Laureato in economia e musicista autodidatta, Ambrosetti ha iniziato a esibirsi professionalmente all'età di vent'anni nei jazz club di Milano e all'Africana di Zurigo. Nel 1966 ha vinto il primo posto all'International Jazz Prize di Vienna e per tutta la sua carriera ha suonato con i migliori musicisti del jazz internazionale. Tra questi Dexter Gordon, Cannonball Adderley e Joe Henderson, oltre ai colleghi svizzeri Daniel Humair e George Gruntz e a grandi del jazz italiano come Dado Moroni.

Il lavoro musicale di Franco Ambrosetti si riflette nella sua vasta discografia. La composizione ha sempre avuto un ruolo importante e comprende anche musica per film. Ambrosetti ha prodotto per più di 30 anni un proprio programma di jazz alla radio ticinese RSI.

Lo Swiss Jazz Award è stato lanciato originariamente nel 2007 da Radio Swiss Jazz insieme a JazzAscona come premio del pubblico per promuovere la scena jazzistica svizzera. Nel 2017 e nel 2018 lo Swiss Jazz Award è stato assegnato direttamente dalla giuria di esperti composta da Beat Blaser (redattore musicale di Radio SRF 2 Kultur/Jazz), Rebecca Bretscher (Festival da Jazz, St. Moritz), Andrea Engi (Presidente Jazz Club Chur e Swissjazzorama), Andrea Engi (Presidente Jazz Club Chur e Swissjazzorama). Moritz), Andrea Engi (Presidente Jazz Club Coira e Swissjazzorama), Nicolas Gilliet (Direttore JazzAscona), Pepe Lienhard (bandleader, sassofonista e arrangiatore), Sai Nobel (Redattore musicale Radio Swiss Jazz) e Mirko Vaiz (Responsabile progetto Musica, Percento culturale Migros, Federazione delle Cooperative Migros).

In un comunicato stampa del Teatro dell'Opera di Zurigo, Luisi, che era stato premiato con un Echo Klassik nel 2009, spiega che ora, come altri colleghi, deve "prendere le distanze da questo premio senza mezzi termini". L'assegnazione dell'Echo ai rapper Kollegah e Farid Bang è a suo avviso del tutto inaccettabile.

I due musicisti non avevano semplicemente oltrepassato il limite o provocato nell'ambito della libertà artistica, ma avevano "elaborato in modo beffardo le terribili esperienze di milioni di persone durante il nazionalsocialismo nei loro testi". È scioccante rendersi conto che un premio culturale "non conosce standard etici, tollera il razzismo e i contenuti ignoranti e addirittura li premia se solo i dati di vendita sono giusti".

Martin Maria Krüger, presidente del Consiglio musicale tedesco, ha annunciato le sue dimissioni dal Comitato consultivo etico. È convinto che la produzione del duo di rapper Kollegah e Farid Bang, vincitrice dell'Echo, violi i principi etici "in modo intollerabile e ripugnante", condivisi con forza da tutti i membri del comitato consultivo e dalle organizzazioni che rappresentano. Il pianista Igor Levit e il Quartetto Notos, tra gli altri, hanno restituito il loro Eco in segno di protesta.

Nel loro pluripremiato album "Jung, Brutal, Gutaussehend 3", il duo rap utilizza passaggi come "Il mio corpo è più definito dei detenuti di Auschwitz" o "Fate un altro Olocausto, forza con le Molotov".

Gli organizzatori del Concorso di Composizione di Basilea (BCC) hanno annunciato: "Fino al 31 maggio 2018, i compositori di tutte le età e nazionalità hanno ancora una volta l'opportunità di iscriversi al sito web www.baselcompetition.com di iscriversi al concorso di composizione di alto livello e di presentare un'opera nuova, non ancora eseguita, per orchestra da camera o sinfonica entro il 31 agosto 2018.

Il manager musicale di Basilea Christoph Müller, che ha fondato e organizza il BCC in collaborazione con la Fondazione Paul Sacher nel 2015, intende portare a Basilea i compositori più interessanti del mondo e far eseguire le loro opere in prima assoluta alle orchestre di Basilea. Il concorso è quindi interamente nello spirito dell'opera del direttore d'orchestra e mecenate basilese Paul Sacher (1906-1999), morto nel 1999. Nel febbraio 2019, la giuria era composta dai compositori Michael Jarrell (presidente della giuria), Wolfgang Rihm (presidente fondatore), Helmut Lachenmann e Andrea Scartazzini, oltre che dal direttore della Fondazione Paul Sacher, Felix Meyer, e dai rappresentanti di tutte le orchestre.

Le opere candidate saranno eseguite in quattro concerti nell'ambito di un concorso pubblico dall'Orchestra da Camera di Basilea, dall'Orchestra Sinfonica di Basilea e dalla Basel Sinfonietta, che parteciperanno per la prima volta nel febbraio 2019. Le tre migliori composizioni saranno premiate in un concerto finale il 24 febbraio 2019 e riceveranno un premio in denaro di 100.000 franchi svizzeri. Per la prima volta nella storia orchestrale di Basilea, le tre affermate orchestre professionali basilesi saranno unite in un unico progetto.

La giuria, composta da sei membri, non ha avuto vita facile nel valutare le 93 opere in gara per il premio di quest'anno. Per la prima volta, ha avuto anche la possibilità di assegnare una cosiddetta "wild card" per il concorso a pubblicazioni che riteneva particolarmente riuscite. Una di queste è stata anche premiata direttamente: il libro L'acqua che suona: musica idropneumatica e macchine sonore nell'arte dei giardini europei di Alexander Ditsche, pubblicato da Deutscher Kunstverlag.

Dopo una lunga discussione, sono state premiate le seguenti edizioni per i loro particolari risultati editoriali.

Vincitore del premio Best Edition 2018

Bettina Strübel (a cura di)
Trimum. Libro di canzoni interreligiose (partitura corale)
Breitkopf & Härtel, Wiesbaden

Silke Leopold
Claudio Monteverdi: Biografia
Edizione congiunta di Carus-Verlag, Leinfelden-Echterdingen, e Reclam, Ditzingen
vegl. Recensione nel Giornale musicale svizzero

Dr. Christian Larsen, Julia Schürer e Dana Gitta Stratil
Semplicemente cantare! Sviluppare la voce nel coro
In collaborazione con Trias-Verlag, Carus-Verlag, Leinfelden-Echterdingen

Gunther Martin Göttsche e Martin Weyer
Piccoli preludi corali e accompagnamenti agli inni dell'innario protestante
in 7 volumi
Bärenreiter-Verlag, Kassel

Siebe Henstra (a cura di)
Johann Sebastian Bach, Suites, Partite, Sonate
arrangiato per clavicembalo da Gustav Leonhardt
Bärenreiter-Verlag, Kassel

Mike Svoboda e Michel Roth
Tecnica di esecuzione del trombone
Bärenreiter-Verlag, Kassel

Solveig Schreiter e Raffaele Viglianti
Carl Maria von Weber: Der Freischütz
Punteggio e rapporto critico
Schott Music, Mainz

Ro Gebhardt
Alfabeto del jazz
AMA-Verlag, Brühl

Bernhard Richter, Matthias Echternach, Louisa Traser, Michel Burdumy e Claudia Spahn
La voce. Approfondimenti sui processi fisiologici coinvolti nel canto e nel parlato
DVD
Helbling-Verlag, Esslingen
vegl. Recensione nel Giornale musicale svizzero

Alexander Ditsche
L'acqua che suona. Musica e macchine sonore idropneumatiche nell'arte dei giardini europei
Deutscher Kunstverlag, Berlino

Membri della giuria 2018 (da sinistra)
Bert Odenthal, designer grafico, Berlino (presidente)
Susanne Funk, Kulturkaufhaus Dussmann, Berlino
Michael Struck-Schloen, giornalista musicale, autore e presentatore
Jan Sören Fölster, musicista di chiesa, Berlino
Mario Müller, Associazione federale delle scuole di musica indipendenti, Bonn
Prof. Dr. Dörte Schmidt, Università delle Arti di Berlino

Ivan Monighetti ha insegnato violoncello per quasi 30 anni alla Hochschule für Musik e alla Musik-Akademie di Basilea. Ora va in pensione. Ultimo allievo del leggendario Mstislav Rostropovich al Conservatorio di Mosca, ha accompagnato diverse generazioni di ambiziosi studenti di violoncello all'Accademia di Musica di Basilea e ha esercitato un'influenza duratura su numerosi giovani musicisti come insegnante e artista.

Ha insegnato a Sol Gabetta e Kian Soltani per circa dieci anni ciascuno. Mentre Sol Gabetta è da tempo uno dei violoncellisti più richiesti al mondo, Kian Soltani, di una generazione più giovane, sta per diventare una star mondiale del suo strumento. Entrambi hanno vinto, tra gli altri, il Credit Suisse Young Artist Award. Sol Gabetta ha appena ricevuto il Premio Herbert von Karajan al Festival di Pasqua di Salisburgo.

Ora il Festival Internazionale del Violoncello di Basilea si svolge in onore di Monighetti con quattro concerti tra aprile e giugno: tre nella Sala Grande dell'Accademia di Musica e un concerto di gala con l'Orchestra Sinfonica di Basilea nel Musical Theater Basel. Oltre a Sol Gabetta e Kian Soltani, si esibiranno con Monighetti altri musicisti di fama internazionale come Mischa Maisky e Frans Helmerson.

Per saperne di più:
https://www.fhnw.ch/resolveuid/39998c227d41420480af447c63ac1ce9

La casa degli artisti si trova nello storico stabilimento balneare dell'ex hotel termale Scuol-Tarasp, sulle rive dell'Inn, e comprende nove studi e camere da letto, una cucina con salotto, una grande sala per eventi e sale espositive su tre piani.
Ogni mese, fino a 10 artisti, musicisti, compositori, autori, ballerini, performer e scienziati provenienti da tutto il mondo vivono e lavorano sotto lo stesso tetto. I risultati delle opere create a Nairs vengono esposti in una mostra alla fine della stagione. I borsisti hanno a disposizione un proprio studio e una camera da letto. Ogni anno possono essere ammessi circa 30 artisti. È richiesto un contributo mensile di 500 franchi per le spese di ristorazione. La durata del soggiorno può essere scelta liberamente: minimo due mesi, massimo dieci mesi.

La Fundaziun Nairs è una sintesi unica di casa degli artisti, galleria d'arte e centro culturale. Crea uno spazio per il lavoro creativo concentrato e un'atmosfera di dialogo costruttivo tra i vari gruppi. Nairs si considera un luogo di lavoro e di incontro. Il lavoro individuale e il dialogo tra diverse discipline artistiche caratterizzano l'atmosfera dell'edificio. Oltre al programma di residenza per artisti, la Fundaziun Nairs offre regolarmente spazi per mostre ed eventi culturali.

La legge sottoporrebbe i fornitori di giochi d'azzardo autorizzati in Svizzera a quelle che sono probabilmente le norme più severe al mondo contro la dipendenza dal gioco. Secondo Suisseculture, l'obiettivo è "esclusivamente quello di impedire l'accesso ai fornitori di giochi d'azzardo online illegali che non rispettano le normative nazionali sulla protezione dalla dipendenza dal gioco e dal riciclaggio di denaro o le regole di prelievo applicabili". 

I termini "blocco di Internet" o addirittura "censura di Internet" usati dagli oppositori, compresi i giovani partiti di tutto lo spettro politico, sono fuorvianti: viene bloccato solo l'accesso ai siti di gioco d'azzardo su Internet che si rivolgono illegalmente ai clienti svizzeri. 

Una risoluzione corrispondente è stata adottata all'unanimità dall'Assemblea generale di Suisseculture il 13 aprile 2018.
 

Fu una raccomandazione di Mendelssohn Bartholdy ad attirare l'attenzione di Breitkopf & Härtel sull'inesperto Joachim Raff. Nel 1844 la casa editrice pubblicò le prime opere pianistiche del giovane, che nella sua vita scrisse oltre 300 composizioni. La Società Joachim Raff, con sede a Lachen, Svitto, città natale del compositore, si dedica anche alla conservazione e alla ricerca della sua eredità.

Nato a Lachen, sul lago di Zurigo, nel 1822, Raff divenne dapprima insegnante di scuola elementare a Rapperswil. Dopo quattro anni di scuola e una formazione da autodidatta in pianoforte, organo e violino, scelse di diventare musicista. Nel 1845 Liszt lo assume come segretario. Dal 1856 lavorò a Wiesbaden come insegnante di pianoforte e docente di armonia. Divenne presto uno dei compositori più richiesti del suo tempo. Nel 1877 divenne il primo direttore del Conservatorio Hoch di Francoforte, dove sostenne, tra gli altri, Clara Schumann. Raff morì a Francoforte nel 1882.

Les Petits Chanteurs à la Gueule de Bois, fondati circa quindici anni fa sulle montagne di Neuchâtel, sono i tre musicisti Lionel Aebischer, Frédéric Erard e Raphaël Pedroli. Il nome del gruppo è una variazione del tradizionale coro di ragazzi francese Les Petits Chanteurs à la Croix de Bois. Le performance dei tre si muovono tra musica e teatro. Eseguono chansons sulle piccole cose della nostra vita, che si rivolgono a un pubblico adulto, ma anche a un pubblico giovane con un programma proprio.

Il Premio svizzero di cabaret è stato fondato nel 1993 dagli iniziatori di Thun con il nome di "Tonno d'oro". In seguito è stato ripreso e organizzato dalla KTV ATP - Vereinigung KünstlerInnen - Theater - VeranstalterInnen, Svizzera, con il nome attuale. Dal 2015, il Kleinkunstpreis fa parte dei Premi svizzeri del teatro. Oltre ai Premi svizzeri di teatro, l'obiettivo è quello di riconoscere il lavoro scenico dei generi del cabaret (cabaret, clownerie, arte, caffè/concerto, ecc.) a livello nazionale.

Il premio è dotato di 30.000 franchi per un singolo e di 50.000 franchi per un gruppo. I candidati ricevono 5.000 franchi.

La ricetta base di m4music L'appuntamento annuale della scena musicale svizzera prevede dibattiti nel pomeriggio e musica dal vivo la sera. Il festival del Percento culturale Migros, della durata di tre giorni, inizia a Losanna - anche per colmare il divario culturale tra la Svizzera e l'Oriente - e si sposta il giorno successivo allo Schiffbau di Zurigo. Il programma della conferenza comprende dodici eventi, tra cui il concorso canoro "Demotape Clinic".

Poiché diversi panel si sovrappongono, è importante fare una selezione, come nel caso del tema "Realtà virtuale e musica". Björn Beneditz, consulente artistico del gruppo hip-hop di Amburgo Deichkind, è certo che la realtà virtuale (VR) sarà il futuro dei concerti dal vivo. Questo perché non solo amplia il palcoscenico, ma fornisce anche una visione dell'area dietro il palco. "Inoltre, grazie alla realtà virtuale, gli spettacoli possono essere vissuti in modo indipendente sia in termini di tempo che di spazio". Isabel Sánchez, Creative Content Manager del Montreux Jazz Festival, afferma che questa non è solo una fantasia. "Abbiamo già registrato 15 concerti con telecamere VR e il risultato è stato molto, molto impressionante". Proprio perché i precedenti modelli di business stanno venendo meno, le case discografiche sono aperte a opzioni di trasmissione innovative. "Credo anche che il pubblico preferisca indossare una cuffia piuttosto che stare in piedi in fondo a una sala da concerto". Dal punto di vista di Björn Beneditz, la VR sarà probabilmente di particolare interesse per gli artisti emergenti che lavorano dallo studio di casa e che, grazie a questa tecnologia, possono portare la loro musica direttamente nelle case dei fan. "Le band che hanno già avuto successo per vent'anni hanno meno bisogno di un approccio di questo tipo".

La tavola rotonda "No Billag: ora è tempo di digerire!" si è rivelata poco produttiva. Dopo la votazione sull'abolizione del servizio pubblico, sia il consigliere nazionale dell'UDC di Zurigo Claudio Zanetti che gli altri relatori hanno per lo più insistito sulle loro note posizioni. Il dibattito ristagna al più tardi dopo l'interiezione di Zanetti, secondo cui i media locali hanno un chiaro orientamento di sinistra. Il vicedirettore e direttore dei programmi di SRF, Hansruedi Schoch, ha definito il referendum "di fondamentale importanza". Il risultato del voto ha dimostrato che in Svizzera non esiste una frattura tra le generazioni, tra aree rurali e urbane o tra le diverse zone del Paese. Forse la consapevolezza più importante arriva solo verso la fine, quando Schoch spiega: "I nostri concorrenti non sono Tamedia o Ringier". Ma piuttosto aziende come Google o Facebook. Purtroppo questo punto non viene approfondito.

Nel primo pomeriggio di sabato, la discussione sarà incentrata su "Gender, who cares?". Katja Lucker, amministratrice delegata dell'organizzazione di finanziamento Musicboard Berlin e anche direttrice del Pop-Kultur Festival, spiega nella sua breve presentazione come Musicboard, con un budget di 3,6 milioni di euro nel 2017, si sia concentrata sul finanziamento di musicisti donne e della scena queer. Era essenziale che tutti i comitati e le giurie avessero almeno il 50% di rappresentanza femminile. Regula Frei, direttrice del centro di coordinamento Helvetiarockt, sottolinea che nessun evento in Svizzera ha ancora aderito all'International Keychange Initiative. Questa iniziativa mira a obbligare i festival a inserire nei loro programmi il 50% di spettacoli femminili e il 50% di quelli maschili entro il 2022. Philippe Cornu, responsabile del programma musicale del Gurten Festival di Berna, parla di un tema controverso che viene discusso in tutta Europa e ammette: "La mentalità deve cambiare". L'obiettivo del Gurtenfestival di quest'anno era di avere il 30% di artisti di sesso femminile, ma sarà raggiunto solo il 23%.

Il dibattito sul "club musicale di domani" è meno controverso. Philippe Bischof, nuovo direttore di Pro Helvetia, commenta la morte dei club: "I locali si trovano ad affrontare una sfida permanente". Oliver Dredge, direttore del KIFF di Aarau, spiega che non tutti i club devono sopravvivere, ma: "È importante che ogni città abbia un buon locale". I locali musicali di medie dimensioni come il KIFF sono particolarmente a rischio. Questi locali spesso investono molto nel lavoro di sviluppo di nuovi artisti, ma non appena questi hanno successo, migrano verso sale da concerto più grandi. Philipp Schnyder von Wartensee, direttore del festival m4music, ritiene che il futuro dei club risieda nella loro istituzionalizzazione.

"Rock'n'Roll e depressione" è stato un argomento raramente discusso: nella sua introduzione, il presentatore Hanspeter "Düsi" Künzler ha fatto riferimento a uno studio del 2016 dell'Università di Westminster, che ha dimostrato che il 71% dei musicisti intervistati soffre di ansia o depressione. Florian Burkhardt, ad esempio, che lavora come autore e musicista, ha ignorato tutti i segnali di allarme del suo corpo, finché un giorno non è più riuscito a stare in piedi nella ferrovia suburbana. Dopo molte terapie, il 44enne riceve ora una pensione di invalidità e dipende dai farmaci: "Oggi ho già ingoiato sei pillole". Il britannico Andy Franks, a lungo road manager di band come i Depeche Mode e i Coldplay, ha perso il lavoro perché i suoi problemi con l'alcol gli sono sfuggiti di mano. Ora è sobrio e ha creato la fondazione "Music Support". Questa fondazione sostiene i musicisti che hanno problemi di dipendenza o di salute mentale. Ricorda: "In tournée con artisti come Robbie Williams, sei assistito giorno e notte. Ma non appena il tour finisce, sei letteralmente da solo".

Alla teoria e ai numerosi dibattiti segue - come si conviene a un festival musicale - un'abbondante offerta dal vivo: mentre Zøla & The North sanno arricchire la loro miscela di elettronica, pop e rap con dense melodie nella serata di venerdì, The Garden & The Tree non riescono a scrollarsi di dosso il nervosismo quando si esibiscono. Il loro folk-pop, in realtà vivace, non vuole mai prendere velocità. Le canzoni di Veronica Fuscaro sono molto più impressionanti. Le sue canzoni pop, incorniciate da una tranquilla malinconia, sono tanto calde quanto autentiche. Il concerto dei Rootwords non è da meno, ma è di tutt'altro genere: ipnotizza il pubblico con ritmi duri e testi socialmente critici. Meno inebriante è invece il set di Pablo Nouvelle, troppo accogliente per il sabato elettronico. I punti salienti sono rappresentati dai sudafricani Nakhane, il cui elettropop infuso di soul suona quasi dolorosamente bello, e Zeal & Ardor: la loro miscela di gospel e black metal non è solo innovativa, ma anche furiosa.

E che impressione hanno gli organizzatori dell'edizione di quest'anno di m4music della scena musicale svizzera? "È molto vivace e variegata. Abbiamo assistito a molti concerti forti, ad esempio di KT Gorique, Stereo Luchs, Monumental Man e Meimuna", riassume il direttore del festival Philipp Schnyder von Wartensee. Tra i panel a cui ha potuto partecipare, quello sul genere gli è rimasto particolarmente impresso. La sua idea per il festival dell'anno prossimo è: "La discussione sul genere deve assolutamente continuare".

Il primo requiem polifonico della storia della musica! Con l'opera di Johannes Ockeghem Missa pro defunctis il Festival di musica antica di Zurigo si è aperto con una serie di requiem che hanno fatto la differenza. I principali ensemble del mondo della prassi esecutiva storica hanno eseguito brani noti e non, e un libretto di programma informativo li ha inseriti nel contesto storico. Una formula che il Forum Alte Musik Zürich perfeziona da 16 anni e che permette ai visitatori di immergersi in un tema per quindici giorni.

Chi pensa di aver già capito il concetto del festival, che ora si svolge due volte l'anno, sarà presto smentito. Un'anteprima del programma del festival autunnale Campane a vento fa capire che qui è rappresentata una visione molto aperta della musica antica. Non c'è altra spiegazione per i nomi di Mozart e Beethoven nel programma. Roland Wächter, co-presidente del forum insieme a Martina Joos, spiega: "La musica antica è tutto ciò che viene suonato su strumenti e nello stile dell'epoca in questione, 'storicamente informato'". E aggiunge, un po' provocatoriamente, che sarebbe del tutto concepibile includere Debussy nel programma in questo senso.

È questo ampio orizzonte che mantiene le due settimane di festival vivaci, interessanti e imprevedibili. Nella primissima edizione del 2002, gli organizzatori hanno presentato l'opera di Monteverdi Ulisse un adattamento moderno del materiale dell'Odissea. Questo marzo, il Consort di Orlando ha accompagnato il film muto La passione di Giovanna d'Arco con la musica vocale dell'epoca della Pulzella d'Orléans. Gli organizzatori non hanno inoltre mostrato alcun timore di contatto nella loro collaborazione con l'associazione 500 anni della Riforma di Zurigo. Gli specialisti del Medioevo e del Rinascimento Le Miroir de Musique hanno incontrato i musicisti folk dei Violinisti Elvetici, riprendendo un dialogo interrotto da tempo.

L'obiettivo di In Paradisum Tuttavia, l'attenzione si è concentrata sulle ambientazioni della messa da requiem del periodo rinascimentale e barocco. Lo sforzo di offrire una panoramica storicamente completa era facilmente riconoscibile: Con opere di Kerll, Schütz e Campra, tra gli altri, sono stati rappresentati il barocco austriaco, tedesco e francese e la musica sacra protestante e cattolica. La collaborazione di lunga data con l'Istituto di Musicologia dell'Università di Zurigo, che ha offerto un simposio liberamente accessibile sull'argomento, ha ulteriormente sottolineato questo approccio didattico.

Ciononostante, il tutto non ha mai dato l'impressione di essere scolastico, soprattutto grazie alla qualità dei concerti. La raramente ascoltata Missa pro defunctis di Johann Caspar Kerll è un vero e proprio apri-orecchie. Mancano completamente effetti sonori drastici; ciò che si dà per scontato si rivela una convenzione successiva. L'ensemble belga Vox Luminis ha conferito all'opera intima una tensione interiore nonostante la sua dolce solennità ed è stato in grado di affascinare i numerosi ascoltatori presenti nella Chiesa di San Pietro. Il fatto che fosse accompagnato dal brillante consorzio di violini LʼAchéron è stata la ciliegina sulla torta: La parte strumentale, poco spettacolare, è stata eseguita da un ensemble di così alta qualità, un vero lusso.

Ma non c'era solo la classe internazionale da sperimentare. Il coro e l'orchestra della Fondazione Bach di San Gallo sono noti per le loro interpretazioni bachiane di alta qualità, quindi il loro impegno è logico. Ma il fatto che abbiano eseguito l'opera di Bach Passione di San Giovanni mostra un altro aspetto del festival. Con un po' di buona volontà, il brano può essere integrato nel contesto tematico, ma questa esecuzione è dovuta soprattutto al pragmatismo della direzione del festival. Anche le opere popolari sono incluse nel programma. Una tattica che dà i suoi frutti, visto che da anni i concerti sono sempre ben frequentati e questa primavera è stata particolarmente piacevole, come riferisce Roland Wächter.

Il degno finale è stato ancora una volta affidato a una rarità. Con André Campras Massa dei morti l'Orchestra Barocca di Zurigo e l'Ensemble Vocale di Zurigo diretto da Peter Siegwart hanno presentato un'altra trouvaille dal grande bacino di opere ingiustamente poco conosciute. Il pubblico ha potuto scoprire una musica colorata e sensuale che non è estranea al dramma, ma che tuttavia descrive con toni delicati il cammino verso l'aldilà. Eseguita da un ensemble che ha un'evidente dimestichezza con il linguaggio musicale francese, ha fatto sì che il pubblico si avviasse alla serata pieno di aspettative e curiosità per l'autunno.

Come si fa a combinare l'interesse per la musica con una laurea in ingegneria del legno? Per Theresa Jensch è abbastanza ovvio: sta costruendo un sassofono in legno. Nel suo progetto di ricerca presso il Dipartimento di Ingegneria del Legno dell'HNEE, vuole scoprire come funziona fisicamente lo strumento e utilizzare queste conoscenze per costruirne una versione in legno. Ha già realizzato due prototipi in legno e su uno di essi è in grado di produrre due note distanti un'ottava.

"Le note suonano più morbide rispetto alla versione in metallo", osserva la studentessa HNEE, che suona lei stessa il sassofono tenore. Il prossimo passo sarà l'integrazione della meccanica, che prevede la fresatura di fori adeguati. Il suo obiettivo è produrre il sassofono in legno in modo che l'intonazione corrisponda alla costruzione originale in metallo e che lo strumento possa essere utilizzato musicalmente nella stessa misura dell'originale. Dovrebbe armonizzarsi con altri strumenti.

Attualmente non esiste sul mercato tedesco un sassofono tenore in legno che soddisfi questo standard qualitativo. Tuttavia, la studentessa HNEE conosce i sassofoni contralto in legno che possono essere suonati senza chiavi. "Nei Paesi extraeuropei, la maggior parte dei sassofoni in legno sono realizzati con legni tropicali", spiega Theresa Jensch, che finora ha utilizzato legno dolce per i suoi prototipi. Quando sarà pronto il primo prototipo suonabile, verranno utilizzati legni locali con la massima densità possibile, come gli alberi da frutto.

L'aspirante tecnico del legno è attualmente interessato a collaborare con persone esperte nella costruzione di strumenti che vogliano sostenerla nel suo progetto. Una volta realizzati i fori, che dovrebbero essere realizzati in estate, sta cercando aiuto per la meccanica.

Contatto:
Theresa Jensch
Studente HNEE presso il Dipartimento di Ingegneria del Legno
6° semestre
E-mail: theresa.jensch[at]hnee.de

Le pagine del sito web del DOV hanno una struttura più chiara per facilitare l'orientamento degli utenti. Offrono inoltre un numero ancora maggiore di informazioni, ad esempio sui progetti attuali del DOV, sulla salute dei musicisti o sui viaggi con gli strumenti. Inoltre, le pagine si adattano ora anche ai dispositivi mobili.

Ogni tre anni, il DOV organizza la Conferenza delle orchestre tedesche su temi attuali di politica culturale e musicale. La prossima si terrà con il partner di cooperazione netzwerk junge ohren (njo) il 24 aprile 2018 a Halle (Saale). Sono attesi oltre 300 partecipanti provenienti dai settori della gestione culturale e orchestrale, dell'educazione musicale, della politica federale, statale e locale, della politica dei media e delle organizzazioni di radiodiffusione in Germania, Austria e Svizzera.

I delegati del Consiglio svizzero della musica (SMR) hanno eletto all'unanimità Rosmarie Quadranti, Volketswil (ZH), come presidente il 6 aprile a Zurigo. Membro del Consiglio nazionale dal 2011, è presidente del gruppo parlamentare BDP dal 2015 ed è anche membro della Commissione per la scienza, l'educazione e la cultura.

Irène Philipp Ziebold ha assunto la presidenza del Csm ad interim nel 2016 dopo la morte di Markus Flury. Il suo grande impegno per il Consiglio svizzero della musica è stato riconosciuto e ringraziato.

L'SMR conta attualmente 50 membri. L'Orchestra Sinfonica Giovanile Svizzera è un nuovo membro. L'associazione Youth Classics, la Gesellschaft für die Volksmusik der Schweiz GVS e l'associazione jugend + musik hanno terminato la loro adesione all'SMR (scioglimento alla fine del 2017). Anche Sonart - Musikschaffende Schweiz è membro del Consiglio della Musica; questa associazione è nata il 1° gennaio 2018 dalla fusione di Schweizerischer Tonkünstlerverein con Musikschaffende Schweiz e Schweizer Musik Syndikat.
 

www.musikrat.ch
 

SMZ/ks

Il Consiglio direttivo del Consiglio svizzero della musica

(da sinistra) Andreas Ryser (IndieSuisse), Elisabeth Karrer (Rhythmik Schweiz), David Schneebeli (SMV), Stefano Kunz (Amministratore delegato SMR), Rosmarie Quadranti, Irène Philipp Ziebold (Suisa), Armon Caviezel (VSSM), Yvonne Meier (Helvetiarockt), Valentin Bischof (SBV). Assente dalla foto: Karin Niederberger (EJV)

Il team dedicato ai due iniziatori Immanuel Brockhaus e Thomas Burkhalter ha accolto gli ospiti con un programma denso che minacciava di sovraccaricare la loro attenzione. Il simposio è stato aperto da Peter Kraut, vicedirettore del dipartimento di musica della HKB, seguito da Thomas Gartmann, responsabile della ricerca della HKB. Quest'ultimo ha delineato il profilo dell'università ospitante. È iniziato il passaggio strategico dalla pratica esecutiva storicamente informata ai nuovi media. La collaborazione tra ricerca e insegnamento è oggi centrale. Sotto l'etichetta "Arts in Context" si trova l'ultimo tema di ricerca: la comunicazione tra uomo e macchina. Le interfacce di questa comunicazione sono le cosiddette interfacce, che verranno discusse più volte durante l'intera durata del simposio.

La prima presentazione è stata tenuta dal musicista jazz svizzero e pioniere dell'elettronica Bruno Spoerri. Una buona scelta. La ricchezza dell'esperienza di Spoerri è stata in un certo senso il tema centrale del simposio e ha anche portato alla luce uno o due aneddoti degli "inizi". Egli ritiene che il "suono" sia il più grande parametro di riconoscimento e quindi di definizione del genere. Ha ricordato i primi strumenti elettronici come gli Ondes Martenot. È riuscito a farlo senza soffermarsi sulla nostalgia. Ha dato uno sguardo critico all'introduzione dello standard midi nel 1984, che ha descritto come una cementificazione e una focalizzazione sulle interfacce a tastiera. Chiede una maggiore libertà per la spontaneità nel passaggio dal computer alla musica, un addio ai suoni di culto e un ritorno a Stockhausen. Tuttavia, la ricerca è sulla strada giusta: fare musica con i gesti sta diventando sempre più possibile e la sua interfaccia da sogno, in cui un suono dovrebbe essere solo pensato, forse non è più un'utopia. La creazione di musica gestuale è stata anche la principale preoccupazione di Werner Jauk (Graz). Le interfacce dovrebbero essere in grado di modellare il suono attraverso il corpo. Jauk si spinge oltre e vuole catturare anche la tensione corporea. Considera l'informazione corporea come costitutiva rispetto al suono.

Il fatto che lo standard Midi non fosse più in grado di soddisfare questi requisiti era ampiamente accettato. L'ingegnere Lippold Haken si è lanciato in questo vuoto e ha fatto presentare il suo Continuum Controller dal brillante musicista Edmund Eagan, che lo conosceva bene. Questo controller si discosta dallo standard criticato e consente di registrare una ricchezza di parametri senza precedenti. L'input avviene con le dita attraverso una superficie tattile continua. Secondo lo sviluppatore, tuttavia, non è ancora in vista una svolta industriale di questa tecnologia. È ancora difficile trovare investitori al di fuori del persistente standard Midi. In ogni caso, i risultati della dimostrazione delle prestazioni sono stati impressionanti. Tuttavia, la complessità del funzionamento di questa interfaccia sembra essere paragonabile a quella di imparare a suonare il violino. Resta da vedere se il desiderio di libertà anziché di controllo formulato da Imogen Heap e citato da Katia Isakoff (Londra) possa essere soddisfatto. Il fatto che i giovani vogliano sempre più tornare a usare i controller tattili è stata anche la conclusione della ricerca di Jack Davenport (University of Central Lancashire). Tuttavia, la sua "interfaccia musicale ludica" estremamente semplificata è stata esaminata criticamente dal pubblico. Non per la prima volta, sono state espresse preoccupazioni su una "pigrizia" strisciante nella produzione di "musica". Il progetto di ricerca V:Age, avviato da Brockhaus sul tema dell'"invecchiamento virtuale", affronta in modo nuovo la mancanza di un legame personale con gli strumenti musicali al di fuori del funzionamento tattile: I due game designer Ruben Brockhaus e Brett Ayo (Berlino/Berna) stanno attualmente sviluppando uno strumento virtuale che avrà la capacità di invecchiare. In futuro, ci sarà un processo di invecchiamento indotto dall'utente sia a livello visivo che a livello funzionale e audiofilo.

La conferenza non ne ha fatto mistero: Siamo arrivati nell'era digitale. Le possibilità sembrano infinite e le macchine difficilmente possono essere spinte al limite. C'è stato disaccordo sull'impatto di questi fatti sulla creazione di musica, il processo creativo per eccellenza. Mentre Wayne Marshall (Berklee College of Music/Harvard, Boston) è rilassato riguardo alle restrizioni imposte dalla logica delle macchine, Fereydoun Pelarek (Macquarie University, Sydney) ha addirittura parlato di libertà creativa grazie alle possibilità illimitate e l'aspetto della maneggevolezza è stato discusso seriamente più volte, ci sono state voci dissenzienti. Il produttore techno Georgi Tomov Georgiev (Berlino) ha ricordato al pubblico il potere creativo della limitazione. Citando Jeff Mills, ha parlato di schiavi dei computer per quanto riguarda il presente. Jauk ha considerato che il corpo materiale sta diventando sempre più privo di funzioni. Il problema delle "decisioni" è stato sollevato da Jan Herbst (Bielefeld) nel suo lavoro "vecchie chitarre con nuove tecnologie". Ha studiato la tecnologia del "profiling". Si tratta di un processo che misura le caratteristiche sonore degli amplificatori per chitarra e dei loro microfoni e le riproduce di conseguenza. Ciò che avrebbe dovuto essere deciso in una fase iniziale della produzione senza questa opzione, ora rimane un'opzione aperta fino all'ultimo momento. Il sovraccarico della macchina è escluso, così come la scoperta accidentale.

Il discorso digitale/analogico ha trovato i suoi poli nelle presentazioni di Katia Isakoff e Holger Lund (Berlino/Ravensburg). La compositrice Isakoff ha adottato un approccio performativo al Theremini lanciato dalla Moog, un riferimento digitale e pratico al leggendario Theremin. A sua discolpa va detto che ha presentato una toccante rivalutazione del rapporto personale tra la virtuosa del theremin Clara Rockmore e l'inventore dello strumento Leon Theremin come approccio umanistico alla macchina e alla sua innovazione. Tuttavia, Isakoff ha espresso ciò che è stato parafrasato nel canone: "Il divario si sta chiudendo". Non sono comunque gli strumenti a fare la musica, ma le persone, citò Max Rudolph. Più avanti, su questo punto. In ogni caso, non c'era quasi nessuna opposizione. La situazione è cambiata radicalmente con il contributo di Lund. Nella sua presentazione "New sound aesthetics through post-production mastering and vinyl cutting", ha parlato di un fenomeno post-digitale e della relativa rianalogazione. Si può notare un'influenza decisiva sul prodotto finale dell'arte in studio attraverso i processi analogici e la corrispondente abilità artigianale. La presenza sonora viene scolpita con l'aiuto della distorsione. Alla domanda se questo confronto audiofilo avvenga o meno nel campo dell'udibile, ha dato una risposta devastante per l'attuale industria musicale: "Le differenze sono notevoli, l'unica domanda è se riusciamo ancora a percepirle. Le nostre abitudini di ascolto sono già state stravolte dall'onnipresenza della digitalizzazione e dei relativi dispositivi di riproduzione mobile. Dalle interviste con i principali artisti della masterizzazione, Lund ha appreso che la trasparenza non sarà più l'estetica del futuro, ma piuttosto la colorazione e l'elaborazione di un "timbro sonoro" individuale.

La definizione, che è stata discussa in questo simposio, ha tardato ad arrivare. Sebbene ci fosse accordo sul termine "suono" e sulla sua adeguata traduzione in "Klang", il significato del termine "futuro" è stato sollevato solo nel contributo del filosofo Robin James (UNC Charlotte). Se nell'era moderna il nuovo e l'innovazione erano ancora considerati l'epitome del futuro, con il neoliberismo le cose sono cambiate radicalmente. La speculazione e gli investimenti ora definiscono il futuro. James parla del futuro come di una conseguenza del successo. Per la musica, questo ha significato la perdita della narrazione. Il progetto drammaturgico sta subendo un cambiamento radicale. Nella lotta per l'attenzione, ad esempio, il climax appare proprio all'inizio. L'essenziale lotta per il successo si sta gradualmente manifestando anche nel nostro corpo. È sempre più visto come un oggetto di investimento. Investire significa sempre correre dei rischi. Per l'industria è importante soppesare questi rischi. I beni strumentali mobili verso l'alto sono esposti al fenomeno della "gentrificazione". A questo punto, James porta sul podio la controversa questione del genere. Attribuisce l'investimento nel corpo femminile proprio a questo fenomeno: "L'investimento nel corpo femminile è la gentrificazione umana". Anche Marie Thompson (Università di Lincoln) affronta lo stesso tema. Nella sua conferenza ha presentato una serie di dispositivi che consentono alle donne incinte di ascoltare musica prenatale. L'investimento sul nascituro ha lo scopo di prepararlo al meglio per una società orientata al successo. Naturalmente è già stata compilata una corrispondente playlist per neonati. L'apice dell'alta cultura è presentato in un canone che va da Mozart ai Queen. Viene anche fornita un'analisi di quale musica stimola quale "comportamento di apprendimento" prenatale. La Thompson ritiene che la produzione e la riproduzione siano decisive per il capitalismo. Descrive la produzione senza riproduzione come il caso ideale di questo sistema. Un pensiero che può assumere proporzioni devastanti se applicato al corpo femminile. L'autrice fa appello a una nuova consapevolezza. L'attenzione non dovrebbe essere rivolta ai prodotti e ai loro processi, ma alle condizioni quadro in cui vengono creati. Annie Goh (Goldsmith University of London) ha analizzato il fenomeno di massa giapponese "Hatsune Miku". Le popstar femminili virtuali sono programmate e commercializzate dagli utenti della relativa piattaforma online. Questa "creatività in crowdsourcing" porta alla morte dell'autore e quindi alla morte della realtà. Il punto centrale dell'analisi della Thompson è l'uso della voce femminile virtuale. Qui traccia un parallelo con il mondo occidentale. La voce femminile virtuale nella sfera pubblica è già onnipresente. La questione non è solo come verrà utilizzata in futuro, ma anche chi deciderà in merito. La tecnologizzazione della voce femminile potrebbe quindi giocare un ruolo importante nel dibattito di genere del futuro.

La virtualizzazione è stata anche l'argomento dell'emozionante contributo dei due media artist Michael Harenberg e Daniel Weissberg (Berna). Essi hanno fatto riferimento al problema dei "big data". Il trattamento computerizzato di grandi quantità di dati consente di esaminare il comportamento umano. Con il termine "apprendimento automatico", i programmi vengono fatti apparire intelligenti. Google, ad esempio, è riuscita a sconfiggere il suo avversario umano nel secolare gioco da tavolo Go, grazie all'"apprendimento automatico" che consiste nel giocare contro se stessa migliaia di volte. Nel settore musicale sono già in corso tentativi di creare una hit numero uno generata dalla macchina (si veda l'Antwerp Research Institute for the Arts). Non sono forse le persone a fare la musica, dopo tutto? Harenberg e Weissberg commentano subito: "Non è divertente". Il sistema utilizzato è privo di qualsiasi capacità umana ed è innanzitutto un sistema di elaborazione dati incredibilmente veloce. Secondo Harenberg e Weissberg, questo non ha molto in comune con il termine "intelligente". L'applicazione dei big data elimina l'hobbista e può essere utilizzata solo dalla grande industria. La digitalizzazione non contribuisce alla democratizzazione del mercato musicale.

Su questo punto gli oratori non sono stati concordi. Jan Herbst, ad esempio, ha parlato di democratizzazione digitale. La possibilità di utilizzare attrezzature virtuali e i costi ridotti grazie alla disponibilità online dovrebbero garantire pari opportunità. Non sono stati discussi i problemi di gestione dei diritti d'autore e le barriere all'ingresso in termini di metodi di pagamento. Harenberg e Weissberg hanno fatto appello alle università affinché si assumano le proprie responsabilità nell'affrontare questi fenomeni. I loro programmi non dovrebbero concentrarsi sugli aspetti tecnologici, ma piuttosto sulle sottoculture ancora esistenti.
 

Conclusione dell'evento densamente programmato: il simposio ha brillato innanzitutto per l'alto livello di consapevolezza storica. Tuttavia, non c'era molto in termini di sogni per il futuro. Gli scienziati non sono ancora in grado di guardare oltre la storia contemporanea. La prospettiva può essere collocata nell'area delle idee creative, ma non viene quasi mai azzardata. Che il futuro sarà elettronico, tuttavia, è rimasto fuori discussione. Non ci sono stati contributi con una visione acustica. L'unico accenno in questa direzione è venuto da Harenberg e Weissberg: "La chitarra da viaggio non esiste in forma elettronica". Come conclusione armoniosa, l'ospite di apertura ha detto di nuovo la sua. Questa volta con una performance musicale. Bruno Spoerri ha dimostrato, strizzando l'occhio alla storia, che la ricerca non ha fine e che il futuro porterà sicuramente qualcosa di nuovo.