All'improvviso, a metà del brano, il flusso sonoro si interrompe bruscamente, i musicisti si fermano, un filo sciolto sembra ancora fluttuare perso nell'aria. Anche la compositrice italiana Clara Iannotta parla di perdita nel suo commento. Una malattia l'ha costretta a cambiare nel 2020. Invece di concentrarsi sul suo lavoro, "mi sono sentita persa [...], non so ancora chi sono e cosa sarà la mia musica". Il suo pezzo dove la terra scura si piegacomposto per l'incredibilmente sottile duo di tromboni Rage Thormbones e l'Orchestra Sinfonica della SWR, è stato comunque un primo highlight. Il modo in cui gli assoli, l'orchestra e l'elettronica si fondono in un'unica unità è semplicemente magistrale. L'orecchio è stato coinvolto.

Diffusa e pallida

Non è stato sempre così nelle Giornate musicali di Donaueschingen di quest'anno. In effetti, quest'anno un senso di smarrimento aleggiava su molti brani, ma la musica raramente riusciva ad acquisire una presenza. Alcuni di essi sono rimasti troppo diffusi e impotenti. Persino la composizione poetica e intrinsecamente convincente Vapore - come se tutto tornasse indietroche Elnaz Sayedi ha creato insieme alla poetessa Anja Kampmann, sembrava a tratti un idillio distopico.

Forse è a causa delle circostanze del tempo, no: di questi mesi brutalmente bellici, che si sta diffondendo una certa disperazione, una disillusione che potrebbe non fare presa. Il sassofonista Matana Roberts, ad esempio, in loro Elegia per Tiro: "Benvenuti nel mondo attraverso i miei occhi...".che commemora un afroamericano ucciso dai poliziotti a Memphis, l'Orchestra Sinfonica della SWR ha improvvisato su una partitura testuale, che purtroppo ha sviluppato un'espressività troppo scarsa. I suoni orchestrali erano meno deprimenti del sussurro finale. Il tentativo della statunitense Jessie Marino di creare un senso dell'umorismo nel suo ballate sull'omicidio di bandire la violenza contro le donne attraverso dolci canzoni è completamente svanito. Il pezzo dell'altrimenti brillante percussionista Tyshawn Sorey, Per Ross Gay (il biografo della leggenda della pallacanestro Julius Erving), è passato da un ritmo regolare a un crescendo scintillante alla fine.

Sfumato e istintivo

Nel suo primo anno di direzione ampiamente autonoma, la direttrice del festival Lydia Rilling si è posta il tema della "collaborazione" (oltre a un alto grado di diversità). Sebbene questa sia certamente presente nella tradizione "classica", è limitata ad alcune aree come l'impostazione del testo o l'interpretazione. Il fatto che un'orchestra improvvisi o almeno crei ampie parti di una partitura che può non esistere più o che è grafica è la grande eccezione. Tuttavia, la compositrice francese Éliane Radigue esige proprio questo dai suoi musicisti. Nel suo brano orchestrale Occam Océan Cinquanta l'Orchestra Sinfonica della SWR ha suonato fin da subito secondo le istruzioni della co-compositrice Carol Robinson, per cui lo stile esecutivo e anche la forma erano stati elaborati a grandi linee in precedenza. Il risultato è stato un'esecuzione straordinariamente ricca di sfumature, un vasto paesaggio sonoro.

Tuttavia, quando si trattava di accostare in modo flessibile il free playing, l'improvvisazione, il concetto e l'interpretazione della partitura, i loro colleghi jazzisti erano di gran lunga meglio piazzati. Per il grande quartetto newyorkese Yarn/Wire (con due pianoforti e due percussioni), la sassofonista Ingrid Laubrock e il trombettista Peter Evans hanno creato due brani variegati e stimolanti che hanno portato ancora una volta molta vita e vigore a questo festival. Una conclusione piena di contraddizioni dopo questo fine settimana.

Commovente ed estasiante

Come spesso accade, però, le cose si sono capovolte nel concerto finale. Nel suo toccante pezzo orchestrale, Younghi Pagh-Paan ha commemorato Donna, perché piangi? Chi stai cercando? del defunto marito Klaus Huber. L'italiana Francesca Verunelli ha suonato in Accordare e riaccordare II con vari detunings - e per questo ha ricevuto il Premio SWR per l'Orchestra. Infine, il concerto per pianoforte e orchestra di Steven Kazuo Takasugi ha ancora una volta abbattuto tutti i muri del suono: strati scheggiati, probabilmente generati nell'elettronica con l'aiuto di algoritmi e proseguiti nell'orchestra, si sono riversati sul pubblico, molto forte in alcuni passaggi: una vera gioia! Non c'è più nulla di perso...

Nato a Zurigo nel 1930, Fritz Muggler ha studiato pianoforte, musica scolastica, organo e poi musicologia all'Università di Zurigo con Paul Hindemith e Kurt von Fischer, oltre a storia dell'arte, giornalismo, teoria musicale e composizione. È stato organista a Schlieren per 35 anni e ha scritto per diversi giornali, tra i quali il NZZ. Ha studiato flauto dolce con Hans Martin Linde alla Schola Cantorum Basiliensis. Ha fondato il NewConsortZurich, un ensemble di musica antica in combinazione con la musica contemporanea. Ha frequentato per molti anni il Corso estivo di Darmstadt per la nuova musica. Ha inoltre presieduto la sezione svizzera della International Society for New Music (IGNM).

Nel gennaio 2008, il SMZ un protocollo musicale con Fritz Muggler di Johannes Anders. Contiene informazioni un po' più dettagliate sulla sua biografia (Scaricare PDF).

Fritz Muggler ha raccontato le Giornate musicali di Donaueschingen nella SMZ per molti anni. Alcuni PDF da scaricare:

2007
2008
2009
2010
2011
2012

 

Cronista del modernismo del dopoguerra

Necrologio di Fritz Muggler da parte di Max Nyffeler
(pubblicato in forma leggermente abbreviata nel Giornale musicale svizzero 12/203 del 29 novembre 2023, pag. 31 e seguenti).

Oggi sono piuttosto rari i critici musicali con una formazione completa, che conoscono bene la musica antica e contemporanea e che sono anche musicisti pratici. Fritz Muggler, morto a Zurigo il 25 settembre all'età di 93 anni, era uno di loro. Il pubblico non se n'è quasi accorto. Da tempo si era ritirato dall'attività di critico e si presentava solo ai concerti che lo interessavano personalmente. E per quanto riguarda la musica contemporanea, questi erano sempre meno; si lasciava sfuggire gli ultimi sviluppi.

Contemporaneo delle avanguardie del dopoguerra

Nato nel 1930, Fritz Muggler apparteneva alla stessa coorte di età dei protagonisti dell'avanguardia del dopoguerra: Ligeti, Stockhausen, Nono, Boulez, Kagel, Schnebel... Sui loro lavori ha formato i suoi criteri. Aveva acquisito una profonda conoscenza musicale durante gli studi di pianoforte e organo al Conservatorio di Zurigo e di musicologia con Paul Hindemith, che dal 1951 insegnava all'Università di Zurigo. Tuttavia, da giovane musicista curioso, frequentò anche il corso estivo di Darmstadt. Questo lo rese uno dei pochi conoscitori del nascente serialismo dell'epoca. Mi feci un'idea della sua competenza all'inizio degli anni Sessanta quando, musicologo in erba, partecipai a Zurigo a un seminario sulla musica del XX secolo con Kurt von Fischer - una novità assoluta per un'università dell'epoca. In occasione di questo seminario, von Fischer invitò Muggler a tenere una lezione su Stockhausen - lui stesso non era molto ferrato su questo nuovo argomento. L'apparizione di Muggler fu un beneficio per tutti.

La sua carriera professionale ha attraversato più di mezzo secolo. Dopo gli inizi giornalistici con i quotidiani Diritto nazionale e L'atto è nato nel Neue Zürcher Zeitung per decenni è diventato una voce importante per tutto ciò che è contemporaneo, e ha scritto molto anche per la rivista Giornale musicale svizzeroo più tardi per il Giornale musicale svizzero. Era sempre presente quando c'era qualcosa di nuovo da ascoltare, sia in patria che all'estero. Con un metro e novanta di altezza, era una figura imperdibile, e come conversatore era eccezionalmente amichevole: un ascoltatore attento che tollerava le altre opinioni e ritirava discretamente il proprio ego. Come critico musicale sveglio, annotava le sue impressioni e riflessioni al momento dell'ascolto - in stenografia, in modo da poter seguire la musica per iscritto. I suoi taccuini sono un enorme bagaglio di conoscenze acquisite attraverso l'ascolto e devono aver riempito degli scaffali.

Fatti invece di opinioni

Le dispute appassionate su ciò che è giusto e ciò che è sbagliato, un tempo specialità dei circoli d'avanguardia, non gli piacevano quanto la critica o il suo opposto, il diffuso pandering e il giornalismo marginale di oggi. Non si impegnava nemmeno nei dibattiti socio-politici, perennemente preferiti nelle pagine dei giornali e nei circoli specializzati dopo il 1968, e nei loro sottoprodotti, le teorizzazioni che riempiono i libri. Preferiva attenersi ai fatti riconoscibili e ai risultati solidi e si sforzava di comunicarli ai lettori con un linguaggio semplice e chiaro. Il suo ruolo era quello dell'osservatore razionale, aperto a tutto ciò che era nuovo, che metteva su carta le sue impressioni e le sue riflessioni con un tono semplice e modesto - più un registratore di eventi dal giudizio sobrio che un sostenitore di utopie artistiche. Con questo atteggiamento e la sua profonda conoscenza, Muggler divenne un importante cronista del modernismo del dopoguerra.

Dichiarazioni taglienti

Nonostante il suo liberalismo, non si sottraeva a dichiarazioni taglienti. I suoi resoconti delle Giornate Musicali di Donaueschingen, che ha organizzato fino al 2012 nel Giornale musicale svizzero sono un tesoro di critiche pungenti. Alcune chicche (dai PDF elencati sopra per il download):

• La composizione Apon di Beat Furrer si esauriva anche nei piccoli gruppi sonori, che poi davano sempre spazio all'oratore per un testo che non si riusciva comunque a capire. Furrer ha cercato di ricreare orchestralmente il suono del parlare, cosa che ovviamente non gli è riuscita.
• Informazioni su Bernhard Lang, Monadologia IXLe continue ripetizioni su piccola scala, che sembrano chiacchiere e non portano nulla di nuovo, danno i nervi dopo ben 65 minuti.
• Un problema fondamentale per molti compositori di musica orchestrale postmoderna, tuttavia, è il riempimento del corpo sonoro, che un tempo veniva fatto con materiale accordale. Sia l'italiano Aureliano Cattaneo (...) che il parigino Franck Bedrossian in Se stesso con semplici gruppi di note di una banalità che si sforza, il blah blah blah di quest'ultimo intervallato da goffe esplosioni di potenza. È una musica che ovviamente non si aspetta che si ascoltino i dettagli, che si preoccupa solo dell'aspetto superficiale.

Condanna ed elogio nello stesso respiro

Ma allo stesso tempo, il maestro della critica sintetica sapeva anche lodare:

• Informazioni su Isabel Mundry, Io e teIl pianoforte, anche se solista ed estremamente virtuoso, è totalmente integrato in combinazioni sonore molto precisamente origliate, splendidamente bilanciate e molto complesse, con un suono di pianoforte ronzante e intrecciato. Al contrario, Enno Poppe in Vecchio edificio con espedienti e squilibri tonali.
• Quello che Jennifer Walshe, Clara Maïda e Iris ter Schiphorst hanno richiesto è stato un canto del tutto privo di immaginazione, eternamente ripetitivo, ma altamente impegnativo, pimpato per divertimento con azioni gestuali, mimiche e percussive, e solo la berlinese Sarah Nemtsov con il suo Hoqueti era da prendere sul serio per quanto riguarda le sue capacità di composizione tipografica e utilizzava in modo sensato effetti aggiuntivi.
• Informazioni su Globokar, Radiografia di un romanzoPer tre quarti d'ora è stato incredibilmente denso e, nonostante la varietà di suoni e azioni, compresi gli elementi teatrali, del tutto convincente in termini formali. L'entusiasmo del pubblico, soprattutto dei giovani, è stato enorme.

Organista, presidente IGNM e critico radiofonico

Oltre alla sua professione di critico musicale, Fritz Muggler fu anche molto attivo. Studiò flauto dolce con Hanns-Martin Linde alla Schola Cantorum Basiliensis e poi fondò il New Consort Zurich, oltre a suonare l'organo in una chiesa di Schlieren. Il suo impegno per la musica contemporanea ha trovato espressione organizzativa nei molti anni in cui è stato presidente della sezione svizzera dell'International Society for New Music (IGNM) e direttore dell'IGNM World Music Festival, che si è svolto a Zurigo nel 1991.

Anche Muggler si è concentrato intensamente sul tema della musica nei media. Nel NZZ ha pubblicato per molti anni dettagliate recensioni radiofoniche, un tipo di testo che sarebbe stato importante nell'era dei media, ma che purtroppo oggi non trova più spazio nella stampa. E ciò che va ben oltre l'ambito della critica musicale: da appassionato radiofonico, tra il 1954 e il 1991 ha registrato innumerevoli programmi musicali di stazioni svizzere, tedesche e austriache, creando un archivio unico di documenti sonori.

Garantire l'eredità

Il materiale è stato conservato e inventariato dal 2016 nell'ambito di un progetto di ricerca dell'Università delle Arti di Zurigo con il supporto di Memoriav, l'associazione per la conservazione del patrimonio culturale audiovisivo della Svizzera; in futuro sarà disponibile per gli interessati su richiesta. Originariamente, comprendeva un totale di 946 nastri analogici con oltre 18.000 brani musicali dal Medioevo ai giorni nostri, jazz e musica etnica. Secondo il responsabile del progetto Lukas Näf, sono state aggiunte altre centinaia di nastri dopo un'attenta revisione del patrimonio.

Verrà inoltre analizzata e inventariata la vasta eredità scritta di Muggler. Näf spera che l'enorme quantità di informazioni che l'instancabile giornalista ha assorbito nel corso dei decenni, sia in patria che all'estero, e che ha incorporato nei suoi testi, fornisca una ricchezza di informazioni sulla storia recente della musica svizzera. Un primo progetto, intitolato "Heard abroad", utilizzerà gli scritti di Muggler per documentare la presenza di compositori e interpreti svizzeri ai festival internazionali di nuova musica. Un effetto collaterale a lungo termine di queste attività: La raccolta e la conservazione dei dati culturali sono state un tempo criminalmente trascurate dalle istituzioni responsabili in Svizzera, mentre l'analisi delle fonti private offre ora l'opportunità di compensare almeno in parte le omissioni e di rafforzare la consapevolezza storica.

L'archivio di Fritz Muggler sarà un tesoro per tutti coloro che vogliono approfondire la storia recente della musica e della sua interpretazione, nonché il cambiamento dei gusti musicali dell'epoca. L'arzillo autore e collezionista, che ha superato gli 80 anni, ha supervisionato personalmente il lavoro iniziale di archiviazione presso la ZHdK. I risultati del suo lavoro di cronista del suono e della scrittura, durato tutta la vita, manterranno vivo il suo ricordo.

 

La collezione di nastri di Fritz Muggler alla ZHdK:

https://www.zhdk.ch/forschungsprojekt/tonbandsammlung-fritz-muggler-553597

Progetto di ricerca "Sentito all'estero":

https://www.zhdk.ch/forschungsprojekt/im-ausland-gehoert-schweizer-komponisten-und-interpreten-an-internationalen-festivals-neuer-musik-569891

Memoriav: https://memoriav.ch/de/projects/fritz-muggler/

Sul sito web dell'Elenco delle tradizioni viventi della Svizzera si legge: Naturjodel e Jodellied sono ampiamente riconosciuti come le forme di canto che rappresentano la Svizzera. La Convenzione dell'UNESCO per la salvaguardia del patrimonio culturale immateriale obbliga i Paesi aderenti a redigere tale lista. Lo jodel, secondo la lista, è "una forma di espressione vocale in cui le sillabe fonetiche sono cantate in frequente alternanza tra il registro di petto e quello di testa". Questo cambio di registro crea battiti laringei che vengono resi più o meno udibili a seconda della tradizione canora. Si formano sequenze di note basse e alte alternate, tonalmente diverse. Questa tecnica di canto è presente in tutti i continenti in una varietà di forme caratterizzate da formazioni vocali, lingue e dialetti. Lo jodel è usato anche in Georgia come "Krimanchuli" o nel Nord Europa. Lì, i Sami "jodelano".

Collegamenti geografici

Nel loro film-documentario, i registi Lea Hagmann e Rahel von Gunten e il produttore Thomas Rickenmann ritraggono queste tradizioni canore sami e georgiane accanto all'Appenzell Rugguusseli. Il giovane jodel appenzellese Meinrad Koch, che ha "assorbito il tipico stile regionale di jodel naturale con il latte materno", come dice lui stesso, fornisce il collegamento narrativo. Per il film si è recato in Georgia per incontrare lo studente di musica Ninuca Kakhiani e in Norvegia per incontrare Marja Mortensson, che è tanto brava con le renne quanto con la voce. Insieme al batterista Jakop Janssønn e al suonatore di tuba Daniel Herskedal, fonde in modo affascinante paesaggi sonori moderni, campionamenti e jazz modale con il tradizionale Joik dei Sami del Sud. Herskedal ha anche composto la melodia atmosfericamente armoniosa del titolo del film.

Divisivo dal punto di vista ideologico

Oltre la tradizione è caratterizzato principalmente dalle stupende immagini, virtuosamente composte, dei paesaggi norvegesi, appenzellesi e georgiani. Molte di esse, girate con un drone, estetizzano e trasfigurano gli scenari: Le migrazioni delle mandrie di renne del nord sembrano stormi di uccelli da lontano, i desolati complessi residenziali prefabbricati georgiani sviluppano una poesia propria. Il linguaggio visivo è così forte che rischia di far passare in secondo piano il tema vero e proprio del film e di nascondere anche delle lacune tematiche: da un lato, c'è la questione di come la cruda primitività delle voci della natura possa diventare una forma d'arte, quando questi due fenomeni si escludono a vicenda. In secondo luogo, la casa di produzione Extramilefilms cita esplicitamente "l'esame critico della tradizione e l'inclusione dell'innovazione e della cultura giovanile" come motivo del documentario. Il fatto che la tradizione e il rinnovamento siano spesso percepiti come un conflitto e che questo venga portato avanti emotivamente è poco evidente nel film: il modo in cui i tradizionalisti vedono l'approccio innovativo al vecchio è lasciato aperto.

Oltre a queste differenze, ce ne sono altre: sia Marja Mortensson che Meinrad Koch hanno un rapporto piuttosto particolare con il cibo, a cui bisogna abituarsi. Koch è un tecnologo alimentare che studia il potenziale degli insetti come futura fonte di proteine, mentre Marja Mortensson prepara frittelle con il sangue delle renne macellate. Quest'ultima, in particolare, rompe l'atmosfera di benessere del film e non sembra affatto inserita in modo organico nel contesto narrativo generale.

Argomenti ingombranti

Altri argomenti, più irritanti o ingombranti, che potrebbero disturbare la pace, vengono solo accennati e non realmente sviluppati: Ad esempio, ci si drizza le orecchie quando la carismatica direttrice di coro Tamar Buadze, in Georgia, accenna di sfuggita al conflitto tra l'eredità della socializzazione artistica nell'Unione Sovietica e una concezione moderna della cultura (che, per inciso, si applica in parte anche alla cultura sami). Anche la politica repressiva degli scandinavi, che hanno spinto lo yoiking nell'oscurità con divieti statali, è solo accennata.

Avremmo voluto saperne di più anche quando Meinrad Koch ammette che l'approccio spiritoso, creativo e originale dell'"Hitziger Appenzellerchor" - i filmati con l'ensemble fondato da Noldi Alder sono molto rinfrescanti - al patrimonio culturale dell'Appenzello non ha suscitato l'entusiasmo dei soli tradizionalisti. Ciò che rimane dell'esperienza cinematografica sono immagini toccanti, a volte di una bellezza travolgente, e la riuscita sintesi di poesia paesaggistica e tessiture vocali che fanno dimenticare il tempo e il presente al cinema.

140 suonatori di corno di età compresa tra i 7 e gli 80 anni sono stati seguiti da 15 istruttori, rendendo le Giornate del Corno di Soletta uno dei più grandi festival del corno in Europa.

Personalità di fama internazionale come Frøydis Ree Wekre, Pascal Deuber, Jörg Brückner, Christian Lampert, Anneke Scott, Olivier Darbellay e altri corni solisti di alto livello provenienti da Parigi, Budapest, Lucerna e insegnanti di musica dalla Svizzera hanno formato un team amichevole.

I tre concerti sono stati un'attrazione importante: Strauss Sinfonia alpina con l'organista Nadia Bacchetta nella Chiesa cittadina riformata e il concerto di gala solistico dei docenti nella sala da concerto hanno offerto il massimo livello di arte del corno. Infine, tutti i partecipanti si sono esibiti in un programma vario nell'auditorium della scuola cantonale - una testimonianza impressionante di ciò che si può ottenere in pochi giorni di prove.

L'obiettivo principale delle giornate dedicate al corno era quello di suonare insieme in piccoli e grandi ensemble per mettere in pratica in gruppo quanto appreso durante l'anno nelle lezioni individuali. Questo obiettivo è stato pienamente raggiunto in vari gruppi di esecuzione. Le lezioni di gruppo sono state integrate da lezioni individuali, che potevano essere seguite a piacimento.

Le Giornate del Corno sono state completate dalle esposizioni di Music Spada AG, Zoltan Juhasz Naturhörner e Buffet Crampon.

Visto il successo, si è deciso di organizzare il prossimo evento dal 13 al 15 settembre 2024.

Il programma comprende il Concerto per violino di Brahms e il Requiem di Mozart. Nel mezzo, Peter-Lukas Graf, il decano della corporazione dei flautisti, eseguirà l'Andante in do maggiore KV 315 di Mozart. I concerti con vendita di biglietti avranno luogo dal 27 al 29 ottobre a Zurigo, Lucerna e Berna. La prova generale del 26 ottobre nella Martinskirche di Basilea è aperta al pubblico. Il solista del concerto per violino sarà Elea Nick nelle prime due serate, mentre Alexandre Dubach si esibirà a Lucerna e Berna.

Ulteriori informazioni:  https://www.philharmonicacademy.ch

Intervista su SRF in occasione del 90° compleanno di Peter-Lukas Graf

https://www.srf.ch/news/90-geburtstag-peter-lukas-graf-ein-leben-mit-der-floete

Come il Musikkollegium Winterthur Dominik Deuber lascerà l'ensemble alla fine di luglio 2024. Ha guidato l'ensemble dall'agosto 2020 e "nella sua funzione di Direttore
e ha contribuito a trasformarlo in un'istituzione riconosciuta a livello nazionale e internazionale". Oggi il Musikkollegium Winterthur è affermato in tutta la Svizzera e in Europa. Sotto la sua guida, il numero di abbonati è triplicato.

Secondo Philipp Stoffel, presidente del Musikkollegium Winterthur, l'orchestra è riluttante a lasciare andare Deuber, ma vede un'opportunità per lui alla Norddeutscher Rundfunk (NDR). Il piano di successione sarà avviato.

Con la sua morte, avvenuta all'inizio di dicembre 2022, non solo abbiamo detto addio a una grande musicista e pianista, ma anche a una donna straordinaria che è stata una persona significativa per innumerevoli persone nel loro percorso di vita. La passione di Eva Serman per la musica andava di pari passo con una profonda riverenza per la vita, una consapevolezza dell'unicità di ogni persona e una palpabile gratitudine per il dono e il compito di poter dedicare la sua vita alla musica e alle persone.

Nata a Keszthely/Ungheria nel 1937, ha iniziato gli studi di pianoforte a Budapest e li ha proseguiti con Hubert Harry al Conservatorio di Lucerna dopo essere emigrata in Svizzera nel 1958. Qui ha insegnato pianoforte e musica da camera per 40 anni a partire dal 1963. Ha anche formato pianisti attraverso l'Associazione Pedagogica Svizzera, è stata membro del consiglio direttivo, responsabile dell'organizzazione della letteratura pianistica per gli esami di livello e ricercata esperta. È stata anche membro regolare della giuria di concorsi, tra cui il Concorso svizzero di musica per la gioventù.

Eva Serman ha coltivato un ampio repertorio pianistico e cameristico ed è sempre stata desiderosa di esplorare e approfondire una grande varietà di generi musicali. Aveva un amore particolare per gli strumenti a tastiera storici. Su questi, così come sul moderno pianoforte a coda, era un'insegnante e una concertista sicura, anche al Festival Internazionale di Musica di Lucerna.

Eva Serman è stata un'insegnante e una pianista competente e impegnata con i suoi studenti. Inoltre, aveva il dono di riconoscere non solo le sue capacità pianistiche, ma anche le varie sfaccettature della sua umanità. È stata un valido sostegno per molti all'interno dell'università, una musicista stimolante e una persona a cui saremo grati anche dopo la sua morte.

 

Il programma prevede un mottetto a quaranta voci, ma sul palco ci sono solo due cantanti che si alternano. Le quaranta voci del brano, della durata di nove minuti, non sono cantate simultaneamente, come avverrebbe normalmente, ma una dopo l'altra. Ogni voce viene registrata individualmente, mixata con le precedenti e riprodotta in sala attraverso sedici altoparlanti mentre uno dei cantanti canta la successiva. Invece di nove minuti, ci vogliono quaranta volte nove minuti, cioè sei ore di musica pura e, con le pause, otto.

Il mottetto si chiama Spem in alium e fu probabilmente eseguita a Londra nel 1573 per il quarantesimo compleanno della regina Elisabetta I; il compositore è Thomas Tallis, una celebrità del suo tempo, i due cantanti sono il controtenore Terry Wey, che sale senza sforzo nel registro di soprano, e il basso-baritono Ulfried Staber; sono membri dell'ensemble vocale viennese Cinquecento e si esibiscono nel progetto Tallis con il nome di "voci multiple".

Come nasce un suono monumentale

L'esibizione è stata un punto focale del festival autunnale dell'Università di Roma. Forum di musica antica di Zurigo. Chiunque abbia avuto il tempo di trascorrere una domenica di ascolto nella spaziosa chiesa neorinascimentale di Zurigo-Enge è stato testimone di un esperimento affascinante. Si è assistito al lento sviluppo di una magnifica opera vocale che, voce dopo voce, si è trasformata in un monumentale evento sonoro. Con la sua rete ondulata di voci, ha fornito un'esperienza spaziale non inferiore a quella dell'originale con otto sottocori distribuiti in tutta la sala. La riduzione a due soli cantanti, supportati da una tecnica sensibile (Markus Wallner e Bernd Oliver Fröhlich), ha fatto sì che venisse meno l'interazione cromatica della musica policorale, ma la purezza e l'omogeneità del suono hanno reso l'esperienza d'ascolto non meno emozionante.

I concerti dell'Early Music Forum, guidati dalla flautista barocca Martina Joos e dall'ex redattore radiofonico Roland Wächter, che si tengono ogni anno a marzo e a settembre, presentano sempre programmi originali, portando così la musica delle epoche precedenti al pubblico di oggi in modo intelligente. Oltre allo zoccolo duro di più di duecento membri dell'associazione, attirano anche altri ascoltatori i cui interessi vanno oltre il repertorio classico standard. E ciò che può sorprendere alcuni è che questa musica non suona affatto strana alle nostre orecchie. Nel mondo sonoro di un mottetto di Tallis o di una canzone di John Dowland è facile riconoscere le radici della nostra moderna concezione della musica.

Pratica concertistica trans-storica

Oltre a Tallis, il festival autunnale di quest'anno si è concentrato sul "triumvirato" di William Byrd, John Dowland e Henry Purcell, i primi due compositori di spicco dell'epoca elisabettiana e il terzo figura di spicco della musica barocca inglese. Tutti e quattro sono stati presentati nel concerto di apertura, in un mix di opere sacre e profane tipiche del periodo. Come una piccola finestra sul nostro tempo, è stato ascoltato il movimento corale composto poco prima della Seconda Guerra Mondiale, tra un'opera e l'altra. Avanzamento, democrazia di Benjamin Britten, considerato in Inghilterra il legittimo erede di Purcell. Gli interpreti erano il Vokalensemble Zürich West diretto da Marco Amherd. Il giovane ensemble, vincitore di un premio nella categoria d'élite del Concorso Corale Svizzero, ha mostrato ciò che deve alla sua fama con la sua contagiosa gioia di fare musica e la sua melodiosità senza peso.

L'idea del programma di combinare vecchio e nuovo è stata anche l'ispirazione per il concerto di tre membri dell'Ensemble thélème. Brani del 1600 pubblicati Secondo Libro dei Canti di John Dowland alternati a numeri solistici tratti dai canzonieri di John Cage. Un'idea non convenzionale che è stata accolta con entusiasmo dal pubblico. L'unico momento di noia sono stati gli intermezzi scenici della durata di un minuto, come la posa delle carte e l'allacciatura dei lacci delle scarpe - un riferimento alle operazioni casuali che spesso facevano parte dell'attività compositiva di Cage. Mancava l'attitudine a una drammaturgia concertistica coerente. Il transistorismo, praticato in qualche misura sia qui che con il Vokalensemble Zürich West, potrebbe tuttavia rivelarsi un modello promettente per il futuro.

Compositore tra i tempi

Il secondo punto focale del festival è stata l'esibizione della Messa Solenne a 3 Cori di Franz Joseph Leonti Meyer von Schauensee (1720-1789) eseguito dall'ensemble vocale Larynx e dal Capricornus Consort Basel sotto la direzione di Jakob Pilgram. Il compositore, oggi in gran parte dimenticato, figlio di un patrizio lucernese con ottime conoscenze nell'establishment ecclesiastico e sociale del suo tempo, fu consigliere, ecclesiastico, organista e direttore di banda alla Hofkirche di Lucerna e talvolta condottiero mercenario in Italia. Abile in tutti i mestieri, diede libero sfogo al suo entusiasmo compositivo dopo aver completato la sua formazione musicale a Milano. Nella sua Messa del 1749, che dura più di due ore e che ora è stata resa di nuovo accessibile in un'edizione critica da un'équipe di musicologi ginevrini, ciò si riflette in una ricchezza di idee a volte originali, a volte poco elaborate e in un uso estremamente generoso del tempo; i primi due movimenti della Messa durano da soli settanta minuti.

Elementi concertanti sacri e profani si affiancano. Ogni movimento di massa è introdotto da una breve Sinfonia, un riferimento alla prassi sinfonica della Scuola di Milano. Con gli ottoni squillanti e una firma di tempo quattro-quattro inchiodata all'alternanza tonica-dominante, prevale di solito un tono festoso e pomposo, che si riversa persino nel primo Kyrie all'inizio. In linea con le convenzioni dell'epoca, tra i movimenti della messa vengono inseriti tre offertorio e - sempre con molta fanfara - anche una rudimentale battaglia strumentale. Ma il compositore era anche in grado di toccare altre note. Lo dimostrano i giocosi effetti di eco, il passaggio del Crucifixus a tinte fosche o l'aria in fortissimo con tre bassi che segue il Sanctus. E duecentocinquant'anni prima dei famosi tre tenori, Meyer von Schauensee aveva già un trio in questo registro.

Con tutto il suo sfarzo, la messa respira lo spirito dell'epoca galante, che si manifesta nell'armonia e nel metro semplificati, oltre che in una piacevole melodia. L'uso formulaico di figure barocche e i resti di un basso continuo armonicamente affamato caratterizzano l'opera come un prodotto tardivo di un'epoca in uscita.

La caratteristica principale della messa, tuttavia, è la sua struttura a tre parti. Meyer von Schauensee la compose per i canonici dell'abbazia di Beromünster, dove ci sono tre gallerie, ciascuna con un organo. Nella Fraumünster di Zurigo, questa disposizione delle sale era utilizzata solo in misura limitata. La situazione era presumibilmente diversa nella chiesa del monastero di Muri, dove la messa fu eseguita per la seconda volta pochi giorni dopo. La messa è stata registrata dalla radio e dalla televisione e sarà trasmessa nella prossima edizione del programma "La vita di un uomo". Giovedì 5 ottobre alle 20.00 su SRF 2 Kultur trasmesso in televisione (con una selezione di frasi) il 24 dicembre alle 21.45 circa.

 

In occasione della riunione conclusiva del 18 e 19 settembre a Ratisbona sulle questioni di politica musicale transnazionale, i responsabili dei consigli musicali di Germania, Austria e Svizzera (D-A-CH) hanno rilasciato una dichiarazione sull'attuazione della dichiarazione dell'Unesco "Mondiacult": La cultura si crea localmente. Il contesto è la Conferenza mondiale dell'Unesco sulla politica culturale e lo sviluppo sostenibile "Mondiacult" del 2022, in cui la cultura è stata dichiarata "bene pubblico globale".

I Consigli musicali D-A-CH scrivono nella loro dichiarazione: "La coesione sociale si crea attraverso gli incontri locali. La politica culturale è una politica sociale che, in quanto compito trasversale, è di competenza di quasi tutte le commissioni parlamentari e dei dipartimenti governativi nel contesto degli accordi europei e internazionali."

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Alla fine, il vincitore del Grand Prix Music e il Presidente federale si esibiscono in un duetto. E si pensa: in che paradiso viviamo, dove politica e cultura vanno così d'accordo, dove c'è una tale armonia. Alain Berset, ora al pianoforte a coda, ha anche eseguito in precedenza un programma davvero spiritoso che rende omaggio alla grande carriera del trombettista. Erik Truffaz con ammirazione e umorismo.

Carlo Balmelli, Mario Batkovic, Lucia Cadotsch, Ensemble Nikel, Sonja Moonear, Katharina Rosenberger, Saadet Türköz, Rocce di Helvetia, Spazio d'arte Walcheturm, Pronto. - Anche tutti gli altri vincitori sono stati accolti con un caloroso applauso, e l'elegante libretto del programma e le elaborate registrazioni video di ognuno di loro non hanno bisogno di dimostrare che tutti hanno più che meritato questo premio e il denaro in palio. Non si può che essere d'accordo quando Erik Truffaz, nel suo discorso di accettazione, ringrazia ancora una volta la Svizzera per aver inventato un premio che premia le persone che si prendono cura dell'anima.

Queste anime elvetiche, diversamente composte, amano anche musica e attività musicali molto diverse tra loro. La maggior parte del cibo dell'anima premiato questa sera è urbano, sperimentale, d'avanguardia e ibrido. (Tra l'altro, gran parte di esso risponde esattamente agli obiettivi del nuovo messaggio culturale e soddisfa alla perfezione i numerosi criteri di finanziamento di Pro Helvetia). E così il paradiso musicale locale sembra improvvisamente piccolo. Il vincitore del premio Rosenberger lavora insieme al vincitore del premio Walcheturm, il vincitore del premio Cadotsch è accompagnato nella sua performance dal vincitore del premio 2014 Julian Sartorius, il vincitore del premio Tuffaz si è spesso esibito con la vincitrice del premio 2016 Sophie Hunger. E ringrazia Pro Helvetia per averlo sostenuto così spesso in tournée.

La "responsabilità nei confronti dei suoni" che Mario Batkovic affronta nel suo discorso è qualcosa che anche molti altri in questo Paese soddisfano. Naturalmente, stasera si celebra il top. Anche questo è vero. Ma - è un'ovvietà - il top può sopravvivere solo su una base ampia. E spesso deve fare i conti con spine e cardi, come gli esuli dal paradiso. Parola d'ordine musica scolastica: la Confederazione rimane nascosta dietro le nuvole del federalismo invece di - sogno! - di convincere a spada tratta i Cantoni a dotare questa materia di personale solidamente formato e di sufficienti lezioni obbligatorie. Anche la musica amatoriale, i cori e le società musicali sarebbero terreno fertile e grato per una maggiore attenzione nazionale. In modo che possano, ad esempio, assumere a condizioni eque un direttore d'orchestra, un maestro di canto o un direttore di coro con una formazione professionale.

Nel video c'è una sequenza parlante su Carlo Balmelli. Il vincitore del premio ticinese si trova da solo su un palco e dirige. Dirige nel vuoto, senza orchestra di fiati, senza base. Un momento cinematografico, certo, ma comunque un'esibizione spaventosa.

È stato bello passare una serata in paradiso. Forte di questa esperienza, la politica musicale nazionale può ora pensare a come far scorrere un po' più abbondantemente il latte e il miele fuori dal Paese.

Il Concorso Tibor Varga si tiene a Sion ogni due anni. È il più importante concorso internazionale per violinisti di età inferiore ai 26 anni in Svizzera. Quest'anno si sono registrate 149 iscrizioni, 24 partecipanti sono stati ammessi al primo turno e 12 al secondo. L'età media era di 21 anni.

L'uomo di Altendorf Raphael Nussbaumer è stato in grado di affermarsi contro la concorrenza internazionale, in parte molto più antica. Dal 2012 è docente di Philip A. Draganov, attualmente all'Università delle Arti di Berna (HKB).

Il concorso è stato vinto da Seohyun Kim, 14 anni, della Corea del Sud, mentre il terzo premio è andato a Rennosuke Fukuda, 23 anni, del Giappone.

I migliori diplomati del Master Specialised Performance, il più alto livello di formazione musicale classica, ricevono il Premio Eduard Tschumi dell'Università delle Arti di Berna (HKB).

Quest'anno sono stati premiati il soprano Julia Frischknecht, della classe di Christian Hilz, e il violista Lukas Stubenrauch (specializzazione in Nuova Musica). I due hanno vinto un premio di 7.000 franchi svizzeri ciascuno. Grazie alla Fondazione Bürgi-Willert, Frischknecht avrà l'opportunità di esibirsi nell'ambito del programma stagionale dell'Orchestra Sinfonica di Berna.

 

Originariamente specializzato nella musica rinascimentale, l'Ensemble Orlando si è trasformato in un gruppo vocale professionale nel corso di quasi 30 anni dalla sua fondazione sotto la direzione di Laurent Gendre. La sua formazione variabile è composta da dieci a trenta cantanti. Il repertorio si estende fino al XVIII secolo. L'ensemble collabora con diverse orchestre, si esibisce in patria e all'estero e ha registrato diversi CD.

L'ensemble vocale ha ancora sede a Friburgo. Tuttavia, alcuni dei cantanti provengono dalla Svizzera tedesca e in futuro l'ensemble vorrebbe farsi strada maggiormente nelle regioni di lingua tedesca. Per lui è importante anche il collegamento tra le generazioni. Ad esempio, i membri fondatori cantano ancora oggi con l'ensemble, trasmettendo la loro diversa esperienza ai giovani cantanti che si sono aggiunti di recente. Inoltre, nel 2022 ha realizzato un progetto con la Scuola di Musica dell'Università di Scienze Applicate della Svizzera Occidentale (HEMU). 19 studenti di canto hanno avuto modo di conoscere i metodi di lavoro di un coro professionale esibendosi in un concerto insieme all'Ensemble Orlando.

https://orlando-fribourg.ch

 

Quasi tutti i cantoni inviano a Bellinzona i loro rappresentanti di musica popolare. La maggior parte dei gruppi proviene dal Ticino (56) e da Berna (39), alcuni anche dall'Italia (5).

Si esibiranno formazioni dalla A, come gli Alpini della Scuola di Musica di Lucerna, alla Z, come gli Zampognari Del Piano. Si esibiscono in 17 sedi diverse, alcune delle quali di fronte a esperti.

Il festival del vino ticinese PerBacco si svolge parallelamente al festival di musica popolare!

Programma dettagliato su bellinzona2023.ch

Con tre anni di ritardo, il Kampus Südpol è stato finalmente inaugurato ufficialmente con una festa a Lucerna-Kriens. Sono state coinvolte non meno di otto istituzioni: Kulturhaus Südpol, Scuola di Musica della Città di Lucerna, Teatro di Lucerna, Orchestra Sinfonica di Lucerna, Università di Musica di Lucerna (HSLU), Musik Hug, Haus der Instrumente e la casa di prova Werft. Quello che doveva essere un festival si è rivelato più che altro un "open day" in un campus ancora in costruzione.

Appena arrivati, ci siamo resi conto che il campus non è affatto cresciuto in modo organico. Da un lato c'è il "Südpol", l'edificio più "antico", una struttura poco appariscente che ospita la Scuola di musica della città di Lucerna, le sale prova del Teatro di Lucerna e due sale per la cultura alternativa. Di fronte, la casa dell'orchestra dell'Orchestra Sinfonica di Lucerna, inaugurata nel 2020, risplende d'argento. L'Università della Musica, inaugurata nel 2020, si distingue da questi due edifici. Non c'è quindi un concetto di sito ben studiato.

Una posizione di partenza notevole ...

Le istituzioni coprono fasi importanti della carriera musicale e possono operare in rete in un'unica sede: dalla formazione di base all'istruzione superiore e alla pratica creativo-professionale. Ciò che sembra così affascinante in teoria è un compito erculeo in pratica, poiché ogni segmento funziona in modo diverso e ha esigenze diverse. Il giorno scelto per la celebrazione è stato quindi il 2 settembre, quando l'università e la LSO sono ancora in modalità estiva e le sale non sono occupate per la giornata di lavoro.

La scelta degli spettacoli nel corso delle sette ore è stata vastissima e ha spaziato da esibizioni intime di singoli individui a prove di orchestre di fiati o a un workshop di "formazione attoriale pratica". Sono state utilizzate sale che vanno dal palcoscenico del Teatro Lucerna e dalle sale della scuola di musica a quelle dell'orchestra sinfonica e dell'università. Sono state occupate anche sale prova individuali. La gamma di luoghi disponibili qui è sorprendente e stimolante.

Tuttavia, il numero di visitatori è stato modesto e non c'erano segni di un'atmosfera festosa o di un trambusto negli edifici. È stato forse a causa di una mancanza di interesse o di una pubblicità troppo scarsa? I segnali di orientamento all'interno e tra gli edifici erano rudimentali, bisognava orientarsi in qualche modo. Tuttavia, è giusto dire che chi non è venuto si è perso molto, come ha dimostrato la visita del sito.

... per soli e tutti ...

I visitatori hanno potuto incontrare singoli musicisti della LSO nelle sale prove dell'edificio dell'orchestra. Nella sala prove, oltre 80 giovani dell'Orchestra Giovanile di Fiati di Lucerna, sotto la direzione del loro direttore Sandro Blank, hanno presentato un programma di un'ora che eseguiranno al Festival Svizzero della Musica Giovanile di San Gallo.

Vale la pena di ascoltare come i giovani musicisti, a volte in formazione completa, a volte come solisti, hanno illuminato le sfaccettature della musica per ottoni e come hanno eseguito con precisione gli strumenti a percussione. Sono state eseguite opere di Teo Aparicio-Barberán e Amir Malookpour - purtroppo non c'era un foglio di programma. Anche l'acustica della sala, che offre condizioni ideali per la LSO, era sorprendente.

La scuola di musica produce rotoli più piccoli. Le sue due sale non sono acusticamente ideali, ma offrono una varietà di usi. Nella piccola sala del festival sono stati offerti corsi di prova di "canto genitori-bambini", che però hanno attirato poca attenzione. La scuola di musica ha avuto una presenza variegata, ad esempio con la sua band A-la-Ska, composta da musicisti adulti dilettanti. Nella sala piccola, Monica Faé-Leitl ha presentato due gruppi di flauti dolci e ha dimostrato come sia possibile coinvolgere anche i bambini meno musicali.

Il quartetto di clarinetti dell'università si è esibito nella sala Salquin dell'edificio universitario, così come i giovani del programma "Talent Promotion Music Canton Lucerne". Hanno presentato i loro brani in condizioni professionali con sorprendente disinvoltura. Qui è stato possibile ammirare anche la "sala d'ascolto" di alto livello, arricchita da un'enorme collezione di vinili e utilizzata attivamente dagli studenti. Tuttavia, è un fatto poco noto che l'"HörRaum", proprio come la biblioteca, è aperto anche ai non studenti.

Nei pressi del Kampus è stata appena inaugurata la Haus der Instrumente (Collezione di strumenti musicali di Willisau fino al 2022), che il direttore Adrian Steger intende trasformare in un luogo di "musica e artigianato". Si sta già pensando a una collaborazione con l'Università di Scienze Applicate e Arti di Lucerna, con uno studente di Master che costruirà strumenti sperimentali nello studio dell'edificio.

... per quanto riguarda il pubblico

È proprio questa coesistenza di giovani e anziani, di professionisti e dilettanti, che rende questo campus così speciale e ha un tale potenziale. Il mondo dei concerti è ricco di giovani talenti, ma un panorama concertistico fiorente comprende anche il pubblico che dovrebbe esserne attratto. Sale da concerto come la sala prove della LSO o le tre sale dell'Università della Musica offrono la possibilità di ascoltare un concerto senza alcun timore di soglia.

Attualmente nel campus si tengono circa 700 eventi all'anno. Anche la cooperazione tra le istituzioni ha contribuito a questa cifra e sarà ulteriormente ampliata.