein Buckten, il Musikverein Rünenberg, il Blasmusikensemble Läufelfingen e la Musikgesellschaft Wisen (SO). La Future Band partecipa regolarmente a concorsi musicali giovanili cantonali e regionali e vince premi tra i migliori in buona successione. Partecipa inoltre a concerti organizzati dalle associazioni promotrici.

La Future Band è guidata dal direttore Roger Leoni. Un comitato con rappresentanti della direzione e della banda assicura e promuove il coinvolgimento dei giovani nei processi organizzativi e strategici. Secondo il comunicato stampa del Cantone, la banda "colpisce per il suo buon mix di genere, per l'impegnato lavoro di rete della direzione con il coinvolgimento dei giovani e per l'integrazione precoce e vincolante dei giovani nelle organizzazioni madri".

Secondo il Cantone, la Future Band è "un modello che mostra la strada per un lavoro orientato al futuro con giovani talenti nel settore del volontariato associativo, anche al di fuori della scena delle bande di ottoni". Il premio per la promozione dei giovani talenti nel Cantone di Basilea Campagna è dotato di 10.000 franchi svizzeri.

Lo studio "Art in the Immigration Society" di Burcu Dogramaci e Barbara Haack sarà pubblicato in occasione della Giornata mondiale Unesco della diversità culturale per il dialogo e lo sviluppo, il 21 maggio.

Christine M. Merkel, responsabile della Divisione Cultura della Commissione tedesca dell'Unesco, spiega che le istituzioni culturali hanno bisogno di strutture e condizioni quadro adeguate per potersi adattare alle condizioni della società della migrazione. Le organizzazioni culturali hanno bisogno di finanziamenti a lungo termine e di sicurezza nella pianificazione. In questo modo sarebbe possibile eseguire altri repertori e avere ensemble più diversificati. Dopo tutto, non si tratta solo di arte per i migranti, ma anche di arte di e con i migranti.

Le raccomandazioni principali dello studio: vale la pena di ampliare ulteriormente le offerte interculturali esistenti delle istituzioni artistiche e culturali finanziate con fondi pubblici e di consolidare le offerte di successo; le risorse speciali per promuovere la competenza artistica e l'auto-organizzazione dovrebbero ridurre le barriere di accesso per gli artisti con un background migratorio; le strutture di finanziamento a lungo termine sono la base per l'attuazione di progetti innovativi.

Il programma Jeki ("Uno strumento per ogni bambino") di Berna è stato lanciato nel 2011. L'Istituto di Musicologia dell'Università di Berna ha esaminato se e come i bambini Jeki provenienti da famiglie socialmente ed economicamente svantaggiate possano essere raggiunti dal programma, come illustrato in un comunicato stampa della Scuola di Musica del Conservatorio di Berna. Lo studio ha confermato l'effetto positivo atteso del programma Jeki a Berna, che viene offerto in tutte le scuole di quartiere di Berna-Ovest.

Secondo lo studio, il numero di classi di canto è passato da 4 a 24 durante la fase pilota e il numero di allievi di strumento da 10 a 67. In termini di qualità, è stato rilevato un alto livello di soddisfazione tra tutti i partecipanti. E non solo tra gli insegnanti della scuola primaria e gli insegnanti Jeki, ma anche tra i bambini Jeki, quelli di prima e seconda elementare.

In campo musicale, è stato ottenuto un chiaro miglioramento delle capacità vocali. Lo sviluppo della musicalità in generale e l'aumento del senso del ritmo sono misurabili. Inoltre, durante le lezioni scolastiche si possono osservare un ascolto attento, una maggiore capacità di concentrazione e un miglioramento del comportamento sociale. Nel complesso, questo ha un effetto positivo sulla coesione della classe.

Per saperne di più: www.konsibern.ch/jeki-bern/home/
 

Il 14 marzo 1944, cinque mesi prima della fine dell'occupazione tedesca di Parigi, un illustre gruppo di letterati si riunì nelle sale dei galleristi Leiris per mettere in scena una nuova opera teatrale: Il desiderio attratto dalla coda. È stato scritto da Pablo Picasso, diretto da Albert Camus e interpretato da Michel Leiris e sua moglie Louise, oltre che da Raymond Queneau, Jean-Paul Sartre e Simone de Beauvoir. Tra gli ospiti c'erano Georges Braque e Jacques Lacan. La prima privata fu una pièce da camera in sei brevi atti, scritta nella più bella maniera surrealista secondo il principio della "écriture automatique", una scrittura spontanea-associativa largamente non influenzata dalla riflessione. L'esuberante energia creativa di Picasso si manifesta in un fuoco d'artificio di metafore bizzarre e assurde associazioni di concetti. I protagonisti hanno nomi come Plumpfuss, Zwiebel, Torte, Cousine, die fette und die leere Angst - almeno così vengono chiamati nella traduzione tedesca di Paul Celan, pubblicata nel 1954 col titolo Come prendere i desideri per la coda è stata pubblicata. Quattro anni prima, la pièce era andata in scena per la prima volta a Londra, seguita da una rappresentazione in un teatro seminterrato di Berna nel 1956, messa in scena da Daniel Spoerri e con la scenografia di Meret Oppenheim. Da allora, la curiosità surrealista è stata rappresentata di tanto in tanto.

La produzione più recente è stata messa in scena in italiano a Lugano nel mese di maggio. A questa produzione della SUPSI, Scuola Universitaria Professionale della Svizzera Italiana, hanno partecipato studenti del Conservatorio della Svizzera Italiana, dell'Accademia del Teatro Dimitri e della specializzazione "Comunicazione visiva". Con Brecht Opera da tre soldi, con Satyricon di Bruno Maderna e Kraanerg di Iannis Xenakis erano già stati realizzati negli anni precedenti, e l'attuale produzione del testo di Picasso ha continuato la serie ad alto livello. Tali progetti sperimentali sono ovviamente nelle migliori mani dei giovani talenti, che non sono vincolati dalla routine. L'entusiasmo degli interpreti sul palcoscenico, la messa in scena spiritosa e fantasiosa e l'orchestra ottimamente preparata da Arturo Tamayo, da cui il clarinettista si è distinto più volte con assoli splendidamente eseguiti, hanno assicurato un clamoroso successo di pubblico, e ci si chiede perché le istituzioni consolidate non possano o non vogliano fare qualcosa di simile.

L'apertura sperimentale del testo di Picasso consente qualsiasi tipo di realizzazione e la presente rappresentazione è stata l'esatto opposto della prima intima del 1944. Il grande palcoscenico della sala del LAC di Lugano, che ha registrato il tutto esaurito, è stato utilizzato in tutta la sua ampiezza; nella fossa orchestrale di fronte ad esso c'era un ensemble di dimensioni impressionanti di un'orchestra da camera - tutto sommato una disposizione come uno spettacolo d'opera.

Linguaggio, recitazione, danza, musica e una scenografia composta da pochi elementi grafici, semplici e mobili, si fondono senza soluzione di continuità in una sintesi multimediale delle arti. Questa è ovviamente una specialità dell'esperto regista ceco Pavel Štourač, come si può vedere dai video disponibili online. Ha preteso tutto dagli attori per creare una variegata sequenza di scene grottesche, dalla coreografia danzata alla pantomima solitaria e al gioco di ruolo. E tutto questo in relazione a un livello testuale in cui la lingua si presentava in funzioni sempre diverse: come recitazione letta e come prosa di ruolo, come corpo di testo diviso tra più persone, come densa polifonia del parlato, grida concitate di tutti o come materiale per acrobazie sonore e sillabiche sperimentali. La simultaneità di parlare e recitare in scene di proporzioni talvolta quasi circensi non ha costituito un problema per gli interpreti, così come la quantità di testo in italiano, francese e inglese da memorizzare. Questo ha dato a ogni singola scena il suo carattere. Le insinuazioni che Picasso metteva in bocca a Plumpfuss nel dialogo con la sua amata torta venivano contrastate coreograficamente in modo spiritoso, e la scena si estendeva improvvisamente in sala con un'attrice che si aggirava tra le file del pubblico.

È stata una felice idea combinare il testo di Picasso con due opere di Stravinskij scritte nello stesso periodo. Tamayo e l'orchestra avevano Danses concertantes e il concerto dell'orchestra Querce di Dumbarton che sono stati poi abilmente combinati con il testo parlato. Le parti più grandi sono state inserite come intermezzi da ascoltare autonomamente, altre sono state utilizzate come base per piccole parti monodrammatiche o inserite in spezzoni tra i blocchi di testo. I brani, delicati dal punto di vista ritmico e intonativo, sono stati eseguiti con grande attenzione. Il successo complessivo della trasformazione del testo parlato di Picasso in un pezzo di vivace teatro musicale ci incuriosisce per il seguito del prossimo anno.

L'anno del giubileo 2018 offre l'opportunità di ripercorrere la storia. Ciò avverrà con la pubblicazione di un libro attualmente in preparazione. D'altra parte, gli strumenti devono parlare in modo speciale: In collaborazione con gli organizzatori locali di serie di concerti d'organo, è stato messo a punto un variegato programma annuale con importanti organi Goll a Zugo, Lucerna, Horw, Hochdorf, Berna e Visp. Oltre ai concerti, in cui sono state esplorate le caratteristiche sonore degli organi, c'è stata un'occasione di incontro e dialogo.

Come evento speciale, il 15 maggio 2018 si terrà un concerto celebrativo al KKL, esattamente 150 anni dopo la fondazione del laboratorio. L'organo Goll sarà naturalmente al centro della scena, circondato da una grande orchestra. Tra le altre opere, il Sinfonia concertante del compositore belga Joseph Jongen, che presenta in primo piano l'organo come strumento solista, inserito nei suoni colorati della Südwestdeutsche Philharmonie Konstanz sotto la direzione di Marcus Bosch. La parte solista sarà interpretata da Christian Schmitt.

Il progetto Andreas Schaerer & Hildegard Lernt Fliegen meets the Orchestra of the Lucerne Festival Academy sarebbe stato premiato nella categoria Large Ensemble. Andreas Schaerer avrebbe anche potuto ricevere un Echo Jazz nella categoria Ensemble International insieme a Emile Parisien, Vincent Peirani e Michael Wollny.

Dopo lo scandalo, il piano prevedeva di tenere l'Echo Jazz il 31 maggio in un circolo ristretto e senza trasmissione televisiva. Ora anche questa cerimonia non avrà luogo. I vincitori dei premi scelti da Echo Jazz a marzo riceveranno i loro premi di persona, se lo desiderano. L'Associazione federale scrive che il marchio Echo è stato così gravemente danneggiato che è necessario ricominciare completamente da capo, il che comporterà anche una riorganizzazione di Echo Klassik ed Echo Jazz.

Corentin Marillier sta studiando per un Master in Interpretazione della musica contemporanea e Camille Quinton sta studiando per un Master in Orchestra. Il premio di riconoscimento Edwin Fischer, del valore di 1.000 franchi, va alla studentessa di oboe Tomoko Uehara, che sta studiando per un Master in Performance.

Per la prima volta nella storia del concorso, è stato premiato uno studente di percussioni e, per la prima volta, tutte le opere eseguite appartenevano al XX o al XXI secolo.

Il Concorso Edwin Fischer è organizzato in memoria di Edwin Fischer (1886-1960) dalla Scuola di Musica di Lucerna e dalla Fondazione per la Promozione Musicale della Scuola di Musica di Lucerna in collaborazione con la Fondazione Edwin Fischer. Si tratta di un concorso annuale per studenti di master di questa università nel profilo della musica classica.

Nata a Sciaffusa nel 1941, Irène Schweizer è una delle personalità formative del jazz moderno. La pianista e batterista ha esplorato la scena jazz di Londra e Zurigo negli anni Sessanta. Nel 1968 ha incontrato a Zurigo il suo compagno di lunga data, il batterista Pierre Favre, e insieme hanno continuato a dare importanti impulsi nel campo del free jazz e del pianismo improvvisato. Ancora oggi è impegnata nel movimento musicale femminile europeo. È cofondatrice del Taktlos Festival, del Workshop for Improvised Music Zurich (WIM) e dell'etichetta jazz Intakt.

Gli Swiss Music Awards premiano la "musica svizzera eccezionale e innovativa" e contribuiscono alla sua promozione. 13 musicisti e un ensemble saranno premiati con un Premio svizzero di musica: Noldi Alder (Urnäsch, AR), Dieter Ammann (Zofingen, AG), Basil Anliker alias Baze (Berna), Pierre Audétat (Losanna), Laure Betris alias Kassette (Friburgo), Sylvie Courvoisier (New York), Jacques Demierre (Ginevra), Ganesh Geymeier (Moudon, VD), Marcello Giuliani (Parigi e Losanna), Thomas Kessler (Allschwil, BL), Mondrian Ensemble (Basilea), Luca Pianca (Lugano), Linéa Racine alias Evelinn Trouble (Londra e Zurigo), Willi Valotti (Nesslau, SG). La cerimonia di premiazione si terrà il 13 settembre 2018 nell'ambito del festival Label Suisse di Losanna.

L'opera monumentale di Wagner Tristano e Isotta, eseguito in tre quarti d'ora: è possibile? Se ci si limita all'essenziale, ci si accontenta di un pianoforte a coda come "orchestra" e si ha un buon arrangiatore al proprio fianco, allora è davvero possibile. La Società svizzera di Richard Wagner ha osato imbarcarsi in questa avventura il 21 aprile con il titolo O affondare giù ... nella Sala Grande del Conservatorio di Zurigo.

Annunciato un "collage dopo Tristano e Isotta", il concetto di semi-scenografia è stato ideato da John H. Müller, che è stato un "wagneriano" convinto per molti anni. Il pianista e compositore Edward Rushton, che sedeva anche al pianoforte, era responsabile dell'arrangiamento musicale. Si è subito dimostrato un accompagnatore magistrale che ha lasciato il segno nella rappresentazione con un senso dell'intensificazione drammatica e un senso del suono ineguagliabile.

I tagli di Rushton si sono concentrati sull'essenziale: nel primo atto sulla scena del filtro d'amore espiatorio, nel secondo atto sulla notte d'amore seguita dall'apparizione di Re Marco. Il terzo atto consisteva in una brevissima scena di sofferenza di Tristano e nella non meno breve morte d'amore di Isotta. Non era certo facile per Mona Somm, che aveva cantato Isotta con grande successo in Erl nel 2015, padroneggiare questa versione, ma ci è riuscita bene. Tuttavia, la sua voce è sembrata un po' schiacciata nel registro medio.

Rolf Romei ha dato prova di sé al Teatro di Basilea nei ruoli di Lohengrin e Parsifal, ora si è cimentato nel mini-Tristano. La sua voce è alquanto imprevedibile, a volte assolutamente di alto livello, altre volte deve superare strane pause, per poi riprendere a cantare con aplomb. Martin Snell è intervenuto con vigore nel ruolo di Re Marke: con il suo basso portante, tuttavia, il suo canto è sembrato talvolta un po' rigido e stentoreo.

L'evento per eccellenza è stata la performance di Susannah Haberfeld nel ruolo di Brangäne, un ruolo fatto su misura per il mezzosoprano. Ha cantato la sua parte con un'arcata di legato portante e una profondità di suono morbida, con l'ammonimento "Habet Acht" come culmine. In questo caso, si sarebbe voluto che l'arrangiatore Rushton l'avesse accorciata un po' meno, in modo da poter ascoltare più a lungo questa voce meravigliosa.

Il pubblico, in maggioranza wagneriano e proveniente da Friburgo in Brisgovia e dal Vorarlberg, applaudì con entusiasmo. In contrasto con questo evento per addetti ai lavori, tuttavia, gli statuti della Società stabiliscono che "l'opera di Richard Wagner deve essere resa accessibile a un vasto pubblico". La Wagner Society persegue un aspetto aperto e lungimirante attraverso il suo programma di borse di studio.

Dal 1882, la Fondazione internazionale per le borse di studio Richard Wagner assegna borse di studio a cantanti, musicisti o altri artisti di talento che vengono presi in considerazione per il Festival di Bayreuth. Le borse di studio comprendono una visita gratuita al Festival, un concerto in cui i borsisti dimostrano le loro capacità e la partecipazione a conferenze introduttive. Tra i vincitori internazionali del passato figurano Christian Thielemann, Waltraud Meier, Michael Volle e Anja Kampe, solo per citarne alcuni.

Nel 2013, la Società Svizzera ha aderito a questo programma e assegna annualmente la borsa di studio presso le accademie di musica. Ci possono essere anche delle raccomandazioni. Una delle prime vincitrici è stata la pianista Andrea Wiesli, che ha visitato Bayreuth nel 2013: "Sono rimasta molto colpita da questo luogo storico con la sua acustica speciale", dice. "Mi esibisco regolarmente in un recital con un'ex borsista, il mezzosoprano Stephanie Szanto di Berna, e sono anche invitata a tenere recital sul pianoforte a coda Erard di Wagner a Tribschen".

L'anno scorso, Serafin Heusser, raccomandato dal suo docente Peter Brechbühler, era uno dei borsisti. Anche lui è entusiasta: "Assistere alle rappresentazioni e alla visita guidata del Festspielhaus è stata un'esperienza unica e molto interessante per me! In altri teatri d'opera, durante le rappresentazioni di Wagner ho sempre avuto la sensazione che i cantanti dovessero lottare contro l'orchestra e non potessero mai cantare al pianoforte. Quindi per me è stato ancora più bello che Michael Volle, ad esempio, abbia potuto cantare bellissime note a mezza voce grazie alla brillante acustica".

La selezione dei vincitori di quest'anno, che terranno il loro concerto presso lo Schlössli Wartegg di Lucerna il 26 maggio, dimostra quanto sia significativa questa borsa di studio. La violinista Lisa Rieder eseguirà la Sonata Kreutzer di Beethoven, accompagnata da Luka Hauser. Hauser interpreterà anche la Quarta Sonata per pianoforte di Scriabin, costellata di accordi tristaniani, e accompagnerà il tenore Omar Kobiljak. Quest'ultimo si è recentemente esibito con successo all'Opera di Zurigo nel ruolo di Steuermann nell'opera di Wagner. Olandese è entrato in scena.

Interpreti del prossimo concerto dei borsisti (da sinistra): Lisa Rieder, Luka Hauser, Omar Kobiljak. Foto: zVg

Nel 2018 Lipsia festeggia un doppio anniversario: l'Orchestra del Gewandhaus, fondata e finanziata da 16 giovani mercanti dallo spirito libero nel 1743, compie 275 anni e il Conservatorio, co-fondato dal direttore del Gewandhaus Felix Mendelssohn Bartholdy nel 1843, può vantare 175 anni. Essendo uno dei primi del suo genere, il Conservatorio di Lipsia ha attirato artisti di talento da tutta Europa, soprattutto dalla Svizzera.

La scena musicale locale, che si è risvegliata gradualmente solo a metà del XIX secolo, è difficile da immaginare senza la città della musica di Lipsia. Vi studiarono personalità musicali svizzere formative come Friedrich Hegar e Hans Huber. In questo Paese non esistevano né una vita musicale di corte né opportunità di formazione generalmente accessibili per i musicisti. Hans Georg Nägeli fondò il primo centro di formazione pubblico per musicisti di talento con il suo Singinstitut a Zurigo nel 1805. Ma coloro che volevano fare della musica la loro professione si recavano a Lipsia.

È interessante notare che il primo studente di musica a Lipsia fu Theodor Kirchner (1823-1903), originario dei Monti Metalliferi, che poco tempo dopo giunse a Winterthur su raccomandazione di Mendelssohn per assumere l'incarico di organista nella chiesa cittadina. Kirchner rese popolari i romantici tedeschi in Svizzera. Diede lui stesso concerti a Winterthur e a Zurigo, lavorò come insegnante di musica e dal 1862 fu direttore dei concerti di sottoscrizione della Allgemeine Musik-Gesellschaft AMG di Zurigo.

Kirchner divenne amico del giovane Johannes Brahms, di cui promosse attivamente la musica in Svizzera. Fu anche in stretto contatto con Friedrich Hegar (1841-1927), figlio di un insegnante di musica e commerciante di pianoforti tedesco che era diventato musicista a Basilea. Anche Hegar studiò composizione al Conservatorio di Lipsia alla fine degli anni Cinquanta dell'Ottocento e giunse a Zurigo nel 1863, su impulso di Kirchner, come Kapellmeister dell'Orchesterverein.

Friedrich Hegar costruì la vita musicale di Zurigo su più livelli: Non solo diresse l'Orchestra della Tonhalle, ma lavorò anche come direttore d'orchestra a teatro. Diresse diversi cori, tra cui il coro misto, e fu coinvolto nell'AMG. Grazie a Hegar e Kirchner, Johannes Brahms fu ospite regolare della Tonhalle. Nel 1875 Hegar avviò anche la fondazione di un conservatorio a Zurigo, che diresse fino al 1914.

Anche la scena concertistica borghese fiorì a Basilea, dove Clara Schumann, ad esempio, teneva regolarmente concerti. Nel 1857, il violinista Louis Abel (1835-1895), originario della Turingia, arrivò in città come maestro di concerto e violino principale. In precedenza aveva studiato violino a Lipsia con Ferdinand David, direttore dell'Orchestra del Gewandhaus. Abel era anche un insegnante di talento e dal 1860 al 1866 insegnò alla scuola di violino istituita dalla Gemeinnützige Gesellschaft, il predecessore della scuola di musica fondata a Basilea nel 1867.

Eusebius Kaeslin (1835-1889), originario di San Gallo, costruì una vivace vita concertistica ad Aarau. Prima di recarsi a Lipsia per studiare nel 1854, fu istruito dall'organista collegiale di San Gallo. A Lipsia studiò violino con Ferdinand David prima di diventare concertatore del Musikkollegium Winterthur.

Nel 1862 Kaeslin divenne organista della chiesa cattolica di Aarau e insegnò violino e pianoforte alla scuola di musica, che riorganizzò radicalmente nel 1879. Sviluppò la sua attività concertistica come direttore del Cäcilienverein di Aarau per molti anni. Grazie ai suoi buoni contatti con la scena musicale tedesca, organizzò eccellenti concerti che attirarono l'attenzione ben oltre i confini del cantone.

Karl Munzinger (1842-1911) di Soletta, August Werner (1841-1900) di Ginevra e Gustav Weber (1845-1887) di Berna formarono una vera e propria cricca svizzera al Conservatorio di Lipsia. Si conobbero durante gli anni di studio insieme, dal 1860 al 1863, e divennero amici per tutta la vita. Karl Munzinger lasciò in seguito la sua impronta sull'intera vita musicale di Berna: come direttore della Liedertafel e, dal 1884, come direttore dei concerti in abbonamento della Musikgesellschaft e del Cäcilienverein.

In quel periodo, il direttore d'orchestra e compositore Carl Reinecke era un ricercato insegnante di composizione e pianoforte al Conservatorio di Lipsia. Era stato sponsorizzato personalmente da Mendelssohn. Il folto gruppo di studenti di Reinecke comprendeva nomi famosi come Max Bruch, Edvard Grieg, Hugo Riemann, Ethel Smyth e Felix Weingartner, che in seguito lavorò anche a Basilea come famoso direttore d'orchestra e di conservatorio.

Reinecke fu nominato Kapellmeister del Gewandhaus nel 1859 e come tale fu responsabile di uno stile interpretativo piuttosto conservatore-classico fino al 1895, ancora fortemente debitore di Mendelssohn e Schumann. Anche come compositore si orientò inequivocabilmente verso Mendelssohn, Schumann e Brahms.

Il pianista ginevrino August Werner fu particolarmente sostenuto da Reinecke, fu addirittura suo allievo privato e si esibì come pianista al Gewandhaus nel 1863. Tornato in Svizzera, Werner lavorò al Conservatorio di Ginevra e nel comitato dei concerti di sottoscrizione. Gustav Weber, dal canto suo, fece carriera soprattutto a Zurigo come direttore del coro maschile e del coro misto e come versatile organista al Grossmünster.

Il compositore, pianista e direttore d'orchestra Hans Huber (1852-1921) ebbe un ruolo decisivo nella fioritura della vita musicale di Basilea alla fine del XIX secolo. Huber studiò con Carl Reinecke a Lipsia dal 1870 al '74 e divenne insegnante di pianoforte presso la Scuola Generale di Musica di Basilea, che diresse dal 1896. Come compositore rispettato e di sentimenti patriottici, collaborò con Friedrich Hegar alla fondazione dell'Associazione svizzera dei musicisti nel 1900.

Huber si adoperò anche per migliorare la qualità dell'istruzione musicale professionale e fondò il conservatorio di Basilea nel 1905. Anche il suo famoso allievo Hermann Suter (1870-1926) studiò con l'ormai anziano Carl Reinecke a Lipsia, dopo di che lavorò come direttore di coro e direttore dei concerti sinfonici dell'AMG a Basilea. Divenne anche uno dei principali compositori svizzeri a cavallo del XX secolo.

Sibylle Ehrismann
... è corresponsabile degli artes-projekte, co-curatore della mostra per l'anniversario del Gewandhaus 2018 "27,5 Köpfe erzählen die Gewandhausgeschichte".

Secondo il comunicato stampa, nel 2017 lo ZHdK ha lavorato a vari livelli per ottimizzare l'insegnamento e la ricerca per il futuro: La ricerca e l'insegnamento sono meglio collegati e progettati per il futuro, e sono stati creati programmi di dottorato ancora più interessanti in collaborazione con le università che hanno ottenuto il dottorato.

La ZHdK ha implementato un nuovo modello per promuovere l'apprendimento a livello universitario. Ciò consente agli studenti di seguire moduli con un progetto completo e di frequentare corsi in un dipartimento "straniero". La nuova specializzazione in Sound Design, che inizierà nel semestre autunnale 2018/19, ne è un esempio: una gamma di materie ampia e ampliabile individualmente tiene conto dell'ambiente eterogeneo del suono per film, media interattivi e videogiochi. Secondo il comunicato stampa della ZHdK, sono in fase di pianificazione ulteriori concetti e misure per personalizzare il programma di laurea e aumentarne la permeabilità.

Nell'aprile 2017 lo ZHdK ha raggiunto una pietra miliare per la promozione dei giovani talenti: sono state approvate quattro delle sue cinque richieste di contributi legati a progetti del governo federale per programmi di dottorato con università partner autorizzate a rilasciare dottorati. Lo ZHdK collabora con l'Accademia statale di arte e design di Stoccarda, l'Università di Reading e l'Università di arte e design di Linz. Un altro programma è gestito congiuntamente con il Politecnico di Zurigo e l'Università di Zurigo. Il governo federale finanzia i programmi dello ZHdK con un totale di 1,5 milioni di franchi svizzeri.

Nel 2017 la ZHdK ha istituito un Consiglio digitale per raggruppare i temi della digitalizzazione. Esso fornisce consulenza strategica alla direzione dell'università nell'ambito del cambiamento digitale e coordina l'attuazione delle misure. La ZHdK ha inoltre partecipato alla prima Giornata digitale della Svizzera. Il coinvolgimento nella Giornata digitale continuerà nel 2018.

PDF della relazione annuale:
https://www.zhdk.ch/file/live/8c/8ccc82364db19a3900ce2c68c1bf8312d6c26283/20180305_jahresbericht_zhdk_2017.pdf

Le biblioteche di Winterthur ampliano costantemente i loro servizi online. Oltre agli e-book e alle banche dati, offrono ora la piattaforma di streaming "Freegal". "Freegal" comprende il catalogo di Sony Music, comprese le sottoetichette. Sono disponibili 13 milioni di canzoni di 220 generi e 80 Paesi. Oltre alla musica, la piattaforma offre anche video musicali e audiolibri in inglese.

Per l'utilizzo non è richiesto alcun software specifico. Il servizio è disponibile tramite un browser convenzionale via winterthur.freegalmusic.comattraverso il link della pagina www.ewinbib.ch/ -> Freegal o tramite l'applicazione "Freegal" per iOS e Android.

Dopo essersi registrati con un numero utente e una password, i clienti delle biblioteche di Winterthur che possiedono una tessera attiva possono ascoltare gratuitamente tre ore al giorno. Come bonus, ogni settimana ci sono fino a tre brani privi di protezione anticopia e utilizzabili per sempre.

Anche molte altre biblioteche in Svizzera offrono ai loro utenti servizi simili.

Il budget per il nuovo edificio è di circa 10 milioni di franchi, gran parte dei quali sono già stati finanziati da donatori privati e mecenati, ma manca ancora mezzo milione di franchi. L'obiettivo di raccolta fondi di mezzo milione di franchi rappresenterebbe un nuovo record svizzero per il crowdfunding nel settore culturale.

La costruzione di un centro prove proprio dell'Orchestra Sinfonica di Lucerna è un obiettivo strategico fondamentale della Fondazione Orchestra Sinfonica di Lucerna. Questo obiettivo è di grande importanza sia dal punto di vista artistico che logistico. La sede dell'orchestra deve diventare un centro di lavoro e di creatività con strutture per le prove dei musicisti e un ambiente adatto ai bambini e alle famiglie per i programmi educativi.

Se entro il 12 giugno verrà raggiunta almeno la cosiddetta soglia di finanziamento di 250.000 franchi, i musicisti riscatteranno una scommessa: inviteranno i sostenitori a una cena comune a base di salsicce. Tutti i sostenitori che doneranno almeno 50 franchi parteciperanno all'estrazione per i posti limitati.

Per saperne di più: www.funders.ch/projekte/probenhaus
 

Il fare musica a livello professionale è uno sport ad alte prestazioni e un gioco di muscoli. Nella sua installazione sonora e video Quartetto. Corpi in esecuzione Katharina Rosenberger, nata a Zurigo nel 1971, mostra la schiena nuda di quattro musicisti. Le scapole si muovono, i tendini sporgono, così come i potenti muscoli, allenati da decenni di pratica. Rosenberger non ha composto un quartetto chiuso per la sua installazione, ma ha arrangiato in modo libero pezzi solisti per pianoforte, percussioni, fisarmonica e contrabbasso. L'artista ha abbastanza esperienza nel campo della multimedialità da sapere che il visivo e l'uditivo devono completarsi a vicenda in modo significativo e non essere dominati dal suono o dalle immagini. Ha anche fatto bene a non sincronizzare i video direttamente con la musica. Questo aumenta l'attenzione dello spettatore. C'è spazio per pensare oltre, per ponderare, per riflettere.

L'attenzione di Rosenberger per gli interpreti si sposa bene con i Wittener Tage für neue Kammermusik. Il festival annuale è sempre caratterizzato da performance musicali eccezionali. Questa volta, agli esperti specialisti di nuova musica si sono aggiunti il furioso duo pianistico Grau/Schumacher e i giovani musicisti del Trio Catch. Alternandosi con i pianisti, il trio intona una musica ossessiva compulsiva del giovane brasiliano Ricardo Eizirik, che vive a Zurigo. Egli fa ripetere al trio brevi motivi ritmicamente concisi e ostinati. Boglárca Pecze (clarinetto), Eva Boesch (violoncello) e Sun-Young Nam (pianoforte) padroneggiano con incredibile precisione i ritmi delicati di un brano ispirato. Non meno convincente è l'interpretazione del trio di Rosenberger aumento. Il suono assottigliato è sempre trasparente e le pause generali di quella che è ancora una volta un'opera di grande effetto sono piene di suspense, per la quale si desiderano molte altre esecuzioni dopo la prima di Witten.

Di solito è difficile riassumere un festival di nuova musica con più di 20 prime mondiali. A Witten questa volta non ci sono stati alti e bassi, né un'alternanza - a volte noiosa - di fallimenti sperimentali, di routine e di conciliante e impressionante. Grazie a interpreti eccezionali, ma anche a compositori quasi sempre eccezionalmente ispirati, il direttore del festival Harry Vogt, con una programmazione intelligente, ha ottenuto un grande successo. L'intensità dei 35 minuti di Epigramma I-IIIscritto dal compositore francese Franck Bedrossian per il soprano Donatienne Michel-Dansac e il Klangforum Wien. La Michel-Dansac canta testi della scrittrice americana Emily Dickinson. La cantante ripercorre il contenuto dei testi con uguale flessibilità e colore, mentre l'ensemble funge a volte da "camera d'eco", a volte da commentatore rabbioso, a volte da partner del soprano, che si annida nel suono e a volte si fonde con il canto. Bedrossian ha tirato fuori tutti i crismi nella sua composizione computerizzata. Sa orchestrare con virtuosismo e ha uno spiccato senso drammaturgico. In nessun momento dell'opera lascia cadere le redini. È tutta essenza, densa e concentrata.

Altri brani di spicco sono quelli di Mark André, Johannes Maria Staud e Georg Friedrich Haas. In linea con il suo stile personale, presenta ancora una volta miscele sonore che solo lui sembra essere in grado di ottenere. Violenti cluster di pianoforte si mescolano nel trio Prato fiorito I-III con i multifonti del sassofonista Marcus Weiss e gli accenti percussivi del percussionista Christian Dierstein. Mark André e l'austriaco Johannes Maria Staud portano avanti un lavoro sonoro altrettanto sottile. Nella prima mondiale di Mark André ...benedetti sono... gli spazi di sparizione è un raro incontro tra l'elettronica dal vivo e un clarinetto. Jörg Widmann si aggira per le sale del Märkisches Museum di Witten con il suo strumento. Solo alla fine suona - in modo rituale, persino religioso - al centro del pubblico. Grazie anche allo studio sperimentale SWR, lo stretto intreccio tra le note strumentali e le sfere digitali degli altoparlanti è particolarmente affascinante. Alla luce II è quello che Staud chiama il suo duo per due pianoforti. Si tratta di una sorta di autoesplorazione, in quanto l'autore guarda indietro a un lavoro orchestrale di circa dieci anni fa. Ciò che ha "guadagnato" o "perso" nel corso del tempo, è ciò che ha voluto tracciare in questo lavoro espressivo. Alla fine ha vinto anche il visitatore di Witten, premiato da un'annata eccezionale che ha offerto sfumature di sapore in tutte le forme.