La violinista svizzera Ursula Bagdasarjanz (*1934 a Winterthur) ha eseguito l'integrale delle opere per violino di Othmar Schoeck in numerosi concerti e stazioni radiofoniche in Svizzera e all'estero nel corso della sua carriera. Le tre sonate che Ursula Bagdasarjanz ha sempre eseguito con Gisela Schoeck, figlia del compositore, al pianoforte sono una particolare rarità. Nelle registrazioni in CD qui sotto e nel video seguente con l'Allegretto dal Concerto per violino in si bemolle maggiore op. 21 di Schoeck, le eccezionali interpretazioni sono ancora oggi vivide e tangibili. 

Nel 2013, Ursula Bagdasarjanz è stata premiata con uno "Special Tribute Treasury Show" dalla Stanford University in California per le sue interpretazioni di opere proprie e altrui, tra cui la sua interpretazione del Concerto per violino di Othmar Schoeck.

www.ursula-bagdasarjanz.com
 

Othmar Schoeck: Variazioni Sonata per violino e pianoforte
in re maggiore WoO 22 - Sonata n. 1 per violino e pianoforte
in re maggiore op. 16 - Sonata n. 2 per violino e pianoforte
in Mi Maggiore op. 46.
Ursula Bagdasarjanz, violino - Gisela Schoeck, pianoforte.
VDE-Gallo 1249

Su suggerimento di Christian Busslinger (vedi commento sotto), siamo lieti di pubblicare qui una foto che ritrae le due interpreti Gisela Schoeck (a sinistra) e Ursula Bagdasarjanz a Berlino. La foto è stata scattata nel 1961 in occasione delle registrazioni radiofoniche. Proviene dall'archivio di Ursula Bagdasarjanz. La redazione della SMZ la ringrazia per il permesso di pubblicare questa foto.

Foto: fornita da Ursula Bagdasarjanz

Gisela Schoeck (a sinistra) e Ursula Bagdasarjanz a Berlino nel 1961

Othmar Schoeck: Concerto per violino "Quasi Una Fantasia
per violino e orchestra in si bemolle maggiore op. 21
Francesco d'Avalos, direttore.

Alexander Glasunov: Concerto per violino in la minore op. 82
Ursula Bagdasarjanz, violino - Orchestra della Radio di Lugano,
Leopoldo Casella, direttore.
 

Tre gruppi di artisti provenienti da Germania, Ungheria e Svizzera hanno lavorato ciascuno su un'opera lirica rappresentativa del proprio Paese, ammesso che ne esista una. In assenza di un'opera di questo tipo, gli svizzeri hanno invece scelto l'opera Salmo svizzerola Carta Federale Svizzera e la stessa identità svizzera sono state realizzate teatralmente in modo piuttosto crudo e fisico. Ma prima di tutto.

Distanziato con "Freischütz"

Il Compagnia lirica berlinese Novoflot ha dedicato la prima parte alla "prima opera nazionale tedesca", la Freischütz di Carl Maria von Weber (1786-1826). La storia romantica e cupa del guardaboschi ereditario Kuno, della figlia del guardaboschi Agathe e del cacciatore Max è messa in scena in base alla domanda: Chi di loro vincerà la gara? Tre bambine prendono appunti su schede di scommesse. Un coro di tromboni suona musica rumorosa usando le sordine. Un narratore commenta gli eventi sportivi mentre i cantanti scappano, cantano le loro arie, inciampano e cadono a terra morti.

In seguito, assumono il ruolo di giudici che valutano le prestazioni sportive. Nel frattempo, un elegante giovanotto con il codino, forse un giovane Karl Lagerfeld, allestisce la tipica scenografia tedesca. Un'aquila di peluche. Un bersaglio per freccette con un motivo di nave nordica. Uno stendino, un frigorifero vuoto, una cabina telefonica della Telekom.

In forma ridotta, alternando il canto d'opera alle voci degli attori, i successi popolari della Freischütz Questo è particolarmente accattivante durante un momento con l'insolita combinazione di clarinetto basso e melodica. L'esibizione del coro delle bambine è un grande momento, quando l'intero palcoscenico si riempie improvvisamente di questa moltitudine di corpi di bambine e delle loro voci delicate. Eppure questo Freischütz un po' troppo lungo, troppo statico e spesso troppo impreciso nei tempi e nelle articolazioni. Mentre Ännchen e Agathe si affannano da una parte all'altra del palcoscenico, rovistando nelle borse frigo e cantando cose incomprensibili, ci si sente troppo ricordati dalle solite produzioni d'opera e non ci si rende più conto di trovarsi in uno speciale esperimento di teatro musicale. E cos'è questa storia della nazionalità? La domanda rimane con questo Freischütz stranamente intatto.

Perplesso con Heidi

E ora il Salmo svizzero del gruppo teatrale di Zurigo produzione_di_erbe. Panche da birra sul palco con schede elettorali verdi e rosse. Vasi di fiori con piante da siepe oscurano la vista. I premi della lotteria sono sistemati da qualche parte, gli artisti siedono a un altro tavolo e bevono. Gli svizzeri parlano male l'inglese alle riunioni aziendali, si apprende, e si vergognano di fare così bene, quindi cercano di non attirare l'attenzione. Sullo schermo vengono proiettati filmati pubblicitari della Svizzera e di partiti o persone per cui si potrebbe votare.

Inizia il teatro partecipativo, con una lotteria e la scelta delle donne. Le due donne, Wändy e Sändy, recitano sciocchi sketch. L'impianto sonoro, impostato su un volume eccessivo, rimbomba nelle orecchie e l'energia di questo teatro d'azione semi-improvvisato non vuole proprio saperne di continuare. A un certo punto, tutti gli interpreti pisciano in una grondaia di zinco sul palco. Una delle interpreti si lamenta insistentemente di essere Heidi e di essere tornata da Francoforte dal nonno. Si lascia mungere con una mungitrice e il latte materno viene trasformato in burro, che gli attori si spalmano sul viso. In qualche modo si tratta anche della responsabilità dell'individuo nei confronti della comunità, forse anche di questa situazione teatrale. In tutti questi cliché svizzeri tra Heidi, il piscio e il latte, non c'è molta traccia di un senso di comunità; ha più il sapore della rabbia e del disprezzo di sé. Il pubblico berlinese rimane un po' perplesso.

La produzione del gruppo ungherese Krétakör. Sul palco c'è una recinzione di confine che cade proprio all'inizio, abbattuta dagli interpreti insieme.
I molti giovani di Krétakör, che si definiscono "attivisti" e non artisti di teatro, si occupano dell'opera nel loro spettacolo. Bánk bán* del compositore Ferenc Erkel (1810-1893), che racconta in tre atti l'assassinio della regina Gertrude da parte di nobili ungheresi. Gli interpreti non hanno bisogno di molto per avvicinarsi (e distanziarsi) l'uno dall'altro. Sul palco c'è un pianista con un pianoforte elettrico che suona la musica dell'opera in versione ridotta. Gli interpreti recitano le scene dell'opera adottando semplici costellazioni e pose e recitando i testi in forma abbreviata. Le parti più importanti sono riassunte in inglese per il pubblico tedesco. Sullo sfondo c'è uno schermo video su cui si possono vedere foto storiche, immagini con riferimenti attuali e spezzoni di film.

Basandosi sulla trama dell'opera, gli attivisti tracciano dei paralleli con gli eventi attuali in Ungheria, dagli stupri coperti all'università e dalla disparità di trattamento delle donne all'emarginazione degli stranieri, alla diffidenza verso l'Europa come potenza straniera e alla fomentazione dell'odio attraverso il rafforzamento del tradizionale sentimento nazionale. Krétakör crea una versione molto più bella di un'opera nazionale ambientando una versione per pianoforte di Bánk bán un filmato che mostra i volti di persone molto diverse, di età diverse, dell'Ungheria di oggi. Un mezzo semplice, ma che non manca di avere un effetto toccante e unificante.

Infine, gli attivisti pongono domande al pubblico e, nonostante il caldo in sala e la serata già avanzata, il pubblico inizia gradualmente ad aprirsi a questi giovani e a rispondere alle domande. Cosa fareste se foste il sindaco di questa città. Se gli artisti sono davvero importanti per la società. Se esiste un ingrediente segreto per le comunità e qual è. Gli attivisti di Krétakör pongono le loro domande con rispetto, vulnerabilità e serietà, creando un'atmosfera in cui qualcosa della comunità ricercata diventa tangibile - e della responsabilità dell'individuo. Come una piccola pianta delicata, come un'utopia possibile, lontana da qualsiasi sentimento nazionale.

* Il titolo tedesco dell'opera è: Banus Bánk. Banus è il nome di un ricco signore. Il vice del re ungherese si chiama Bánk nell'opera.

Gli obiettivi e le misure della futura strategia culturale cittadina sono stati discussi con 180 partecipanti della scena culturale bernese in occasione del 2° Forum culturale di Berna. Sulla base dei risultati del forum, la strategia definitiva sarà presentata al Consiglio comunale per l'approvazione in autunno.

Secondo il sondaggio, i temi dell'uso temporaneo e degli spazi, delle autorizzazioni e delle strutture di finanziamento sono di grande interesse per i partecipanti. Comunicazione della città più. La discussione ha anche rivelato che il posto di rilievo dato alla cultura dei bambini e dei giovani nel catalogo delle misure è stato generalmente accolto con favore. Sono state individuate delle lacune nei settori della cultura amatoriale, della costruzione della cultura e del dialogo, della cooperazione e del coordinamento. I partecipanti hanno anche discusso sull'immagine di Berna come città della cultura.

La revisione della base giuridica comporta essenzialmente l'adeguamento della formulazione alla prassi attuale e una regolamentazione definitiva delle competenze finanziarie del dipartimento. Le disposizioni modificate entreranno in vigore il 1° agosto 2016. All'inizio di luglio, inoltre, il dipartimento si trasferirà nell'edificio amministrativo di Effingerstrasse 21.

La musica di Max Reger non è facile da capire. Si muove tra tempi e direzioni estetiche. Anche a cento anni dalla sua morte, il suo status rimane controverso. È quindi ancora più gratificante quando un conoscitore intimo - anche delle difficoltà tecniche di esecuzione delle opere - si propone di aprire il significato speciale del fenomeno Reger. L'organista e teologo Hans-Peter Retzmann ha Uno studio sul pensiero musicale di Reger in cui esplora le caratteristiche essenziali del modo di comporre di Reger e del suo "atteggiamento" musicale. Per farlo, si basa sulle dichiarazioni dello stesso compositore, sopravvissute in un gran numero di lettere, ma soprattutto sulle opere (organistiche) stesse. Basandosi sul concetto di "melodia armonica" dello stesso Reger, Retzmann conia un ulteriore vocabolario con cui si possono riassumere i processi compositivi e gli obiettivi estetici di Reger: linea emancipata, campi espressivi, miniaturizzazione, connessione emotiva interna, cifratura musicale, tecnica delle cellule a mosaico, delimitazione dell'opera. Ulteriori ricerche dovranno dimostrare se questi termini saranno validi anche in futuro. Particolarmente illuminanti sono le osservazioni sulla ricezione di Bach da parte di Reger, sulla sua posizione alternativa nel dibattito tra programma e musica assoluta dell'epoca e sulla fondamentale apertura del linguaggio espressivo musicale di Reger, che non è vincolato dal contenuto.

Data la complessità dell'argomento, c'è il rischio di non assicurare completamente le concettualizzazioni e di confondere il vocabolario una volta acquisito, anziché metterlo in relazione rigorosa. Nemmeno Retzmann è sfuggito a questo pericolo, poiché termini importanti per lui come "disparità" (da p. 51), "cellula parametrica" (da p. 112), "comportamento trasgressivo" e "valenze" (da p. 294), nonché "trasformazione integrale" (da p. 311) non sono sufficientemente motivati o non sono scelti con totale precisione. Forse l'autore voleva anche troppo: i suoi commenti aggiuntivi sulla ricezione della musica di Reger, sulle riflessioni di Albert Schweitzer sulle questioni stilistiche dell'organo e, infine, sull'interpretazione delle opere organistiche vanno al di là delle sue intenzioni e oscurano i suoi risultati e postulati centrali. Ciò che manca al libro è una revisione critica che avrebbe consigliato l'autore sia nella sistemazione dei suoi pensieri sia nella correzione delle carenze linguistiche. Numerosi errori di stampa, formattazione e formulazione danno l'impressione che l'imponente e stimolante studio sia rimasto alla fine una bozza.

Hans-Peter Retzmann, La musica di Max Reger. Eine Studie zu Regers Musikdenken, (=Quellen und Studien zur Musikgeschichte von der Antike bis in die Gegenwart, ed. by Michael von Albrecht and Eliott Antokoletz, vol. 44), 364 p., Fr. 76.00, Peter Lang, Bern et al. 2015

Ho trascorso 14 giorni a leggere questo libro pesante con grande interesse. Con le sue 2066 note e un utilissimo indice di 2400 nomi, batte tutti i precedenti libri di storia del violino. David Schoenbaum (nato nel 1935 a Milwaukee, USA) si è fatto un nome come storico con il proseguimento della sua tesi di laurea a Oxford La rivoluzione bruna: una storia sociale del Terzo ReichÈ stato professore di storia all'Università dell'Iowa fino al 2008. Il violinista dilettante ha scritto questo libro per 20 anni.

I capitoli sulla Liuteria, come un romanzo. Si apprendono notizie sorprendenti sulle origini del violino (anche se Cina e India non vengono menzionate), sul collegamento attraverso i passi alpini e sulle influenze politiche. Vengono svelate verità e leggende sulle famiglie Amati, Stradivari e Guarneri. L'ascesa e la storia sindacale di Mirecourt, la lunga storia di successo di Vuillaume, che fu il primo a inondare il mercato di "Stradivari" economici provenienti dalla sua bottega a causa dell'esplosione della domanda, la storia della liuteria tedesca da Stainer alle fabbriche di Markneukirchen sono descritte in dettaglio, così come quelle del Giappone e della Cina. Lo sviluppo dell'arco e il suo più famoso costruttore sono trattati solo brevemente.

Una sezione di 100 pagine ruota attorno alla Commercio di violini: interessanti contesti storici europei, lo stretto legame tra liutai e commercianti, l'ascesa dei grandi imperi commerciali Hill, Herrmann e delle case d'asta Christie's e Sotheby's con esperti che viaggiano in tutto il mondo, i rapidi aumenti dei prezzi (prima i salari degli artigiani, più tardi le ville servite da paragone), monografie su Bildupp, Fushi & Bein, Machold, anche sulle due commercianti Felicity Foresight e Claire Givens, l'incredibile numero di "Stradi" e le loro inimmaginabili aberrazioni, i crimini, le dispute ereditarie, le cause legali, tra cui il processo Werro "Stradi", rimasto confuso a causa delle dispute tra gli esperti, i progressi nell'autenticazione degli strumenti antichi grazie ai raggi X, all'analisi dei pigmenti e alla dendrocronologia, che hanno portato Wessel a chiedersi se le case d'asta si sarebbero scaldate di fronte a qualcosa che "fa prendere coscienza di quanti falsi hanno probabilmente venduto".

Le 250 pagine sul Suonare il violino iniziate con un elenco di molti violinisti famosi: rimarrete stupiti! In origine, il violino veniva tramandato di padre in figlio, proprio come altri mestieri. Negli Ospedali italiani, gli orfani imparavano a suonare per guadagnarsi da vivere durante le numerose feste religiose e profane. L'insegnamento si è sviluppato dall'insegnamento segreto dei virtuosi attraverso gli orfanotrofi (= conservatori!) agli istituti statali e privati famosi in tutto il mondo. Il passaggio da menestrello fuorilegge a impiegato di corte, ad artista indipendente e con alti guadagni, richiese molto tempo. Sentiamo molte cose nuove su Paganini, Viotti, Auer, Stern e molti altri. I concorsi sono anche politici! Le storie confuse della fondazione delle orchestre sono estremamente emozionanti, compresi i sorprendenti successi delle orchestre giovanili nelle aree svantaggiate. Gli editori e le case discografiche desideravano grandi interpreti e viceversa!

Non c'è molto da leggere sulla pedagogia, ma solo su molti insegnanti universitari di successo. L'insegnamento di gruppo è iniziato a Birkbeck, in Inghilterra, nel 1839. Ci sono resoconti dettagliati su Shinichi Suzuki e Roberta Guaspari, ma non una parola sugli altrettanto grandi successi di Paul Rolland e Sheila Nelson o sulle influenti ASTA ed ESTA (American and European String Teachers Association). Ci sono resoconti di molti successi, difficoltà e tragici destini di artisti; la completezza giustifica il termine "Who's who". L'inclusione tardiva, ma ormai paritaria, delle donne nell'attività orchestrale e solistica è un capitolo importante. Gli elenchi del violino come strumento a tutto tondo in tutti gli stili musicali, nelle arti visive, nella poesia, nella letteratura e nel cinema sono ampi, ma non possono essere esaustivi (mi permetto di aggiungere: Jean Diwo, Les violons du roi; Jaume Cabré, The Silence of the Collector; Mechtild Borrmann, The Violinist). Il libro sarebbe ancora più adatto come opera di consultazione se ci fossero più sottotitoli nell'indice e nelle singole sezioni.

David Schoenbaum Il violino: una storia culturale dello strumento più versatile del mondo, traduzione dall'americano di Angelika Legde, 730 p., Fr. 67.00, Bärenreiter Kassel & Metzler Stuttgart 2015, ISBN 978-3-476-02558-6

Gabriel Fauré, uno dei più famosi compositori francesi della fin de siècle, scrisse principalmente musica vocale, pianistica e da camera. E fu un maestro della "mélodie française".
L'edizione critica dell'Urtext, attualmente in corso di pubblicazione da parte di Peters-Verlag, si è posta l'obiettivo di organizzare i brani del compositore nel modo più affidabile possibile, tenendo conto dei cicli, delle raccolte e dei raggruppamenti e rendendo chiari gli sviluppi stilistici conclusivi all'interno dei brani - il che si sta rivelando ovviamente una sfida editoriale a causa dell'abbondanza e della qualità delle fonti disponibili.

Il risultato è un'edizione accattivante sotto tutti i punti di vista: finora è stato pubblicato un volume di vocalizzi (2013, EP11385) che Fauré compose durante il periodo in cui era direttore del Conservatorio di Parigi per i suoi studenti come esercizi di canto a vista, ma anche come "esercizi di formazione vocale di base per una voce flessibile". 45 vocalizzi sono stati composti tra il 1906 e il 1916 e, sebbene il loro scopo pratico sia evidente, si può spesso percepire la penna del compositore nella melodia e nell'armonia, anche se, a mio parere, la maggior parte dei pezzi non è all'altezza delle composizioni canore eleganti, sicure e accattivanti di Fauré.

Il primo volume delle Canzoni complete, pubblicato nel 2014, contiene 34 canzoni giovanili di Fauré. La raccolta comprende composizioni dal 1861 al 1882 e contiene alcune delle canzoni più note come Al bordo dell'acqua e Dopo un sogno. Il 3° volume è stato pubblicato nel 2015 con 17 canzoni su testi di Verlaine; il 2° volume è previsto per l'autunno 2016. Con riserva, si parla già di un quarto volume nel 2017.

Comune a tutti i volumi è una dettagliata prefazione (trilingue fr/dt/en) con informazioni sulle fonti e sulle procedure editoriali, nonché note sull'edizione e sull'esecuzione e dettagli sulla genesi delle singole opere. I testi delle canzoni sono allegati alle mélodies in traduzione francese, inglese e tedesca. Lo spartito stesso invita a leggere, suonare e cantare: Lo spartito invita a leggere, suonare e cantare: è facile da leggere e da usare, e un commento critico, questa volta solo in inglese, si trova alla fine del libretto.

Tutti i volumi sono disponibili per voce alta e medio-bassa. Le tracce di accompagnamento sono disponibili anche online - un'aggiunta contemporanea e molto utile. Il mio consiglio: un acquisto che vale la pena fare!

Gabriel Fauré, Complete Songs 1: 1861-1882. 34 brani per voce e pianoforte, a cura di Roy Howat e Emily Kilpatrick; voce alta, EP 11391a ; voce media, EP 11391b ; Fr. 33.30 ciascuno, Edition Peters, Lipsia et al. 2014

id., Sämtliche Lieder 3: Verlaine-Vertonungen; voce alta, EP 11393a; voce media, EP 11393b; Fr. 25.90 cad.

A metà degli anni Venti, dalle formazioni del jazz di New Orleans si svilupparono gradualmente le big band, che erano in grado di affascinare il pubblico con il loro suono potente e le cui ricche sfaccettature sonore continuano a ispirare ancora oggi. Per molti batteristi, allora come oggi, il drumming delle big band rappresenta la disciplina suprema del drumset. Protagonisti come Gene Krupa, Buddy Rich e Louie Bellson - solo per citarne alcuni - hanno esercitato un'influenza duratura su questo genere.

L'aiuto didattico Batteria per Big Band di Stephan Genze è pensato per far conoscere ai batteristi la teoria e la pratica del lavoro in una big band. Nella sezione teorica, l'autore spiega i vari componenti di una drum chart, nonché i termini musicali di base e le denominazioni comuni. La preparazione e l'interpretazione di un kick giocano un ruolo importante nella routine di un batterista. Genze spiega come affrontare questo compito in un capitolo speciale, utilizzando esempi di fills annotati. Per inciso, l'autore non include una legenda della notazione della batteria. Conclude la sezione teorica con una breve storia illustrata delle big band.

Sono disponibili sei brani per l'applicazione pratica di quanto appreso: Medium Swing, Latin, Fast Swing, Swing Ballad, Shuffle Blues e Funk. Ogni drum chart è preceduta da un'introduzione di non più di tre pagine. Contiene i groove di base e le sequenze di apprendimento per le singole sezioni dei brani, spiegate anche nel DVD in dotazione. Le drum chart forniscono solo l'essenziale, lasciando all'esecutore sufficiente spazio per l'interpretazione. Le parti di batteria non superano le tre pagine e sono molto facili da leggere. Solo nel brano "Funkissimo" le numerose note di sedicesimo infilate insieme a bandierine tra le pause dello stesso nome tolgono importanza alla struttura altrimenti ordinata.

I brani sono originali di Stephan Genze, che ha registrato in alta qualità con la sua orchestra jazz. Sono disponibili sul CD audio in versione integrale e senza batteria.

Il corso pratico Batteria per Big Band per i principianti e il livello intermedio è adatto sia per lo studio autonomo che per le lezioni. È stato premiato con il premio tedesco Premio per i media educativi "digita 2016" nella categoria "Studio privato, oltre 16 anni".

Stephan Genze, Bigband Drumming, corso pratico con video tutorial per batteristi, bandleader e arrangiatori, libretto con DVD e CD audio, HI-S7151, Fr. 47.90, Helbling, Innsbruck/Esslingen/Bern 2015

"La cosa più bella che possiamo sperimentare è il mistero". Barbara Arens mette questa citazione di Albert Einstein sopra il suo volume del 2015 Piano Misterioso. In effetti, le sue composizioni fanno intuire al lettore che dietro le note lo attende un altro mondo. Titoli latini come Rovine gotiche o Oscura luce Lo portano in epoche e culture lontane e noi guardiamo attraverso i suoni, per così dire, nel nostro mondo fantastico interiore, in cui il passato è ancora presente e le figure delle leggende e delle fiabe esistono in modo molto reale. - Per tutta la sua poesia, tuttavia, la compositrice è riuscita a mantenere i piedi ben saldi sul terreno (pianistico) e a non perdere di vista il suo pubblico di riferimento. Cerca consapevolmente di comporre in modo tecnicamente non complicato, ma incorpora comunque un'ampia varietà di figure pianistiche e musicali di base nei suoi pezzi. I brani sono facili da comprendere in termini di struttura e sono una gradita aggiunta alla letteratura di livello intermedio.

Barbara Arens, Piano Misterioso, 28 pezzi magicamente facili, EB 8883, € 15,90, Breitkopf & Härtel, Wiesbaden 2015

Parallelamente all'ultima edizione completa delle opere organistiche di Bach pubblicata da Breitkopf e Härtel (7 dei 10 volumi pubblicati finora) e alle edizioni aggiornate della New Bach Edition (NBA) di Bärenreiter, negli Stati Uniti viene pubblicata un'ulteriore edizione delle opere organistiche del Cantor di San Tommaso. L'edizione è curata da George B. Stauffer, professore di musicologia presso la Rutgers University e uno dei maggiori studiosi americani di Bach, in qualità di curatore generale e da Christoph Wolff in qualità di curatore consulente. Se nelle vecchie edizioni era deplorevole la mancanza di una relazione critica (Peters) o la sua pubblicazione in volumi separati (NBA), è ancora più piacevole che tutte queste nuove edizioni siano ora dotate di commenti esaurienti che forniscono direttamente agli esecutori preziose informazioni di base sulle opere e sul loro contesto e rendono più trasparenti le decisioni editoriali. Breitkopf fornisce anche diversi Incerta su un CD-ROM allegato.

I tre presenti volumi statunitensi - ne sono previsti 15 - sono caratterizzati da una prefazione estremamente esauriente e dettagliata (purtroppo solo in inglese), che descrive la storia della creazione delle opere e il loro contesto secondo lo stato più recente della ricerca; presentano inoltre numerose pagine in facsimile, alcune a colori, e un rapporto critico completo nell'epilogo, che scompone con precisione la situazione attuale delle fonti e spiega le letture più diverse.

Il volume 1 comprende il Otto piccoli preludi e fughe BWV 553-560, il Esercizio a pedali e le corali del Piccolo libro d'organo opere "pedagogiche" di Bach. È disponibile in due diverse edizioni: 1A con un taglio più storico-scolastico (ad esempio con le varianti di alcuni corali), 1B come edizione pratica con tavole di ornamentazione, movimenti di corali a quattro parti o presentazione "non colorata" delle melodie colorate per soprano, che probabilmente sta diventando sempre più necessaria non solo in America ma anche in questo Paese, poiché i corali utilizzati rischiano di scomparire dalla pratica liturgica e dalla coscienza degli esecutori. Oltre alle sonate per trio, il volume 7 contiene altri movimenti per trio (alcuni dei quali sono disponibili solo presso Breitkopf nel CD-ROM allegato) e una prefazione particolarmente dettagliata, mentre il volume 8 contiene la 3ª parte dell'opera per soprano. Esercizio di pianoforte.

Il testo musicale è chiaro e conciso, con buoni punti di svolta, anche se nelle due edizioni tedesche leggermente più grandi è un po' più "arioso" e stampato in caratteri più grandi con un numero di pagine simile. Un confronto dettagliato rivela diverse piccole deviazioni rispetto alle edizioni precedenti, sebbene queste siano in gran parte le stesse nelle tre nuove edizioni (si basano sulle stesse fonti) o almeno spiegate nei commenti se i curatori hanno optato per letture diverse. Ad esempio, la doppia cadenza con mordente sulla penultima della fuga in mi bemolle maggiore BWV 552, che manca nelle vecchie edizioni bachiane ed è annotata anche per la mano sinistra, e la cui origine Stauffer fa risalire direttamente a una copia manoscritta e corretta a stampa di Bach e di cui fu il primo editore a tenere conto, si trova ora anche nella versione NBA aggiornata, pubblicata successivamente, ma manca in Breitkopf. Interessante è la differenza in BWV 675: Christoph Wolff lo ha annotato su tre pentagrammi per la NBA (con cantus firmus di 4' nel pedale), mentre Stauffer rappresenta la lettura manualiter. Sarà interessante vedere come i curatori tratteranno nei volumi successivi le opere di non chiara attribuzione che non sono ancora state pubblicate, ad esempio per quanto riguarda alcuni preludi corali trasmessi individualmente, per i quali Stauffer sembra aver previsto non meno di cinque volumi, il che suggerisce che molti di questi Incerta saranno probabilmente inclusi nella stampa. Conclusione: l'American Bach Complete Edition completa il panorama delle ultime edizioni di Bach con una variante convincente. E poiché si scoprono continuamente nuove fonti, il capitolo Bach è probabilmente tutt'altro che chiuso!

Johann Sebastian Bach, The Complete Organ Works, ed. George B. Stauffer; Vol. 1 A/B: Pedagogical Works; Vol. 7: Six Trio Sonatas and Micellaneous; Vol. 8: Clavier-Übung III; Wayne Leupold Edition, USA, 48 $ (Vol. 1, 7), 58 $ (Vol. 8).

Edizioni comparate di Breitkopf & Härtel (Sämtliche Orgelwerke, EB 8801 e segg.) e Bärenreiter (Neue Bach-Ausgabe, parzialmente rivista)

L'album di debutto dell'Yves Theiler Trio è stato pubblicato quattro anni fa ed è stato subito eletto album trio dell'anno dai redattori culturali di SRF2. Il ventottenne pianista zurighese racconta che in realtà avrebbe voluto raddoppiare prima, ma un cambio di personale o di strumento ha comportato un ritardo. Al posto del basso elettrico fretless di Valentin Dietrich, ora sentiamo il contrabbasso di Luca Sisera, con cui Theiler suona anche nel gruppo Roofer.

Il suono di questo strumento, unito allo stile fluido e melodico di Sisera, conferisce al suono ritmicamente esplosivo ma cristallino e preciso del trio un calore nuovo, quasi solare. Lo si capisce già dal primo brano del secondo album coprodotto da Radio SRF2 Ballo in un triangolo chiaro. Si chiama Per il basso e inizia con un'introduzione di quasi due minuti, in cui una melodia di basso finemente filata è spinta in avanti da un'insistente nota singola di pianoforte e dalle percussioni, prima che Theiler introduca un groove potente e una melodia labirintica a metà tra l'Africa e Erik Satie.

Il pianista collabora da dieci anni con il percussionista Lukas Mantel. L'intesa telepatica che ne deriva permette al trio di illuminare la complessità estremamente sottile delle composizioni di Theiler - la maggior parte delle quali inizia con un'improvvisazione al solo pianoforte - con una dinamica ritmica che fornisce un forte sostegno emotivo al virtuosismo mozzafiato offerto. Con giovanile giocosità, Theiler si destreggia con tecniche e stili provenienti da tutto il mondo, dall'Eritrea e Ahmad Jamal al post-rock. Tuttavia, non si ha mai la sensazione di avere a che fare con una gazza, perché ogni musicista ha la propria voce e non ha paura di usarla in modo forte e chiaro. Un album pieno di umorismo, energia e curve audaci.

Yves Theiler Trio: Danza in un triangolo. Musiche svizzere MGB Jazz 18

Per molto tempo, Johann Sebastian Bach è stato soggetto a ciò che la birra è ancora oggi: la legge tedesca sulla purezza. Stefan Müller (strumenti a tastiera) e Martin Pirktl (chitarre) non ci fanno caso. E nemmeno alcuni compositori che hanno arricchito le opere di Bach circa 200 anni fa. Ignaz Moscheles (1794-1870) lasciò intatte le fughe, ma aggiunse alcuni passaggi propri a preludi selezionati del compositore. Clavicola ben temperata. Müller e Pirktl estendono i dialoghi della storia trasferendo nel presente i brani di Moscheles "dotati di una parte solistica concertante". Entrambi sono interpreti storicamente informati e hanno riflettuto molto sugli stati d'animo più antichi e sulle questioni di tempo.

I brani di Bach di Ignaz Moscheles sembrano più un'assurda scurrilità storico-musicale, nonostante gli strumenti insoliti - una chitarra Biedermeier e un fortepiano dell'inizio del XIX secolo. Molto più memorabili sono i Cambiamenti canonici dalle Variazioni Goldberg nell'accurato arrangiamento di Josef Rheinberger (1839-1901). Si tratta fondamentalmente di un'orchestrazione, poiché Rheinberger trasferì essenzialmente le variazioni originali a due pianoforti e inserì solo riempimenti cromatici o raddoppi di ottava in alcuni punti. Max Reger apprezzò quello che Rheinberger chiamava "arrangiamento riverente" e pubblicò la raccolta di Rheinberger quasi senza modifiche.

Anche se alcune opere sembrano strane, il CD ha sempre un fascino tonale particolare. Il tono meravigliosamente sottile degli strumenti antichi, il pronunciato senso del suono e la sovranità degli intelligenti interpreti fanno di Bach - ganz leise un serio concorrente di produzioni non meno patinate, che tra l'altro probabilmente non sono nemmeno del tutto nello spirito di Bach.

Secondo il Bachhaus, la prima parte della mostra si concentra sull'ostilità di Lutero nei confronti degli ebrei e sulle sue conseguenze nel luteranesimo. Vengono affrontati l'interesse di Bach per la storia e l'antigiudaismo ebraico e la questione ricorrente se le Passioni di Bach siano antiebraiche.

Una seconda parte è dedicata alle famiglie Itzig e Mendelssohn, nonché a personalità come Joseph Joachim, e alla coltivazione di Bach tra la borghesia ebraica del XIX secolo e al suo significato per la Bach Renaissance. La mostra costituisce anche un'integrazione all'anno tematico 2013 del Decennio della Riforma "Riforma e tolleranza".

Info:
"Lutero, Bach - e gli ebrei": mostra speciale dal 24 giugno al 6 novembre 2016, Bachhaus Eisenach, Frauenplan 21, 99817 Eisenach.
 

Nato a Radebeul, vicino a Dresda, nel 1992, Hermes Helfricht è borsista del Forum dei direttori d'orchestra del Consiglio musicale tedesco. Ha cantato nel Kreuzchor di Dresda per nove anni e ha assistito il Kreuzkantor Roderich Kreile come prefetto del coro dal 2008 al 2010. Ha studiato direzione d'orchestra con Lutz Köhler e Steven Sloane all'Università delle Arti di Berlino.

Hermes Helfricht si è esibito con numerose orchestre europee e ha un repertorio che spazia dal barocco al contemporaneo. In Svizzera è apparso in una produzione dell'Opera del Castello di Haldenstein (Pipistrello) sul podio dell'Orchestra Filarmonica da Camera dei Grigioni. Ha debuttato al Teatro di San Gallo nel febbraio 2016 con "Eugen Onegin".

Hermes Helfricht è direttore assistente della Joven Orquesta Nacional de España dal 2014. Nel 2015 ha diretto l'"Orchestra 1770" presso l'Accademia musicale di Rheinsberg. Nella stagione 2015/2016 è stato impegnato come Kapellmeister al Teatro di Erfurt.

Con il marchio "Telemann 2017", le città vogliono sensibilizzare l'opinione pubblica sul cosmopolita musicale Georg Philipp Telemann con vari formati di eventi. L'obiettivo è anche quello di creare un ponte con l'anniversario della Riforma nel 2017, dato che fu Telemann a riformare la musica della chiesa protestante nel XVIII secolo.

Il 25 giugno 2017 ricorre il 250° anniversario della morte di Telemann. Telemann ha plasmato il repertorio musicale del tardo Barocco e del primo Illuminismo. Seppe adattare e mescolare i numerosi stili musicali del suo tempo e sviluppare il proprio stile personale a partire da essi. Come impresario di concerti, stabilì una vita musicale borghese a Lipsia, Francoforte sul Meno e Amburgo, i cui effetti si sentono ancora oggi. Fu attivo anche come editore e gestì una propria casa editrice.

Per saperne di più: www.telemann2017.eu

Dominika Hens (*1986), residente a Basilea Città, è responsabile di progetti culturali nei settori della letteratura, della musica e dell'istruzione. È membro del Comitato letterario BS/BL e del Comitato musicale BS/BL. Recentemente Dominika Hens ha lavorato come assistente di ricerca presso il Centro nazionale di competenza in ricerca sulla critica dell'immagine dell'Università di Basilea (eikones). Ha anche insegnato regolarmente al Seminario tedesco. In precedenza, ha lavorato in diversi teatri a tre discipline, specializzandosi nel lavoro educativo.

Christoph Gaiser (*1975), attualmente a Berna e residente a Basilea Città dall'autunno, è responsabile dei settori di finanziamento della danza e del teatro e della cultura giovanile nel suo ruolo di responsabile dei progetti culturali. È membro del Comitato per la danza e il teatro della BS/BL ed è responsabile del forfait per la cultura giovanile. Christoph Gaiser ha lavorato di recente presso il Konzert Theater Bern come drammaturgo e direttore di produzione per la danza. In precedenza ha lavorato come drammaturgo per l'opera, il concerto e il balletto presso il Saarländisches Staatstheater, lo Staatstheater Darmstadt e il Badisches Staatstheater Karlsruhe.