Geneviève Tschumi, che studia all'Università delle Arti di Berlino dal 2014, ha ricevuto non solo il primo premio, il Central German Baroque Music Prize, ma anche due premi speciali, uno del Centre for Telemann Care and Research di Magdeburgo e uno del Bach Archive di Lipsia, secondo gli organizzatori.

Il secondo premio è andato al mezzosoprano Marian Dijkhuizen (Paesi Bassi) e il terzo al soprano Johanna Knauth (Germania).

Il Concorso Internazionale Telemann si tiene ogni due anni dal 2001. Nel 2017 è stato organizzato per la prima volta per il canto. Secondo il comunicato stampa degli organizzatori, si sono iscritti 49 cantanti. 35 artisti si sono esibiti nel primo turno, 16 nel secondo e infine 6 cantanti nella finale. Nel 2019 il concorso sarà organizzato per la musica da camera.

www.telemann.org
 

L'idea del festival è di Reto Zürcher, comproprietario dell'Hotel Restaurant Simmenfälle. Insieme ai musicisti bernesi Nik Rechsteiner e Urs Widmer, organizza per la prima volta l'evento musicale dal 23 al 25 giugno.

Venerdì, l'eroe locale Rumble Jim apre il festival con rockabilly e musica degli anni Cinquanta su un palco all'aperto. L'headliner della serata è il polistrumentista bernese Mich Gerber, che getta ponti musicali tra Oriente e Occidente, tra musica urbana, classica e jazz, tra musica antica e nuova.

Sabato si esibiranno il gruppo rock di Thun The Souls, il gruppo rap bernese Churchhill e i Troubas Kater. Nella sala del ristorante Simmenfälle si esibiranno artisti internazionali, come Mani Orrason dall'Islanda e Fenne Lily dal Regno Unito.

Il compositore solettese Hermann Meier (1906-2002) è oggi uno dei più importanti rappresentanti della prima avanguardia musicale svizzera. Rimanendo sempre in secondo piano, Meier scrisse opere "risparmiate" dalla critica e dalla correzione, che sono quindi particolarmente originali e hanno mantenuto una certa individualità. Anche le sue tecniche compositive erano estremamente indipendenti, su larga scala e spesso colorate.

L'importante compito di far conoscere l'opera di Hermann Meier a un pubblico più vasto, nella speranza che in futuro le sue opere trovino più spesso spazio nei concerti delle orchestre svizzere e di altri musicisti, è stato il motivo alla base di questo simposio. Sebbene la musica di Meier sia stata eseguita raramente durante la sua vita, egli era consapevole della sua contemporaneità. La sua vasta opera comprende più di venti lavori orchestrali che non sono mai stati eseguiti. Il suo stile compositivo sembrava troppo radicale per il panorama musicale svizzero dell'epoca. Solo negli anni '80 alcune sue opere videro la luce grazie agli sforzi del compositore e pianista Urs Peter Schneider, che sviluppò una stretta collaborazione con Meier. Altre figure importanti nella promozione della musica di Meier sono il pianista Dominik Blum e il compositore ed editore Marc Kilchenmann, su iniziativa del quale la Basel Sinfonietta ha eseguito due importanti opere orchestrali di Meier nel 2010. (Il Giornale musicale svizzero ha portato un Articolo in SMZ 1/2010, pag. 18 e segg., Nota dell'editore.)

Il patrimonio di Hermann Meier è custodito dalla Fondazione Paul Sacher dal 2009 ed è stato analizzato nel progetto di ricerca L'occhio compone saranno analizzati. Il completamento della ricerca è previsto per il 2017, quando sarà allestita anche una mostra monografica presso il Museo d'Arte di Soletta.

Durante i due giorni del simposio, Heidy Zimmermann (Fondazione Paul Sacher, Basilea), David Magnus (Berlino), Pascal Decroupet (Nizza), Roman Brotbeck (Berna), Michel Roth (Basilea), Marc Kilchenmann (Basilea), Michelle Ziegler (Berna), Jörg Jewanski (Münster), Doris Lanz (Berna), Christoph Haffter (Basilea) e Michael Harenberg (Berna) hanno tenuto conferenze sulla musica e sulla notazione grafica di Hermann Meier.

Il variegato programma di conferenze ha dato vita a due giorni variegati ma compatti. L'attenzione si è naturalmente concentrata su Hermann Meier, le sue opere, la tecnica compositiva e le varie intuizioni sulle forme di notazione grafica.

Nella sua conferenza, Heidy Zimmermann ha riflettuto sui fondamenti delle opere grafiche di Meier. Nella maggior parte dei casi di notazione grafica, abbiamo a che fare con partiture finite e completate che contengono grafica o la cui notazione è grafica. Nel caso di Hermann Meier, invece, la grafica è utilizzata nel processo di pensiero stesso, non nel prodotto finito - la partitura. È stato interessante conoscere il processo creativo di Meier e vedere alcune delle sue opere grafiche, conservate presso la Fondazione Paul Sacher.

Utilizzando esempi di partiture dell'avanguardia del dopoguerra, David Magnus ha illustrato le varie notazioni grafiche, che sono diverse per ogni compositore e spesso non possono essere assegnate a nessun genere. L'attenzione si è concentrata sul compositore greco Anestis Logothetis e sulla sua notazione, il cui prodotto finale - la partitura - è, a differenza di Hermann Meier, un sistema grafico che può produrre un'immagine sonora diversa ogni volta che viene riletto.

Particolarmente interessante è stata la conferenza di Pascal Decroupet sul ruolo degli schizzi pittorici e grafici nei compositori seriali e post-seriali. Dopo il 1945, ci sono state significative riorganizzazioni nelle aree del suono e del contesto. Nuove idee hanno portato a nuove forme di rappresentazione, lo spazio è diventato un parametro indipendente, la musica elettronica, la musica aleatoria e le tecniche esecutive estese hanno richiesto nuove soluzioni visive. Oltre a esempi tratti dalla musica di Pierre Boulez, la conferenza si è concentrata sul capolavoro di Stockhausen Gruppi.

Roman Brotbeck ha indagato sulla relazione tra Wladimir Vogel e il suo allievo Hermann Meier. Vogel ebbe contatti intensi con Meier, che in seguito si affievolirono; dopo cinque anni, le lezioni fallirono. Sono stati messi a confronto un pezzo per pianoforte di Meier del 1947 e opere di altri studenti di Vogel. È emerso che Meier ha mantenuto il proprio stile. Anche sotto l'influenza di Wladimir Vogel, Meier vede la dodecafonia non come un obiettivo finale, ma come una fase di transizione; compone non solo con la fila, ma "sopra la fila" - come un superamento del costruttivismo astratto, a volte strutturato, a volte giocoso nel contesto.

Michel Roth ha fornito un protocollo di lettura di tutte le opere orchestrali di Hermann Meier, che è sembrato una chiara dichiarazione sull'enorme opus di Meier.

Nella sua presentazione, Marc Kilchenmann si è concentrato sul ruolo dei piani grafici nel processo compositivo di Hermann Meier. Il patrimonio di Meier contiene circa 150 progetti grafici e 300 schizzi in cartelle di lavoro. Nel corso del tempo, i progetti di Meier sono diventati sempre più complessi e stratificati. La conferenza ha spiegato l'importanza dello sviluppo della grafica di Meier rispetto al suo lavoro compositivo.

Michelle Ziegler, la cui tesi di laurea sull'opera pianistica di Hermann Meier fa parte del progetto di ricerca L'occhio compone è stato creato, ha affrontato la fase creativa elettronica di Meier sulla base della composizione Struttura della superficie sonora o musica a parete per Hans Oesch (1970-71) e il secondo pezzo per due pianoforti, due clavicembali e due organi elettrici (1973). L'opera di Meier è suddivisa in diverse fasi: gli anni '50 sono stati integrati da lavori orchestrali, gli anni '60 da musica per strumenti a tastiera. La fase di Meier per la musica elettronica è chiaramente attribuibile agli anni Settanta, sebbene avesse già mostrato interesse per essa in precedenza. Solo una delle sue composizioni elettroniche è stata realizzata in studio.

Jörg Jenawski ha parlato del rapporto tra musica e pittura nel XX secolo. Ha aperto la questione se Hermann Meier avesse un rapporto simile nel suo lavoro: l'interesse di Meier per le arti visive (in particolare la sua preferenza per le opere di Mondrian), l'architettura, le visite a mostre formative, le lezioni di Meier con Wladimir Vogel con riferimenti alle arti visive (oggetto anche della conferenza di Doris Lanz) - tutto ciò indica che i movimenti sonori nelle sue partiture possono essere intesi come gruppi di strumenti, come movimenti pittorici e superfici di colore.

Le relazioni di Christoph Haffter e Michael Harenberg hanno affrontato opere specifiche di Hermann Meier, le opere orchestrali degli anni '60, gli sforzi d'avanguardia che questo periodo ha portato con sé (Haffter) e l'unica opera elettronica che è stata realizzata nello studio sperimentale della Fondazione Heinrich Strobel della SWR a Friburgo (Harenberg). Utilizzando il brano orchestrale del 1986 come esempio, Haffter ha mostrato come Meier abbia affrontato i problemi compositivi e come le sue soluzioni differiscano dai compositori del suo tempo. Michael Harenberg ha parlato delle condizioni con cui Hermann Meier si è confrontato nella realizzazione del suo pezzo elettronico.

Una conversazione con i testimoni contemporanei Urs Peter Schneider e Dominik Blum, moderata da Florian Hauser, è stata registrata da SRF2 Kultur e ha permesso al pubblico di approfondire la personalità di Meier, la sua collaborazione con Schneider e Blum, ma anche il suo alto grado di autocritica.

Il concerto del pianista Gilles Grimaître con opere di Hermann Meier (tra cui una prima mondiale - il pezzo per pianoforte del 1947) e Galina Ustvolskaya è stato notevole. Il programma del concerto è stato un'eccitante miscela di diversi estremi: dall'esemplare, quasi modesta tecnica dodecafonica del pezzo per pianoforte di Meier del 1947 e dalla carica di tensione della Sonata n. 1 della Ustvolskaya, al ribollire e al ticchettio del pezzo per pianoforte del 1987 e agli spietati, tremolanti accordi a grappolo della Sesta Sonata della Ustvolskaya, che hanno fatto tremare il pavimento della sala.

Il simposio L'occhio compone ha avuto molto successo e ha fatto un passo avanti verso l'obiettivo di far conoscere meglio l'opera di Hermann Meier al pubblico. Grazie a un'organizzazione interessante, con argomenti che presentavano Hermann Meier come un compositore eccezionale e davano una buona visione della scena musicale generale dell'epoca e delle tendenze durante la vita e il periodo creativo di Meier, dopo due giorni di simposio ho avuto la sensazione di conoscere un po' il compositore Hermann Meier e di essere impaziente di ascoltare ancora la sua notevole musica. La speranza ora è che ci siano abbastanza orecchie aperte anche in ambienti più importanti per inserire il nome di Hermann Meier nel repertorio orchestrale e dargli, come a tanti compositori dimenticati e non scoperti, una voce e quindi dire qualcosa di significativo, riflessivo o importante sul loro (e sul nostro) tempo. (Ri)scoprendo le preziose eredità che la nostra cultura ci ha lasciato, abbiamo la possibilità di rendere il canone che tramandiamo meno unilaterale e superficiale.

Giovanni Battista Pergolesi non è nuovo alla fama; per molto tempo è stato addirittura una figura di culto. Come si spiega che un'opera importante sia venuta alla luce solo ora?

Mario Schwarz: Nelle biblioteche del monastero è conservata una quantità infinita di materiale e sono poche le persone che vi rovistano. Una di queste è Friedrich Hägele di Aalen. Ha l'opera di Pergolesi Dixit Dominus è stato riportato alla luce nella biblioteca dei canonici dell'Abbazia di Beromünster. Il Missa Solemnis in C con organo concertante di František Xaver Brixi, che eseguiamo nello stesso concerto, è stato trovato da Karlheinz Ostermann di Silz in Tirolo, come molti altri, nella biblioteca del monastero di Ottobeuren. È un compito arduo che non tutti si assumono. Non si trovano partiture, ma singole parti, copie o addirittura copie di copie. Nel caso di Pergolesi, il materiale era particolarmente misero. Tutti coloro che hanno avuto a che fare con esso hanno maledetto il povero scriba che vi lavorava. Non mi sono occupato personalmente di questo materiale. Ma c'erano mille domande nella partitura che ne era stata tratta; ho passato ore al telefono con l'editore.

Ne valeva la pena? Sebbene Pergolesi avesse solo 26 anni, il suo catalogo di opere contiene un numero considerevole di composizioni ecclesiastiche, tra cui un altro "Dixit Dominus".

È un'opera meravigliosa in termini di struttura, più grande della sua opera sorella, e penso anche che abbia un futuro. Mostra un'intelligente distribuzione degli assoli, degli ensemble solistici e del coro, c'è una bella varietà. Inoltre, questa musica non solo è molto cantabile, ma è anche chiaramente composta tenendo conto del testo. L'inizio, ad esempio, con il declamatorio "Dixit", che entra nel vivo, o la fine con le lunghe note in stile antico di "Sicut erat in principio" hanno una vera e propria grandezza. È tutto molto emozionante e anche pittorico: un punto d'organo segna lo sgabello per i piedi del Signore, che i nemici devono diventare.
 

Quanto è certa la paternità? Secondo MGG, la fama leggendaria del genio, morto giovane, ha portato a un fiorente commercio di composizioni falsamente attribuite o contraffatte. Nel caso di Pergolesi, si dice che il rapporto tra opere autentiche e false abbia raggiunto un massimo di 1 a 10.

Non esiste alcuna prova dell'autenticità di quest'opera; a tutt'oggi non è stato trovato alcuno spartito originale e nemmeno un riferimento a un'esecuzione. Non si sa nemmeno come l'opera sia finita nell'Abbazia di Beromünster - e per inciso, una versione molto ridotta è finita anche nella biblioteca dell'Abbazia di Einsiedeln. Non ci sono prove storiche, ma solo la scrittura compositiva che conosciamo dalle opere confermate e che si trova qui, i ritmi tipici, il trattamento delle fermate. Non ci sono prove, ma dal punto di vista stilistico si ha la forte sensazione che qui abbia lavorato un ottimo compositore e che l'editore abbia fatto bene a pubblicarlo con il nome di Pergolesi.

Mario Schwarz dirige il Collegium Musicum Ostschweiz da oltre 40 anni. Si è fatto un nome con le prime mondiali di compositori svizzeri, ad esempio nel 2004 con l'opera Tredeschin di Gion Antoni Derungs. Nel 2009 ha potuto lanciare il concerto per violino di Heinrich von Herzogenberg. Nel 2010 ha diretto l'opera musicale scenica di Derungs in occasione del 100° anniversario della morte di Henry Dunant. Henry Dunant - il libretto è stato scritto da Hans-Rudolf Merz (SMZ 12/2010, pagina 25).

Durante la residenza, dal 19 agosto al 17 settembre 2017, dovrà essere realizzata una canzone con accompagnamento di pianoforte o orchestra da camera. Non è specificato un soggetto specifico, ma secondo il bando "si dovrebbe cercare di trovare un tema in collaborazione con l'artista".

Tutti i compositori svizzeri residenti all'estero sono invitati a candidarsi. La borsa di studio per la residenza comprende l'alloggio (camera nella Villa Schoeck), un contributo per le spese di soggiorno e di viaggio e un compenso di 1.500 franchi per la composizione. La composizione dovrà essere eseguita a Brunnen nel 2018.

L'invio deve essere effettuato per via elettronica entro il 13 aprile 2017 a. info@schoeckfestival.ch

Il modulo di candidatura e il bando dettagliato sono disponibili sul sito web dell'Organizzazione degli Svizzeri all'estero:
http://aso.ch/de/information/news-archiv/auslandschweizer-kuenstler-erneut-ein-ankerplatz-in-brunnen?searchText=schoeck

L'Organizzazione degli Svizzeri all'estero ha assegnato per la prima volta nel 2016 la borsa di soggiorno "Artist in Residence" a Brunnen perché, secondo l'organizzazione, "la piazza degli Svizzeri all'estero sul Lago dei Quattro Cantoni a Brunnen dovrebbe diventare un punto di riferimento anche per gli artisti svizzeri che vivono all'estero".
 

Il fisarmonicista Goran Kovačević è nato a Sciaffusa nel 1971. Ha studiato al Conservatorio di Winterthur e all'Università Statale di Musica di Trossingen ed è stato premiato in diversi concorsi internazionali; nel 2013 ha ottenuto una borsa di studio a Roma dal Cantone di San Gallo. Vive con la sua famiglia a Engelburg, vicino a San Gallo.

Willi Valotti è uno degli innovatori della musica popolare svizzera: dal suo primo gruppo, gli "Echo vom Hemberg", all'ex "Kapelle Heirassa", all'"Alderbuebe", che ha contribuito a formare per 52 anni, all'"item Quartett" e alla "Willis Wyberkapelle". Valotti si è formato come insegnante di fisarmonica a Winterthur e ha studiato armonia con Max Lang, contrabbasso a Zurigo e arrangiamento e composizione a Sciaffusa.

Il premio per la sponsorizzazione va allo scrittore, giornalista e musicista Frédéric Zwicker, classe 1983, che ha attirato l'attenzione nel 2016 con il suo romanzo d'esordio "Hier können Sie im Kreis gehen!". Dal punto di vista politico, è il cantante della band Knuts Koffer, che ha scritto una canzone contro l'iniziativa per l'applicazione della legge, nonché un giornalista che scrive sul sessismo all'Openair di San Gallo e sul razzismo latente nella scena del wrestling.
 

La strategia di proprietà definisce l'ambito della strategia del Consiglio di fondazione con linee guida generali. Secondo il Cantone di Turgovia, la strategia di proprietà deve essere rivista ogni quattro anni e, se necessario, adattata alle nuove situazioni. La Fondazione culturale deve mantenere la propria autonomia e indipendenza, afferma il governo cantonale nella strategia di proprietà 2017-2020.

La Fondazione culturale del Canton Turgovia è stata istituita nel 1991 dal governo cantonale. È una fondazione di diritto pubblico che integra il programma di promozione culturale del Cantone. Secondo la sua strategia di proprietà, la Fondazione culturale ha come unico scopo la promozione della creazione culturale professionale contemporanea. Il suo obiettivo è quello di contribuire a una vita culturale diversificata nel Cantone e di contribuire a creare un ambiente attraente per gli artisti professionisti. La Fondazione culturale è finanziata dal fondo della lotteria.
 

Rispetto al 2015, il numero di segnalazioni è più che raddoppiato, passando da 469 attacchi registrati nel 2015 a 1028 nel 2016. Freemuse ha contato 840 casi di censura e 188 attacchi violenti a musicisti. Tra gli esempi vi sono le morti violente dei musicisti Amjad Sabri in Pakistan e Pascal Treasury Nshimirimana in Burundi, nonché la morte di un quindicenne in Iraq, giustiziato dal cosiddetto Stato Islamico per aver ascoltato musica occidentale.

Il numero più alto di incidenti (30) è stato registrato in Iran. Il Paese è stato il più vistoso dal 2012, quando Freemuse ha iniziato a documentare le minacce. Seguono nell'inglorioso elenco Turchia, Egitto, Nigeria, Cina, Russia, Malesia, Siria, Tanzania e Uzbekistan.

Freemuse è stata fondata nel 1998 in occasione della Conferenza mondiale sulla musica e la censura di Copenaghen. Nel 2009 è stata insignita del Premio IMC per i diritti musicali dal Consiglio musicale dell'UNESCO.

Per saperne di più: freemuse.org
 

Come un ticchettio di pioggia, potenti rulli di tamburo penetrano anche nelle fessure più lontane dell'ampio spazio Toni a ore dodici. Sei giovani percussionisti, posizionati a semicerchio sulla spaziosa scala a cascata, passaggio centrale degli edifici, interpretano il brano di Xenakis Peaux da Pléiades (1978) e lancia un incantesimo anche su chi si trova a passare di lì per caso.

La ricezione dellʼopera musicale di Xenakis e la sua collocazione nellʼambito della Nuova Musica sono state a lungo soggette a diversi stereotipi. Al più tardi dal trattato pubblicato nel 1963 musiques formellesin cui cercava di riassumere le strutture musicali in formule matematiche, è stato spesso considerato prematuramente in termini di parallelismo tra musica e matematica. La prima di Gelato alla metastasi per 61 strumenti, che portò Xenakis alla sua svolta compositiva a Donaueschingen nel 1955. Il punto di partenza del lavoro erano le curve iperboliche, che in seguito costituirono anche la base del Padiglione Philips all'Esposizione Universale di Bruxelles, realizzato insieme a Le Corbusier. Ciò ha consolidato un'altra visione superficiale del suo lavoro, ovvero l'unità tra architettura e composizione.
 

La conferenza di Zurigo del 23/24 febbraio 2017, invece, si è concentrata su un'ampia varietà di prospettive e sulla diversità visionaria delle sue composizioni. Queste si riflettono non da ultimo nelle qualità sensuali, visive e transmediali, oltre che nei riferimenti al mondo e nei titoli associativi delle opere. Utilizzando schizzi finora inesplorati, Benoît Gibson (Evora) ha mostrato come Xenakis sia arrivato alle decisioni compositive in modo giocoso e in più fasi. L'interpretazione delle partiture, spesso ridotta ad aspetti formalizzati, è diametralmente opposta a questa processualità. Jörn Peter Hiekel ha sottolineato che i riferimenti al mondo creato da Xenakis stesso ricevono troppo poca attenzione nelle immagini comuni di Xenakis. Un Gelato alla metastasi ha mostrato, ad esempio, come Xenakis abbia introdotto per la prima volta il concetto di massa nella musica elaborando musicalmente le proprie esperienze biografiche degli sconvolgimenti politici della Seconda Guerra Mondiale.

Utilizzando il leggendario IBM 7090, Xenakis è stato un pioniere delle possibilità offerte dal computer per i processi compositivi già negli anni Sessanta. Da allora, è stato considerato un pioniere tra i compositori basati sul computer. Philippe Kocher, invece, vede il pionierismo di Xenakis non nella formalizzazione matematica o nell'esatta ripetibilità, ma nel suo precoce ricorso a metodi non musicali.

Come si possono tradurre le curve iperboliche tridimensionali nella notazione musicale tradizionale? Le partiture grafiche di Xenakis creano uno spazio aperto di interpretazione attraverso qualità visive multistrato. "Il collegamento tra immaginazione spaziale e musicale è in realtà un processo transdisciplinare", ha affermato Lars Heusser nel suo contributo. Lei ha la fortuna di essere un architetto . Heusser ha illustrato il passaggio dall'ambiguità all'univocità nella traduzione degli schizzi nel rigido corsetto del pentagramma classico con dettagli concreti della partitura.

Con le sue opere transmediali, Xenakis ha anche anticipato le tendenze dell'arte interdisciplinare contemporanea. Ha realizzato la visione di intrecciare suono, spazio e luce per creare dimensioni cosmiche, nello spirito dell'euforia per i viaggi spaziali degli anni Settanta, in diverse opere. Polipi in giro. Come direttore d'orchestra al banco di missaggio, ha diretto produzioni che riempivano la stanza e che combinavano il suono con effetti di luce e laser. Il momento più spettacolare del 1978 è stato Le Diatopecon le prestazioni di La Légende dʼEer, geste de lumière et de son, per l'inaugurazione del Centre Pompidou. "Le Diatope è ormai solo un mito e vive in storie frammentarie raccontate dagli ospiti dello spettacolo", ha detto Nicolas Buzzi e ha tentato un'approssimazione durante il concerto notturno. La prevista realizzazione multimediale non ha potuto avere luogo. L'esperienza sonora è stata ancora più accattivante: dodici altoparlanti hanno circondato il pubblico, che era liberamente distribuito in tutta la sala, creando un effetto di risucchio tale da essere quasi un'esperienza multisensoriale.

Xenakis ha ripetutamente sottolineato l'idea dell'opera musicale come organismo vivente. Al concerto dei solisti, Martina Schucan (violoncello) ed Ermis Theodorakis (pianoforte) hanno dato nuova vita a opere chiave come Kottos per violoncello solo (1977) e Herma per pianoforte solo (1961) prende letteralmente vita grazie alla sua interpretazione virtuosa.

Una visione stereotipata e ristretta della multiforme opera musicale di Xenakis potrebbe essere ridotta allʼassurdità durante la conferenza di Zurigo.
 

Ogni tre anni si tiene un Festival federale di jodel in una località all'interno di una delle cinque sotto-associazioni. Nel 2017 si terrà a Briga. Nel 2020, la rotazione avverrà presso l'Associazione di jodel della Svizzera nordoccidentale NWSJV, che in precedenza aveva designato Basilea come sede dell'evento.

È la prima volta dal 1924 che Basilea ospita questo importante evento tradizionale per le usanze svizzere. All'epoca, si trattava del primo evento nazionale di jodel in Svizzera. La candidatura di Basilea è sostenuta congiuntamente da diversi club di jodel dei cantoni di Basilea Città e Basilea Campagna, nonché dalle associazioni di suonatori di corno alpino e di sbandieratori della Svizzera nordoccidentale.

Durante i tre giorni del festival di Basilea, i partecipanti attivi vengono giudicati da una giuria in vari pub e piazze della città. La domenica pomeriggio si svolgono anche una cerimonia e una grande parata. Sono attesi oltre 150.000 visitatori che per una volta potranno sperimentare le tradizionali usanze svizzere nell'ambiente urbano della città culturale di Basilea.

I promotori del Festival dello Yodel sono già in contatto con gli organizzatori del festival "Summerblues Basel", che si terrà a Kleinbasel il venerdì del Festival svizzero dello Yodel. Entrambe le parti stanno esaminando e cercando possibili sinergie.

A metà febbraio, il Comitato per i media del Consiglio nazionale, guidato dalla sua presidente Nathalie Rickli, ha pubblicato una Movimento ha proposto la soppressione delle radio tematiche della SSR (Radio Swiss Jazz, Radio Swiss Classic, Radio Swiss Pop, Virus, Musikwelle e Option Music).

Le organizzazioni musicali stanno reagendo. Il Sindacato svizzero di musica insieme a Musikschaffenden Schweiz ha pubblicato all'inizio di marzo un comunicato stampa intitolato Chiusura dei canali di interesse speciale: Grandi danni, nessun risparmio. Secondo il comunicato stampa, le radio tematiche "contribuiscono in modo significativo al successo della musica svizzera", poiché le radio tematiche della SSR trasmettono molta più musica svizzera rispetto alle radio private commerciali. Oltre 1,5 milioni di franchi svizzeri di diritti d'autore vengono versati agli artisti locali. Tra i firmatari figurano l'Associazione svizzera degli artisti discografici, l'Associazione svizzera dei musicisti, Helvetiarockt, IndieSuisse, IFPI, la Cooperativa svizzera degli interpreti e il Consiglio svizzero della musica.

Ora Urs Wäckerli (Lebewohlfabrik Zurich), Adrian Keller (Tempo di jazz), Christian Rentsch (autore della petizione e giornalista), Anders Stokholm (iniziatore) e Peewee Windmüller (Jazz'n'more) la petizione online Giù le mani dalle stazioni radio specializzate! che, secondo il sito web, "chiede agli organi responsabili del Parlamento federale di astenersi dal chiudere questi canali di interesse speciale".

Le informazioni sulla petizione e su come firmarla sono disponibili qui:
https://prospartenradio.jimdo.com

La petizione può essere firmata anche direttamente qui:
https://www.petitionen24.com/hande_weg_von_den_spartenradios

Nella stagione 2015/16, la ZKO ha registrato un utilizzo record della capacità produttiva, pari all'82% in media. Dalla stagione 2013/14, questa cifra è aumentata di quasi il 30%, scrive la ZKO. Anche il numero assoluto di visitatori è aumentato: Mentre nella stagione precedente 54.335 persone hanno assistito a un concerto della ZKO, la scorsa stagione la cifra è stata di 61.994.

La ZKO rivendica un ruolo di primo piano nei concerti per famiglie: nelle sue statistiche annuali 2014/15 cita l'organizzazione mantello delle orchestre professionali svizzere, secondo cui la ZKO organizza il maggior numero di concerti per bambini rispetto alle altre orchestre svizzere. Nella stagione 2015/16, nella ZKO-Haus si sono svolti in totale 37 concerti di Nuggi, Krabbel, Purzel e abc per giovani famiglie con bambini da 0 anni in su. Il tasso di occupazione è stato dell'87%.

La ZKO genera sempre più entrate proprie. I ricavi dei biglietti e i contributi dei partner non governativi acquisiti costituiscono una parte sempre più consistente delle entrate totali. Nella stagione 2014/15, la ZKO ha generato da sola il 52,4% delle proprie entrate. Questo dato è stato ulteriormente incrementato al 56,5% nella stagione 2015/16.

Le università sono valutate sia in base alla loro reputazione accademica che alle prospettive di carriera dei loro laureati. Zurigo e Ginevra ottengono lo stesso punteggio per quest'ultimo aspetto, mentre Ginevra ottiene un punteggio leggermente superiore in termini di reputazione accademica. Non sono state fornite motivazioni per i massicci cambiamenti.

L'affidabilità della classifica deve essere trattata con cautela, ma svolge un certo ruolo nella valutazione delle università di tutto il mondo.

L'intero elenco:
https://www.topuniversities.com/university-rankings/university-subject-rankings/2017/performing-arts

Nell'ambito dell'attuazione dell'Agenda culturale 2020, la città di Lucerna intende promuovere e sostenere le industrie creative della città. Secondo il comunicato stampa della città, si tratta di aziende che "fabbricano prodotti orientati al mercato o realizzano progetti che hanno uno sfondo creativo-artistico o sono collegati in questo modo".

Il credito di 100.000 franchi all'anno è destinato a sostenere progetti e iniziative che "favoriscono lo sviluppo di una vivace industria creativa nella città di Lucerna". Secondo la città, non si tratta di una sovvenzione aggiuntiva alla produzione o agli eventi per progetti culturali. I documenti di gara sono disponibili sul sito web www.kultur.stadtluzern.ch accessibile. La scadenza per la presentazione è il 18 maggio 2017.

È stata un'idea di Christoph Müller, uno dei più intraprendenti manager concertistici della Svizzera, quella di lanciare il Concorso di Composizione di Basilea (BCC), un concorso per opere da camera o sinfoniche orchestrali non eseguite della durata massima di 20 minuti. Il BCC è stato organizzato dall'agenzia Artistic Management GmbH di Müller. La Fondazione Paul Sacher di Basilea ha messo a disposizione le sue competenze, ma non ha sostenuto finanziariamente il concorso, che sarebbe stato incompatibile con lo scopo della fondazione. Il concorso non è stato sovvenzionato nemmeno dal settore pubblico, ma è stato finanziato da privati e fondazioni. L'elevato montepremi di 100.000 franchi svizzeri - suddiviso in 60.000 franchi per il primo classificato, 25.000 franchi per il secondo e 15.000 franchi per il terzo - è stato certamente uno dei motivi per cui sono state presentate circa 450 opere, una cifra che ha sorpreso persino gli organizzatori.

Christoph Müller e i suoi colleghi sono riusciti a mettere insieme una giuria di concorso con nomi illustri. Era prevista la partecipazione di Wolfgang Rihm (presidente), Felix Meyer, direttore della Fondazione Paul Sacher, Oliver Knussen, uno dei principali compositori e direttori d'orchestra inglesi, il compositore svizzero Michael Jarrell, professore a Vienna, Matthias Arter, oboista principale dell'Orchestra da Camera di Basilea, e Soyoung Yoon, primo concertatore dell'Orchestra Sinfonica di Basilea. Purtroppo Rihm e Knussen non hanno potuto partecipare a causa di una malattia. All'ultimo momento, un altro importante compositore contemporaneo, l'austriaco Georg Friedrich Haas, che ora lavora a New York, è stato reclutato come membro della giuria, mentre Michael Jarrell ha assunto la presidenza.

Il fatto che un solo compositore, il basilese Andrea Scartazzini, non membro effettivo della giuria, abbia ridotto a 150 le 450 opere presentate alla giuria non è privo di problemi. Sebbene Christoph Müller non nasconda che è il presidente della giuria a definire l'estetica delle opere selezionate e premiate, è sorprendente che nessuna delle opere eseguite nei tre concerti del concorso provenga dagli Stati Uniti, dalla Gran Bretagna, dalla Francia, dalla Finlandia o da un Paese dell'Europa dell'Est, anche se le composizioni di questi Paesi costituiscono una percentuale molto significativa della musica contemporanea eseguita in tutto il mondo.

Ascoltare i concerti nell'ampio foyer del Teatro di Basilea è stata un'esperienza gratificante, anche se faticosa. La città musicale di Basilea può essere orgogliosa di avere due ensemble, l'Orchestra da Camera di Basilea (KOB) e l'Orchestra Sinfonica di Basilea (SOB), in grado di far risuonare anche le più complicate partiture moderne. I due direttori Franck Ollu, che ha provato sette opere con la KOB, e Francesc Prat, che ha provato tre opere con la SOB, hanno svolto un ruolo significativo nell'interpretazione ben preparata dei dieci brani selezionati.

La BCC ha voluto che i compositori fornissero una breve introduzione al loro lavoro, e le descrizioni delle loro opere sono state stampate anche nel libretto informativo del programma. Ancora una volta, però, è emerso che la maggior parte degli autori non è in grado di esprimersi chiaramente sul proprio lavoro e i testi pubblicati spesso non sono privi di umorismo involontario. D'altra parte, è stata un'ottima idea da parte degli organizzatori che il compositore e i compositori abbiano presentato in anticipo alle scolaresche le loro opere, dando presumibilmente ai giovani un approccio particolarmente autentico.

Nell'ultimo evento del concorso, domenica mattina, entrambe le orchestre hanno suonato i tre brani premiati davanti a un pubblico un po' più numeroso. Come sempre, è stato interessante incontrare le opere una seconda volta, anche se non erano necessariamente le composizioni a cui avevo dato maggiori possibilità. Michael Jarrell ha detto alla cerimonia di premiazione che non è stato difficile determinare l'ordine dei primi tre classificati. Il 1° premio del Concorso di Composizione di Basilea è stato vinto dal messicano Víctor Ibarra, nato nel 1978, con In memoriamispirato a un'opera del pittore catalano Antoni Tàpies, nonché alla morte della madre e alla nascita del primo figlio. L'opera espressiva, in cui il compositore "esplora gli opposti che caratterizzano le nostre vite: L'inizio e la fine, la gioia e il dolore, la pienezza e il vuoto, la vita e la morte...", mi sembra, con i suoi multifonici fiati, l'ampio uso di percussioni e i potenti ottoni, un esempio di modernismo mainstream che, con la sua partitura relativamente elaborata, avrà poche possibilità di essere eseguito frequentemente in futuro. Un discorso analogo va fatto per Dopo lo scorso ottobre che ha vinto il 2° premio. È stato scritto da Pasquale Corrado, nato nel sud Italia nel 1979, che, come Ibarra, si è ispirato a un'opera d'arte (la Estasi di santa Cecilia di Raffaello) e fu anche ispirato a comporlo dalla nascita di suo figlio. Il brano è un continuum sonoro piuttosto informe con interessanti suoni di percussione, che si ascolta volentieri senza esserne realmente affascinati. Hannah Hanbiel Choi, compositrice nata nel 1982 a Seoul, Corea del Sud, che ora vive a Berlino, ha vinto il terzo premio. Il suo Nascondino è stato l'unico dei tre brani che ha funzionato ancora meglio nella ripetizione rispetto alla prima esecuzione. Il concetto relativamente semplice di far apparire e scomparire due materiali musicali chiaramente distinguibili e di cambiarli continuamente è reso un vero piacere d'ascolto dalla strumentazione originale, che tiene conto di tutti i gruppi strumentali.

Tra le sette opere che non sono arrivate in finale c'erano due composizioni che avrebbero meritato ulteriori esecuzioni, accanto a pezzi ingenui, ben educati, tediosi o smanettoni. Da un lato Il movimento del tempo del messicano Juan de Dios Magdaleno (*1984), che si è distinto per il suo carattere frammentario, la bella sonorità orchestrale e i suoni sferici alla fine, e Simulacro dello svedese Henrik Denerin (*1978), le cui sonorità artificiali e vitree, la trasparenza e la strumentazione a ventaglio hanno fatto alzare gli ascoltatori in piedi e prendere nota.

Nel complesso, il primo anno del Concorso di composizione di Basilea è stato un successo. A condizione che si riesca a trovare un finanziamento, si prevede di organizzare il concorso ogni due anni. Se riuscirà ad aumentare l'accettazione della musica più recente, avrà sicuramente raggiunto il suo obiettivo.

www.baselcompetition.com