Nonostante la sua lunga e fortunata carriera internazionale, Corin Curschellas è rimasta sorprendentemente sconosciuta in Svizzera; probabilmente è sempre stata troppo idiosincratica e ingombrante per il gusto della massa locale. Inoltre, non ha mai cercato l'attenzione del pubblico: per lei la musica è sempre stata più importante del successo. La grande dama della scena musicale svizzera festeggia ora i suoi 50 anni di carriera con un cofanetto che interesserà non solo i vecchi fan ma anche un nuovo pubblico. I compact disc possono già essere un formato storico, ma la bella scatola di cartone con quattro CD e due libri è un oggetto affascinante che va oltre la musica. I CD hanno ancora un senso perché il cofanetto contiene molte informazioni che vale la pena leggere: tutti i testi, quelli in retoromancio anche con traduzione, gli interpreti e i parolieri coinvolti, una discografia completa e brevi testi di Corin, compagni e compagni di viaggio, che forniscono impressioni coerenti sulla persona e sull'opera. I libri hanno una veste grafica estremamente accattivante e sono integrati da un ricco materiale fotografico. Questo vale da solo l'acquisto.

I sessanta brani contenuti nei quattro CD provengono dagli album solisti di Curschella dal 1990 al 2010, integrati da nuove registrazioni del 2022. Fortunatamente, i vecchi album non sono stati semplicemente ristampati, ma le canzoni sono state accuratamente selezionate e riunite in un nuovo ordine. Di conseguenza, appaiono in un contesto diverso e, anche se le conoscete già, le sentite improvvisamente in un modo completamente nuovo. Due sono le cose che emergono: da un lato, la versatilità linguistica e musicale dell'autore. I testi sono scritti in rumantsch, dialetto, tedesco, inglese e francese e Corin può cantare in tutte le lingue. Dall'altro lato, il viaggio della sua vita si riflette magnificamente nei luoghi di registrazione: dai Grigioni a Zurigo, Berlino, Vienna, Parigi, Londra, New York e di nuovo alla Surselva.

Un'altra caratteristica del lavoro di Curschella è il suo dono di fare rete con le persone migliori, sia per i testi che per le registrazioni. L'elenco dei parolieri e dei musicisti è impressionante: in Svizzera - tra i tanti - Heiri Känzig, Christy Doran, Max Lässer e Co Streiff, a Vienna la Vienna Art Orchestra con Mathias Rüegg, a Parigi Noël Akchoté e Steve Argüelles, a New York Marc Ribot, Robert Quine, J. T. Lewis e Greg Cohen, tutti rinomati grandi del loro settore. Stilisticamente, i brani oscillano tra jazz, sperimentazione, world music e chanson. Tuttavia, Curschellas non si perde in questa incredibile versatilità, ma riesce sempre a dare alle sue canzoni un tocco unico e personale.

Negli ultimi 15 anni, Corin si è concentrata principalmente sulla canzone popolare retoromanza, che ha avuto un'ottima accoglienza da parte del pubblico e della stampa. Il fatto che abbia avuto anche una grande carriera internazionale e che abbia portato la Svizzera nel mondo - e il mondo in Svizzera - è stato un po' dimenticato. Questo splendido cofanetto lo dimostra chiaramente.Corin Curschellas: Collecziuns 1990-2010 + 2022 canzoni, Tourbo Music TOURBO068

È sempre un piacere imbattersi in CD con composizioni la cui esistenza era nota solo da cataloghi ragionati o enciclopedie. Una di queste registrazioni è Quintettes suisses con due prime mondiali di Gustave Doret e Fritz Bach per pianoforte e quartetto d'archi e un'opera per quintetto d'archi del giovane Frank Martin, che gli amanti dell'opulenta musica da camera tardo-romantica potranno ascoltare con piacere. Questi brani saranno eseguiti dal Melos Ensemble Vienna e dal pianista italiano Adalberto Maria Riva, che lavora nella Svizzera occidentale. Uno dei violoncellisti dell'ensemble viennese è Christophe Pantillon, proveniente da una nota famiglia di musicisti svizzeri. Le interpretazioni di tutte e tre le opere sono eccezionali, ispirate, piene di spirito e belle da vedere. Un plauso particolare va al pianista, che nei due quintetti per pianoforte svolge un ruolo estremamente importante e impegnativo.

Il quintetto di Doret fu scritto nel 1925 su suggerimento del famoso pianista, compositore e politico polacco Ignacy Paderewski. Gustave Doret (1866-1943) non è un compositore sconosciuto, ma la sua fama si basa più che altro sulle sue musiche di scena per il Théâtre du Jorat di Mézières nel Vaud, sulle musiche per due Fêtes des Vignerons e sulla sua ricca opera di canzoni. Nato ad Aigle, Doret studiò prima con Joseph Joachim a Berlino, poi a Parigi con Jules Massenet e Théodore Dubois. Nel 1894 diresse il capolavoro giovanile di Debussy Prélude à l'après-midi d'un faune dal battesimo. Tuttavia, la sua musica è più influenzata da Fauré che dall'impressionismo.

Composta un po' prima, cioè nel 1918, la Poesia di Fritz Bach (1881-1930), in realtà Frédéric Henri Bach, nato a Parigi, compì gli studi scolastici e teologici a Losanna prima di studiare composizione nella capitale francese con Charles Widor e Vincent d'Indy e organo con Alexandre Guilmant e Louis Vierne. Tornato in Svizzera, insegnò in diverse città intorno al lago di Ginevra e compose soprattutto musica sacra. In un certo senso, si potrebbe anche includere il suo quintetto per pianoforte di quasi 40 minuti: In cinque movimenti (Jeunesse; Amour; Bonheur; Douleurs, Tristesses; Luttes), esso descrive un'intera vita umana con i suoi alti e bassi. Il Salmo 130 appare per primo nell'ultimo movimento (Dal profondo ti chiamo, Signore), prima del corale Ciò che Dio fa è ben fatto porta la vita a una fine conciliante. Musicalmente, tutto questo è realizzato con mezzi relativamente semplici ma convincenti, stilisticamente influenzati dal tardo romanticismo francese.

Come giustamente sottolineato da Jacques Tchamkerten nel suo esauriente testo del libretto, il libro di Frank Martin Pavane couleur du temps (1920) dall'opera di Ravel Ma Mère l'Oye e ispirato dall'entusiasmo per la Francia di Luigi XIV. Il titolo fa riferimento alla fiaba di Charles Perrault Peau d'âneche chiamiamo Allerleirauh conoscere. Poco o nulla dello stile maturo di Martin è ancora riconoscibile, ma è certamente un primo assaggio di talento che si sposa molto bene con i due quintetti per pianoforte.

Quintetti svizzeri. Opere di Gustave Doret, Frank Martin, Fritz Bach. Melos Ensemble de Vienne; Adalberto Maria Riva, pianoforte. Harmonia Helvetica, Cascavelle VEL 1677

Nel suo ultimo CD per Pentatone, l'Orchestre de la Suisse Romande presenta una riuscita compilation di opere del modernismo classico, in cui non solo la selezione ma anche l'ordine della registrazione è convincente. Il primo è il famoso Concerto per pianoforte e orchestra in sol maggiore di Maurice Ravel del 1931, seguito dal Concerto per pianoforte e orchestra in sol maggiore di Olivier Messiaen. Oiseaux exotiques La "trilogia" si conclude con il Concerto per pianoforte e orchestra op. 42 di Schönberg del 1942.

Sotto la direzione del suo direttore principale Jonathan Nott, l'orchestra suona con grande precisione e versatilità. Nel Concerto per pianoforte e orchestra di Schönberg, con il suo programma autobiografico nascosto, le quattro parti dell'opera formale in un solo movimento sono chiaramente percepibili: un esempio è il gesto espressivo della seconda sezione, che conduce in modo brusco e commovente alla cupa e tragica terza sezione, una sorta di marcia funebre. Tuttavia, l'orchestra ha al suo fianco anche un pianista di prim'ordine, Francesco Piemontesi, che ha un'eccellente padronanza del linguaggio tonale di Schönberg in termini di tocco e interpretazione.

Un po' meno convincenti sono le Oiseaux exotiques è stato realizzato. A volte l'orchestra "cinguetta" in modo un po' troppo pomposo, cosa che si annuncia fin dall'inizio con i primi due richiami di corno della Maina indiana e che raggiunge il suo culmine nel grande tutti della sezione principale. Piemontesi fornisce comunque un po' di sollievo e di finezza.

Se le opere di Schönberg e Messiaen si adattano completamente allo stile interpretativo di Jonathan Nott, l'arguto e variegato concerto per pianoforte e orchestra di Ravel solleva qualche punto interrogativo. Il primo movimento, con i suoi accenni al jazz, manca di un certo esprit frizzante e il secondo della leggerezza francese. Il Presto, invece, è molto conciso e virtuosisticamente interpretato da Piemontesi, ideale introduzione agli uccelli esotici di Messiaen.

Schoenberg, Messiaen, Ravel. Francesco Piemontesi, Orchestre de la Suisse Romande, Jonathan Nott. Pentatone PTC 5186 949

Il musicista e compositore tedesco Heinz Bethmann ha arrangiato per clarinetto e pianoforte tre ragtime dei primi anni del XX secolo per questa edizione pubblicata da Uetz. Il più famoso, 12^th Straccio di stradaè stato scritto da Euday Bowman (1886-1949), discendente di una famiglia di immigrati tedeschi di nome Baumann, che viveva in Texas. Bowman si guadagnava da vivere soprattutto come pianista in bar e locali notturni. Il 12^th Straccio di strada è stata di gran lunga la sua composizione di maggior successo ed è stata ripresa da molti gruppi e musicisti, tra cui Duke Ellington e Louis Armstrong.

La prima parte del brano consiste in un motivo ripetuto di 3 note con cambi ritmici. Nella seconda parte, ci sono molti salti nella parte solista, e la terza parte consiste nuovamente in un motivo di 3 note, questa volta guidato cromaticamente. Il pianoforte esegue un tipico accompagnamento pianistico a passo, ma qui diviso in mano sinistra e mano destra, poiché la melodia viene ripresa dal clarinetto.

Per gli altri due pezzi, Straccio in bianco e nero e Texas Steer Rag, Euday Bowman è indicato come compositore anche nella parte del clarinetto. Tuttavia, questi due titoli sono stati scritti da George Botsford (1874-1949), un contemporaneo di Bowman, come correttamente indicato nella parte pianistica.

Il Straccio in bianco e nero consiste quasi interamente in interruzioni di accordi di diverse triadi nella melodia. Questo richiede una solida padronanza della tecnica o comunque offre una buona opportunità per esercitarsi con le triadi. Nel frattempo, l'accompagnamento pianistico è caratterizzato da divertenti passaggi nei cambi di armonia.

Manzo texano Infine, combina note cromatiche di testa e di passaggio con salti e ritmi sincopati nella melodia, che richiede anche una certa destrezza e sicurezza ritmica di base nel suonare il clarinetto. I brani sono rivolti ad allievi che si sono lasciati alle spalle la fase dei principianti e hanno voglia di musica allegra e virtuosa.Euday Bowman: Three Ragtimes for Clarinet and Piano, arrangiato da Heinz Bethmann, BU 6244, € 15,00, Bruno Uetz Musikverlag, Halberstadt

Proveniente da una famiglia indiano-svizzera, il flautista Isaac Makhdoomi non solo ha nel cuore due culture, ma è anche a suo agio come musicista e compositore in un'ampia varietà di stili. Il suo Sonata per Flauto dolce è nato dall'esigenza di aggiungere un nuovo pezzo alle opere solistiche del periodo barocco, tenendo conto della sua realizzabilità con il flauto dolce, cioè dei vantaggi e dei limiti specifici dello strumento. Il risultato è un'opera in quattro movimenti che ricorda melodicamente Telemann, anche Corelli e in alcuni punti armonicamente Bach, ma in cui si trovano anche piccoli ornamenti francesi e inglesi - un'affascinante sonata o suite barocca multiculturale, per così dire.Makhdoomis Catturare i momenti invece, è una composizione contemporanea, tradizionalmente annotata, divisa in tre sezioni e intitolata "mistica, libera". L'inizio e la fine hanno un carattere improvvisativo e ricordano la musica indiana per flauto. La musica indugia ripetutamente su note più lunghe per passare a una pausa o alla successiva nota lunga in brevi e veloci corse o sequenze ritmiche. La sezione centrale, ritmicamente più veloce, è intesa come retorica, iniziando con sillabe rumorose e precisamente annotate da pronunciare nel flauto e poi scaricandosi in multifonici e in un udibile frastuono delle dita.Isaac Makhdoomi non può essere classificato semplicemente come un artista. È noto al pubblico televisivo fin dalla sua apparizione a "I più grandi talenti della Svizzera" come membro del gruppo Sangit Saathi, dove ha prodotto suoni funky dal flauto dolce e ha deliziato il pubblico. Il suo nuovo CD con i concerti di Antonio Vivaldi mostra un lato completamente diverso del musicista. L'album, sapientemente concepito e straordinariamente ben mixato, in cui Makhdoomi accosta i noti concerti a due gioielli d'aria, non solo colpisce per il suo potente virtuosismo, le dinamiche chiaramente delineate, l'eccitante strumentazione nel continuo e i momenti improvvisativi, ma soprattutto per la sua grande individualità e il desiderio di suono nei movimenti lenti lirici e riccamente ornati.

Isaac Makhdoomi: Sonata per Flauto dolce, per flauto dolce contralto solo, N 2462, € 11,90, Heinrichshofen & Noetzel, Wilhelmshaven

Isaac Makhdoomi: Catching Moments, per flauto dolce contralto, EFT 3131, € 9,00, Edition Tre Fontane, Münster  

Vivaldi Concerti per flauto e Arie. Isaac Makhdoomi, flauto dolce; Ensemble Piccante; Arnaud Gluck, controtenore. Prospero PROSP0064

Gli album di canzoni di Richard Strauss sono stati pubblicati in quattro volumi dalla Universal Edition. Ciascuno per voce alta, media e bassa. Finora questo non lascia nulla a desiderare. Tuttavia, gli editori hanno deciso di pubblicare le canzoni anche in piccoli libretti, sottili e di facile consultazione, ognuno dei quali riassume le opere di un numero d'opus (op. 10, 19, 21, 26, 27, 29 e 32). Seguono il testo della Kritische Werkausgabe. Si prefigura forse una sostituzione di Tablet & Co?

I quaderni sono leggeri, maneggevoli e facili da trasportare, e le cose che stanno insieme stanno insieme. L'unico svantaggio è che sullo scaffale tutto sembra uguale. Sulla copertina di cartone bianco non sono stampati i titoli, ma solo il numero dell'opera (per questo l'aspetto è così attraente). Quindi bisogna saperlo: Aha, Opus 32, quello era O dolce maggioo Opus 29, è vero: Sogno attraverso il crepuscolo. Per il resto è una cosa buona, estetica, accattivante e quindi anche abbastanza adatta al palcoscenico.

I libretti contengono traduzioni in inglese e sono disponibili a un prezzo contenuto.

Richard Strauss: Quattro canzoni per voce media con accompagnamento di pianoforte op. 27, UE 37987, € 19,95, Universal Edition, Vienna (esempio)

Raphael Benjamin Meyer è noto soprattutto come compositore cinematografico (ad esempio, per il suo lavoro di ricerca e sviluppo). Il becchino), ma è anche un suonatore di flauto dolce che ha studiato alla Schola Cantorum Basiliensis e dirige tre orchestre di flauti dolci. La cosa dello swing è una composizione su commissione in cui riesce a combinare in modo congeniale le sue professioni, esperienze e passioni.

La cosa dello swing sia in partitura singola che in partitura corale. La composizione a due voci è in linea di principio a cinque voci (SATTB) con l'aggiunta opzionale di voci in do basso e sottobasso. Tuttavia, queste voci aggiuntive non si limitano a raddoppiare le voci più basse del movimento, ma formano a volte interessanti controvoci, che conferiscono alla composizione oscillante, in gran parte ternaria, un'ulteriore scansione. Probabilmente il compositore aveva in mente anche i diversi livelli e le diverse realtà degli ensemble di flauti dolci quando ha creato la struttura formale: una breve introduzione è seguita da una sezione swing più lunga a un tempo moderato, che conduce a una stretta metricamente più complicata con un livello di difficoltà significativamente più alto. Anche in questo caso si tratta di un'opzione; la composizione può anche essere conclusa con la notazione fine tra parentesi alla fine della prima parte.

La cosa dello swing arricchisce il repertorio con una composizione autentica che si basa sulle qualità dello strumento e non deve adattare una composizione esistente per flauti dolci. Tuttavia, Raphael Benjamin Meyer dimostra che negli arrangiamenti (come il famoso mottetto di Mozart Ave verum corpusHeinrichshofen & Noetzel N2687) che padroneggia molto bene anche questo mestiere e tiene conto sia dei vantaggi dello strumento che della struttura e della bellezza tonale della composizione.

Raphael Benjamin Meyer: The Swing Thing, per 5-7 flauti dolci; partitura: N2890, € 10,00; parti disponibili separatamente; Heinrichshofen & Noetzel, Wilhelmshaven

Il duo Elisa Urrestarazu (sassofono) e Cornelia Lenzin (pianoforte) ha eseguito il programma di questa registrazione nell'autunno del 2021 nella serie di concerti "Basel komponiert" al Museum Klingental. Lenzin ha una collaborazione di lunga data con il compositore Jost Meier, recentemente scomparso, nonché con Balz Trümpy e Marcelo Nisinman. Nel 2019 ha organizzato un concerto con musica da camera di Meier per il suo 80° compleanno. Meier ha poi scritto per Lenzin e Urrestarazu quanto segue Sonata (2020) per sassofono contralto e pianoforte, un brano che vale la pena ascoltare. Apre questo CD. È seguito dal breve e denso brano di Meier 4 Immagini per pianoforte solo (2009) come prima registrazione. Balz Trümpy ha scritto per Elisa Urrestarazu il suo Introduzione e Ariaoriginariamente per clarinetto (2002-03), per sassofono contralto. L'interprete dimostra tutta la sua classe. Il sognante Trümpy Canzone per sassofono soprano e pianoforte (2020) è in corso. Anche nell'impegnativa opera di Jacques Wildberger 4 Pezzi per Pianoforte (1950) e la Prismi per sassofono contralto solo (1975), i musicisti si presentano con grande disinvoltura. Come contrappunto, il duo è stato affiancato da Marcelo Nisinman Samuele il Saggio per sassofono soprano e pianoforte - un'esperienza di ascolto divertente.

Basilea composta. Musica per sassofono e pianoforte 1951-2021. Jost Meier, Balz Trümpy, Jacques Wildberger, Marcelo Nisinman. Elisa Urrestarazu, sassofono; Cornelia Lenzin, pianoforte. Pianoversal PV115

Anche durante la vita di Raff e fino ai giorni nostri, il numero 3 del Sei Morceaux, Cavatina, un popolare pezzo da bis. Con l'aiuto dell'Archivio Joachim Raff di Lachen, gestito da Severin Kolb, è stato possibile rendere note le altre cinque composizioni come Urtext basate sulla prima edizione del 1862. Come assistente di Franz Liszt, Raff conobbe molti musicisti famosi ai quali dedicò le sue impegnative opere di musica da camera. Il manoscritto del Sei Morceaux che inviò all'editore nel 1861 con le parole: "(...) che si arrivi a questi pezzi tanto prima quanto io dimostri che sono anche in grado di scrivere facilmente (...)".

I sei "pezzi da salotto" sono musicalmente eccezionalmente ricchi di sorprese armoniche e ritmiche: un'incantevole marcia "per bambini", un brano poeticamente tenero e un'altra marcia "per bambini". Pastoraleil comprovato Cavatinaun vivace Joker in tempo 2/4, un'emozionante Canzona e un PrestoTarantella-rondo con verve italiana. Si avvicinano alle Romanze di Robert e Clara Schumann. Le scarne diteggiature - in parte opera di Raff, a indicare la prassi esecutiva dell'epoca - necessitano di integrazioni. Una dettagliata prefazione descrive la storia della composizione e i numerosi arrangiamenti ed esecuzioni da parte di famosi violinisti. La relazione critica dimostra la cura meticolosa di questa edizione e fornisce utili consigli agli interpreti.

Joachim Raff: Sei Morceaux per violino e pianoforte op. 85, a cura di Stefan Kägi e Severin Kolb, EB 9407, € 28,50, Breitkopf & Härtel, Wiesbaden

Il titolo del primo album in otto anni della cantante, cantautrice e pianista svizzero-estone Ingrid Lukas dice tutto. Elumeloodia è estone e significa qualcosa come "melodia della vita". La lunga attesa è legata - non sorprenderà visto il titolo - ai cambiamenti che l'artista ha vissuto negli ultimi anni, alcuni involontariamente, altri volontariamente. La pausa creativa è iniziata quando il partner musicale di lunga data Patrik Zosso si è ammalato gravemente; da allora si è ripreso completamente e, insieme al tastierista Ephrem Lüchinger e al bassista Manu Rindlisbacher, fa ora parte del nucleo centrale di Elumeloodia. All'inizio della pausa forzata, Lukas ha lavorato in una scuola per giovani svantaggiati e ha osservato l'effetto positivo che l'attività musicale può avere. Questa constatazione l'ha spinta a studiare più intensamente la musicoterapia. Ha conseguito un master in questa materia a Berlino e ora lavora presso la clinica di riabilitazione Barmelweid di Aarau. Questo lavoro le ha dato a sua volta una nuova prospettiva sui propri bisogni. "Facevo musica solo perché era qualcosa con cui ero nata", dice, "ma solo in questi otto anni ho capito che volevo farlo". mosto. Perché è la melodia della mia vita. Che altrimenti una parte di me non vive".

Circa la metà dei Elumeloodia-Alcune delle sue canzoni hanno un testo in estone, altre sono in inglese e una viene eseguita in una lingua parlata improvvisata. La scelta della lingua è spontanea nello stesso senso (non si escludono testi in svizzero-tedesco in futuro), poiché Lukas si sforza oggi di affrontare la sua musica nel modo meno pesante possibile. Grazie alla sovrana serenità vocale e compositiva raggiunta durante il periodo di introspezione, si concede libertà stilistiche e tecniche completamente nuove. Le canzoni sono state in parte improvvisate in studio con i musicisti sopra citati e poi elaborate con tutti i tipi di trucchi digitali. Il risultato è una musica misteriosamente scintillante in cui suoni registrati analogicamente, elaborati elettronicamente e voci si intrecciano senza soluzione di continuità in un'intensità meditativa. Gli stati d'animo variano da percussivi rituali Incantesimo della pioggia sull'improvvisazione ambientale di Inizio fino alla meravigliosa title track, un gospel nordico. Un album straordinariamente avvincente che percorre con decisione la propria strada stilistica sotto ogni aspetto.

Ingrid Lukas: Elumeloodia. Ronin Rhythm Records RON 032

L'integrazione della musicoterapia nella pratica clinica quotidiana è stata determinante per farla passare da un trattamento di benessere piuttosto deriso a una terapia riconosciuta a livello medico. È difficile immaginare la neonatologia, la medicina palliativa, l'oncologia, la neuroriabilitazione e altri reparti senza di essa. In Svizzera, il costruttore di strumenti e musicoterapeuta Joachim Marz, al Clinica di riabilitazione Bellikon È stato a lungo un pioniere in questo campo, insieme alla collega Susanne Bossert. Dall'anno scorso ha portato avanti le conferenze specialistiche fortemente orientate alla pratica che sono diventate una tradizione a Bellikon presso Rehab Basel, ora insieme alla musicoterapeuta Mireille Lesslauer, che lavora lì. Il tema di quest'anno: "L'importanza e gli effetti dei metodi interdisciplinari di arte e musicoterapia", e quindi la collaborazione interdisciplinare tra musicoterapia e arte terapia nella neuroriabilitazione.

La musicoterapia può giocare i suoi punti di forza su due livelli nella vita quotidiana di una clinica di riabilitazione. Da un lato, può accompagnare o contribuire a dare forma a processi psicologici indispensabili quando i pazienti devono ritrovare la loro strada nella vita dopo incidenti o colpi di fortuna dovuti alla salute. In secondo luogo, può sostenere la riqualificazione delle funzioni corporee in modo molto pratico, ad esempio quando si tratta di ripristinare le simmetrie corporee dopo un ictus.

Zeitgeist ed esperienza fisica

Il fatto che la psicologia musicale non possa sfuggire completamente agli attuali dibattiti ideologici della psicologia delle emozioni è stato dimostrato alla conferenza di Basilea dalle discussioni sulla misura in cui le emozioni sono biologicamente predeterminate. Analogamente al rifiuto delle identità di genere biologicamente determinate nella ricerca sul genere, i ricercatori più giovani sono a favore dell'idea di un'emotività esclusivamente formata culturalmente. Nella conferenza dell'arteterapeuta di Amburgo Judith Revers è emerso chiaramente il desiderio di rispettare la complessità dei processi di comunicazione interculturale, ad esempio nella musicoterapia con i rifugiati. Tuttavia, c'è il rischio di ricadere in idee di fondamentale alterità esotica delle culture straniere che si pensava fossero state superate. È qui che i concetti della sinistra radicale incontrano le idee nazionalistiche.

Tuttavia, la conferenza di Basilea ha anche mostrato che la musicoterapia in un altro settore si sta muovendo in una direzione che fortunatamente sembra del tutto contraria allo Zeitgeist: mentre la produzione musicale attuale sta diventando sempre più disincarnata con la produzione digitale e l'emergere di strumenti di intelligenza artificiale, questa forma di terapia offre esattamente l'opposto: strumenti speciali che consentono di sperimentare il suono e la musica nella carne. A Basilea, in un laboratorio con monocordi su cui ci si può sdraiare o che si possono appoggiare sul corpo, si è potuto sentire e ascoltare tutto questo. Le vibrazioni non vengono solo ascoltate, ma percepite direttamente attraverso la risonanza del corpo.

L'udito come funzione ponte

Il senso dell'udito è il primo a svilupparsi negli adolescenti ed è l'ultimo a decadere nelle regioni periferiche della morte. La musicoterapia ha quindi particolari punti di forza, non da ultimo nel trattamento dei pazienti in coma. La conferenza ha posto l'accento anche sulla ricerca in questo settore. Katharina Braune, fisioterapista che lavora presso Rehab Basel, sta collaborando con la musicoterapia e l'infermieristica per studiare l'influenza del monocordo disteso sulla coscienza dei pazienti che si trovano in uno stato di non responsività o di coscienza ridotta a seguito di gravi lesioni cerebrali, nell'ambito di una tesi di laurea magistrale in diversi casi di studio individuali.

Dorothea Dülberg, musicoterapeuta docente presso la Società tedesca di musicoterapia, ha mostrato come "il crossover intermedia, come cambiamento fluido di metodi e media, può stimolare e sostenere i processi di trasformazione". Nel suo workshop, ha combinato musica, pittura, poesia e movimento nello spazio per una traccia multidimensionale delle voci interiori.

Programma della conferenza

Il compositore Carl Friedrich Abel nacque a Köthen 300 anni fa (morì a Londra nel 1787). Suo padre era violinista e gambista. Quest'ultimo strumento fu decisivo per la carriera del figlio. Dopo un ingaggio alla corte di Dresda, le vicende di Abel dal 1755 in poi non sono chiare. Probabilmente lasciò la Sassonia a causa delle turbolenze della Guerra dei Sette Anni e viaggiò attraverso la Francia fino a Londra, dove riscosse grande successo come virtuoso della viola da gamba a partire dal 1759. Insieme al figlio minore di Johann Sebastian Bach, Johann Christian, fondò i concerti di successo Bach Abel. Nel 1782 soggiornò per un lungo periodo alla corte reale di Potsdam. Il principe ereditario Federico Guglielmo, nipote di Federico il Grande, era, come lo zio, un appassionato di musica, suonava lui stesso il violoncello ed era allievo, tra gli altri, di Jean-Pierre Duport. Wolfgang Amadeus Mozart compose per lui i Quartetti per archi prussiani KV 575, 589 e 590.

Abel probabilmente scrisse il Concerto per violoncello n. 2 in do maggiore, composto nel 1782, in tre movimenti e della durata di circa 20 minuti, per Friedrich Wilhelm. Tuttavia, non ci sono prove di una sua esecuzione. Con due oboi, due corni e archi, l'orchestrazione corrisponde interamente al modello classico. Il primo movimento (Allegro maestoso) è il più convenzionale in termini di struttura (forma sonata). Al contrario, il secondo e il terzo movimento riservano sorprese: nell'Adagio ma non troppo (Fa maggiore), il compositore ottiene un effetto sonoro sorprendente con l'uso solitario dei corni. Del terzo movimento sono sopravvissute due versioni diverse. Un Allegro in tempo 6/8 è stato sostituito da un Rondeau - Tempo di Minuetto. Ciò è forse dovuto al gusto un po' conservatore della corte berlinese. Inoltre, due delle cadenze originali di Abel si sono conservate manoscritte.

Il secondo concerto per violoncello di Abel non ha nulla da invidiare alle opere più conosciute di Carl Philipp Emanuel Bach, Joseph Haydn o Luigi Boccherini e può essere considerato un significativo arricchimento della letteratura classica per violoncello. Con un'estensione che va dal do al sol2, Abel sfrutta abilmente le possibilità dello strumento e offre agli interpreti una ricca tavolozza di espressioni virtuosistiche e liriche.

Bruno Delepelaire, violoncellista principale dei Berliner Philharmoniker, ha magistralmente registrato quest'opera con i Solisti Barocchi di Berlino sull'etichetta Hänssler classic. È molto piacevole che si possano ascoltare entrambe le versioni del terzo movimento. L'edizione degli spartiti, curata da Markus Möllenbeck, contiene una dettagliata prefazione sulla storia della composizione del concerto, oltre a pratiche note esecutive. La riduzione per pianoforte è stata scritta da Ulrich Lüdering.

Carl Friedrich Abel: Concerto per violoncello n. 2 in do maggiore, WKO 60, a cura di Markus Möllenbeck, riduzione per pianoforte, EW1112, € 24,80, Edition Walhall, Magdeburg

Nel 2016, il mezzosoprano Silke Gäng e suo marito, lo studioso di musica e teatro Ludovic Allenspach, hanno raccolto idee per quello che vedevano come un festival della canzone ideale e contemporaneo. Insieme a Meike Olbrich (direttrice generale e cantante amatoriale), Alain Claude Sulzer (scrittore) e Tobias Schabenberger (pianista), hanno coinvolto degli amici e hanno fondato il Fondazione della canzone di Basilea. Ogni membro ha coperto un aspetto della canzone, per così dire. Grazie a una serie di mecenati, a varie fondazioni e a fondi di sostegno cantonali, il progetto ha potuto poggiare su solide basi.

Dopo il 2019, il 2021 e il 2022 (il 2020 è stato cancellato per motivi noti), la Canzone Basilea si è svolto per la quarta volta dal 19 al 23 aprile. Per la seconda volta sono stati utilizzati gli ampi locali del centro musicale e culturale Don Bosco. Al centro del festival ci sono le masterclass denominate Lied Academy. 65 duo provenienti da tutta Europa hanno fatto domanda per le borse di studio di quest'anno in un processo a più fasi. Alla fine, 5 sono stati premiati con le borse di studio. Si tratta di giovani musicisti all'inizio della loro carriera professionale. Ogni duo ha ricevuto quattro ore di lezioni altamente competenti dal cosiddetto "Duo in Residence", composto dal mezzosoprano di successo internazionale Angelika Kirchschlager e dal rinomato pianista e accompagnatore Malcolm Martineau. Un giorno i borsisti hanno partecipato a un workshop di recitazione con Klaus Brömmelmeier. Hanno inoltre ricevuto consigli su questioni di carriera da Aimée Paret, che lavora da tempo come consulente artistica.

Il variegato programma del festival musicale comprendeva un totale di otto concerti. Tra questi, la prima mondiale della composizione Lied Basel commissionata da Stephanie Haensler e un concerto per famiglie. Il programma ha preso il via con un concerto di discussione musicale e domenica i borsisti si sono esibiti nel concerto finale.

Acqua pericolosa, ghiaccio pericoloso, canto pericoloso

Il motto "vivere pericolosamente" è stato esplorato da diverse angolazioni in un programma di supporto colorato. Eva Gesine Baur ha presentato la sua nuova biografia di Maria Callas, La voce della passione, prima. La leggenda canora del XX secolo ha vissuto pericolosamente, rischiando in ogni fase della sua vita. Le "professioni pericolose" dell'immersione in apnea e del canto sono state accostate nel laboratorio di canto.

Alla domanda su cosa significhi per lei "vivere pericolosamente" e se sia coraggiosa, Angelika Kirchschlager ha risposto: "Tutti quelli che salgono sul palco vivono pericolosamente". Con una strizzatina d'occhio, ha continuato: "E per me, coraggio significa cantare da soli dopo aver spiegato agli studenti come farlo". Il duo in residenza si è esibito in un recital giovedì sera. Kirchschlager ha eseguito con intensità artistica brani incentrati sul romanticismo tedesco fino a Mahler, Strauss e Poulenc. Malcolm Martineau ha accompagnato con precisione e grandi sfumature.

Sabato sera il baritono Benjamin Appl e il pianista James Baillieu hanno eseguito il brano di Schubert Viaggio d'inverno su. Secondo la biografia di Appl, ha tratto grande beneficio dalle lezioni con Dietrich Fischer-Dieskau, di cui è stato l'ultimo allievo. Ha una voce calda e potente e non teme gli estremi dinamici e gli insoliti giri agogici. Ha anche dimostrato la sua resistenza, dato che il concerto è durato più di due ore. Tra un brano e l'altro, l'attore Harald Krassnitzer ha letto dei diari e dei registri di bordo della fallita spedizione austro-ungarica al Polo Nord del 1872-1874. A prima vista, le storie dei naufraghi, che vissero per due anni nella paura mortale, non avevano molto in comune con il ciclo di canzoni di Schubert, pubblicato circa mezzo secolo prima, ma poi sono emersi di volta in volta commoventi punti di contatto.

Ci vuole un po' di coraggio per presentare brani di Schubert in forma pop e jazz in un festival di musica classica. Il gruppo The Erlkings ha fatto proprio questo e ha incontrato l'entusiasmo unanime del pubblico di Basilea.

Nell'ambito del programma lanciato lo scorso anno Progetto di donazione di Lied Basel "Recital di canzoni in tempo di guerra". quattro musicisti ucraini sono stati portati a Basilea per un concerto con breve preavviso. Il collegamento con il tema del pericolo mortale è evidente. (Rapporto nel Giornale musicale svizzero sui recital in Ucraina)

"Non fatemi vedere, ma fatemi sapere".

Ci sono molti esempi di masterclass con artisti famosi che incoraggiano il voyeurismo da parte del pubblico. Il fatto che questo non sia stato il caso di Kirchschlager e Martineau va a loro merito. Il tono era collegiale e i consigli pratici e concreti. Quando si arriva con una canzone ben provata e si ricevono varie istruzioni su cosa cambiare vocalmente e interpretativamente in un breve lasso di tempo, può essere opprimente. Tuttavia, i borsisti di solito hanno reagito in modo molto calmo e professionale e sono stati in grado di mettere in pratica molte cose direttamente. "La canzone deve fare qualcosa con noi, non noi con la canzone", così Kirchschlager ha formulato uno dei suoi principi.

Quando si tratta di interpretare, alcuni esagerano e sottolineano singole parole in modo onomatopeico, ad esempio. Tuttavia, è importante interpretare il messaggio e non le singole parole e questo può essere fatto solo comprendendo il testo: "Senza testo, nessuna espressione", ha ripetuto più volte con enfasi. Malcolm Martineau ha sottolineato un aspetto emozionante: "La formazione della consonante iniziale dice sempre quale significato si vuole dare alla rispettiva parola". Bisogna evitare un seducente "sing along": "Bisogna resistere alle armonie con il testo", ha detto Kirchschlager. L'atteggiamento del cantante è fondamentale. La costernazione personale e l'autocommiserazione non devono essere viste nell'esecutore: "Non mostratemi, ma fatemi sapere", ha riassunto il docente. Non bisogna farsi guidare troppo dagli stati d'animo e non bisogna prendersi troppe libertà: "Interpretare non significa cantare ogni giorno come ci si sente".

È probabile che i partecipanti siano tornati a casa da questa settimana con uno zaino pieno di esperienze e abbiano aggiunto diversi pezzi del puzzle al loro sviluppo artistico.

Diversi anni fa, la pianista e compositrice Katharina Nohl ha fondato la piattaforma Festival svizzero delle compositrici è stato fondato. L'associazione organizza concerti con i musicisti associati alla rete. Ora è in commercio anche la prima pubblicazione, la Collezione di pianoforti Vol. 1.

Diverse compositrici residenti in Svizzera hanno presentato le loro composizioni per pianoforte solo, dieci delle quali sono state selezionate e ora pubblicate come raccolta da Universal Edition Wien. Sono inclusi pezzi delle seguenti compositrici: Bijayashree Samal, Anastasiia Kuznetsov, Lea Gasser, Aglaia Graf, Sandra Avilova, Catherine Fearns, Ilona Raad, Olga Ponomareva, Dora Fratrić e Katharina Nohl, che funge anche da curatrice. L'idea di questo Collezione di pianoforti è quello di rendere la musica accessibile a un vasto pubblico, cioè il pianoforte viene suonato in modo tradizionale.

Tutti gli autori del Collezione sono stati premiati con un buono Scodo. Scodo è un nuovo Strumento di pubblicazione dell'edizione universaleche i compositori possono utilizzare per pubblicare le loro opere e ricevere il 70% del prezzo di vendita invece del solito 30%.

La serie di pubblicazioni proseguirà quest'anno con un nuovo bando per le partiture. Questa volta sono richieste composizioni per violino e pianoforte.

Il Deutscher Musikverleger-Verband e. V. ha premiato l'eccellenza editoriale per la 31ª volta. Il premio per la migliore edizione 2023 è stato assegnato a:

• Alban Berg: Concerto per violino, Rapporto critico, a cura di Douglas Jarman e Regina Busch, Edizione Universale, Vienna
• Felix Mendelssohn-Bartholdy: Elijah op. 70, MWV A 25, Rapporto critico, a cura di Christian Martin Schmidt, Breitkopf & Härtel, Wiesbaden
• Le perle di Cleopatra, I frontespizi musicali dal 1894 al 1937 come specchio della società, Evelyn Förster (autrice e curatrice), design e composizione tipografica: Peter-Nils Dorén
• Gideon Klein: Sonata per pianoforte / paesaggio, Partitura, edizione Urtext, a cura di Ondrej Pivoda, Bärenreiter-Verlag, Kassel
• Gustav Mahler: Sinfonia n. 4, Edizione universale, Vienna
• Canzoniere tedesco-ebraicoProgetto 2025 - Arche Musica, Schott Music, Mainz
• Oliver Rathkolb: Carl Orff e il nazionalsocialismo, a cura di Thomas Rösch, vol. II/2, Schott Music, Mainz
• Caboomba - Dal corpo allo strumento, Pezzi e canzoni per body percussion e ensemble ritmico, Andreas Gerber, Rolf Grillo, Helbling Verlag
• Luigi Nono: Il canto sospeso. Facsimile della partitura autografa, ed. e prefazione di Christoph Flamm, traduzione inglese di Margit McCorkle, Schott Music, Mainz 2022

Il Premio speciale della giuria va quest'anno al Progetto Ipipapa, che integra gli spartiti musicali con una trascrizione fonetica leggibile in tutto il mondo e offre materiale audio e altri supporti

Caboomba

Dal punto di vista svizzero, è particolarmente degno di nota il premio per il materiale didattico di Andreas Gerber, insegnante di ritmica a Liestal, e Rolf Grillo. Caboomba è un concetto collaudato per lezioni di musica e ritmo con bambini, giovani e adulti. La giuria ha motivato la sua decisione come segue: "Il libro Caboomba  di Helbing Verlag è un'ottima miscela di istruzioni per la costruzione di strumenti a percussione, body percussion e applicazioni pratiche dei vari componenti. Offre ai principianti un modo semplice per raggiungere rapidamente il successo musicale. In combinazione con i contenuti dell'app allegata, ogni appassionato di musica troverà rapidamente la sua strada".