Fino al 1937, i manoscritti appartenevano a Emma Frankenbacher, una cittadina di origine ebraica di cui la Fondazione è riuscita a rintracciare il successore legale in Argentina. La donna fu costretta a vendere i manoscritti nel 1937 e morì a Theresienstadt dopo essere stata deportata nel 1942. Dopo la restituzione, la Klassik Stiftung Weimar ha acquistato i due manoscritti con il sostegno della Cancelleria di Stato della Turingia e della Società degli Amici dell'Archivio Goethe e Schiller. I manoscritti fanno ora legalmente parte della collezione Liszt dell'Archivio Goethe e Schiller.

I manoscritti musicali comprendono una copia della partitura del suo 1° Concerto per pianoforte e orchestra in mi bemolle maggiore, che Liszt revisionò ampiamente. È considerata la versione finale della composizione e servì da modello per l'incisione della prima stampa (Vienna, Haslinger 1857). Il secondo manoscritto - una copia del "Festlied zu Schillers Jubelfeier" - contiene una dedica dello stesso Liszt.

Per saperne di più:
https://blog.klassik-stiftung.de/nur-drei-wochen-ueberlebte-sie-ihre-verschleppung/

Secondo una newsletter dell'Associazione svizzera delle scuole di musica (VMS), gli insegnanti di musica sono stati intervistati in un sottoprogetto nei mesi di agosto e settembre 2020 sull'insegnamento durante la serrata. 1462 insegnanti di musica hanno partecipato al sondaggio.

Le valutazioni iniziali mostrano che solo il 14% delle lezioni di gruppo è stato completamente sostituito da una forma di apprendimento a distanza durante il blocco, il che non sorprende visti i limiti tecnologici dell'interazione (latenza della trasmissione dei dati).

Tuttavia, l'80% delle lezioni individuali per bambini e ragazzi è stato sostituito completamente dall'apprendimento a distanza, il 17% in misura ridotta e solo il 3% delle lezioni si è svolto in misura molto ridotta o non si è svolto affatto.

A sua volta, l'apprendimento a distanza è stato ben accolto dagli studenti. Circa l'80% degli insegnanti di musica ha dichiarato che più di tre quarti degli studenti partecipano regolarmente all'apprendimento a distanza. Secondo gli insegnanti di musica, il 44% degli studenti che seguivano lezioni individuali si esercitava più del solito. Tuttavia, i tempi di esercitazione degli studenti nelle lezioni di gruppo sono stati significativamente più bassi rispetto a prima delle restrizioni legate alla pandemia, a causa dell'elevata cancellazione delle lezioni corrispondenti.

Articolo originale:
https://www.verband-musikschulen.ch/de/newsletter/newsletter_01_2021_Forschung

Con un calo del 31% del fatturato, le industrie culturali e creative sono tra i maggiori perdenti in Europa. Solo il trasporto aereo è stato colpito più duramente. Le arti dello spettacolo (-90%) e la musica (-76%) sono le più colpite; le arti visive, l'architettura, la pubblicità, i libri, la stampa e gli audiovisivi hanno subito un calo tra il 20 e il 40% rispetto al 2019. L'Europa centrale e orientale è stata la più colpita (-36% in Lituania e -44% in Bulgaria ed Estonia).

EY vede tre sfide: In primo luogo, è necessario un massiccio finanziamento pubblico e un sostegno agli investimenti privati nelle imprese culturali e creative. In secondo luogo, la promozione dell'offerta culturale diversificata dell'UE deve essere incentivata da un solido quadro giuridico. In terzo luogo, il potenziale delle industrie culturali e creative deve essere sfruttato per portare avanti la trasformazione sociale ed ecologica dell'Europa.

Link allo studio:
https://www.france-creative.org/wp-content/uploads/2021/01/6_panorama_icc_europe_2021.pdf

Nato a Mosca nel 1978, Fichtenholz è succeduto a Sophie de Lint a Zurigo. In precedenza è stato direttore d'opera al Badisches Staatstheater Karlsruhe e direttore artistico del Karlsruhe International Handel Festival. Slipped Disc presuppone che Fichtenholz non abbia trovato la connessione con i membri più giovani dell'ensemble. 

Il Teatro dell'Opera di Zurigo è attualmente chiuso. A causa della crisi del coronavirus, non ci saranno più spettacoli con pubblico almeno fino alla fine di febbraio 2021. Al contrario, l'Opera sta rendendo disponibili online alcune produzioni, tra cui "I Capuleti e i Montecchi" di Bellini e "Orphée et Euridice" di Gluck.

Articolo originale:
https://slippedisc.com/2021/01/exclusive-zurich-loses-artistic-director/

Sabine Poyé Morel è nata a Tours, in Francia, e ha studiato flauto con Isabelle Ory-Grangeponte e al Conservatorio Nazionale Superiore di Musica di Parigi nella classe di Pierre-Yves Artaud.

Poyé Morel ha vinto i concorsi di flauto di Bucarest e Bayreuth ed è stata premiata al Concorso Internazionale Syrinx di Riva del Garda e Ginevra. È stata membro dell'Orchestre Français des Jeunes sotto la direzione di Marek Janowski e nel 1998 è stata nominata flauto solista dell'Orchestre de l'Opéra national de Lorraine. Dal 2002 è flauto principale dell'Orchestra della Tonhalle di Zurigo.

Quando all'inizio di dicembre è apparso chiaro che i concerti con pubblico non avrebbero potuto avere luogo fino a nuovo avviso, gli organizzatori hanno deciso rapidamente per un livestream. Rimandare non era un'opzione. Nessuno voleva nemmeno sentir parlare di una cancellazione, perché avrebbe reso vani mesi di intenso lavoro di preparazione. "La musica deve esserci", ha sottolineato il direttore artistico Michal Lewkowicz, richiedendo una grande flessibilità al team organizzativo e agli artisti con un breve preavviso. Naturalmente, il programma previsto non poteva essere realizzato in maniera individuale. Molti musicisti non hanno potuto viaggiare a causa delle norme sulla quarantena o di malattie. Dei sette concerti e dei due spettacoli per famiglie, sono rimasti quattro concerti, tutti svolti il 24 gennaio, e la discussione con il pubblico è stata rimandata. I programmi dovettero essere riorganizzati e alcune opere di Dvořák, Janáček, Martinů, Ullmann, Pavel Haas, Gideon Klein, Marcelo Nisinman e Krištof Mařatka dovettero essere cancellate del tutto. Le nuove aggiunte di Osvaldo Golijov al programma sono Ninna nanna e Doina per flauto, clarinetto, violino, viola, violoncello e contrabbasso - un valido riascolto di questo originale compositore, il cui I sogni e le preghiere di Isacco il ciecoper clarinetto e quartetto d'archi (Festival 2015) e il ciclo di canzoni Ayre(prima in CH, festival 2018) sono ancora vividamente ricordate. C'era anche la Sonata per violino e pianoforte di Janáček, che è stata uno dei punti salienti del festival nell'interpretazione di Ilya Gringolts e Benedek Horváth.

La regia dell'immagine era uno dei punti di forza della trasmissione. Anche la qualità del suono era impeccabile, ma c'era una strana sensazione di sterilità e artificiosità, probabilmente dovuta alla mancanza di rumori ambientali. Sarebbe stato bello fare a meno degli inchini forzati alla fine delle esibizioni. Chi scrive è stato infastidito dai frequenti "inceppamenti di caricamento" causati da un internet sovraccarico, che hanno ridotto notevolmente il piacere dell'ascolto (è consigliabile ascoltare i concerti in un secondo momento, che di solito allevia il problema).

Nonostante tutto, il festival ha tenuto fede al suo principio di offrire un programma vario e accessibile a tutti, anche in queste condizioni difficili. O come dice Michal Lewkowicz: "Ci sono persone che vengono ai concerti perché amano ascoltare la grande musica; altre perché amano ascoltare i grandi artisti. Poi ci sono persone che sono veramente interessate a questi temi principali. Io voglio offrire tutto questo". Il festival non si limita alle opere ebraiche. Il programma attuale include naturalmente i compositori cechi Janáček e Dvořák. Non ci sono nemmeno paraocchi stilistici o cronologici. Ciò che viene suonato è ciò che appartiene al tema e soddisfa elevati standard qualitativi.

Il presentatore Moritz Weber è stato in grado di annunciare alcuni nuovi artisti e molti altri già conosciuti nei festival precedenti e di presentare molto materiale informativo.

Menachem Wiesenberg suggerisce nel suo Suite Klezmer un ponte tra il folk klezmer e la musica classica. La prima mondiale della nuova versione per clarinetto, viola, contrabbasso e pianoforte è stata eseguita sotto la direzione dello stupendo clarinettista Chen Halevi. Nelle tre canzoni yiddish di Viktor Ullmann, composte nel 1944 nel campo di concentramento di Theresienstadt, il soprano Aurea Marston è riuscita in modo impressionante a mettere la sua voce voluminosa al servizio delle canzoni popolari e allo stesso tempo a combinarle con profondità emotiva. Cornelia Lenzin ha conferito al suo accompagnamento un profilo sensibile. Le due musiciste hanno lasciato un'impressione duratura anche nelle due complesse canzoni dello scrittore e musicista Max Brod, Morte e paradiso basato su testi dell'amico Franz Kafka, ha suscitato una forte impressione. La vincitrice del secondo concorso di composizione, Eleni Ralli, ha abbozzato una 5 Scene misteriose per violino solo Tipi di carattere nel campo della tensione tra stabilità e instabilità. Ilya Gringolts ha dispiegato uno spettro sonoro altamente differenziato. Il Concertino per flauto (Matvey Demin), viola (Silvia Simionescu) e contrabbasso (Ute Grewel) di Erwin Schulhoff si è trasformato in un virtuoso e vivace spettacolo pirotecnico. Per l'esecuzione del brano di Antonín Dvořák Notturno Ilya Gringolts ha portato sul palco alcuni dei suoi studenti - la promozione dei giovani talenti fa parte del concetto del festival.

Ultimo ma non meno importante, il programma prevedeva un raffinato concerto jazz. Il Vein Trio di Basilea ha combinato le sonorità boeme con il proprio linguaggio musicale personale. Temi, ad esempio dalla Nona Sinfonia di Dvořák e dal pezzo per pianoforte Pensée fugitive di Smetana, nonché dalla Bohemian Rhapsody del gruppo rock Queen, sono stati citati, trasferiti in armonie jazz e variati in abili improvvisazioni.

Mizmorim ha sfidato il coronavirus nel 2021 e si spera che torni in forma analogica tra un anno. I concerti sono disponibili fino al 27 gennaio su www.mizmorimfestival.com da ascoltare.

Secondo il comunicato stampa del Consiglio federale, i rappresentanti del settore culturale hanno potuto informare il capo del DFI sui problemi specifici del settore. Sono state inoltre discusse le misure economiche generali per attutire le conseguenze economiche della pandemia, di cui dispone anche il settore culturale. Oltre all'Ufficio federale della cultura (UFC) e alla Fondazione culturale Pro Helvetia, erano presenti alla discussione anche l'Ufficio federale della sanità pubblica (UFSP), l'Ufficio federale delle assicurazioni sociali (UFAS) e la Segreteria di Stato dell'economia (SECO).

Nell'ultima revisione della Legge Covid-19 del dicembre 2020, lo strumento del risarcimento dei danni, inizialmente limitato alle imprese culturali, è stato esteso ai professionisti della cultura. Allo stesso tempo, sono stati aumentati i limiti di reddito e di patrimonio entro i quali i professionisti della cultura hanno diritto agli aiuti di emergenza. L'estensione dell'indennità per lavoro ridotto ai contratti di lavoro a tempo determinato è un'altra misura particolarmente importante per il settore culturale.

Secondo il Consiglio federale, purtroppo al momento non è possibile dare una prospettiva vincolante sulla riapertura delle istituzioni culturali o sulla riautorizzazione di eventi culturali. Una riapertura graduale dipenderebbe da numerose variabili, come i progressi nella copertura vaccinale, la diffusione delle nuove mutazioni di Covid e il rispetto delle misure sanitarie. Il Consiglio federale valuta costantemente la situazione epidemiologica. Se nei prossimi mesi sarà possibile allentare le restrizioni, ciò avverrà probabilmente per gradi e a seconda del tipo e delle dimensioni dell'evento.

Il Consiglio federale ha messo a disposizione 280 milioni di franchi per finanziare il pacchetto di misure volte ad attenuare l'impatto economico sul settore culturale nel 2020. Il 25 settembre, il Parlamento ha approvato la continuazione delle misure previste dalla legge COVID-19 e ha stanziato fondi per 130 milioni di franchi per il 2021.

Articolo originale:
https://www.admin.ch/gov/de/start/dokumentation/medienmitteilungen.msg-id-82101.html

Secondo il Consiglio musicale tedesco, il nuovo blocco dall'inizio di novembre 2020 ha portato a un blocco dell'industria musicale, in parte dovuto al divieto di fatto di lavorare per numerosi operatori del settore. Dopo che l'aiuto ponte annunciato dal governo federale aveva inizialmente escluso gran parte dell'industria musicale professionale e in particolare i freelance solisti a causa delle rigide norme di applicazione, il governo federale ha ora annunciato dei miglioramenti.

Ciò include il raddoppio dell'indennità forfettaria di esercizio per i freelance solisti nell'ambito del nuovo aiuto all'avviamento al 50% del loro fatturato di riferimento per il 2019, come richiesto anche dal Consiglio tedesco per la musica. Tuttavia, la complessa procedura di richiesta e i ritardi nei pagamenti rimangono problematici. Dei 15 miliardi di euro di aiuti economici stimati, finora sono stati erogati solo 1,2 miliardi di euro.

I criteri per gli aiuti ponte II sono stati modificati retroattivamente a scapito di molte aziende, poiché nella versione originale non si era tenuto sufficientemente conto della normativa sugli aiuti di Stato dell'UE. Per le grandi imprese potrebbero esserci anche rettifiche successive per gli aiuti di novembre e dicembre. Queste modifiche retroattive ai regolamenti di applicazione significano che alcune aziende rischiano di dover pagare ingenti rimborsi.

Esther Roth è nata a Zurigo nel 1953 e oggi vive a Gontenschwil. Si è fatta un nome non solo come musicista e compositrice, ma anche come interprete, pittrice e stilista. Secondo il comunicato stampa, la sua composizione dal semplice titolo "Quartetto d'archi" ha colpito la giuria "per il suo linguaggio personale e l'alto livello di maestria". L'equilibrio creato tra l'idea compositiva, il riferimento a Beethoven, la forma scelta e il suo sviluppo sono stati espressi "con delicata e sobria poesia".

La giuria era composta da Michael Jarrell, Beat Furrer e Giorgio Battistelli. Oltre al lavoro della Roth, hanno giudicato particolarmente degna di nota la composizione "Beethoven for ever" del compositore e direttore d'orchestra Michel Tabachnik. L'opera di Esther Roth sarà eseguita in prima assoluta dal Quartetto Sine Nomine in occasione del concerto della SPB il 9 maggio 2021 alle 17.00 nella Chiesa di Pasquart.
 

Esistono numerose registrazioni radiofoniche di Ursula Bagdasarjanz degli anni Sessanta. È stata "una delle migliori violiniste del suo tempo in Svizzera" e "non ha avuto bisogno di sottrarsi al confronto con la concorrenza internazionale dell'epoca. Ha inoltre reso servizi eccezionali al patrimonio contemporaneo svizzero e ha lasciato due notevoli libri di testo sulla tecnica violinistica". (SMZ 10/2006, P. 44) 

Nel 2006, alcune di queste registrazioni radiofoniche sono state pubblicate su quattro CD dall'Associazione dei musicisti svizzeri di Dübendorf (VSM). L'associazione, che si batteva per la promozione di musicisti sconosciuti, è stata sciolta nel 2008..

VDE Gallo ha pubblicato queste registrazioni anche nel 2008. Queste includono le registrazioni di riferimento di Bagdasarjanz delle composizioni per violino di Othmar Schoeck. Un altro CD è stato aggiunto nel 2011. Include le sue Sept poésies pour Violon et Piano può essere ascoltato. In seguito la violinista è stata premiata più volte da Radio SRF e soprattutto in America, come documentato sul suo sito web.
Recentemente, il Sept poésies al patrimonio della Biblioteca dell'Università del Missouri-Kansas City. Tramite la piattaforma Una luce: la musica del XXI secolo di compositori sottorappresentati pubblicato Breve ritratto del violinista è possibile ascoltare i brani, visualizzare una pagina di spartiti e - probabilmente particolarmente adatto agli appassionati di musica americana - prendere in prestito gli spartiti.

Su Una luce che illumina la biblioteca presenta compositori meno noti e la loro musica del XXI secolo.

I cosiddetti concept album raramente hanno successo. Spesso soffocano sotto la zavorra delle ambizioni di artisti che soffrono di un'idea inflazionata della profondità delle loro intuizioni. Ma ci sono delle eccezioni e questo concept album multimediale sul tema "Neuhausen am Rheinfall" è un'eccezione particolarmente bella. Il progetto è nato dall'idea di una collaborazione casuale tra due frequentatori abituali del club musicale TapTab di Sciaffusa, vale a dire Jürg Odermatt del gruppo chitarristico Papst & Abstinenzler e David Moore alias electronica tinkerers Kneubühler and Herr Mehr. Il risultato è un'affascinante testimonianza di un rapporto di amore-odio con la crescita in provincia sotto forma di "pacchetto", che include non solo una registrazione sonora, ma anche un libretto con musica, testi, foto, collage e disegni degli amici artisti.

Da raffinato paroliere (tedesco di Sciaffusa), Odermatt è interessato ai dettagli di passaggio, come ad esempio il percorso del filobus locale che inizia in un cimitero e finisce in un altro - e che la discoteca dove lui stesso ha mosso i primi passi di danza si chiamava Terminus. Altri brani sono dedicati a un ponte di ferro o all'ultimo uomo impiccato sulla forca della collina, oppure all'Hotel Schweizerhof, dove un tempo soggiornava l'imperatrice Sissi. I suoni che accompagnano queste descrizioni sono laconici e delicatamente ironici come il titolo del progetto. Si tratta di collage sonori cinematografici, guidati da beat e bassi, che occasionalmente presentano anche un feroce groove da discoteca o una melodia orecchiabile (Filobus, Chaltfront). Le immagini, in parte documentarie e in parte metaforiche, approfondiscono la comprensione del tema - e del saggio di Odermatt L'infanzia nell'entroterra è la ciliegina sulla torta di una coupé davvero deliziosa.

Non è insolito che una scuola di chitarra introduca prima le note con il tocco del pollice. Caratteristiche del lavoro didattico Suonare la chitarra - Giochi di chitarra è che il pollice è sempre posizionato sulla corda successiva quando si suona, cioè si suona apoyando. La scuola di Frank Hill, rivista e autopubblicata, è caratterizzata da una grande quantità di materiale basato su questa idea di base. Dopo molte melodie suonate sulle corde più basse, compaiono anche l'indice, il medio e l'anulare della mano destra, inizialmente solo in combinazione con il pollice. Rimane stranamente poco chiaro dove inizi la pennata alternata tra indice e medio. Il fatto che non ci siano praticamente diteggiature contribuisce a una partitura dignitosa. Numerosi brani con accompagnamento scritto possono essere eseguiti anche come musica da camera e completano il primo volume.

Il volume II, pubblicato nello stesso periodo, offre un'ulteriore ricca selezione di brani attraenti con oltre 200 numeri ed è ideale anche per l'insegnamento da parte di insegnanti che non condividono la concezione tecnica dell'autore. L'ambizioso libro di testo in sette volumi si compone ora di una terza parte. Il sottotitolo è "Musica per ogni occasione - Solo".

Il corso è molto più commerciabile Oggi abbiamo toccato le corde! per bambini dai 6 anni in su di Norbert Roschauer. Chiunque apra il nuovo libro di giochi supplementare e dia un'occhiata più da vicino alle canzoni e ai pezzi rimarrà piacevolmente sorpreso. Apoyando o no? - Non è il caso di affrontare questo argomento in questa sede. Tuttavia, i brani sono chiaramente impostati, con chiare indicazioni del ritmo di accompagnamento e degli schemi di pizzicamento. Si va dalle melodie popolari tradizionali tedesche e dai canti natalizi alle canzoni folk, gospel e rock. Tuttavia, chi è alla ricerca di letteratura per chitarra classica troverà di meglio in altri libretti.

Frank Hill: Gitarrespielen - Gitarrenspiele, nuova versione con disegni di David Marian, 2 volumi, € 24,80 ciascuno, Musica Longa, Berlino

Norbert Roschauer: Oggi si suona con le corde! Playbook per il metodo bestseller, libro, CD e file online, n. art. 20278G, € 19,95, Alfred Music, Colonia

Grazie alla collezione d'arte di alto livello di Römerholz, di proprietà di Oskar Reinhart (1885-1965), originario di Winterthur, "Reinhart" è ancora un nome che risuona in tutta la Svizzera. Il fatto che suo fratello Werner (1884-1951) abbia raggiunto risultati altrettanto significativi nel campo della musica è ormai noto soprattutto agli addetti ai lavori. Werner Reinhart fu più attivo sullo sfondo, sostenendo il Musikkollegium Winterthur e portando a Eulachstadt l'importante direttore d'orchestra Hermann Scherchen. Grazie a loro, l'orchestra divenne un centro europeo per la musica contemporanea tra il 1923 e il 1951.

Reinhart era un eccellente clarinettista dilettante che aveva una predisposizione per la nuova musica e la poneva al centro del suo lavoro. Tuttavia, il suo impegno era discreto e il suo coinvolgimento finanziario nelle esecuzioni spesso non veniva nemmeno menzionato. Grazie al lavoro standard di Peter Sulzer 10 compositori intorno a Werner Reinhart (volume I, 1979; volume II, 1980), è noto da tempo che egli, come Paul Sacher a Basilea, sostenne e rafforzò a lungo termine alcuni compositori selezionati a Winterthur. Tra questi, Stravinsky, Krenek e Honegger, ma anche Hindemith e Richard Strauss. Strauss in particolare, che era "associato" al regime hitleriano, diede ripetutamente adito a speculazioni in relazione a Reinhart. Si diceva molto, ma non si sapeva nulla di più.

Ora sono stati aperti gli archivi del Musikkollegium, compresi quelli privati di Reinhart; la musicologa Ulrike Thiele ha potuto consultarli e scrivere la sua tesi di laurea. Il risultato è stato pubblicato da Bärenreiter. L'entusiasmo era grande, ma alcune aspettative non sono state soddisfatte. Il resoconto della Thiele è ricco di sfumature e sempre equilibrato. Questo vale, ad esempio, per i rapporti di Reinhart con gli spettacoli di musica da camera di Donaueschingen, che furono messi in regola dopo il 1933 e che egli frequentava e sosteneva ancora nel 1938.

La valutazione di Thiele del famoso caso dell'opportunista Wilhelm Furtwängler, che diresse a Winterthur nel febbraio 1945 nonostante le accese proteste, come «dimostrazione di una posizione politico-musicale», «che si basa sull'idea di una rigida separazione tra arte e politica», lascia un po' perplessi. Lo stesso vale per la valutazione della gestione di Richard Strauss da parte di Reinhart.

D'altra parte, ci rallegriamo di mecenatismi prima sconosciuti, come il fatto che l'esecuzione di De Falla di Lo spettacolo di marionette del maestro Pedro al Teatro delle Marionette di Zurigo nel 1926 è stato reso possibile da Reinhart. O quanto abbia sostenuto Clara Haskil per molti anni, sia idealmente che materialmente, assicurandole così la sopravvivenza. Nel complesso, la tesi di Thiele contiene una grande quantità di informazioni e fonti sulla storia della musica in Svizzera nel XX secolo.

Ulrike Thiele: Mecenate e mentore. Werner Reinhart come pioniere del modernismo musicale, Schweizer Beiträge zur Musikforschung, vol. 27, 332 p., € 39,95, Bärenreiter, Kassel 2019, ISBN 978-3-7618-7201-7

Esistono molti libri specializzati per organisti e amanti dell'organo. Ma finora nessuno che parta dal Medioevo e arrivi fino a J. S. Bach. Ora ne ha scritto uno Matthias Schneider, docente all'Università di Greifswald e direttore dei relativi corsi estivi di vacanza. In un secondo volume, il libro proseguirà fino al XX secolo. Dopo un'introduzione sulla notazione, le diteggiature storiche, ecc: Medioevo-Rinascimento, intavolature d'organo della Germania settentrionale, musica italiana, Sweelinck e i suoi allievi, Samuel Scheidt, Dieterich Buxtehude, musica d'organo della Germania meridionale, iberica e francese, e infine Bach.

Si raccomanda a tutti gli utenti del libro di utilizzarlo come opera di riferimento. Leggete il compositore su cui state lavorando. Un vantaggio del metodo di Schneider è che scrive in modo approfondito su alcune opere selezionate. Ciò che si impara qui può essere applicato ad altre opere dello stesso genere.

Buxtehude è una delle specialità di Schneider; è uno dei due redattori della rivista annuale Studi di Buxtehude. Qui discute il compositore in 27 pagine.
Buxtehude non usava ancora la nostra notazione musicale, ma le lettere (la cosiddetta notazione in intavolatura). Non è sopravvissuto un solo autografo. La situazione del tutto insoddisfacente delle fonti ha portato editori di musica validi e non autorizzati a raggiungere risultati molto diversi. Tra quelli non autorizzati, Klaus Beckmann si distingue negativamente per la sua cosiddetta "critica testuale interna". Schneider omette di mettere in guardia da queste edizioni; i problemi possono essere facilmente riconosciuti, ad esempio, confrontandole con l'ultima e migliore edizione di Michael Belotti (anche se queste ultime sono estremamente costose).

La forma non corale nord-tedesca più comune è chiamata toccata o preludio (ma non preludio e fuga, come in seguito accadrà a Bach e ai suoi contemporanei). Consiste in una serie di sezioni libere e fugate alternate. Schneider analizza in modo approfondito un singolo esempio in quasi cinque pagine, la Toccata in re BuxWV 155, per quanto riguarda la segnatura del tempo (la notazione in intavolatura non presenta linee di battuta), la distribuzione tra pedale (raramente etichettato Ped.) e manuale e tra le due mani, la separazione articolatoria dei motivi, la libertà del superlegato e la libertà di inserire ornamenti di vario tipo. La scelta delle registrazioni e dei cambi manuali è una questione di interpretazione. Se e in quale forma le parti organo pleno è appropriato. Le orecchie del pubblico non devono essere affaticate da strumenti dell'epoca del "movimento organistico", che spesso suonano in modo eccessivamente acuto e forte.

All'epoca di Buxtehude, dei suoi predecessori e successori, tali forme erano generalmente improvvisate nelle funzioni religiose e nella musica serale. Le composizioni scritte sono quindi solo dei modelli? L'aspetto più interessante del resoconto di Schneider è l'ampia gamma di libertà. Da ciò si evince che egli non solo è corretto nella sua presentazione musicologica, ma attinge anche alla sua esperienza di direttore di corsi.

Schneider presenta esempi di tre forme di ostinato e parti di ostinato di toccate per la discussione. Le opere corali ricevono un trattamento altrettanto libero. - Schneider descrive l'organo principale di Buxtehude nella chiesa di Santa Maria a Lubecca, costruito nel 1518 e naturalmente accordato su un tono medio, ampliato nel 1561 e nel 1598. Il famoso organaro Friederich Stellwagen lavorò indipendentemente a Lubecca dal 1634. La sua ricostruzione della chiesa di Santa Maria durò fino al 1641. Presumibilmente nel 1684, cioè durante il periodo di Buxtehude, l'organo fu dotato di un'accordatura di compromesso nello stile di Werckmeister III. In questo modo è stato possibile creare chiavi con molte accidentali. Questo aiuta a datare intere composizioni (ad esempio il Preludio in fa diesis minore BuxWV 146) o parti di esse (Preludio in do maggiore BuxWV 137 con triadi in si maggiore).

Per le diteggiature storiche è necessario tenere conto delle seguenti limitazioni: ae voci per mano, sezioni di scala ascendente e discendente, tasti con scarso utilizzo dei tasti superiori. Inoltre, non si applicano a più voci polifoniche per mano. Va inoltre ricordato che tutto l'insegnamento degli strumenti a tastiera avveniva sul clavicordo (ad eccezione dei clavecinisti francesi del XVIII secolo). Sul clavicordo sensibile, ogni dito deve premere sui tasti il più vicino possibile alla parte anteriore. Questo è anche lo scopo delle tastiere in cui i tasti inferiori si estendono solo da 2 a 2,5 cm oltre i tasti superiori, rispetto alle odierne tastiere per pianoforte con 4,5 cm. Infine, nella maggior parte dei Paesi le dita "buone" 1 e 3 sono relativamente enfatizzate, mentre le "cattive" 2 e 4 sono relativamente poco accentuate; in Francia questa situazione è invertita a causa del "jeu inégal".

L'autore gli dedica 49 pagine. Vale la pena di leggere la descrizione dettagliata di Schneider degli organi suonati da Bach durante la sua vita e le istruzioni di registrazione dell'epoca. Ad esempio, tratta l'indicazione "pro organo pleno" con attenzione e differenziazione: Non tutti i preludi e le fughe possono tollerare un suono forte. Schneider avrebbe potuto aggiungere condizioni acustiche fondamentalmente diverse e gli effetti dei climi marittimi e continentali: Mentre nella Germania settentrionale predominavano le grandi chiese gotiche in mattoni, con un riverbero lungo, le chiese della Turingia, paese natale di Bach, avevano molti infissi in legno, quindi un riverbero breve. Ciò consentiva a Bach di comporre rapidi cambiamenti armonici senza risultare incomprensibile per la congregazione. Il clima ebbe gravi conseguenze sulle disposizioni dell'organo: molte canne nella Germania settentrionale, solo poche nella Germania centrale e miscele di canne contenenti terze come sostituto. Il principio di base si applica ancora oggi: suonare lentamente con un lungo riverbero e utilizzare il minor numero possibile di stop e il più silenzioso.

Molti organi all'epoca di Bach non avevano una fila cromatica completa nell'ottava maggiore. Schneider parla della cosiddetta "ottava corta", dell'"ottava spezzata" e del do diesis quasi universalmente mancante in tutte le parti del suo libro. Solo la chiesa del castello di Weimar aveva il Do diesis nei due manuali e nel pedale (contrariamente alla descrizione imprecisa di Hermann J. Busch, corretta da Jean-Claude Zehnder). Bach soggiornò a Weimar per 6 mesi a partire dal gennaio 1703, impiegato a corte come "Laquey". Nel penultimo brano della serie di partite su Oh, cosa devo fare peccatore BWV 770 contiene l'infido Do diesis una volta nella mano sinistra. Ciò consente di datare l'opera a questo periodo. Schneider discute meritatamente in dettaglio quest'opera deliziosamente giovanile.

Molte opere organistiche di Bach sono state scritte durante il periodo di Weimar: la Libretto d'organoi 17 grandi arrangiamenti di corali (leggermente rivisti dopo il 1740 come Corali di Lipsia etichettati), più della metà dei suoi preludi e fughe e gli arrangiamenti di concerti dopo la L'estro armonico op. 3. Ogni genere è trattato in dettaglio con alcuni esempi. Mancano tre preludi: La maggiore BWV 536, Fa minore BWV 534 e Do minore BWV 546, le cui fughe sono state messe in dubbio da David Humphreys e Peter Williams. Tuttavia, sono riuscito a dimostrare che sono stati scritti molto tempo prima e che la fuga in la maggiore deve essere suonata manualmente, con il pedale aggiunto solo poco prima della fine (in: L'annuario dell'organo 2008).

Schneider ha certamente ragione quando scrive nelle 6 sonate da camera per trio BWV 525-530, composte per il figlio maggiore Wilhelm Friedemann, che è sufficiente una battuta per voce, che la mano sinistra può essere diteggiata un'ottava più bassa con quattro piedi per una più comoda suonabilità e, soprattutto, che un sedicesimo piede è superfluo per il pedale. Schneider avrebbe potuto citare le cantate con organo obbligato del ciclo del 1726/27, anch'esse scritte per Wilhelm Friedemann prima di lasciare Lipsia.

Cosa si dovrebbe aggiungere in una seconda edizione di questo manuale fondamentale: casi di temporalizzazione nella "proportio sesquialtera". Ecco solo due esempi impressionanti: Preludio e fuga in la minore BWV 543: le crome del misurato e stridente preludio, carico di molte dissonanze, occupano lo stesso tempo di tre crome della fuga in contralto. Il preludio e la fuga in sol maggiore BWV 541 si comportano al contrario: battute intere nello stesso periodo delle mezze battute della fuga. Questo è l'unico modo in cui il preludio con la marcatura Vivace può sviluppare la necessaria effervescenza senza un tempo esagerato nella fuga impegnativa.

Matthias Schneider: Handbuch Aufführungspraxis Orgel, Volume 1: Dal Medioevo a Bach. 267 p. copertina rigida € 49,95, Bärenreiter, Kassel 2019, ISBN 978-3-7618-2338-5

La compositrice, flautista e direttrice d'orchestra svizzera Caroline Charrière (1960-2018) ha vissuto e lavorato principalmente a Friburgo dopo aver studiato con Aurèle Nicolet, Jean Balissat e René Klopfenstein. Ha composto quest'opera di dodici minuti nel 2015 Feux per flauto, clarinetto, marimba, percussioni, violino, viola e violoncello. Il compositore si è ispirato ai vari stadi e aspetti del fuoco: piccola fiamma, fuoco che divampa, fuoco che brucia sotto la cenere, volontà, calore, distruzione, eccitazione, agonia, purificazione, amore, cenere e desolazione, rinascita e gioia. Qua e là vengono inserite alcune note di una canzone popolare islandese. Questo concetto programmatico diventa comprensibile all'ascoltatore, il brano è vario ed emozionante.

Per quanto riguarda il cast Feux per esempio con l'opera di Schönberg Pierrot Lunaire e/o con il Canzoni popolari di Luciano Berio (il primo richiede un pianoforte al posto delle percussioni, il secondo un'arpa, entrambi inoltre un cantante o una diseuse). Senza dimenticare il direttore d'orchestra, che è necessario per Feux esigenze in ogni caso! Marimba e percussioni possono essere suonate dalla stessa persona. Tutti gli strumenti hanno parti facilmente realizzabili con tecniche di esecuzione versatili. Un attraente brano di musica nuova di un compositore svizzero morto troppo presto!

Su Youtube c'è un Registrazione di Feux da ascoltare e vedere con l'Ensemble Contrechamps (vedi sotto).

Caroline Charrière: Feux, per ensemble da camera (fl, cl, marimba, perc., vl, vla, vc), partitura e parti MCX80, Fr. 40.00, Éditions Bim, Vuarmarens