Anche il chitarrista e musicologo tedesco Jörg Jewanski non ci è nuovo. Ha scritto nel Giornale musicale svizzero sul progetto "Sound-Colour-Synthesis" dell'Università della Musica di Zurigo (SMZ 5/2005) e, insieme a Natalia Sidler, ha pubblicato il volume di accompagnamento Colore - Luce - Musica. Sinestesia e musica a luce colorata (Peter Lang, Berna 2006). Ora ha scritto un libro sulla chitarra per la casa editrice Bärenreiter, nell'ambito di una nuova serie di ritratti di strumenti. Non c'è quasi nessun altro strumento che si presenti in così tante forme diverse. Tuttavia, Jewanski, che proviene dalla chitarra classica da concerto, riesce a fornire un resoconto breve ma completo della storia, degli esecutori e degli strumenti.

Dal punto di vista stilistico, l'autore distingue tra musica classica, flamenco, blues, jazz, fingerstyle, rock e world music: una categorizzazione notevole che potrebbe essere contestata, ma che funziona abbastanza bene nel contesto della chitarra. Fortunatamente, l'autore resiste alla tentazione di ripercorrere in dettaglio tutte le ramificazioni dello sviluppo di questo strumento o di citare ogni chitarrista ragionevolmente importante. Ha invece il coraggio di stabilire delle priorità, di evidenziare le caratteristiche particolari e di correre il rischio di tralasciare qualcosa che qualcun altro avrebbe potuto considerare più importante. Per fare un piccolo esempio, oltre ai commenti su Soffiare nel vento e La casa del Sol Levante anche molto sul pezzo, che ancora oggi sembra all'avanguardia Saluto a Caudwell di Helmut Lachenmann del 1977.

Numerosi

Le immagini supportano l'accurata presentazione del sottile volume. Piccoli inserti stampati forniscono ulteriori spiegazioni e chi vuole saperne di più su un argomento specifico troverà numerosi consigli su libri, CD e Internet. Il contenuto è completato da interviste ad artisti affermati come Hopkinson Smith e Reinbert Evers e a due costruttori di chitarre. Il libro non ha la pretesa di essere enciclopedico ed è quindi molto piacevole da leggere nonostante la varietà quasi esagerata del testo e la ricchezza di informazioni.

Jörg Jewanski, Chitarra ritratto, cultura, pratica, repertorio, esecutori, 156 p., € 27,95, Bärenreiter, Kassel 2011, ISBN 3-7618-1843-5

Compositori e musicisti hanno iniziato a utilizzare i telefoni cellulari come strumenti musicali già da anni, come Golan Levin in Dialtones: una telesinfonia (2001). Lars Oberhaus e Marcus Zihn hanno condotto esperimenti sonori nell'ambito di progetti scolastici utilizzando lo stesso materiale musicale, suonerie e rumori di tastiera. (Nota 1) I brani musicali risultanti erano principalmente di natura concettuale. (Nota 2) Anche gli istituti di ricerca, soprattutto il CCRMA (Center for Computer Research in Music and Acoustics) dell'Università di Stanford, non hanno tardato a rivolgere la loro attenzione ai dispositivi mobili. In California è stato fondato uno dei primi ensemble, la MoPhO (The Stanford Mobile Phone Orchestra, 2007-2010), in cui scienziati e studenti suonavano musica su smartphone.

Grazie ai processori mobili e ai display di grande formato, gli smartphone stanno diventando dispositivi universali tascabili simili a computer. I sensori integrati consentono di operare tramite schermo multi-touch, GPS o microfono. Un tedesco su tre possiede già uno smartphone. Entro due anni al massimo, i telefoni cellulari senza controllo dello schermo dovrebbero essere in gran parte scomparsi dal mercato. Gli smartphone e i tablet sono ideali come dispositivi di comunicazione, gioco o lettura e, non da ultimo, come strumenti musicali.

La dinamica specifica tra le persone coinvolte è già tangibile, poiché lavorano insieme per trovare nuovi modi creativi di trattare la musica. Finora le applicazioni musicali sono state utilizzate principalmente nel settore hobbistico. Alcuni video su YouTube documentano gli esperimenti di musicisti dilettanti con semplici applicazioni per pianoforte, chitarra o batteria che riproducono solo in modo rudimentale i loro modelli strumentali. Tuttavia, i concetti innovativi e il costante sviluppo delle applicazioni strumentali suscitano sempre più l'interesse di musicisti professionisti come Jordan Rudess. Le applicazioni musicali riprodotte su smartphone e tablet possono talvolta essere ascoltate anche sul palco.

Oltre alle società di software affermate e ai produttori di strumenti musicali (Yamaha o Korg), sono soprattutto i programmatori per hobby a sviluppare app musicali. Queste vengono distribuite tramite gli app store di Apple (iOS), Google (Android) o Microsoft (Windows 8) su Internet. Gli interessati hanno a disposizione un'ampia gamma di strumenti, attualmente oltre 12.000 app musicali per i dispositivi Apple e molte meno, circa 400, per le altre piattaforme. Una base tecnica importante per fare musica con le app come uno strumento è il suono senza ritardi che solo iOS può offrire finora. Sono stati annunciati requisiti corrispondenti per Android e Windows 8, il che significa che ci si può aspettare una gamma più ampia anche per queste piattaforme.

Cosa rende le app così interessanti?
Sebbene la pratica artistica con le app musicali sia ancora agli albori, l'interesse per le applicazioni innovative è alto, come dimostra la popolarità dei relativi video. Ma cosa affascina la gente delle app musicali? I video musicali e i blog ampiamente commentati, come quelli di Palm Sounds, fanno luce su questo aspetto. (Nota 3) Di seguito, faccio riferimento ai commenti sulle due app musicali TavoloTamburo e impattatore.

Con l'app Tamburo da tavolo (Nota4) qualsiasi suono, che si tratti di tamburellare sul piano del tavolo o di battere contro un oggetto metallico, può essere sincronizzato con il dispositivo digitale e collegato a suoni di batteria liberamente selezionabili. In questo modo, è possibile suonare una batteria virtuale senza dover battere sulla superficie del dispositivo stesso. I tamburi suonati in questo modo possono essere ascoltati in cuffia. Questo principio di controllo acustico dei campioni digitali è utilizzato nell'applicazione Impattatore ampliato per includere elementi di sintesi. La possibilità di registrare e campionare suoni e rumori promette un ulteriore potenziale creativo.

Nei commenti al blog, gli utenti esprimono soprattutto il desiderio di sperimentare e la gioia di provare qualcosa di nuovo. Anche se alcuni dubitano dell'effettiva precisione di riproduzione o dell'effettiva utilità di queste app controllate dal suono, sottolineano di sostenere le idee innovative e di essere interessati al loro ulteriore sviluppo. Gli esperti discutono anche i punti di forza e di debolezza di queste app musicali, analizzano brani musicali, fanno confronti con applicazioni precedenti e discutono possibili alternative tecniche.

L'elemento dell'esplorazione e del fai-da-te è il principio guida di tutte le esplorazioni. La musica viene creata in interazione con il mezzo. Gli utenti vogliono essere musicalmente creativi, confrontarsi con sfide gestibili e provare un senso di realizzazione. La sfida principale per gli sviluppatori di app è quindi quella di fornire loro strumenti facili da usare. Il risultato sonoro deve essere di buona qualità e allo stesso tempo divertente. Le app di successo offrono anche la possibilità di integrare il proprio materiale sonoro e di esportare le produzioni musicali per inviarle agli amici o pubblicarle su Internet.

Innovazione anziché imitazione digitale
L'app musicale di maggior successo fino ad oggi è GarageBand per iPadL'applicazione è stata introdotta da Apple in occasione dell'uscita dell'iPad 2 e da allora è stata utilizzata specificamente per scopi promozionali. Dotata di strumenti musicali come la chitarra, la batteria o la tastiera, nonché di un campionatore, di un sequencer e di un'unità di effetti, questa app si caratterizza soprattutto per le sue ampie funzioni. Tuttavia, l'orientamento concettuale degli strumenti offerti ai modelli reali rivela rapidamente dei limiti, ad esempio nelle superfici di riproduzione limitate o nella visualizzazione di processi meccanici come la vibrazione delle corde, che non possono essere sperimentati apticamente. La spiacevole conclusione è che l'app assomiglia a uno strumento reale, ma può fare molto meno. Invece di sviluppare concetti innovativi basati sulle caratteristiche del dispositivo digitale, i programmatori hanno cercato di emulare il suono e la riproduzione degli strumenti originali, una pretesa destinata a fallire. Fare musica con le app musicali non dovrebbe quindi basarsi sull'esperienza con l'app. GarageBand per iPad essere ridotto.

A mio avviso, le tecnologie mobili come gli smartphone e i tablet rappresentano un passo avanti radicale per la pratica musicale. Le difficoltà nel realizzare idee sonore precise e gli ostacoli nell'implementazione di strumenti o stili esecutivi familiari dovrebbero essere visti come un invito a trovare altri modi di controllare il suono e nuovi principi di strutturazione musicale. Quando le caratteristiche e i punti di forza di un nuovo mezzo vengono utilizzati in modo coerente, si creano forme d'arte che non avrebbero potuto essere realizzate con mezzi convenzionali. Una tendenza è che l'uso delle app musicali comporta forme di pratica musicale personalizzate in base alle esigenze e alle capacità personali dell'utente, trasformando gli smartphone in "strumenti d'uso". Combinando in modo flessibile diversi concetti strumentali, aprono all'utente una varietà di applicazioni ludiche e di possibilità di espressione creativa.

Espressione musicale grazie ai sensori
In definitiva, solo una piccola parte delle numerose app musicali disponibili consente di utilizzare la musica in modo creativo. (Nota 5) Ma quali app trasformano smartphone e tablet in strumenti musicali digitali?

Per rispondere a questa domanda, vorrei esaminare più da vicino l'aspetto dell'esperienza fisica nel suonare uno strumento. Il movimento del corpo può avere un ruolo almeno altrettanto importante nel fare musica con i dispositivi digitali mobili che nel fare musica tradizionale. A questo scopo sono necessari dei sensori digitali. Si tratta di componenti tecnici che registrano determinate proprietà fisiche dell'ambiente e le convertono in dati digitali. A seconda della programmazione, le app musicali possono interpretare questi dati in modi diversi e fornire all'utente un feedback sotto forma di evento acustico o di modulazione del suono.
Rispetto ai computer portatili o ai computer, gli smartphone e i tablet hanno un gran numero di sensori integrati. Oltre al controllo dello schermo tramite tocco, il microfono, un sensore di accelerazione su tutti e tre gli assi, una bussola digitale, la fotocamera digitale e un giroscopio che rileva la posizione del dispositivo nello spazio sono adatti per fare musica. In questo modo è possibile incorporare esperienze uditive e visive, nonché attività tattili o gestuali. Per illustrare la funzionalità dei singoli sensori, viene qui presentata una selezione di app musicali specializzate (per iOS):

• Il display multi-touch trova una sofisticata applicazione nell'app Pitch Painter. È possibile creare partiture grafiche con le dita e poi suonarle.
• La fotocamera integrata permette di controllare strumenti musicali virtuali, che possono essere controllati nell'app. AirGuitar viene utilizzato. È possibile suonare l'air guitar ed eseguire vari accordi.
• Il sensore di vibrazione viene spesso utilizzato nelle applicazioni per batteria. In Samplodica I campioni selezionati possono essere controllati con movimenti di agitazione.
• Il giroscopio misura la posizione dello smartphone. L'app GyroSynth trasforma lo smartphone in una sorta di "guanto sonoro" utilizzando il cambiamento di posizione per modulare il suono. Ciò consente di controllare parametri musicali come il volume, l'intonazione o le impostazioni dei filtri con movimenti di rotazione e inclinazione.
• In alcune app musicali, il microfono svolge la funzione di sensore del vento. Il suono viene controllato tramite il volume del respiro sul microfono. L'app Banda Wivi ha 15 strumenti a fiato modulati come tromba, sassofono e clarinetto.
• La bussola digitale viene utilizzata nell'app Parete sonora viene utilizzato per controllare il passo attraverso l'orientamento spaziale.

Alcune app musicali come ThumbJam combinare diversi sensori tra loro. Più sensori vengono utilizzati per controllare consapevolmente i suoni, più l'applicazione diventa musicale. Il controllo intuitivo delle interfacce musicali tramite sensori migliora l'esperienza musicale. Inoltre, la creazione di musica viene resa accessibile a nuovi gruppi target, in particolare a persone senza un background musicale o con limitazioni fisiche.

Dalla "corsa" al disastro

Nella sua presentazione, ha delineato le responsabilità della Confederazione, dei Cantoni e dei Comuni nella concretizzazione dell'articolo costituzionale. Per quanto riguarda l'attuazione del paragrafo 2 sulle lezioni di musica nelle scuole, ha fatto riferimento al lavoro già in corso nelle regioni linguistiche per armonizzare i programmi di studio (Curriculum 21). Pur sottolineando che l'altissima percentuale di voti favorevoli ha avuto un grande peso per i rispettivi gruppi di lavoro, l'oratrice non ha fornito una risposta concreta su come le preoccupazioni dell'articolo costituzionale saranno ora integrate.

I rappresentanti delle associazioni presenti, in primis l'Associazione Svizzera di Musica Scolastica (VSSM), erano tutt'altro che soddisfatti. Hanno sottolineato quanto sia drammaticamente grave la situazione della musica nelle scuole pubbliche in molti luoghi, quanto il tempo stringa e che, al più tardi dopo la votazione, non è più accettabile che la questione venga presa in considerazione nei processi in corso. Hanno inoltre chiesto la creazione di un gruppo di lavoro a livello nazionale su questo tema, in modo che i problemi specifici della mancanza di insegnanti, del riconoscimento dei diplomi e del risparmio delle lezioni possano essere affrontati con il necessario vigore. I piani di studio armonizzati sono solo "stelle nel cielo" prima del 2018, ma sono necessarie misure immediate. Hardmeier ha definito inutile questa "struttura parallela".

Tra gli estremi

Sia Jean-Frédéric Jauslin, direttore dell'Ufficio federale della cultura (UFC), sia Beat Zemp dell'Associazione svizzera degli insegnanti (LCH) hanno assunto una posizione intermedia. Jauslin ha sottolineato che la votazione è avvenuta solo due mesi fa e che i cantoni dovevano avere il tempo di attuare il mandato di finanziamento. Tuttavia, dopo un certo periodo di tempo, ancora da definire, il BAK sarebbe tenuto a rivedere le misure adottate dai cantoni e, se necessario, a richiedere ulteriori misure. Zemp si è detto d'accordo con l'approccio della CDPE in linea di principio, ma ha anche sottolineato che la musica scolastica è un vero disastro. Ha proposto un programma di monitoraggio a livello nazionale per determinare la situazione nei singoli cantoni. Se necessario, tale indagine potrebbe essere utilizzata anche per esercitare una pressione pubblica sui cantoni inadempienti.

Sono invitati a presentare domanda gli operatori culturali di tutti i campi e settori della cultura che risiedono a San Gallo o che vivevano qui ma che attualmente vivono all'estero per motivi di studio.

I gruppi possono essere presi in considerazione se la maggioranza dei membri è residente in città. Le domande vengono valutate dalla Commissione per la promozione culturale. La commissione formula raccomandazioni al Consiglio comunale per l'assegnazione delle borse di lavoro. Le bocciature non sono motivate.

Oltre alla descrizione del progetto che si intende sostenere con la borsa lavoro, è necessario presentare una documentazione contenente informazioni sulla formazione artistica delle persone coinvolte e sui loro lavori precedenti. (Immagini di opere, elenco di mostre, concerti, spettacoli teatrali, pubblicazioni, letture, biografia, premi, residenze in studio, CD, testi, libri, ecc.)

Le domande devono essere presentate al Dipartimento della Cultura, Municipio, 9001 San Gallo, entro il 20 febbraio 2013. Ulteriori informazioni: Madeleine Herzog, responsabile del Dipartimento della cultura, Tel. 071 224 51 60

La presentazione di apertura La musica come arte del tempoè stato creato da Roland Moser tenuto. Ha esordito citando Sant'Agostino che, interrogato sul tempo, ha risposto che sia il passato sotto forma di ricordi che il futuro sotto forma di idee rappresentano un presente onnicomprensivo. Ha poi tracciato un arco che va dal tentativo di tradurre le relazioni tonali in relazioni ritmiche all'analisi del ritmo dei cambiamenti armonici sulla base di un campo di dominanti di 14 battute nell'opera di Beethoven. Sonata in pietra della foresta e ha così dimostrato in modo impressionante la complessità del fenomeno del ritmo.

Nel pomeriggio, il primo argomento è stato tempo rubato sul programma. Jesper Christensen ha utilizzato molte vecchie registrazioni di esecutori della fine del XIX e dell'inizio del XX secolo a confronto con nuove registrazioni per evidenziare le sottigliezze ritmiche e tonali della tradizione interpretativa prima della Prima Guerra Mondiale: crome irregolari, forma agogica delle frasi, prolungamento delle note enfatizzate, ecc. Gli esempi sonori sono stati integrati da numerose descrizioni in testi pratici di esecuzione. È stata citata anche l'Invenzione in mi maggiore di Bach, il cui ritmo può essere inteso come un rubato scritto alla mano destra. È un peccato che non si sia colta l'occasione per mettere in pratica al pianoforte questo importante esempio per gli insegnanti di pianoforte o per provare diverse variazioni.

Nella prossima presentazione Promuovere l'esperienza ritmica al pianoforte da Tobias Schabenberger Sono entrate in gioco considerazioni teoriche e pratiche didattiche. Basandosi sull'etimologia della parola "rit", che significa ordine, legge, ma anche flusso, movimento, ha utilizzato molti esempi tratti dalla letteratura didattica per spiegare che non sono tanto le spiegazioni intellettuali dei valori delle note quanto la consapevolezza fisica e il movimento a promuovere la competenza ritmica degli alunni. Il fatto che lo abbia dimostrato in modo molto fantasioso in due sequenze didattiche con gli allievi è stato molto utile per i partecipanti come ispirazione per l'insegnamento quotidiano.

In termini di rilevanza pratica, la domenica mattina con il tema Percussione corporea una continuazione ideale. Questa volta, dopo una presentazione introduttiva di Andreas Gerber i partecipanti stessi diventano praticanti. Rafforzato da Karin Enz-Gerber Il passo successivo è stato l'apprendimento di schemi ritmici in due gruppi utilizzando i suoni prodotti dal corpo. È stato sorprendente, ma anche divertente, come noi professionisti del pianoforte possiamo raggiungere rapidamente i nostri limiti non appena le sequenze diventano un po' più complesse.

In occasione di questo congresso, il Consiglio Direttivo è riuscito ancora una volta a invitare due giovani laureati del Master in Educazione Musicale a presentare le loro tesi nel "Podium", che è diventato una tradizione. Rebekkah Läuchli è intervenuto sul tema Játekók, aspetti pedagogici della serie di G. Kurtág e  Annette Philipona circa Insegnamento dei termini musicali.

Il tema del ritmo nel jazz non è mancato nel programma del congresso. Andreas Meili è stato in grado di affascinare i partecipanti anche domenica pomeriggio con la sua presentazione accuratamente strutturata, che comprendeva molti esempi sonori. Si è concentrato sui fenomeni ritmici dello "swing" e del "groove" e ha ricordato al pubblico la natura multiforme del fenomeno del tempo rubato con la sottigliezza dei fenomeni presentati.

Da non trascurare è il Assemblea generale Sabato pomeriggio, presso il Brigitte Bernhard si è congedata dalla carica di Presidente dopo 7 anni di mandato. Proposta dal Consiglio Direttivo come suo successore ed eletta dai soci presenti Jean-Jacques Dünki ha assunto la carica di Presidente e ha moderato la discussione finale di domenica nel suo nuovo ruolo.

Sia che abbiate partecipato al congresso dall'inizio alla fine, sia che abbiate scelto solo le ciliegine sulla torta, il congresso ha fornito ispirazione per la vostra pratica artistica e per l'insegnamento.
 

Secondo un comunicato del Montreux Jazz Festival (MJF), Nobs ha dovuto subire un intervento chirurgico all'ospedale universitario CHUV di Losanna in seguito alla caduta. Il 76enne è entrato in coma, dal quale non si è ancora risvegliato.

La continuazione del MJF è garantita. Mathieu Jaton, segretario generale del MJF, ha assunto tutte le responsabilità di Nobs. Nobs ha lasciato la gestione operativa dell'evento nel 2010 a causa di problemi di salute. Tuttavia, è ancora il direttore strategico del festival.

Perché deve essere un termine francese? Perché il corrispondente programma di Master dell'Università delle Arti di Berna (HKB) si chiama da anni "Théâtre Musical"? Se si traduce semplicemente questo termine in tedesco come "Musiktheater", si perde una sfumatura. In francese, spiega Roman Brotbeck, che in passato ha co-iniziato il corso come direttore del Dipartimento di Musica di Berna, "Théâtre Musical" è il termine per il "teatro strumentale" sviluppato da Mauricio Kagel, Dieter Schnebel e altri in Germania; per la teatralizzazione della musica o il teatro musicalizzato. Il termine francese è preferibile non solo perché siamo al confine linguistico nella regione di Berna e molti studenti provengono da paesi francofoni, ma anche perché include la vocale. Alla HKB questo era importante perché il corso di laurea è stato a lungo influenzato dal compositore greco-francese Georges Aperghis: Il suo teatro è fortemente basato su un linguaggio musicalizzato.

Il Teatro intorno alla Muhsiiik è il nome di un festival e simposio ideato da Angela Bürger e Peter Kraut, che si è svolto a metà dicembre presso la HKB e la Dampfzentrale. Il titolo dell'evento, molto stimolante, lascia già intendere la sua vicinanza al linguaggio. Le possibilità del "Théâtre Musical" contemporaneo sono state presentate e discusse con entusiasmo durante il fine settimana. Il musicologo Jean-François Trubert dell'Università di Nizza ha illustrato le innovazioni compositive del "Théâtre Musical" in un quadro storico. Il filosofo berlinese Harry Lehmann, le cui teorie sulla teoria culturale sono attualmente oggetto di un acceso dibattito in Germania, ha sviluppato il concetto di "musica relazionale" in contrasto con la "musica assoluta", che tende a incorporare sempre più materiali e contenuti extra-musicali. Il compositore e regista amburghese Jan Dvorak ha presentato i propri progetti di teatro musicale al confine tra musica classica e pop. La compositrice Cathy van Eck ha presentato brani crossmediali tratti dalla propria opera. E poi c'erano anche Manos Tsangaris e Daniel Ott, due dei compositori di genere più noti a livello internazionale; entrambi assumeranno la direzione della Biennale del Nuovo Teatro Musicale di Monaco di Baviera a partire dal 2016 e probabilmente rinfrescheranno in qualche modo il festival. È emerso chiaramente che il "Théâtre Musical" ha già una lunga storia. E ha i suoi antenati. Tsangaris ha ricordato al pubblico che molti dei classici di Kagel e Schnebel, così come di Cage e Aperghis, fanno riferimento a Beckett come modello - e che è importante allontanarsi da questo. Un'osservazione importante. Come il "Théâtre Musical" possa sfuggire a queste costrizioni è emerso più volte nel corso del fine settimana.

Si è discusso anche della situazione del teatro musicale contemporaneo in Svizzera. Le belle produzioni dell'HKB alla Dampfzentrale hanno dimostrato che esiste un potenziale in tal senso, almeno in termini di formazione. Sotto la direzione di Pierre Sublet, gli studenti hanno messo in scena la loro versione di Europera 2 di Cage del 1987. In essa, è lasciato al caso il modo in cui i pezzi della storia dell'opera europea vengono "composti" di nuovo: Arie, parti orchestrali, costumi, fondali, ecc., dando vita a un affascinante miscuglio tanto divertente quanto perverso. A Berna, l'opera è stata abilmente adattata alle esigenze della scuola: sono state integrate parti di danza e di parlato; sono stati sostituiti i fondali del teatro dell'opera. Inoltre, è stato aggiunto un quarto d'ora in più all'inizio, dando ai diplomati del Théâtre musical un'ulteriore opportunità di esibirsi. Europera 2 è la versione più breve e, per così dire, condensata, in cui la quantità di materiale di Europera 1 viene presentata nella metà del tempo, cioè 45 minuti, che col tempo si traduce in una sovrabbondanza acustica, una poltiglia sonora un po' indifferenziata. Probabilmente ci sarebbero dovute essere un po' più di sfumature - o questo avrebbe contraddetto le intenzioni di Cage?

Roman Brotbeck cucina per il "grande banchetto musicale-culinario Muhsiiik" © Joachim Koerfer

Il fatto che un "Théâtre Musical" possa dispiegare una sensualità completamente diversa è stato dimostrato dal "grande banchetto muhsiiik musicale-culinario". In una variazione della famosa Water Walk di Cage, Roman Brotbeck e lo chef Martin Schöni hanno eseguito una sorta di brillante Cook Walk con variazioni sorprendenti e un risultato altamente convincente in termini di sapore. Infine, i laureati del corso di laurea hanno avuto ancora una volta il loro turno negli intermezzi del pasto comune. La percussionista Françoise Rivalland, docente alla HKB e, tra l'altro, eccellente interprete di Aperghis, aveva provato questi virtuosismi linguistici, spiritosamente vicini al confine tra l'intelligibile e il nonsense. Ancora una volta, la vicinanza del "Théâtre Musical" bernese ad Aperghis è diventata palpabile; forse sarebbe bene svilupparne altre sfaccettature. Ma questo appartiene al futuro di questo genere, che a Berna è praticato ad un livello così alto come in nessun altro luogo.

www.muhsiiik.ch

Immagine sopra: Pezzi di scena della storia dell'opera europea - "Europera 2" di John Cage © Marco Frauchiger

Un'epoca sta per finire: nel 2012, le vendite di CD nel mercato statunitense, che fa tendenza, hanno continuato a crollare con percentuali a due cifre. Per la prima volta, sono state superate dai download via Internet.

Secondo la società di ricerche di mercato Nielsen SoundScan, lo scorso anno il 37% di tutti gli acquisti di album è stato effettuato come download tramite piattaforme come iTunes o Amazon mp3. Ciò rappresenta un aumento del 6% rispetto al 2011.

Al contrario, i precedenti canali principali, i negozi Wal-Mart, Target e Best Buy, sono diventati meno importanti. Hanno venduto solo il 29% degli album in formato CD. Rispetto al 2011, questo rappresenta un forte calo del 31%.

Immagine: derateru / pixelio.de

Alla fine della serata, si sa che Joachim Reiber ama raccontare storie, le racconta in modo poetico, gioca con il linguaggio come un giocoliere con le palline. E nel farlo, dichiara quasi che il soggetto della sua scrittura, la musica, è una questione secondaria.
O meglio. Incontri quando si scrive di musica è il titolo della conferenza che Reiber ha tenuto il 13 dicembre presso l'Istituto di Musicologia dell'Università di Basilea. Si trattava della quarta serata del ciclo di concerti e colloqui Musik & Mensch, organizzato dall'Università per la formazione degli insegnanti della Scuola universitaria professionale della Svizzera nordoccidentale (FHNW). Si rivolge principalmente a insegnanti e studenti di educazione musicale e mira a fornire spunti di riflessione e a sensibilizzare le persone su nuovi temi dell'insegnamento della musica. Tuttavia, scrivere di musica sembra troppo lontano dalla vita scolastica quotidiana: Reiber ha parlato solo a un pubblico ristretto. Ciò non ha impedito che il suo discorso fosse divertente e stimolante. Reiber ha preso in parola il tema principale della serie di quest'anno, Incontro - Dialogo - Relazione, e ha riflettuto su come nascono gli incontri nel suo lavoro, su quali sono le condizioni in cui avviene il dialogo e su quali relazioni a lungo termine possono svilupparsi.

Affari interni
La rivista della Gesellschaft der Musikfreunde di Vienna non solo elenca tutti i concerti che si tengono al Musikverein di Vienna, ma presenta anche importanti ritratti di direttori e solisti, lunghe interviste e saggi sulla storia della musica. La rivista ha già vinto sei premi - nella categoria riviste per i clienti. "Sto vendendo musica con i mezzi del linguaggio?", ha chiesto il caporedattore Reiber nel discorso di elogio dei suoi articoli.
Preferisce parlare di "comunicazione di successo al servizio della musica". Tutto l'orientamento allo scopo su cui dovrebbe basarsi una rivista per i clienti è per lui un anatema. Non importa quanto spesso i giudici lodino la riuscita realizzazione della filosofia aziendale, l'uso appropriato dei media e l'eccezionale fedeltà dei clienti: a quanto pare a Reiber non interessa nulla di tutto ciò. È semplicemente interessato a scrivere.
"Scrivere è una cosa solitaria, fin dall'inizio", dice e continua. Racconta di come, da adolescente, ammirava segretamente il critico musicale della sua città natale, Stoccarda, di come sia stato iniziato alle capacità di servizio del linguaggio dai linguisti durante i suoi studi e di come, l'altro giorno, abbia imparato dai filosofi che il linguaggio può avere anche altro a che fare con esso. Come, ad esempio, i bambini piccoli imparano a parlare, balbettando per la voglia di vivere, brontolando per la frustrazione della vita: parlano per esprimersi.
Reiber scrive anche per esprimersi, per comunicare, non per comunicare qualcosa. Questo è importante per lui e attraversa la serata come un filo conduttore. "Scrivere di musica - la musica è all'esterno? È un oggetto che aspetta di essere tradotto?", si chiede Reiber, rivolgendosi decisamente contro tutti quegli scrittori di libretti di programma, recensori di opere, introduttori, portatori di conoscenza che si pongono al di sopra del lettore con il loro sapere. Lui la vede diversamente: "Entrare in contatto con la musica attraverso la scrittura, cercare un incontro dentro di me, con ciò che la musica scatena in me - una relazione interiore".

Poco rilevante
Per quanto arguta fosse la conferenza di Reiber, per quanto il suo linguaggio fosse degno di essere ascoltato e letto, egli girava anche in tondo. Non sorprende quindi che la successiva discussione con Regina Kuratle sia stata ancora una volta alimentata da una sottigliezza linguistica: analogamente a un compositore che sente dove vuole andare il pezzo, Reiber sente dove vuole andare il testo. La Kuratle, anch'essa musicista e attualmente responsabile del progetto di armonizzazione scolastica per il Dipartimento dell'Educazione di Basilea Città, ha capito che questo significa "aspettare di vedere dove il testo vuole andare", cosa che non può permettersi di fare nella sua professione orientata allo scopo. E già le parole giravano a vuoto: aspettare, ascoltare, dire, intendere...
Nemmeno un'interruzione da parte del pubblico è riuscita a interrompere questa situazione. L'autore ha chiesto quale fosse l'attualità del tema della mediazione, visto che i corsi di laurea che portano il nome di mediazione artistica, mediazione musicale e mediazione culturale stanno spuntando come funghi. Come minimo, segnalano una certa necessità di stabilire un rapporto tra l'arte e il destinatario, anche a causa delle risorse sempre più ridotte per la musica nelle scuole. La questione è stata affrontata anche a livello linguistico e aneddotico: Reiber trova la parola mediazione "terribile", ma ha confermato che il Musikverein di Vienna potrebbe anche mostrare un po' più di curiosità nel provare altre forme di concerto. Dopo gli ampi commenti di Reiber, non c'è stato tempo per una risposta da parte di Regina Kuratle.
Uno scambio con un responsabile della progettazione dei futuri programmi scolastici sarebbe stato molto adatto allo spirito dell'evento. L'obiettivo è raccogliere idee per arricchire le lezioni scolastiche. La serie di concerti e colloqui comprende quindi conferenze sulla musica per uccelli di Olivier Messiaen (con l'ornitologo Stefan Heller e l'organista Tobias Willi), concerti con incontri tra i tradizionali flauti giapponesi shakuhachi e la musica elettronica contemporanea, e a Soletta Mojca Gal e l'ensemble barocco Les Eléments introdurranno la musica e il modo di pensare nel XVIII secolo con opere di François Couperin.

Idee raccolte
Per garantire che le idee non vadano perse nell'attimo fuggente della lezione, è in fase di progettazione un sito web che archivierà le lezioni degli ultimi otto anni e inviterà gli studenti a scambiare idee. I primi contenuti dovrebbero essere disponibili a partire da febbraio 2013.
Forse questa piattaforma renderà più facile realizzare ciò che Markus Cslovjecsek, responsabile della cattedra di educazione musicale della FHNW, voleva effettivamente avviare con la serie: Scoprire come far interessare i giovani alla musica a lungo termine.
Cslovjecsek conduce ricerche in questo settore anche ad altri livelli. Ha co-progettato il giocattolo educativo "Creafon", ad esempio, ma è anche interessato all'integrazione della musica in altre materie. Intendere la musica come materia integrante della scuola, sensibilizzare le persone all'ascolto e alla scrittura di ciò che ascoltano, ad esempio nell'apprendimento delle lingue: altri Paesi sono già più avanti in questo senso. Egli fa riferimento al portfolio musicale europeo, dove è possibile visionare i progetti sulla didattica musicale integrativa.
Possiamo solo sperare che il dialogo non si svolga solo online, ma anche di persona. Altre dieci serate offriranno l'opportunità di farlo nel corso del prossimo anno.

Rivista "Musikfreunde" della Gesellschaft der Musikfreunde di Vienna:
www.musikverein.at

Alla serie:
www.fhnw.ch/ph/kultur-und-sport/musik

Piattaforma in costruzione:
www.musikundmensch.ch
 

Foto: wandersmann - pixelio.de

Lo Swiss Gospel Choir è stato fondato nel 2008. È composto da circa 30 cantanti provenienti da tutta la Svizzera e, come formazione d'élite, appartiene allo zoccolo duro della scena gospel svizzera. Tutte le posizioni chiave della direzione artistica e organizzativa sono occupate da professionisti.

"Il coro gospel svizzero va in Olanda"
Questo motto caratterizza la stagione 2013 e, dopo il successo dei viaggi all'estero degli ultimi anni, il coro si esibirà nella zona di Amsterdam all'inizio di agosto 2013. Oltre alle prove e ai concerti, ci sarà tempo per scambi culturali e per coltivare amicizie. Le prove inizieranno a marzo. Il progetto si concluderà a settembre con concerti in Svizzera.

A metà dicembre, Helvetiarockt, il centro di coordinamento per le musiciste di jazz, pop e rock, è riuscito a ottenere un finanziamento per il mantenimento del database delle musiciste attraverso la piattaforma di crowdfunding Wemakeit. 102 persone hanno donato 14.130 franchi; l'obiettivo era di 14.000 franchi.

Su richiesta del Giornale musicale svizzero Regula Frey, responsabile dell'ufficio Helvetiarockt, ha confermato che questa opera di consultazione online potrà essere ampliata e ottimizzata nel 2013. Tuttavia, il futuro di Helvetiarockt non è sicuro. Come molte altre organizzazioni, Helvetiarockt è alle prese con il fatto che la maggior parte dei donatori sostiene i progetti ma non i costi strutturali. Inoltre, Helvetiarockt viene spesso etichettata come progetto di genere o progetto musicale e quindi spesso non rientra nella griglia delle organizzazioni sostenitrici. "Lavoriamo nel modo più ampio possibile (dalle ragazze che frequentano la scuola di musica ai musicisti esperti)", dice Regula Frey. "Non è facile rimanere così ampi e non perdere la concentrazione. Svolgere tutti i compiti con una posizione 40% è una sfida importante".

www.helvetiarockt.ch
 

Il motto "apprendimento permanente" si applica anche agli insegnanti di musica. Nel 1990, i direttori delle scuole di musica di Nidvaldo hanno concordato all'unanimità che la formazione continua era essenziale per il loro personale docente. Poiché i corsi offerti all'epoca non rispondevano adeguatamente alle esigenze degli insegnanti e delle scuole di musica, organizzarono un primo corso da soli. Alla fine di agosto 1991, i partecipanti hanno dedicato un'intera giornata al tema della pratica. Peter Schwarzenbach, che insieme a Brigitte Bryner ha scritto il libro Üben ist doof (La pratica è stupida), giunto alla settima edizione, è stato assunto come conduttore e relatore del corso.

Dopo il successo di questo primo tentativo, ogni anno sono stati organizzati altri corsi. La collaborazione con le scuole di musica di Obvaldo è iniziata nel 1995 e con la scuola di musica di Uri nel 2008.

L'attuale concetto di formazione si basa su tre pilastri:

• Corsi propri: sono organizzati dalle scuole di musica dei cantoni partecipanti. Sono gratuiti per i partecipanti.
• Corsi di perfezionamento nelle scuole primarie: il programma è disponibile gratuitamente anche per gli insegnanti di musica.
• Corsi di altri fornitori: I contributi sono versati a questi corsi in proporzione al rispettivo carico di lavoro di insegnamento.

Ogni insegnante di musica è libero di organizzare il proprio programma di corsi. Entro due anni sono richiesti quattro giorni di formazione continua. In alcune scuole di musica, questo obbligo è incluso nel contratto di lavoro. Un partecipante riassume così i vantaggi personali: "Anche se poi non metto in pratica nelle mie lezioni ciò che ho sentito e imparato, ricevo sempre ispirazione e idee su come potrei svilupparmi e migliorare". Altri dicono che spesso non c'è abbastanza tempo per mettere in pratica le nuove idee in classe, ma sono comunque grati per gli impulsi ricevuti.

Giornata di formazione saldamente ancorata

La giornata di formazione annuale è diventata una parte fissa e indispensabile del programma di formazione. Viene organizzata dal 1991 e si svolge nella prima settimana di scuola. Poiché la maggior parte delle scuole di musica non inizia le lezioni prima della settimana successiva, questo orario è molto conveniente per la situazione lavorativa degli insegnanti. La giornata è un'adeguata introduzione al nuovo anno scolastico, un "riscaldamento", come lo definisce un partecipante. È molto apprezzata anche perché offre l'opportunità di conoscere i colleghi e di scambiare idee con loro.

Soprattutto nella fase iniziale, sono stati offerti workshop su questioni rilevanti per tutti gli insegnanti e per gruppi tematici molto specifici. Negli ultimi anni, la giornata di formazione è stata per lo più dedicata a un tema specifico, ad esempio: la musica popolare svizzera, Come i bambini imparano a fare musica, Lezioni di musica: cosa pensa il cervello, Dal bambino al giovane adulto - approcci per le lezioni di musica.
È ovvio che molte cose possono essere pensate solo in un giorno e non sono abbastanza interiorizzate. "Purtroppo, almeno per me, si dimentica presto molto di ciò che è stato detto. I documenti spesso giacciono in un cassetto", dice un partecipante. "Bisognerebbe continuare a farlo ogni giorno, proprio come quando ci si esercita! Forse si dovrebbe offrire un corso di revisione ogni pochi mesi su ciascun argomento. Potrebbe trattarsi di una mezza giornata, ad esempio, alla quale gli insegnanti interessati potrebbero partecipare preparati per il rispettivo argomento. Mi piacerebbe anche la possibilità di scegliere un argomento annuale invece della giornata di formazione annuale e di lavorare su di esso durante l'anno (tre o quattro volte) sotto forma di sessioni in piccoli gruppi".
In base alla risposta, si stanno già sviluppando corsi di follow-up e di approfondimento che si svolgeranno nel corso dell'anno scolastico.

Esperienze positive

La stretta collaborazione tra i tre cantoni si è dimostrata molto proficua nel corso degli anni. Il primo grande vantaggio è che è possibile offrire un numero di corsi nettamente superiore a quello che sarebbe possibile offrire se i tre cantoni fossero da soli. Inoltre, non sorprende che tutti i corsi pubblicizzati possano essere tenuti, spesso più di una volta, perché c'è un numero sufficiente di interessati. Ciò significa che - altro punto a favore - le risorse finanziarie disponibili possono essere utilizzate in modo eccellente. Su una spesa annua totale di circa 15.000 franchi, ciascuna delle 14 scuole di musica deve in definitiva dare solo un piccolo contributo.

Nel corso degli anni, il programma di formazione congiunto ha avviato una cooperazione anche ad altri livelli. Ad esempio, ogni due anni viene organizzato il Premio Rotary per la musica nei cantoni di Nidvaldo e Obvaldo. Quando, qualche anno fa, l'Associazione svizzera delle scuole di musica è stata ristrutturata in un'organizzazione ombrello, la creazione di un'associazione regionale comune è stata una questione indiscussa e rapidamente concordata. Infine, la cooperazione ha contribuito a migliorare l'immagine presso le autorità.
Una sfida importante per il gruppo di lavoro è la costante ricerca di nuovi argomenti. Tuttavia, si tratta anche di un compito entusiasmante, che dà vita a continui sviluppi e apre nuovi territori.

Urban Diener
... gestisce la scuola di musica di Stans

Foto: Stefan Möckli
 

Le borse di studio, dotate di 14.000 franchi svizzeri ciascuna, vanno al text performer Michael Fehr (programma di Master of Contemporary Arts Practice) e al collettivo artistico Feld 65 (programma di Bachelor Fine Arts).

La borsa di studio premia i giovani artisti con un eccezionale potenziale artistico e imprenditoriale. Quest'anno sono state presentate 16 candidature dai vari dipartimenti della BUA.