La Svizzera ha avuto un ruolo importante nella biografia e nell'opera dell'allievo viennese di Schreker Ernst Krenek (1900-1991) per sei decenni. Su un totale di 240 composizioni con numero d'opera, circa 60 sono legate alla Svizzera per il luogo di origine, il committente, il dedicatario o la prima esecuzione.

Nel 1923, Krenek fu invitato a Winterthur dall'uomo d'affari e mecenate Werner Reinhart. Nel 1924, il musicista, che all'epoca era sposato con Anna Mahler, compose il suo 1° Concerto per violino op. 29 per Alma Moodie a Zurigo. Insieme a lei e a Reinhart, visitò Rilke al castello di Muzot nel Vallese, che in seguito paragonò alla sua casa d'adozione nella California meridionale.

Il Connessioni svizzereIl rapporto musicale di Krenek con Basilea, durato fino al suo ultimo soggiorno nel nostro Paese nel 1986, è stato caratterizzato da contatti amichevoli con Reinhart, il filologo classico basilese Werner Batschelet e sua moglie violoncellista Annegret Massini, e soprattutto con Paul Sacher. Per lui e per la sua Orchestra da Camera di Basilea ha scritto, tra l'altro, l'opera Pezzo sinfonico op. 86 per orchestra d'archi (1939), Catena, cerchio e specchio. Disegno sinfonico per orchestra op. 160 (1957) e Statico ed estatico op. 214 (1972).

Negli anni Trenta, Krenek ammirava il modello svizzero di una politica federalista, come era avvenuto nella sua patria austriaca. Difese il Paese, che era diventato per lui un luogo di rifugio, contro i cliché "dei mandriani, degli jodel, delle guide alpine e dei camerieri" e apprezzò la Svizzera come importante luogo di rappresentazione per le sue opere.

Suddiviso nei capitoli "Punto di fuga", "Rete", "Rete di opere" e "Immaginazione", il libro, riccamente illustrato e curato da Julia Beier e Matthias Schmidt, documenta le diverse relazioni svizzere di Krenek. Tra gli articoli specialistici di una dozzina di autori, va segnalato quello di Camille Bork: "On the relationship between nature and technology in Jonny gioca". In esso si dimostra che l'episodio del ghiacciaio nell'opera del 1926 ispirata al jazz e ai balli di moda americani è stato ispirato dal Gornergrat.

Il senso della realtà. Ernst Krenek e la Svizzera, a cura di Julia Beier e Matthias Schmidt, 145 p., € 24,80, Edition Alea, Badenweiler 2015

 Invece dell'uniformità, Erika Stucky preferisce dedicarsi al sorprendente. La musica dell'artista, che è nata a San Francisco nel 1962 e che finora si è mossa principalmente tra pop, jazz d'avanguardia e intrattenimento, colpisce nel suo album Papito nuovi percorsi: Ispirata dal suo defunto padre, macellaio, questa volta ha voluto alimentare il suo suono non con gli ottoni o i fiati, ma con gli archi: "Volevo sentire le vibrazioni degli intestini, sentire il pianto degli animali, per così dire", ha osservato Stucky, nota per il suo anticonformismo.

Ha registrato la sua nuova dozzina di canzoni con i membri dell'orchestra barocca La Cetra Basel. Una combinazione inaspettata, ma che funziona. In alcuni punti, l'album ricorda l'album dello scorso anno Prendi tutti i miei amori: 9 sonetti di Shakespeare di Rufus Wainwright, in cui lo statunitense incrocia la musica lirica con il pop da camera e le recitazioni. Stucky porta il gioco ancora più avanti, non solo comportandosi da testa calda, ma anche mettendo in gioco il jazz e l'elettronica.

Il disco inizia con Ogni volta che ci diciamo addio di George Gershwin, che Stucky arricchisce con canti di uccelli, clavicembalo e suoni languidi di violino, con la sua voce che diventa sempre più grandiosa. Altre cover, come la versione con gli archi Ti voglio dai Beatles o quello caratterizzato dalla gelosia Non spiegare di Billie Holiday si rivelano sia un omaggio che un veicolo adatto a Stucky per dare libero sfogo alle sue emozioni.

I suoi pezzi sono più sperimentali: mentre lo spettrale Gentilmente al dissonante, tende a Filo spinato, che racconta l'incontro di una donna con l'uomo sbagliato. La conclusione Le conseguenze può sembrare tenero, ma non può e non potrà mai liberarsi completamente del suo umore inquietante. Tutto questo si traduce in un'opera non convenzionale e audace, ma anche in un piacere d'ascolto che non smette di sorprendere.

Papito. Erika Stucky, voce; Andreas Scholl, controtenore; FM Einheit, paesaggi sonori, elettronica, percussioni; La Cetra Barockorchester. Traumton Records 4656

Nel 2016 ricorre il centenario della morte di Max Reger. La sua figura è stata commemorata in numerosi concerti, pubblicazioni e registrazioni in CD, tra cui questa registrazione della sua musica da camera integrale per clarinetto. Che questa registrazione abbia qualcosa in più della completezza diventa immediatamente chiaro nella Sonata in si bemolle maggiore op. 107: il complesso intreccio e la complessità armonica della musica di Reger sono messi in luce in modo così naturale nella sottile e intelligente interpretazione del clarinettista svizzero Stephan Siegenthaler e del pianista tedesco Kolja Lessing che si può provare la meraviglia di un cosmo autonomo durante l'ascolto. Né il clarinetto né il pianoforte si avvicinano mai a un'esibizione da concerto. Il calore sommerso e semplice del ricco mondo interiore di Reger contrasta con i suoi brevi e agitati sfoghi.

Le stesse qualità caratterizzano anche l'esecuzione delle due Sonate op. 49, che Reger scrisse nel 1900/1901 sotto l'influenza della Sonata per clarinetto op. 120 di Brahms. I brevi brani individuali Pagina dell'album e Tarantella sono stati composti probabilmente nel 1902 e rivelano sfaccettature sconosciute e affascinanti del mondo sonoro di Reger.

Il fulcro di questa registrazione è il Quintetto per clarinetto e quartetto d'archi op. 146 del 1915/16, l'ultima composizione completata di Reger: una musica leggera, a tratti quasi estasiante, che ricorda Mozart. Insieme al Quartetto d'archi di Lipsia, Stephan Siegenthaler ha dato a questo meraviglioso lavoro un'interpretazione di grande calma e bellezza.

Max Reger: Musica da camera integrale per clarinetto. Stephan Siegenthaler, clarinetto; Kolja Lessing, pianoforte; Quartetto d'archi di Lipsia. Oehms Classics CS OC 1845, 2 CD

Tra le altre cose, a Lam e alla sua delegazione sono state presentate le attività della ZHdK a Hong Kong. Da diversi anni l'università promuove uno scambio con le istituzioni culturali ed educative del Paese. Secondo il comunicato stampa della ZHdK, gli ospiti sono stati particolarmente interessati al fatto che tutte le discipline artistiche e creative - design, cinema, belle arti, musica, danza, teatro, transdisciplinarità e educazione artistica - sono riunite sotto lo stesso tetto e che l'edificio promuove la collaborazione interdisciplinare in modo innovativo.

Durante l'incontro, la direzione dello ZHdK ha discusso con il capo esecutivo Carrie Lam la prevista creazione di due laboratori interconnessi nel campo dell'innovazione dei media. Questi sono destinati a promuovere approcci transdisciplinari nella ricerca, nell'insegnamento e nella pratica all'interfaccia tra la tecnologia più avanzata e le arti.

Il capo del governo, che visita la Svizzera per la prima volta dopo il suo insediamento lo scorso anno, è rimasto colpito anche dal progetto di ricerca "Birdly": con il simulatore interattivo di volo di uccelli "Birdly", la ZHdK ha posto una pietra miliare nello sviluppo della realtà virtuale e delle esperienze immersive.

Anche il numero di orchestre continuò a diminuire. Ciò è dovuto a due fusioni: l'accorpamento delle due orchestre SWR di Baden-Baden/Friburgo e Stoccarda, nonché della Thüringen Philharmonie Gotha e della Landeskapelle Eisenach.

Quando nel 1992 è stata condotta la prima indagine su tutto il territorio tedesco, esistevano 168 orchestre professionali finanziate con fondi pubblici e che si esibivano regolarmente. Da allora, 39 orchestre sono scomparse dalla mappa. Tra il 1992 e il 2018, il numero di posti di musicista segnalati è sceso da 12.159 a 9.746, il che significa che il numero di posti di lavoro è diminuito di circa il 20%. Altre perdite si profilano in Sassonia-Anhalt e Meclemburgo-Pomerania occidentale.

In particolare nella Germania orientale, molti musicisti professionisti hanno solo contratti collettivi di emergenza. In alcune orchestre la retribuzione è fino al 30% inferiore al salario concordato collettivamente e quindi appena superiore al livello del salario minimo. A livello nazionale, 39 orchestre non pagano secondo i contratti collettivi, di cui 27 nell'est.

Medusa è un mostro della mitologia greca: i suoi capelli sono come serpenti e chiunque la guardi si trasforma in pietra. Il chitarrista tedesco Thomas Fellow, nato nel 1966, si è ispirato alla sua rappresentazione del pittore Caravaggio per creare un pezzo virtuoso per chitarra sola. Aveva già visto l'immagine altamente simbolica da adolescente, nel thriller psicologico Gli orrori della Medusa visto (nell'originale Il tocco di Medusa), con Richard Burton nel ruolo di protagonista.

Il brano è in re minore, con la sesta corda accordata bassa. Sebbene i capelli del serpente di Medusa eseguano una danza selvaggia, non oltrepassano i confini della tonalità. Le note melodiche, inserite in un turbinio di movimenti rapidi e per lo più continui di semicrome, si susseguono prevalentemente verso il basso a passi interi o di semitono. I diversi strati melodici consentono un disegno differenziato. La tensione si trasforma in energia nelle ripetizioni degli accordi, rafforzate alla fine da elementi percussivi.

Tecnicamente, il brano è facile da padroneggiare. La sfida risiede nell'indicazione del tempo, veloce e furioso, che si applica a tutte e cinque le pagine della partitura. Le note sono riprodotte anche come intavolatura sul retro dell'edizione, accurata ed esteticamente gradevole. Ciò significa che, nonostante le scarse indicazioni di diteggiatura, si può sempre essere sicuri di quali note debbano essere suonate in quali posizioni. Il brano può essere ascoltato in una versione per due chitarre e chitarra a percussione sul CD di debutto dell'European Guitar Quartet - di cui il compositore fa parte - e come registrazione dal vivo su YouTube.

Thomas Fellow: Medusa, per chitarra sola, ED 22595, € 7,50, Schott, Mainz 2016

Rugeri diede un contributo decisivo allo sviluppo dei violoncelli cremonesi: modellò la lunghezza della scala, che fu poi adottata da Stradivari. Oggi i suoi strumenti sono tra i più ricercati e preziosi.

A dicembre, anche l'Orchestra Sinfonica di Lucerna ha pubblicato il suo rapporto annuale per la stagione 16/17. La stagione è stata incentrata su un progetto beethoveniano in più parti. Tutti i concerti per pianoforte di Beethoven sono stati eseguiti insieme a Oliver Schnyder, prima come musica da camera sul Pilatus, poi "prima vista" con l'orchestra e infine in tre concerti sinfonici al KKL di Lucerna. I concerti sono stati registrati per Sony Cassical e pubblicati in un cofanetto di CD nel novembre 2017.

Un totale di 10.700 persone ha partecipato a eventi di educazione musicale. Rispetto all'anno precedente, questo dato rappresenta un aumento del 30%. Le esibizioni degli ospiti hanno portato l'orchestra al Festival Internazionale di Musica di Bogotà (3 concerti) e per la prima volta a Bologna, La Chaux-de-Fonds e Udine, dove ha aperto la stagione concertistica al Teatro Nuovo Giovanni.

La cantante, produttrice e interprete Aderi lavora nel campo della musica elettronica. Sostituisce Katrin Frauchiger, che è stata membro del Comitato musicale dal 2012 al giugno 2017. Aderi è cresciuta nella Svizzera centrale. Inizialmente si è concentrata sulla musica rinascimentale, ma poi si è interessata anche alla musica contemporanea, dall'hip-hop al free jazz e all'elettronica. Nel 2004 ha avviato il suo progetto elettronico sperimentale EIKO. Durante i suoi studi alla Basel Jazz School, ha completato un semestre di scambio in Norvegia, dove ha conseguito un Master of Performance a Trondheim. Aderi è tornata in Svizzera nel 2012.

Regina Füchslin è un nuovo membro della Commissione Letteratura. La filologa classica è co-direttrice della rivista letteraria "orte". Sostituisce Simone Ammann, che si è dimessa alla fine del 2017. Dalla partenza di Claudine Metzger alla fine del 2016, la Commissione Arte è composta da soli sei membri. Lucie Kolb è stata ora eletta come membro aggiuntivo. Kolb insegna all'Università delle Arti di Zurigo ed è co-editore della rivista di critica d'arte "Brand-New-Life".

Il 17 gennaio è di nuovo il momento dell'anno: è il compleanno dell'arte, che compie 1.000.055 anni. Almeno secondo i calcoli dell'artista Fluxus Robert Filliou. Nel 1963 ha inventato "Art's Birthday", la festa di compleanno globale dell'arte. Quest'anno, il Gruppo Ars Acustica dell'Unione Europea di Radiodiffusione EBU festeggia ancora una volta con numerosi concerti e spettacoli in oltre 20 città. Il Festival per la Nuova Musica Forum Valais, in collaborazione con Radio Suisse Romande Espace 2, partecipa con una maratona di dodici ore alla Ferme Asile di Sion. Tra le 19.00 e le 23.00, 20 studi radiofonici mobili da Chicago a Sion, passando per Helsinki, Mosca e Lisbona, trasmetteranno in diretta via satellite concerti e dichiarazioni sull'arte. A Sion si esibiranno Audrey Cavelius, Yannick Barman ed Erika Stucky, mentre dalle 23.30 alle 7.30 Sara Oswald, Colin Vallon e Julian Sartorius presenteranno la loro mastodontica performance di otto ore. Rêverie basato sul libro di Max Richter Dormire. Rêverie è musica da vivere mentre ci si addormenta e si dorme, una "ninna nanna infinita" di ammaliante bellezza. Il pubblico si sdraia su lettini appositamente predisposti. La prenotazione è indispensabile.

La prima edizione del concorso per le scuole di musica si è svolta su scala ridotta. All'epoca, circa 20 allievi si presentarono davanti alla giuria per esibirsi. Da allora, il numero di partecipanti si è decuplicato. Nel frattempo, il concorso di Lucerna si è trasformato in un grande festival musicale. Quest'anno, per la prima volta, lo stile pop/rock/jazz ha una propria categoria e i partecipanti possono essere accompagnati da un combo jazz professionale.

Mentre in passato solo i più bravi e talentuosi potevano partecipare al concorso, oggi è aperto a tutti gli allievi della Scuola di Musica di Lucerna. Studenti principianti e avanzati si esibiscono e competono tra loro in un ambiente protetto e favorevole. I circa 200 partecipanti ricevono un feedback professionale e fanno la loro prima esperienza di gara o si preparano per concorsi regionali e nazionali più importanti.

Il concorso per le scuole di musica si svolgerà domenica 28 gennaio al Südpol. Le audizioni durante la giornata, la finale e la cerimonia di premiazione sono aperte al pubblico e l'ingresso è gratuito. Il pubblico avrà la possibilità di assegnare i premi del pubblico nelle categorie pop/rock/jazz e classica/folk durante la finale. Il programma è disponibile sul sito web della Scuola di Musica di Lucerna: www.musikschuleluzern.ch

Una differenza significativa sta, ad esempio, nella pianificazione dei movimenti quando si suona il pianoforte. In linea di principio, i pianisti, indipendentemente dallo stile, devono prima sapere cosa stanno suonando, cioè quali tasti premere, e poi come suonarlo, cioè quali dita usare. Ciò che varia a seconda dello stile musicale, tuttavia, è la ponderazione di queste due fasi.

Di conseguenza, i pianisti classici si concentrano in modo particolare sulla seconda fase del loro modo di suonare, il come. Per loro si tratta di suonare un brano in modo tecnicamente impeccabile e personalmente espressivo. La scelta della diteggiatura, ad esempio, è fondamentale per questo scopo. I pianisti jazz, invece, sono diversi: si concentrano soprattutto sul cosa. Sono sempre pronti a improvvisare e ad adattare il loro modo di suonare in modo flessibile ad armonie sorprendenti.

Gli scienziati dell'MPI CBS hanno studiato queste correlazioni con l'aiuto di 30 pianisti professionisti, metà dei quali si erano specializzati nel jazz per almeno due anni e l'altra metà nella musica classica. Su uno schermo è stata mostrata una mano che suonava una sequenza di accordi su un pianoforte, condita da inciampi intenzionali nelle armonie e nelle diteggiature. Ai pianisti professionisti è stato chiesto di imitarla e di reagire in modo flessibile alle irregolarità, mentre i loro segnali cerebrali venivano registrati da sensori EEG sulla testa. Per escludere segnali di interferenza come quelli acustici, il tutto si è svolto completamente in assenza di suoni, come un pianoforte silenzioso.

Per saperne di più:
http://www.cbs.mpg.de/Gehirne-von-Jazz-und-Klassik-Pianisten-ticken-unterschiedlich

400 imprese di costruzione di organi con circa 2800 dipendenti, 180 apprendisti e 3500 organisti a tempo pieno e decine di migliaia di volontari caratterizzano l'artigianato e l'arte della costruzione di organi e della musica organistica in Germania. Nel Paese sono attualmente in uso oltre 50.000 organi.

L'organo, la costruzione di organi e la musica per organo sono stati inventati più di 2000 anni fa nell'Egitto ellenistico e hanno viaggiato attraverso Bisanzio fino all'Europa, dove sono stati ulteriormente sviluppati come bene culturale dal Rinascimento carolingio fino ai giorni nostri. Dal Medioevo, gli organi sono stati esportati dall'Europa, dove viene costruita la maggior parte degli organi, in molti paesi del mondo. La Germania è uno dei Paesi più importanti al mondo per l'ulteriore sviluppo della costruzione di organi e della musica organistica.

Il Comitato intergovernativo è composto da 24 Stati parte eletti della Convenzione sul patrimonio culturale immateriale. Decide annualmente sull'inserimento di nuove forme culturali nelle liste del Patrimonio culturale immateriale dell'Unesco. Ad oggi, 377 forme di patrimonio culturale immateriale sono state iscritte nella Lista rappresentativa internazionale. Con l'iscrizione, gli Stati parte si impegnano a promuovere il patrimonio culturale immateriale nei rispettivi territori.

Cyrill Schürch è nato a Lucerna nel 1974. Dopo aver preso lezioni private di pianoforte con Konstantin Scherbakov, ha studiato pianoforte e composizione all'Università di Houston. In seguito ha conseguito un dottorato al King's College di Londra. Dall'autunno 2014 è vice rettore della Scuola di Musica di Zugo, dove insegna pianoforte, teoria musicale e composizione. È membro del comitato consultivo artistico dell'European Youth Choir Festival Basel.

Markus Fricker è un musicista in pensione che si è formato sotto la guida di Andreas Juon e Willi Gohl. Ha conseguito il diploma di insegnante di canto solista al Conservatorio di Zurigo sotto la guida di Sylvia Gähwiller. Oggi è direttore di un coro ecclesiastico ed è attivo soprattutto come compositore di musica vocale.

David Lang ha una formazione da cantante, pianista e direttore per coro e orchestra. Ha iniziato gli studi di composizione presso lo ZHdK di Zurigo nel dipartimento di composizione/arrangiamento. Dopo aver completato gli studi di pianoforte, ha proseguito la sua formazione come autodidatta.

Al concorso pubblico di composizione sono state presentate in totale undici composizioni. Il concerto dei vincitori si terrà nell'autunno 2018 nella chiesa di San Giovanni a Zugo. Le opere saranno eseguite in anteprima dal coro della chiesa di Walchwil sotto la direzione di Peter Wehrlen.

Classical:NEXT" è un forum per musicisti e professionisti di tutti i settori della musica classica e contemporanea. Da organizzatori e festival a editori, etichette e associazioni, fino ad agenti e musicisti: Circa 1200 partecipanti provenienti da oltre 40 Paesi si incontreranno per quattro giorni al centro congressi de Doelen, nel centro di Rotterdam.

I partecipanti alla fiera avranno l'opportunità di ampliare la loro rete internazionale e di partecipare all'ampio programma della fiera con vetrine, conferenze e presentazioni di progetti.

Pro Helvetia sostiene i rappresentanti di ensemble della scena musicale indipendente che desiderano partecipare a "Classical:NEXT 2018" coprendo i costi di accreditamento (circa 360 euro) e contribuendo con una somma forfettaria di 350 franchi a persona per le spese di viaggio e di alloggio. Gli interessati devono inviare un'e-mail a Tobias Rothfahl, Dipartimento Musica (trothfahl@prohelvetia.ch) entro il 12 febbraio 2018.

Per saperne di più:
https://prohelvetia.ch/app/uploads/2018/01/ph-ausschreibung-classicalnext-2018-d.pdf

Secondo Andreas Eckhardt, Presidente del Consiglio di Amministrazione della Fondazione Hindemith, Höppner non solo ha "una significativa esperienza culturale e politica, ma anche uno stretto legame con la pratica musicale e l'insegnamento come docente universitario presso l'Università delle Arti di Berlino". Paul Hindemith ha ricoperto la cattedra di composizione presso la precedente università dal 1927 al 1937.

Fondata nel 1967, la Fondation Hindemith sostiene o avvia la ricerca scientifica nel campo della musica e ne assicura la diffusione. Ha sede a Blonay (VD), sul lago di Ginevra, in Svizzera, dove i coniugi Hindemith trascorsero gli ultimi anni della loro vita. Dal 1978 gestisce il Centre de Musique Hindemith Blonay, che serve principalmente alla pratica musicale. Nel 1974, la fondazione ha fondato l'Istituto Hindemith di Francoforte, dedicato alla ricerca musicologica e allo studio della vita e dell'opera di Paul Hindemith.