Un totale di quasi 200 trombonisti provenienti da tutto il mondo ha accettato l'invito dell'IPV e dell'Università di Musica di Weimar. Il Concorso solistico dell'IPV si è svolto per la prima volta nell'ambito del Simposio dell'IPV dal 5 all'8 marzo. 77 giovani solisti di trombone provenienti da 19 Paesi si sono esibiti davanti a una giuria. I tre primi premi per ogni vincitore consistevano in uno strumento di alta qualità e in un'esibizione come solista all'IPV Symposium 2019.

Il diciassettenne sloveno Matej Stih ha vinto nella categoria I per i più giovani. Con il Premio Courtois, riceverà un nuovo trombone tenore personalizzato da Antoine Courtois, Parigi, del valore di diverse migliaia di euro. La giuria ha assegnato due primi premi nella sorprendente categoria II (18-21 anni): Il premio Yamaha, e con esso un nuovo trombone tenore dello stesso marchio, è andato al ventenne Tolga Akman dalla Turchia.

Un altro trombone tenore Vincent Bach nuovo di zecca è stato vinto dal portoghese Marco Rafael Ferreira Rodrigues, 19 anni, con il suo premio Bach. Nessun premio è stato assegnato nella categoria di età III (22 anni e oltre).

Nato nel 1998, Marco Rafael Ferreira Rodrigues è entrato a far parte della classe di trombone di David Bruchez alla Zurich University of the Arts nel 2016. Ha già vinto numerosi primi premi in concorsi internazionali. Dal 2017 è membro permanente dell'Orchestra della Tonhalle di Zurigo come trombonista.

I membri della giuria erano Carsten Svanberg (Presidente, Danimarca), Zoltan Kiss (Ungheria), Fabrice Millischer (Francia), Mayumi Shimizu (Giappone) e Jamie Williams (USA).

Al termine dell'ultima Sessions-Stubete al Progr di Berna, il presidente di Indie Suisse Andreas Ryser, Anja Illmaier di Intakt Records e Matthias Stürmer, amministratore delegato del gruppo parlamentare per la sostenibilità digitale, calcolano il reddito che un artista può aspettarsi su Spotify. Ciò che è piuttosto sorprendente alla luce delle famose lamentele sul crollo del business musicale: Ryser interpreta il risultato con fiducia. In definitiva, un titolo ascoltato in streaming sulla popolare piattaforma genera ricavi paragonabili a quelli di un CD tradizionale. C'è però un problema: se un artista vende un CD, riceve tutti i ricavi immediatamente; se, come su Spotify, vengono remunerati gli stream effettivi, i ricavi vengono distribuiti per tutto il periodo di utilizzo. La conseguenza, secondo Ryser, è che dovranno essere le banche o le etichette ad anticipare il denaro al musicista. In effetti, ci sono segnali che indicano che l'industria si sta muovendo di nuovo verso un modello di questo tipo.

Con Spotify e lo streaming come futura fonte di reddito più importante per i creatori di musica, la Sessions-Stubete, un evento organizzato da Musikförderung Bern e Sonart - Musikschaffende Schweiz, è arrivata nel prossimo futuro. Il punto di partenza, tuttavia, è stato il fenomeno dei download illegali e la questione se questi debbano avere un ruolo nell'attuale revisione della legge nazionale sul diritto d'autore (URG). Nessuno al Progr ha avuto una sola parola buona da dire sulla bozza di revisione della legge. Non prevede blocchi per i siti di pirateria anonimi, strumenti di diritto civile contro gli uploader o una remunerazione per l'uso dei social media. Ma anche la qualità tecnica della bozza è stata fortemente criticata dagli esperti presenti.

Tuttavia, si è discusso anche se i download illegali avranno ancora un ruolo in futuro, visto il cambiamento del comportamento degli utenti. All'inizio dell'evento, Anja Illmaier ha illustrato i danni che gli interessati sospettano ancora di aver causato. Da due anni l'etichetta Intakt mette a disposizione il suo intero catalogo sulla piattaforma Bandcamp. Un musicista ha fatto notare che anche la sua musica veniva offerta illegalmente da terzi. Secondo Illmaier, tuttavia, rintracciare il provider si è rivelato difficile. La ricerca ha infine portato a un server con sede in Togo. Il provider non ha risposto alla richiesta di rimuovere i contenuti illegali, sostenuta a sua volta da Suisa. Tali contromisure sono molto costose, ha spiegato il rappresentante dell'etichetta, e di solito sono comunque inefficaci. Inoltre, è del tutto impossibile per le case discografiche cercare proattivamente in rete le offerte illegali dei loro prodotti. Intakt stima che tale pirateria comporti una perdita di reddito annuale di circa 10.000 franchi svizzeri per il musicista interessato. Tuttavia, il Progr si è detto scettico su questo calcolo.

Il moderatore della Sessions-Stubete è stato Christoph Trummer, presidente dell'Associazione svizzera dei musicisti pop-rock fino alla fine del 2017, costretta a fondersi con il Sindacato svizzero di musica SMS (jazz e improvvisazione) e l'Associazione svizzera dei musicisti STV (nuova musica) su pressione dell'Ufficio federale della cultura. In qualità di delegato dell'associazione culturale Suisseculture, Trummer ha partecipato al gruppo di lavoro del Consigliere federale Sommaruga sul diritto d'autore (AGUR12). Il gruppo di lavoro è stato istituito nel 2012 e ha concluso i suoi lavori nell'aprile 2017. Uno dei suoi temi è stato quello delle possibili strategie per combattere l'abuso del diritto d'autore su Internet. Alla fine, non ne è rimasto molto: da un lato, incentivi piuttosto non vincolanti per gli hoster per prevenire gli abusi delle loro piattaforme; questi sono stati giudicati estremamente dilettanteschi da un punto di vista legale durante la riunione delle Sessioni. Dall'altro lato, si vogliono creare delle possibilità per identificare gli uploader. Il Consiglio federale ha adottato il progetto di legge e il messaggio il 22 novembre 2017. Il progetto non riguarda solo gli aspetti che interessano direttamente l'industria musicale. Altre modifiche previste riguardano, ad esempio, i ricercatori e le biblioteche. Queste ultime potranno utilizzare le loro collezioni per determinati scopi senza un'autorizzazione esplicita da parte dei titolari dei diritti. Le esecuzioni sono ora protette dal diritto d'autore per 70 anni invece dei precedenti 50 anni. L'estensione del periodo di protezione ha lo scopo di dare ai produttori più tempo per ammortizzare i loro investimenti.

Nelle sue osservazioni introduttive, il Consigliere nazionale Stefan Müller-Altermatt, Presidente del Gruppo parlamentare per la musica PGM, ha descritto l'"Articolo sulla promozione musicale", adottato nel 2012: "Tutte le ambiguità che si possono inserire in un articolo costituzionale sono contenute nell'art. 67a". Si sperava in una spinta dalla Costituzione, ma ora l'attuazione degli obiettivi di promozione musicale si scontra con ambiguità, questioni di responsabilità e mancanza di velocità.

L'incontro del PGM si è concentrato in particolare sullo sviluppo dei talenti. Anche in questo caso, gli sforzi sembrano fare pochi passi avanti. Non è che non esistano strumenti di sostegno per i bambini e i giovani musicalmente dotati, ce ne sono molti, Müller-Altermatt ha persino usato il termine "giungla" nel titolo dell'evento: "La battaglia per il talento - promuovere i bambini dotati in una giungla di responsabilità". Il rapporto della Segreteria di Stato per la formazione, la ricerca e l'innovazione del febbraio 2017 fa riferimento a un numero considerevole di misure cantonali, ma giunge comunque alla conclusione che nelle università di musica vi è una "percentuale talvolta bassa di studenti stranieri".

"Tutto è stato detto, tutto è stato scritto, tutto è stato scientificamente provato, quello che manca è la volontà politica". Così Hector Herzig ha riassunto in una breve presentazione il suo punto di vista sulla lenta attuazione dell'articolo costituzionale e sulla promozione mirata dei bambini dotati. "Perché", ha proseguito, "non esiste una legge sulla promozione della musica quando esiste da tempo una legge sulla promozione dello sport?". Il governo federale ha imposto tre lezioni di sport per bambini e ragazzi nei cantoni, quindi dovrebbe essere in grado di influenzare anche l'educazione musicale.

Nel corso della successiva tavola rotonda, Thomas Limacher, direttore della Scuola di musica di Lucerna, ha illustrato il modello di finanziamento della scuola. Grazie a una donazione privata, il Cantone di Lucerna dispone da quattro anni di un programma di sostegno per i musicisti di talento. La cosa più importante è sostenere i talenti, ma lasciarli il più a lungo possibile nel loro ambiente tradizionale, perché lì, nella società musicale locale o nella scuola di musica regionale, agiscono come fari. Di norma, un talento porta presto a un secondo o a un terzo. Non si tratta quindi di eliminare il più rapidamente possibile i talenti dalle strutture regionali e continuare a promuoverli a livello centrale. Con questa affermazione, Limacher ha toccato un tema che riguarda l'intera società, che rende ancora più difficile la promozione della musica e che Herzig aveva già affrontato: le associazioni, spina dorsale della Svizzera culturale, si stanno erodendo.

Michael Kaufmann, direttore dell'Università di Musica di Lucerna, ha sottolineato una situazione paradossale: Gli stessi ambienti politici che finora non hanno finanziato la promozione dei talenti hanno criticato la bassa percentuale di studenti con un certificato di ammissione svizzero alle università di musica. Tuttavia, affinché un maggior numero di giovani musicisti svizzeri raggiunga il livello universitario, è necessario promuovere i talenti.

Isabelle Chassot, direttrice dell'Ufficio federale della cultura, ha ribattuto che il messaggio culturale 2016-2020 si è concentrato sull'attuazione del programma Gioventù+Musica. Le misure per promuovere i talenti devono ora essere discusse per il prossimo periodo. Poiché le strutture attuali sono molto diverse tra loro, si dovrebbe forse pensare a dei centri regionali. (In realtà, il Consiglio svizzero della musica si aspetta che il messaggio culturale 2021-2024 venga elaborato a partire dall'estate 2018, motivo per cui ha invitato i suoi membri a presentare proposte entro il 29 marzo su ciò che il settore musicale dovrebbe includere nel messaggio culturale).

In risposta alla domanda del moderatore Wolfgang Böhler se il federalismo fosse il freno, Susanne Hardmeier, Segretario generale della Conferenza svizzera dei Ministri cantonali dell'educazione (CDPE), ha risposto che l'impegno dei responsabili nei cantoni è enorme e che le differenze tra i cantoni sono una ricchezza, non un ostacolo. Anche lì c'è molto da fare, ma non si intravede una soluzione comune. I commenti dal palco hanno ampliato il catalogo delle questioni irrisolte: Rainer J. Schweizer ha sottolineato che la promozione dei bambini dotati inizia con l'accesso alla musica e che la Svizzera è molto indietro nell'inclusione dei bambini provenienti da contesti educativamente svantaggiati. Per quanto riguarda la musica nelle scuole, Armon Caviezel ha chiesto cosa intende fare la CDPE per preparare gli insegnanti al Curriculum 21 in materia di musica.

Nel complesso, ci sono state più domande che risposte. Il consigliere nazionale Müller-Altermatt ha riassunto la questione in poche parole: "Se dovessi tornare all'Assemblea federale e far approvare una legge sulla promozione della musica, non saprei come risolvere la questione a livello istituzionale. Dove si dovrebbe collocare la leva tra le competenze dei Cantoni e quelle della Confederazione?".

Thomas Limacher ha riassunto in modo piuttosto tangibile lo stato d'animo di base di stagnazione, nonostante l'urgenza, l'impotenza e la stanchezza crescenti che si notavano in molti luoghi: "Possiamo continuare con il nostro programma di finanziamento nel Cantone di Lucerna per altri due anni circa, poi i fondi privati esistenti non saranno più sufficienti". Se non ci sarà un aiuto da parte dei politici, dovremo ridurre massicciamente il programma o interromperlo".

Solo un parlamentare uomo e una donna hanno ascoltato le preoccupazioni di oltre trenta rappresentanti della scena musicale. Ovviamente, l'interesse dei politici per le questioni musicali è limitato.

I tesori della Fondazione Paul Sacher di Basilea (PSS) non finiscono mai di stupire. Probabilmente se ne potrebbero esporre alcuni a caso e si rimarrebbe affascinati dall'aura degli autografi e dei manufatti. Tanto meglio quando si concentra su un compositore o, come in questo caso, su un tema piuttosto attuale: "Re-Set". Si tratta di appropriazione, ricorso e continuazione nella musica e nell'arte a partire dal 1900 - ci sono due sottotitoli nei documenti. Questo è molto popolare in tempi di campionamenti e remix, ma c'è una lunga tradizione in questo senso.

Il PSS esplora il tema in quattro sale del Museo Tinguely: nel caso di arrangiamenti di musica altrui, di musica propria dell'artista e di musica popolare e in relazione all'arte popolare. La mostra è accompagnata da un bellissimo catalogo che contiene numerosi articoli di approfondimento e di facile lettura. Dotati di un iPad, i visitatori possono partire per sperimentare le opere in forma sonora e approfondire così la loro impressione.

In primo luogo, ci sono gli esempi in cui i compositori fanno riferimento a colleghi della storia. Si potrebbe certamente riempire una mostra con la sola ammirazione di Bach (qui rappresentato da Webern, Kagel, Gubaidulina), ma fortunatamente sono presenti anche Machaut (con Birtwistle, Kurtág e Sciarrino), Gesualdo (con Stravinsky, Sciarrino e Klaus Huber), Beethoven (con Kagel) e Satie (attraverso Debussy). I Pezzi per pianoforte op. 19 di Schönberg (un compito popolare per gli studenti di composizione) sono rappresentati in strumentazioni di Rihm, Holliger e Younghi Pagh-Paan.

La seconda sala offre uno sguardo sul processo creativo, ovvero quando i compositori modificano, migliorano e riorganizzano le proprie opere, come fece Stravinskij con l'opera Uccello di fuoco o Webern con le canzoni di Rilke. Boulez, Maderna, Ligeti o Rihm hanno trapiantato parti di un pezzo in un altro o hanno spinto più in là le idee fondamentali. Il PSS ha a disposizione tutto il materiale possibile, in modo da poter documentare in modo meticoloso e chiaro le varie fasi del lavoro.

Musica popolare poi nella terza sala, canzoni yiddish orientali di Milhaud e Stefan Wolpe, più anni di ricerca di Bartók, Veress e Lutosławski e la loro trasformazione in composizioni. A volte è molto vicino alle fonti, ma nel caso di Berio, Reich e Holliger, ad esempio, le supera. Alb-Chehr il confine con una musica popolare immaginaria. È sorprendente notare alcune assenze: Henze (che è assente anche dagli arrangiamenti, ad esempio con la sua graffiante orchestrazione dell'opera di Wagner) è un po' come se non fosse presente. I due granatieri) o Globokar. È come se tutte le implicazioni politiche venissero eluse.

Infine, spicca la quarta sala, dal titolo un po' infido: "Elitismo subliminale. Popolarizzazione e nobilitazione". Forse volevano inserire qualcosa di popolare e quindi hanno fatto ricorso a spezzoni di film della Disney. Fantasia (con l'opera di Stravinsky Sacre du Printemps) e il film di Kubrick 2001: Odissea nello spazio (con Ligeti). Ma ha poco a che fare con il tema. Di conseguenza, si trova isolata accanto agli altri pezzi esposti. Certo, anche lì c'è qualcosa da scoprire, arrangiamenti di Beatles non solo di Berio, ma per il resto questa parte sembra spugnosa, rapidamente saturata, rapidamente espressa di nuovo. Soprattutto, appare chiaro che la mostra, per quanto variegata, ha poche aree di attrito e nessuna potenza esplosiva. Certo, ci saranno sempre delle omissioni da criticare, ma è significativo ciò che qui è quasi del tutto assente: il maligno e l'abissale, come se si volesse evitarli. Questa mostra è molto dolce.

Sarebbero necessari dei contrappunti. Nel migliore dei casi, questi potrebbero essere trovati nel seminterrato. La mostra è preceduta (e assente dal catalogo) dal contributo del Museo Tinguely, una piccola esposizione di opere basate sul famoso Urinoir di Duchamp. Questa mostra non è in sintonia con le esposizioni musicali. Può darsi che nelle arti visive, come ha detto il padrone di casa Roland Wetzel al vernissage, "re-set" significhi qualcosa di diverso rispetto alla musica, ma forse ci sarebbero stati esempi più coerenti: non pochi musicisti hanno fatto riferimento a Duchamp. Rimane quindi qualcosa per un'altra mostra.

Jan-Friedrich Missfelder ha conseguito il dottorato nel 2008 presso l'Università Humboldt di Berlino e dal 2017 è assistente senior presso l'Università di Zurigo. Dal 1° gennaio 2019 svolgerà il suo progetto di ricerca sulla voce come mezzo di comunicazione nella prima società moderna presso il Dipartimento di Storia dell'Università di Basilea. Il progetto analizzerà come le canzoni e gli opuscoli canori abbiano contribuito alla formazione dell'opinione e della coscienza storica contemporanea.

L'Università di Basilea si è aggiudicata cinque delle 39 nuove cattedre concesse quest'anno dal Fondo Nazionale Svizzero (FNS). Tali borse consentono a giovani ricercatori altamente qualificati di creare un proprio gruppo e di portare avanti un progetto di ricerca indipendente. Di conseguenza, l'Università riceverà circa 7,4 milioni di franchi di finanziamenti da parte di terzi.
 

Per l'undicesima volta, il Festival europeo dei cori giovanili di Basilea riunisce una selezione dei migliori cori infantili e giovanili d'Europa e sette cori giovanili della Svizzera. I cori selezionati da un comitato artistico provengono da Danimarca, Finlandia, Francia, Israele, Portogallo, Russia, Svezia, Slovenia, Spagna e Ungheria. Dalla Svizzera, il coro di jodel jutz.ch, gli incantatori del
Bündnerland, Zik'Zag di Friburgo, il Coro da Camera del Liceo di Muttenz e i cori ospitanti Knaben- und Mädchenkantorei Basel e il Coro Giovanile Vivo dell'Accademia di Musica. Il Drakensberg Boys Choir del Sudafrica, con i suoi 55 ragazzi, porrà un accento particolare. È stato invitato come coro ospite da oltreoceano.
e hanno impressionato la giuria con le loro performance accattivanti e le loro grandi capacità musicali.

L'omonima canzone sudafricana, famosa in tutto il mondo, significa "guardare avanti con coraggio". Gli organizzatori del festival si sono posti questo obiettivo anche per l'attuale edizione del festival di successo e hanno inventato tutta una serie di nuovi formati di concerto. Per esempio, gli 800 cantanti si riuniranno dopo il
I concerti di apertura per la prima volta si incontrano a lume di candela e si canta insieme all'aria aperta. In seguito, le esibizioni che rompono tutte le regole dei concerti e portano il canto nella vita di tutti i giorni e quelle che permettono al pubblico di contribuire a plasmare il programma in modo giocoso attirano il pubblico. Sabato, il
pubblico in una "parata all'aperto" attraverso tutti i cantori che si affacciano sulle strade. Un'altra nuova idea è la "nave dei cori giovanili". Su viaggi di andata e ritorno di un'ora e mezza vengono offerti laboratori di canto ed eventi sul background musicale-culturale dei portoghesi e dei finlandesi. Un'attenzione particolare è rivolta a
il concerto speciale "Swiss Songbridge". Seguendo un concetto internazionale, i cori della Svizzera francese, romancia e tedesca hanno dato vita a un concerto con molte canzoni cantate insieme, tra cui tre nuove composizioni di Stefan Furter, Fabien Volery e Gion Andrea Casanova.

Foto: Sara Meier

EJCF 2014: Singe uf dr Strooss - Münsterplatz

Il Festival dei cori giovanili può tradizionalmente contare su un grande sostegno da parte della popolazione locale. Oltre 40 partner di cooperazione contribuiscono all'organizzazione del festival, 800 volontari sono coinvolti nell'evento, tra cui 250 famiglie ospitanti che forniscono alloggio ai 500 ospiti stranieri. Un programma di sostegno promuove i giovani talenti
e offre a 1500 bambini e ragazzi di tutta la Svizzera la possibilità di presentarsi in una delle tre matinée locali o di vivere una giornata canora sul tema "Africa" o "ABBA" insieme ai cori del Sudafrica e della Svezia. La direttrice del Festival, Kathrin Renggli, afferma: "Elite viene solo da
promozione coerente della base. L'alto livello del Festival di Basilea, che non ha rivali a livello mondiale, è direttamente collegato all'offerta di programmi per giovani cantanti in Svizzera e al sostegno della popolazione. Anche a livello internazionale dobbiamo impegnarci a favore di giovani e ambiziosi direttori di coro, se vogliamo che l'abilità musicale rimanga un valore anche in futuro.

Foto: Guido Schärli

EJCF 2016: Cor Infantil Amics de la Unió, Spagna

Il Festival dei cori giovanili può contare sul sostegno finanziario dell'Ufficio federale della cultura per l'attuale programma culturale fino al 2021. Insieme ai contributi paritari dei Cantoni di Basilea Città e Basilea Campagna, il governo federale rende possibile lo svolgimento del Festival di quest'anno. Presidente del Festival
Elisabeth Schneider-Schneiter spiega: "Il riconoscimento della Confederazione si basa da un lato sul contributo che il festival dà alla coesione delle regioni linguistiche in Svizzera e alla promozione dei giovani cantanti, dall'altro sull'alta reputazione internazionale di cui il festival gode negli ambienti professionali."
Un ulteriore sostegno proviene da numerose fondazioni e sponsor in natura. Questa volta, il festival può contare su una media partnership con la SRG SSR e la Basellandschaftliche Zeitungil Giornale musicale svizzero e numerosi altri media specializzati.

La prevendita dei biglietti inizia lunedì 19 marzo 2018.

Foto: Guido Schärli

EJCF 2016: Coro Folkloristico Accademico Femminile, Bulgaria

La musica inizia senza un inizio consapevole. I delicati arpeggi dell'arpa, del cimbalom e del pianoforte si mescolano alle note lie degli strumenti a fiato, ai ronzii degli accordi e alle campane per creare un flusso sonoro sempre in movimento. La nuova opera di Heinz Holliger Luneadiretto da lui stesso alla prima al Teatro dell'Opera di Zurigo, non sta mai fermo. La musica è un unico fluido. Anche i numerosi punti di calma sono animati e ricordano un lago scuro la cui superficie è increspata dalla brezza. I quattro percussionisti suonano oltre quaranta strumenti diversi, dalla washboard alla carta vetrata. Holliger preferisce parlare di "strumenti che accarezzano", i musicisti devono agire con così tanta attenzione, il rumore di fondo è così delicato che Lunea avvolto. Con la sua musica altamente sensibile e ricca di colori tonali, Holliger vuole far scoprire all'ascoltatore il mondo interiore del poeta Nikolaus Lenau (1802-1850): i suoi stati d'animo malinconici, i suoi abissi, ma anche i suoi pensieri luminosi e visionari.

Cinque anni fa, il compositore svizzero ha messo in musica 23 note dell'inquieto poeta austriaco della stanchezza del mondo come ciclo di canzoni e le ha poi orchestrate per un'orchestra da camera. Insieme al librettista Händl Klaus, ha ora sviluppato un'opera della durata di circa 100 minuti, sottotitolata "Scene di Lenau in 23 foglie di vita". Questo teatro musicale non si basa su una trama e si è volutamente rinunciato a una cronologia. La forma aperta dei testi si riflette anche nella concezione dell'opera. I cinque solisti vocali assumono diversi ruoli, i cui confini sono fluidi. L'amante platonica di Lenau, Sophie von Löwenthal, è anche sua madre e l'amico Anton Schurz è anche il suo alter ego. Le tappe della sua vita, più alluse che tratteggiate con precisione, seguono una logica onirica. L'ictus del 29 settembre 1844 - Nikolaus Lenau lo chiamò Riss - che gli paralizzò un lato del viso e lo portò gradualmente alla pazzia, è un asse dal quale la storia viene raccontata in entrambe le direzioni. I ricordi e i cupi scorci di isolamento si uniscono. Un altro asse costituisce il centro esatto dell'opera: la dodicesima pagina. Da qui in poi, alcune parole e intere frasi sono pronunciate al contrario. Schuldig diventa gidlusch, Feuer diventa Reue, mentre la F mancante viene messa tra parentesi nel libretto. Nella produzione estetica di Andreas Homoki, la parete nera tra le scene viene spostata a passo di lumaca da sinistra a destra, cioè in direzione opposta, a partire da questo punto cardine (scenografia: Frank Philipp Schlössmann). È un'idea troppo scontata e troppo poco teatrale. Non c'è una connessione convincente e udibile con la musica. Così come non c'è una vera tensione tra i personaggi poco definiti di questa serata onirica sul palcoscenico nero. I personaggi, vestiti da Klaus Bruns con eleganti abiti Biedermeier e cappotti blu scintillanti, sono guidati con cura da Andreas Homoki. Le scene appaiono come quadri, le disposizioni mutevoli come costellazioni familiari. Ma la costellazione di personaggi, volutamente vaga, crea un'arbitrarietà che toglie vigore all'azione.

Con il baritono Christian Gerhaher, che ha già interpretato l'opera Lunea-Holliger ha scelto l'interprete più adatto per questo personaggio sfuggente. Gerhaher anima anche la più piccola frase melodica. Nella sua sensibile interpretazione del testo e nelle colorate sfumature del suono, si riconosce il grande interprete di Lied. Nonostante la ricerca avanguardistica del suono (senza elettronica!), la musica di Holliger è fortemente romantica e le linee vocali irradiano intensità e bellezza. Juliane Banse (Sophie von Löwenthal), che ha già cantato il ruolo del titolo nella prima opera di Heinz Holliger Biancaneve nella prima di Zurigo del 1998, incarna un'anima gemella profondamente emotiva con una colorazione da soprano scuro e un grande respiro. Sarah Maria Sun dà vita agli amori passati di Lenau con una cantante d'opera e la figlia di un sindaco con il suo soprano agile e cristallino. Ivan Ludlow, con il suo baritono non del tutto libero, e Annette Schönmüller, con il suo mezzo equilibrato, non sono in grado di dare a Lenau il necessario sostegno nei panni dei coniugi Anton e Therese Schurz. Gli eccezionali madrigalisti di Basilea fanno parte della società Biedermeier o riecheggiano i pensieri dietro le quinte. Holliger intreccia gli eventi sul palcoscenico con l'eccellente Philharmonia Zürich, quando i suoni sibilanti continuano nella buca dell'orchestra e il ronzio del clarinetto contrabbasso continua nei bassi profondi. Voce e strumento si uniscono. La precisione con cui il compositore dà vita alla propria musica delizia il pubblico della prima. L'equilibrio è perfetto, il suono complessivo sempre rotondo e trasparente. Alla fine, il poeta diventa sempre più solo e cupo. L'aforisma "L'uomo è un piovanello sul mare dell'eternità" viene proiettato sul palco vuoto. Le catene di armonici degli archi suonati in triplo piano e i delicati glissandi dei fiati dilatano il tempo per un'ultima volta e si dissolvono gradualmente nel nulla. Una fine senza conclusione.

Nato nel 1943, Max Haas ha studiato musicologia, storia della chiesa e della dogmatica medievale e filologia slava a Basilea e Heidelberg. Ha conseguito il dottorato all'Università di Basilea nel 1970 con una tesi sulla notazione bizantina e slava. Sette anni dopo si è abilitato con studi sul rapporto tra musicologia medievale e scolastica. All'Università di Basilea è stato responsabile dell'archivio di microfilm del dipartimento di musicologia e, dal 1982, professore associato di musicologia.

Negli anni '90 è stato docente ospite presso la Bar Ilan University in Israele e presso il Graduate Department della City University of New York negli Stati Uniti. Fino al suo pensionamento nel 2005, ha lavorato come assistente di ricerca e docente presso il Dipartimento di Musicologia dell'Università di Basilea. Le sue ultime monografie riguardano le forme di percezione e di pensiero nella musica (2002) e il pensiero musicale nel Medioevo (2005).

Migliaia di artisti si sono schierati contro l'iniziativa, scrive Suisseculture. I media sono una parte importante della cultura. Insieme alle associazioni e alle organizzazioni affiliate, Suisseculture si impegna a preservare e sviluppare i media come bene pubblico e culturale che garantisce la diversità culturale e mediatica. Oltre alla loro funzione di intrattenimento, la radio e la televisione sono tradizionalmente importanti veicoli culturali nella vita culturale.

La radio e la televisione non sono solo responsabili della diffusione, ma anche della ricezione e dell'elaborazione della creazione artistica e culturale. Ritratti, recensioni e dibattiti assicurano che le opere degli artisti siano accessibili a un vasto pubblico e radicate nella società attraverso un discorso informato.

Secondo Suisseculture, l'emittenza pubblica è un importante forum per la creazione culturale e una fonte di reddito vitale per i professionisti della cultura e gli artisti di tutte le discipline e di tutte le regioni linguistiche della Svizzera. L'associazione è convinta che l'arte e la cultura dipendano da mezzi di comunicazione indipendenti e senza scopo di lucro con un'ampia offerta, come quella dei media della SSR.

Suisseculture vuole "continuare a lottare insieme a tutti i professionisti della cultura contro lo smantellamento del servizio pubblico e della cultura nei nostri media e si impegna a favore di un'offerta culturale ampia e diversificata, in cui anche le forme d'arte meno conosciute dovrebbero avere il loro posto".
 

Per immergersi nella musica di Beethoven senza alcuna conoscenza preliminare, gli studenti di età compresa tra i 13 e i 17 anni dell'MKZ hanno deciso di sviluppare le proprie interpretazioni visive dell'iconica Quarta Sinfonia utilizzando un software speciale. Il progetto è culminato in una performance dal vivo dell'opera con l'Orchestra della Tonhalle di Zurigo alla Tonhalle Maag.

Le visualizzazioni selezionate dagli studenti saranno proiettate su un grande schermo dietro l'orchestra. Con l'aiuto della manovella del finestrino di un'auto, gli studenti di musica sincronizzeranno le visualizzazioni in diretta con la musica, diventando così essi stessi parte della performance.

Il concerto avrà luogo due volte, domenica 18 marzo alle 14.15 e alle 17.00 nella sala concerti della Tonhalle Maag, diretto da Yi-Chen Lin.

L'iniziativa No Billag potrebbe avere "effetti devastanti sul panorama mediatico e culturale non solo svizzero", scrivono DOV e ver.di. Al momento, anche gli esperti non sono in grado di prevederne l'esito. Quel che è certo è che la Società svizzera di radiotelevisione (SSR) non esisterebbe più nella sua forma attuale se il finanziamento del canone venisse abolito.

La Vereinte Dienstleistungsgewerkschaft (ver.di) e la Deutsche Orchestervereinigung (DOV) considerano questo passo un grave rischio. Infatti, il risultato in Svizzera avrebbe un effetto di segnalazione anche sul dibattito in Germania.

Secondo il direttore generale del DOV, Gerald Mertens, ciò metterebbe a rischio anche la fornitura di servizi culturali di base. Le orchestre, i cori e le big band pubbliche in Germania danno un contributo insostituibile alla società con il loro lavoro di integrazione e il loro impegno nell'educazione musicale. Senza un contributo sufficiente, questa offerta culturale unica sarebbe fortemente compromessa.

Patrick Secchiari ha studiato presso le accademie di musica di Friburgo e Berna e ha frequentato masterclass internazionali. Attualmente dirige due cori e il suo ensemble vocale autofondato ardent.

Il direttore artistico del coro è Nicolas Fink, nato a Berna e ora residente a Lipsia. Collabora con importanti cori professionali in tutta Europa ed è un partner ricercato per le prove. Dal 2014 è direttore del coro del Festival dello Schleswig-Holstein.

Gli altri membri del Comitato esecutivo sono Maxime Thély (Amministrazione), Ivana Aeschbacher (Logistica), Anna-Barbara Winzeler (Marketing e PR) e Doris Lüthi (Comitato consultivo e consulenza).

Jean-Pierre Salamin (ex Presidente), Hansrüedi Kämpfen (fondatore e iniziatore del Coro Giovanile Svizzero) - che è stato insignito della carica di membro onorario per i suoi servizi al Coro Giovanile Svizzero -, Mirjam Schumacher (Pubbliche Relazioni) e Gian-Reto Trepp (progetto comune con l'Orchestra Sinfonica Giovanile della Svizzera Centrale ZJSO) sono stati allontanati dal Consiglio direttivo.

Con il portale, il MIZ risponde "al forte bisogno di informazioni di molti operatori nel lavoro di integrazione musicale". L'esperienza di molti volontari e professionisti ha dimostrato che c'è un grande bisogno di informazioni tra coloro che sono coinvolti nei programmi di integrazione", spiega Stephan Schulmeistrat, responsabile del MIZ. Per due anni, il MIZ ha sostenuto intensamente lo sviluppo di programmi musicali per i rifugiati. L'esperienza acquisita dalle parti interessate nel loro lavoro è stata un importante impulso per lo sviluppo della nuova piattaforma.

Oltre alle informazioni pratiche, il portale fornisce anche suggerimenti per nuove offerte e la loro realizzazione. Poiché il portale è stato sviluppato e progettato sulla base di esigenze pratiche, gli interessati possono "capire come funziona attualmente il lavoro di integrazione musicale in Germania da una prospettiva sovraregionale: Chi sono gli organizzatori, chi sono i fornitori, da dove provengono i finanziamenti, quali sono gli obiettivi dei progetti e quali problemi possono sorgere?".

Nello sviluppo del portale, il MIZ ha potuto basarsi sull'esperienza maturata con la piattaforma "Musik macht Heimat - Engagement für Dialog", lanciata nell'ottobre 2015. L'impulso è stato dato dai membri del Consiglio musicale tedesco, che hanno adottato la risoluzione "Benvenuti in Germania: la musica fa casa! Da una cultura dell'accoglienza a una cultura dell'integrazione".

Sito web: integrazione.miz.org

Dopo aver studiato pianoforte a Versailles, il 37enne Tom Hellat ha studiato filosofia, musicologia e diritto internazionale all'Università di Zurigo. È stato responsabile della musica classica e degli eventi culturali regionali presso l'Aargauer Kuratorium, l'agenzia di promozione culturale del Cantone di Argovia. Come giornalista musicale, ha scritto per diversi media e ha pubblicato una biografia del compositore Peter Mieg.

Esperto nel campo della promozione musicale, dal 2015 Tom Hellat è anche membro della Commissione per la promozione culturale del Cantone di Zurigo. Ha fondato l'etichetta Strohhut LeTom insieme al fratello Rolf Hellat.

Heinrich Baumgartner lascerà il Dipartimento Cultura alla fine dell'estate 2018 dopo sette anni. Durante questo periodo, ha svolto un ruolo chiave nel plasmare e sviluppare le pratiche di finanziamento culturale del Cantone come responsabile del programma di finanziamento della musica e, dal 2013, come responsabile di tutti i finanziamenti basati sulle domande.

Nato a Neuchâtel nel 1976, Michel Vust vive attualmente a Zurigo. Dal 2012 lavora per la Fondazione svizzera per la cultura Pro Helvetia come responsabile della promozione della creazione culturale digitale. A tal fine ha ideato i propri sistemi di supporto. Dal 2005 al 2012 è stato co-direttore del Neuchâtel International Fantastic Film Festival (NIFFF). È stato inoltre responsabile di varie pubblicazioni del Festival del film di Locarno. Allo stesso tempo, ha avviato la fondazione di un'associazione che ha garantito la continuità della sala concerti di Neuchâtel "Case à Chocs".

Il nuovo compito di Vust è quello di "sostenere e promuovere organizzazioni e artisti creativi nei loro progetti". L'obiettivo è quello di valorizzare la scena di Bienne, caratterizzata dal bilinguismo. È responsabile della promozione delle attività culturali in collaborazione con la trentina di organizzazioni che hanno un contratto di servizio.

Nel suo nuovo ruolo, sostiene anche numerosi eventi culturali su base selettiva. Insieme alla Commissione Cultura, controlla l'assegnazione dei fondi per le borse di lavoro e per gli studi all'estero. Gestisce inoltre diverse sale messe a disposizione degli artisti locali. In collaborazione con la Commissione per l'Arte, è responsabile dell'ulteriore sviluppo e della conservazione della collezione d'arte della città.