Il contributo di sicurezza sociale degli artisti, insieme al contributo degli assicurati e a una sovvenzione federale, assicura la salute, l'assistenza infermieristica e l'assicurazione pensionistica degli artisti e dei pubblicisti freelance assicurati attraverso la cassa di sicurezza sociale degli artisti. Secondo la dichiarazione del Consiglio culturale tedesco, il contributo è dovuto quando le aziende lavorano con artisti e pubblicisti freelance.

Quest'anno, il contributo previdenziale degli artisti ammonta al 4,2% dei compensi versati dalle aziende ad artisti e pubblicisti freelance. Ciò significa che il tasso di prelievo è stato nuovamente ridotto, anche grazie al continuo controllo delle aziende nell'ambito dell'audit periodico dell'assicurazione pensionistica tedesca. Il Consiglio culturale tedesco afferma che in questo modo si garantisce che tutte le aziende soggette all'imposta rispettino i loro obblighi.

Anche la bozza di accordo di coalizione tra CDU, CSU e SPD sottolinea la grande importanza della previdenza sociale degli artisti, spiega Olaf Zimmermann, direttore generale del Consiglio culturale tedesco. Tuttavia, il ruolo dell'Associazione dei contribuenti, che in ultima analisi voleva alleggerire il settore privato a spese dei contribuenti con questa azione, rimane oscuro nel tentativo di contestare il prelievo sulla previdenza sociale degli artisti presso la Corte costituzionale federale. Se la Corte Costituzionale Federale avesse dichiarato incostituzionale il contributo previdenziale degli artisti, lo Stato avrebbe dovuto utilizzare il gettito fiscale per colmare la lacuna nel finanziamento del regime previdenziale degli artisti, dato che questi ultimi non sono in grado di farlo a causa del loro reddito estremamente basso.

La ripresa dell'hip-hop svizzero è stata più evidente nel 2017 che mai, scrivono i creatori di "Lyrics". Tuttavia, il genere sta ancora lottando per essere accettato e riconosciuto, sia nell'industria musicale locale che nella società.

I premi hanno lo scopo di riconoscere le creazioni musicali di eccellenza "al fine di costituire un esempio per l'intera scena musicale". Inoltre, l'apprezzamento e l'ideologia secondo cui il progresso può essere fatto solo insieme dovrebbero essere enfatizzati e sviluppati nell'industria hip-hop.

Secondo la sua autodefinizione, "Lyrics" è "il più grande e rilevante mezzo di comunicazione urbano in Svizzera". La comunità hip-hop in Svizzera discute, si informa e socializza sulle sue piattaforme: la rivista cartacea, il sito web e i canali dei social media.

Per saperne di più:
lyricsmagazin.ch/2018/02/14/best-producer-lyrics-awards-2018/

La già fortunata storia del Festival Mizmorim è iniziata nel 2015 con la "New Jewish School", una sorta di ricerca musicale delle tracce dello stile nazionale ebraico nel XX secolo. Un anno dopo sono stati eseguiti brani di compositori americani-ebraici come Steve Reich, Aaron Copland e Philip Glass all'insegna del motto "America!". L'anno scorso, il punto cardinale è cambiato in "Go East". Qui è stato possibile assistere a emozionanti incontri con György Kurtág, Felix Mendelssohn e György Ligeti.

Anche quest'anno il direttore artistico e fondatore del festival Michal Lewkowicz ha messo in programma un'ampia gamma di brani emozionanti e stilisticamente diversi. Con il titolo "Oriente e Occidente", l'obiettivo era quello di colmare il divario tra Oriente e Occidente. Questo obiettivo è stato raggiunto in modo significativo e, come in passato, gli esecutori hanno suonato a un livello eccezionale.
 

Diversi fili conduttori attraversano l'ancora giovane storia del festival: Discorsi - quest'anno c'è stata una tavola rotonda sulla tradizione musicale ebraica - introduzioni, scene teatrali, concerti per bambini e famiglie e artisti che possono essere sperimentati più volte, come i pianisti Noam Greenberg e Menachem Wiesenberg o il Quartetto Dorico dall'Inghilterra. Tra i compositori c'è un nome che sembra affermarsi al Mizmorim: Osvaldo Golijov. L'argentino ha già stupito il pubblico nel 2015 con I sogni e le preghiere di Isacco il ciecoin cui ha combinato elegantemente suoni moderni con elementi di musica popolare ebraica. È stato presente anche nel 2016 e quest'anno è tornato con Ayreun ciclo di canzoni per soprano e dodici musicisti, sound design e direttore d'orchestra (Nicholas Daniel). Secondo il testo del programma, l'opera è ispirata alla Spagna medievale, quando cristiani, ebrei e musulmani hanno convissuto pacificamente per lungo tempo. Al centro di questo pezzo avvincente c'era la solista Nora Fischer, un'artista che non solo ha cantato le canzoni, ma ha anche dato una performance di prima classe sul palco della Gare du Nord. Ha brillato in tutti i registri vocali e ha combinato un'espressione intensa con vari stili come la musica classica, la sinagoga, il tango e il rock. Inoltre, l'opera ha saputo trasmettere le aspirazioni del festival: con il suo mix di stili, ha gettato un ponte musicale tra Oriente e Occidente.

Nella stessa serata, sono stati notevoli i contributi di un piccolo ensemble. In un'atmosfera informale - tutti i musicisti sono rimasti sul palco e si sono ascoltati a vicenda - Teodoro Anzellotti (fisarmonica) e Hélène Clément (viola) hanno suonato alcuni brani tratti dall'opera di Schubert Viaggio d'invernodallo spartito originale: una variazione sonora che vale la pena di ascoltare. L'interpretazione di John Myerscough è straordinariamente brillante. Da solo per violoncello solo, di André Klénès Rose du Vent nell'insolita strumentazione per chitarra (Adrien Brogna) e contrabbasso (Winfried Holzenkamp) ha suonato seducente e Teodoro Anzellotti ha interpretato tre movimenti meravigliosamente bizzarri dall'opera di Mauricio Kagel Rrrrrr...

Nel 2018 è stata assegnata una nuova commissione di composizione, questa volta a Josef Bardanashvili; il programma "composer in residence" proseguirà l'anno prossimo. L'ottetto Vento del deserto per clarinetto, fagotto, corno, quartetto d'archi e contrabbasso dell'israeliano di origine georgiana ha saputo affascinare il pubblico. Bardanashvili vede il suo brano come una sorta di immagine speculare dell'Ottetto in fa maggiore di Franz Schubert, con la stessa strumentazione. Per questo motivo è stato eseguito dagli stessi artisti nella stessa serata. Il Quartetto Dorico, il contrabbasso e i fiati hanno stimolato il pubblico con la loro incantevole leggerezza e danza.

Oltre al già citato ottetto, Schubert era presente al festival con la Sonata per pianoforte n. 21 in si bemolle maggiore, le Variazioni per pianoforte a quattro mani (D 813) e la Fantasia in fa minore a quattro mani (D 940). Il direttore del festival era particolarmente impaziente di Mizmor (Salmo) 92 per coro a quattro voci (con il Coro delle ragazze e dei ragazzi di Basilea), un brano che rappresenta una particolarità nell'opera di Schubert, che vi ha musicato un testo ebraico.

Nella serata conclusiva, il pubblico ha avuto la sensazione di essere arrivato in Occidente. I visitatori del Bird's Eye Jazz Club hanno assistito a una serata di tango di altissimo livello. Il rinomato compositore e bandoneonista argentino Marcelo Nisinman ha eseguito i suoi tanghi stilisticamente idiosincratici e originali di Astor Piazzolla, tra gli altri, con una band composta da flauto, pianoforte e contrabbasso. 

Lo studio "Disoccupati, autonomi, disoccupati" si compone di due parti: una parte giuridica, già pubblicata, e una parte di scienze sociali, ora disponibile. Quest'ultima tratta i problemi centrali e le aree di conflitto con cui gli artisti si confrontano nell'ambito dei sistemi di sicurezza sociale legati alla disoccupazione in Austria.

Dal punto di vista metodologico, la sezione dello studio si basa su una valutazione qualitativa e analitica dei contenuti di otto interviste guidate ad esperti a carattere esplorativo. La selezione degli esperti si è concentrata sui membri dei gruppi di interesse centrali (IG) nel campo dell'arte o delle autorità e istituzioni competenti nel campo della sicurezza sociale.

Lo studio può essere scaricato qui: kulturrat.at/kulturrat_studie_2017.pdf

Mi è familiare fin dall'infanzia: Due barattoli di latta trasportano il suono se sono collegati con un filo teso. Marianthi Papalexandri-Alexandri utilizza questo principio, ma lo colora in modo adulto. La sound artist, che lavora a Zurigo, Berlino e Ithaca negli Stati Uniti, combina un violoncello con superfici di cartone grigio. A volte dalle superfici di cartone proviene qualcosa di simile ai rumori di raschiamento dell'archetto, a volte suoni più rotondi dal violoncello. Ciò che sembra semplice sviluppa un'incredibile attrazione nel corso dei 30 minuti di spettacolo. Papalexandri-Alexandri ha semplicemente un talento per la messa in scena visiva e per le sensibili "azioni sonore" della violoncellista Séverine Ballon. Nata a Salonicco nel 1974, ha già impressionato il pubblico con le sue installazioni sonore alle ultime Giornate musicali di Donaueschingen. Con Distanza è riuscita ancora una volta a creare un'opera armoniosa a tutto tondo, questa volta sviluppata anche con l'intraprendente artista cinetico Pe Lang.

La multimedialità è ancora "in" - a causa del nostro mondo di smartphone, del tentativo di dare più "vita" alla musica, forse anche - visto negativamente - a causa di una certa impotenza su ciò che la musica da sola può ancora raggiungere. Una cosa è certa: Non tutti i compositori riescono a "fondere le arti". Nell'ambito del Festival Eclat, l'austriaco Clemens Gadenstätter presenta un'ampia opera di teatro musicale intitolata Trasformazioni quotidiane con ensemble strumentale e vocale, video e testi parlati. Dura più di un'ora, ma si esaurisce presto in un'accozzaglia non impegnativa. La musica è monotona, i testi e i video incomprensibili. Chiunque si imbarchi nella ricerca di un significato può giungere a una sola conclusione: Ovviamente si tratta di negazione narrativa, di continuità strappate, che - da qualche parte - hanno a che fare anche con i nostri mondi vitali.
 

"Less is more": lo aveva già capito l'architetto Mies van der Rohe. Purtroppo, però, la voce non si è diffusa tra i compositori e gli artisti di Stoccarda. Al Festival Eclat non ci sono solo 24 prime mondiali, ma anche molti video e, purtroppo, concerti populistici con intermezzi di cabaret a buon mercato, che l'ensemble vocale Neue Vocalsolisten di Stoccarda fa propri. Il pubblico non ha più che un sorriso amichevole per questo. Tuttavia, quasi nessun concerto dei Vocalsolisten è completo senza espressioni facciali esagerate o gag da quattro soldi, come quella di un musicista che guarda il pubblico attraverso il suo flauto. Ah, un telescopio allora!

"Cosa diavolo c'è di sbagliato nella musica?". Il teorico musicale e violoncellista svizzero Urs Frauchiger si poneva questa domanda all'inizio degli anni '80. Frauchiger aveva anche messo gli occhi sul business dei festival, che non si fidava più della musica, della gioia del puro ascolto. Naturalmente si tratta di uno sviluppo pericoloso per la musica, che potrebbe essere evitato se i drammaturghi e gli organizzatori di concerti tornassero a sviluppare il senso della sostanza e della buona programmazione. Márton Illés, nato in Ungheria nel 1975, scrive musica meravigliosa: suoni sostanziosi e autorevoli si possono ascoltare nei suoi lavori presentati dai Neue Vocalsolisten - ora senza gag. Hang-Rajzok. Prima di questo è arrivato un elemento molto denso password per sei voci del vecchio maestro Georges Aperghis. Tra i brani vocali, un imponente pezzo composto su toni naturali Ultimi Fiori della compositrice italiana Francesca Verunelli. Questo concerto ininterrotto di 45 minuti è stato un momento culminante del Festival Eclat.

Il concerto con l'Ensemble ascolta è stato molto più rumoroso. Stefan Keller, nato a Zurigo nel 1974 e insignito del premio di composizione della capitale di Stoccarda nel 2004, ha scritto un'opera in prima esecuzione assoluta. andature ibride per batteria, tastiera ed ensemble. Uno dei punti focali di questo pezzo di quasi 20 minuti è il livello ritmico; di conseguenza, la batteria e il brillante solista Daniel Eichholz sono al centro della scena. Una batteria comunemente usata nella musica rock fornisce l'equilibrio sonoro. Solo i forti strumenti a fiato e una tastiera con suoni sintetizzati e campionati possono competere con il rullante. Keller non si preoccupa di essere etichettato stilisticamente. Alla fine, il suo andature ibride ma che ricorda ancora il free jazz - il che non è necessariamente un segno negativo se si pensa alla sua freschezza e imprevedibilità.
 

Le megatendenze dell'età, della migrazione e della digitalizzazione stanno cambiando le nostre vite. Il fatto di averli analizzati insieme all'innovazione dell'educazione musicale ha attirato un numero record di visitatori al simposio VMS: Venerdì 19 gennaio, 230 partecipanti hanno raggiunto il Trafo di Baden, seguiti da altri 190 sabato.

L'essenza dei due giorni intensivi potrebbe essere riassunta come segue: Coloro che intraprendono il viaggio percepiscono il cambiamento come una liberazione - coloro che chiudono gli occhi lo percepiscono come una minaccia. Il cambiamento può significare un nuovo inizio, ma può anche essere pericoloso se avviene troppo rapidamente o nella direzione sbagliata. Il pubblico è stato sensibilizzato su questo aspetto quando si è parlato di digitalizzazione, che oggi è quasi sinonimo di cambiamento: "Non è necessario assecondare tutto, ma è necessario verificare quali tecnologie di rete presentano vantaggi e svantaggi", ha detto il leader di pensiero Joël Luc Cachelin.

L'Orchestra degli anziani di Baden con la solista Michelle Süess (tromba) ha offerto un armonioso preludio musicale con opere di Mozart e Friedrich Dionys Weber. Il secondo giorno è stata la volta del Trio Dolce Vita, vincitore del 1° premio con lode al Concorso svizzero di musica giovanile e del premio speciale VMS. Il trio, composto da flauto dolce, violino e violoncello, ha deliziato il pubblico con brani di Frescobaldi, Telemann e Matteis.

Il Duo Calva non ha bisogno di ulteriori presentazioni. Con uno spettacolo spiritoso e un virtuosismo mozzafiato, hanno dimostrato che la musica classica e l'umorismo non si escludono a vicenda.

Jonathan Bennett, professore e direttore dell'Istituto per l'invecchiamento dell'Università di Scienze Applicate di Berna, ha parlato di un mercato relativamente nuovo, quello delle lezioni di musica per gli anziani. Ha presentato i risultati del suo studio sulle esigenze, gli obiettivi e i limiti delle lezioni di musica per anziani dal punto di vista degli allievi e degli insegnanti. Le motivazioni degli anziani disposti a imparare sono tanto varie quanto le loro biografie. Bennett descrive il minimo comune denominatore come segue: "Ognuno è consapevole dei bisogni che vuole soddisfare". In classe, le persone anziane sono esigenti e critiche, anche verso se stesse. Vogliono capire e non solo fare. L'insegnante dovrebbe quindi essere più un esperto che pone domande, guida e spiega.

La Presidente dell'Associazione Svizzera delle Scuole di Musica, Christine Bouvard, era particolarmente interessata a dare ai suoi vicini di lingua tedesca l'opportunità di presentare le proprie tradizioni scolastiche. Ha invitato Michaela Hahn come rappresentante dell'Austria. L'amministratore delegato di "Musikmanagement Niederösterreich", il centro di competenza centrale per il sistema delle scuole di musica, ha parlato della struttura e della tradizione dell'istruzione musicale extrascolastica, degli obiettivi e delle strategie della KOMU (Conferenza delle organizzazioni delle scuole di musica austriache), dell'accesso più ampio possibile all'istruzione musicale e delle offerte per gli individui di talento.

Ulrich Rademacher, professore di interpretazione della canzone e presidente dell'Associazione delle scuole di musica tedesche (VdM), ha posto l'accento sui valori del fare musica nel suo discorso, ma ha anche sottolineato l'importanza di condizioni di lavoro e di occupazione adeguate per gli insegnanti. La dichiarazione di missione del VdM per le scuole di musica pubbliche è considerata la base del lavoro delle scuole di musica tedesche. Essa stabilisce linee guida per l'educazione musicale che non differiscono in modo significativo dai principi svizzeri, tranne forse per quanto riguarda l'importanza dei curricula quadro.

I sette progetti selezionati per il secondo concorso VMS Best Practice sono stati esempi di come si possano intraprendere nuove strade nell'educazione musicale in modo fantasioso e lungimirante, a beneficio delle scuole e degli studenti.

Il primo premio è andato al dipartimento Image & Sound per un progetto congiunto tra la Scuola di musica di Basilea e K'Werk della Scuola di design di Basilea. La Scuola generale di musica dell'Alto Vallese (amo) e la Zeughauskultur Brig (ZHK) hanno ricevuto il secondo premio per il progetto interdisciplinare congiunto "Cultura per i più piccoli e i loro accompagnatori". La Scuola di musica di Lucerna è salita sul terzo gradino del podio con "Musikschule auf Reisen - zu Besuch im Schulhaus". Il premio del pubblico è andato all'École de musique Bienne / Université populaire Bienne-Lyss per "Initiation musicale pour enfants issus de la migration". Anche le scuole di musica di Berna, Oberland Ost e Schüpfheim erano in lizza con lavori notevoli. Jodok Kobelt ha condotto spiritosamente la presentazione.

I progetti selezionati saranno presentati in dettaglio sul sito web dell'Associazione VMS nei prossimi mesi.

Il carismatico sociologo svizzero Ueli Mäder si è basato su una visione del mondo socialmente liberale nella sua presentazione "Cambiamento sociale: migrazione e integrazione": "L'integrazione è un processo in cui tutti si muovono". Trattare con i migranti non significa capire, ma accettare lo straniero, venire a patti con ciò che è diverso e con lo straniero in noi stessi. Mäder ha spiegato come il nostro mondo funzioni a livello politico, sociale, economico, sociale ed educativo e come queste aree si sviluppino l'una con l'altra. Ha tracciato con eloquenza un quadro di tendenze opposte: Alcuni si arricchiscono e molti altri sono costretti a tagliare. Ha descritto il modello educativo del dopoguerra come "comportamentista". Negli anni Settanta gli educatori hanno dovuto imparare ad argomentare, ma oggi è riconoscibile un ritorno alle ricette meccanicistiche.

In un'epoca in cui prevale l'economicismo, le lezioni di musica stanno diventando sempre più importanti perché favoriscono la percezione sensoriale e l'aggregazione. Invece della globalizzazione, che è solo orientata all'economia, Mäder preferirebbe una "globalizzazione" che includa anche le aree sociali e culturali.

Joël Luc Cachelin ha rassicurato coloro che temono la digitalizzazione. Secondo il cosiddetto "Oxford Study", nei prossimi 20 anni circa la metà dei nostri posti di lavoro andranno persi a causa dell'informatizzazione e dei robot. Vengono elencati tre settori di attività che non possono essere sostituiti dalle macchine. Si tratta di professioni che hanno a che fare con la "percezione e la manualità", l'"intelligenza sociale" e la "creatività": sono proprio queste le cose che fanno la musica, ha osservato Cachelin. "Il lavoro che porta gioia agli altri non è mai in pericolo", ha rassicurato. In definitiva, si tratta di trovare un atteggiamento nei confronti della digitalizzazione, di impegnarsi con essa e di fare un uso intelligente delle nuove opportunità.

Villaggio musicale: ecco come potrebbe essere una scuola di musica come luogo di apprendimento secondo Andreas Doerne e Stefan Doeritz. Foto: Niklaus Rüegg

"Com'è fatta la scuola di musica che avremmo voluto frequentare noi stessi?". Questa era la premessa dei due insegnanti Andreas Doerne e Stefan Doeritz dell'accademia musicale di Friburgo/Br. L'idea di base che li ha guidati è che l'aula di musica tradizionale debba essere trasformata in un luogo di apprendimento in cui siano possibili diverse forme di apprendimento. I due hanno iniziato con l'architettura di quello che consideravano uno spazio ideale per l'apprendimento della musica, alimentando l'immaginazione dei presenti con un tour virtuale di un "villaggio musicale" con percorsi, vetrate, stanze luminose, separate e multifunzionali. La pianta è stata progettata per invitare le persone a soffermarsi, facilitare la socializzazione spontanea e incoraggiare la comunicazione. Particolarmente degna di nota è la "Silent Arena" con strumenti musicali che possono essere praticati in silenzio. Stefan Goeritz ha già realizzato alcune di queste idee nella sua scuola di musica a Waldkirch. La consueta sessione di domande e risposte dopo la conferenza è stata sostituita da un servizio di messaggeria: un'idea intelligente per coinvolgere il pubblico nella discussione.

Il duo ha ricevuto la nomination per il loro album del 2017 "Comme on respire". Nel 2017 hanno inoltre firmato per Warner Music France. Aliose è stata fondata nel 2004 dopo un incontro casuale al Festival di Nyon. La coppia, che fonde chanson e folk rock, è ora in tournée in tutto il mondo. Sono particolarmente apprezzati per le loro voci "close harmony" e per la loro predisposizione alle buone melodie. 

Per Les Victoires De La Musique, l'equivalente dei Grammy e dei Brit Awards britannici, ci sono tre nomination per categoria. Oltre ad Aliose, Juliette Armanet e Petit Biscuit sono stati nominati nella loro categoria. Sebbene il premio sia andato alla Armanet durante la cerimonia del 9 febbraio, l'esibizione di fronte a un vasto pubblico televisivo rappresenta comunque un significativo impulso alla carriera di entrambi.

L'affascinante potere della musica è percepibile ovunque a Lipsia. Circa 500 compositori hanno vissuto e lavorato qui nel corso dei secoli, tra cui Johann Sebastian Bach, Felix Mendelssohn Bartholdy, Clara e Robert Schumann e Richard Wagner. Il ricco patrimonio musicale comprende anche ensemble di fama mondiale come il Coro di San Tommaso, l'Orchestra del Gewandhaus e l'Opera di Lipsia. Lipsia vanta anche un'impareggiabile concentrazione di luoghi autentici in cui molti famosi compositori hanno vissuto e lavorato. Questo tesoro può essere conosciuto attraverso il Sentiero musicale di Lipsia. Questo sistema unico di guida musicale e di percorso collega i 23 luoghi originali più importanti del centro città su una distanza di 5 km. Per informazioni dettagliate, consultare il sito www.leipzig.travel/musik.

Foto: Kirsten Nijhof

Ulf Schirmer 2016

Il Direttore Artistico e Direttore Musicale Generale Prof Ulf Schirmer su Richard Wagner a Lipsia

Se la proposta viene respinta, il Cantone scrive che è prevedibile, tra l'altro, il cedimento delle strutture tecniche. Inoltre, si dovrebbero realizzare misure urgenti di costruzione e ristrutturazione su base continuativa. Le ristrutturazioni parziali nell'arco di diversi anni sarebbero molto più costose di una ristrutturazione completa e avrebbero un impatto significativo sulle attività del teatro. Le normative in materia di energia, sicurezza e diritto del lavoro non potrebbero essere attuate in tempo. C'è il rischio di essere fortemente limitati dai requisiti ufficiali, fino alla revoca della licenza di esercizio.

I costi totali per la ristrutturazione e la conversione del Teatro di San Gallo ammontano a 48,6 milioni di franchi. Di questi, 38,9 milioni di franchi saranno spesi per misure di conservazione del valore e 9,7 milioni di franchi per misure di valorizzazione. Se il prestito verrà approvato, i lavori di ristrutturazione potranno iniziare nell'estate del 2020. I lavori dureranno due anni. L'importo preventivato comprende anche i costi di 4,5 milioni di franchi per un teatro temporaneo. Il teatro opererà nella struttura temporanea per due stagioni.

La perdita di 438.880 franchi svizzeri è inferiore al budget. Secondo il comunicato stampa della società, ciò è dovuto ai "massicci contributi propri della Tonhalle-Gesellschaft Zürich per gli investimenti nella Tonhalle Maag".

Le presenze sono rimaste stabili nonostante il programma ampliato, con circa 108.472 persone che hanno assistito ai concerti alla Tonhalle di Zurigo. A causa delle cancellazioni e dell'assenza del Festival di Zurigo alla fine della stagione, l'utilizzo della capacità è sceso dal 70,4 al 67,1%. Tuttavia, nel complesso sono stati venduti più abbonamenti.

Le entrate da concerti ed eventi sono diminuite rispetto all'anno precedente. In questo contesto ha giocato un ruolo particolare la cancellazione di Lang Lang, che per motivi di salute non ha potuto esibirsi in due concerti in abbonamento programmati alla fine di aprile 2017.
poteva suonare. Sebbene sia stato trovato un sostituto artisticamente eccezionale in Jean-Yves Thibaudet, la perdita di entrate è stata considerevole a causa della riduzione dei prezzi dei biglietti e dell'interesse del pubblico.

Il catalogo di Idagio, che contiene già oltre mezzo milione di brani, sarà ampliato con effetto immediato per includere i cataloghi completi di Deutsche Grammophon, Decca, Philips Classics e tutte le produzioni classiche dell'etichetta di qualità ECM di Monaco. Attualmente, ogni settimana vengono aggiunti a Idagio 15.000 brani in qualità audio lossless.

Nell'ambito della partnership, su IDAGIO saranno disponibili playlist personalizzate, curate da Deutsche Grammophon e dai suoi artisti, oltre a una serie di attività promozionali e di marketing di supporto.

Till Janczukowicz, fondatore e CEO di Idagio: "Quasi nessun amante della musica classica su questo pianeta non è cresciuto con le leggendarie registrazioni di Deutsche Grammophon. Sono sinonimo di qualità senza compromessi e di grandi momenti musicali. La combinazione dei grandi cataloghi con la nostra tecnologia consente agli utenti di vivere esperienze prima impensabili. Ad esempio, gli amanti della musica possono ora confrontare in pochi secondi una sinfonia di Beethoven del direttore d'orchestra Carlos Kleiber con quella di Leonard Bernstein e di centinaia di altri direttori. IDAGIO trasforma così ogni smartphone nella collezione definitiva di musica classica".

Clemens Trautmann, Presidente di Deutsche Grammophon: "IDAGIO ha arricchito il dinamico mercato dello streaming con una soluzione innovativa e facile da usare, specialmente per gli appassionati di musica classica. Non vediamo l'ora di lavorare insieme e siamo fiduciosi che Idagio ci permetterà anche di fare molte emozionanti scoperte musicali dallo storico catalogo di Deutsche Grammophon - da importanti nuove uscite dei nostri artisti a rarità senza tempo."
 

Il catalogo di Idagio, che contiene già oltre mezzo milione di brani, sarà ampliato con effetto immediato per includere i cataloghi completi di Deutsche Grammophon, Decca, Philips Classics e tutte le produzioni classiche dell'etichetta di qualità ECM di Monaco. Attualmente, ogni settimana vengono aggiunti a Idagio 15.000 brani in qualità audio lossless.

Nell'ambito della partnership, su IDAGIO saranno disponibili playlist personalizzate, curate da Deutsche Grammophon e dai suoi artisti, oltre a una serie di attività promozionali e di marketing di supporto.

Till Janczukowicz, fondatore e CEO di Idagio: "Quasi nessun amante della musica classica su questo pianeta non è cresciuto con le leggendarie registrazioni di Deutsche Grammophon. Sono sinonimo di qualità senza compromessi e di grandi momenti musicali. La combinazione dei grandi cataloghi con la nostra tecnologia consente agli utenti di vivere esperienze prima impensabili. Ad esempio, gli amanti della musica possono ora confrontare in pochi secondi una sinfonia di Beethoven del direttore d'orchestra Carlos Kleiber con quella di Leonard Bernstein e di centinaia di altri direttori. IDAGIO trasforma così ogni smartphone nella collezione definitiva di musica classica".

Clemens Trautmann, Presidente di Deutsche Grammophon: "IDAGIO ha arricchito il dinamico mercato dello streaming con una soluzione innovativa e facile da usare, specialmente per gli appassionati di musica classica. Non vediamo l'ora di lavorare insieme e siamo fiduciosi che Idagio ci permetterà anche di fare molte emozionanti scoperte musicali dallo storico catalogo di Deutsche Grammophon - da importanti nuove uscite dei nostri artisti a rarità senza tempo."
 

I 642 progetti di mediazione hanno generato 44.483 presenze. Con un budget totale di 25.730.395,52 franchi, il conto economico per il 16/17 ha chiuso con un risultato positivo di 76.332,15 franchi. Il tasso di autofinanziamento è aumentato leggermente, raggiungendo il 20,02%.

Il motto della stagione 16/17 è stato "Nuovi spazi", che sta per "Nuovi spazi".
concetto di teatro spaziale che, secondo il comunicato stampa del teatro, è "basato sul principio della percezione alterata". Questo può essere l'uso di luoghi non teatrali, la riorganizzazione del teatro o una nuova prospettiva su un personaggio, così come "il cambiamento degli assi visivi, la rinuncia alla sovranità interpretativa e quindi la coesistenza di artisti e pubblico nello spazio".

Contemporaneamente al cambio di direttore artistico, si è svolto un processo di riorganizzazione interna, continua il teatro, con l'obiettivo di introdurre una struttura aziendale contemporanea con il coinvolgimento di tutti i dipendenti. È stata definita un'identità aziendale e realizzato un nuovo corporate design.

Il riallineamento artistico ha aumentato il numero di visitatori, più che raddoppiato il numero di membri degli Amici e incrementato il traffico online su tutti i canali: il numero di iscritti alla newsletter è aumentato del 32,5%, le vendite del webshop del 50% e le visite al sito web del teatro del 52%.

Ogni anno, il Fondo Lily Waeckerlin della Fondazione Accentus premia un progetto innovativo e di qualità nel campo dei giovani e della musica in Svizzera. Con questo premio, la fondazione intende motivare i bambini e i giovani non solo a consumare musica, ma anche a impegnarsi attivamente con essa. La mediazione e l'introduzione all'opera musicale rivestono quindi un ruolo speciale nell'assegnazione del premio.

"La capacità di comprendere la musica non è un talento riservato solo ad alcuni: tutti gli esseri umani lo possiedono". (Edwin E. Gordon)

Il "miam-ensemble" offre concerti per bambini da 0 a 6 anni accompagnati da un accompagnatore. I concerti si basano sui risultati della Music Learning Theory, sviluppata dal musicista e pedagogo Edwin E. Gordon. I musicisti si dispongono in cerchio intorno ai bambini, che possono reagire alla musica a modo loro, seduti su un tappeto rosso: ascoltando in braccio al padre, ballando intorno alla madre e cantando.
I bambini sono particolarmente pronti ad assorbire la musica con curiosità e apertura mentale fin dalla più tenera età. Imparano la musica come se fosse la loro lingua madre e sviluppano il loro talento musicale individuale. Nei concerti "miam", i bambini ascoltano in un ambiente intimo brani brevi, complessi e variegati di musica classica, folk e jazz, che sono piacevoli, risvegliano i loro sensi e sviluppano la loro percezione.

Con i suoi concerti per i più piccoli, il "miam-ensemble" offre un'esperienza musicale che stimola i sensi e fornisce un orientamento nel mondo, in una situazione che promuove le relazioni: Relazioni con i genitori che condividono questa esperienza e forniscono la protezione necessaria, relazioni con altri bambini provenienti da contesti sociali e culturali diversi e relazioni con i musicisti che suonano per loro. In questo ambiente sicuro, non solo cresce la comprensione, ma anche l'amore per la musica, che può essere un compagno fedele per tutta la vita.
 

Hans U. Alder, fotografo e regista zurighese che ha lavorato per molti anni per la televisione svizzera, dopo il pensionamento si è trasferito a Schwarzenberg, nel cantone di Lucerna. Conosceva poco la tradizione locale delle bande di ottoni. Alder rimase affascinato dalla motivazione e dall'impegno dei musicisti nei confronti della loro organizzazione. Fu anche colpito dalla qualità musicale della banda del villaggio nella sua nuova casa. Di conseguenza, nel corso di un anno è stata realizzata una documentazione fotografica e cinematografica della Brass Band MG Schwarzenberg. Questo lavoro è stato presentato alla nuova uniforme nel 2016.
Le belle ed espressive foto e i brevi filmati di un minuto e mezzo di nove membri della Musikgesellschaft sono degni di essere presentati nella Collezione di strumenti musicali di Willisau, poiché sono rappresentativi anche di molte altre formazioni.

Da dove proviene la ricca tradizione musicale degli ottoni? Come si sono sviluppati gli ensemble? Queste domande sono esplorate in una piccola mostra che integra le foto e i filmati di Hans U. Alder. Le uniformi in uso ancora oggi mostrano la direzione. Anche il nome "Feldmusik", che molti club portano ancora, fa riferimento alle radici militari.
Anche nel tardo Medioevo, gli svizzeri erano caratterizzati da musicisti militari particolarmente dotati. I tamburini e i pifferai del nostro Paese erano popolari in tutta Europa. Trombettieri e timpanisti suonavano anche presso le corti reali. Il re francese Luigi XIV, il "Roi Soleil", rivoluzionò la musica militare. Gli "ensemble di hautboisti" diedero poi origine alla cosiddetta musica turca o "Bandes Turques" con cimbali, triangoli e campane. È qui che inizia la storia delle nostre bande di ottoni di paese.

La mostra documenta questo sviluppo utilizzando oggetti e documenti audio, filmati e immagini accessibili su tablet.
Oltre agli strumenti della nostra collezione, sono stati presi in prestito oggetti interessanti dalla collezione di tamburi di Hans Ebersold a Sarnen, dalla "Klingende Sammlung" (Collezione Karl Burri) di Berna, inaugurata di recente, e dalla banda dell'artiglieria a cavallo di Soletta.

La prossima visita pubblica avrà luogo domenica 25 febbraio alle 14.15.