Jürg Halter ha usato questo titolo per il suo intervento al simposio "Sprachkunst in der Musiktherapie" alla ZHdK. Improvvisando, ha riflettuto sulla comprensione e sull'essere compresi e si è mosso virtuosamente nelle transizioni tra linguaggio, musica e performance fisica.
Niklaus Rüegg
(traduzione: IA)
- 07 febbraio 2024
Jürg Halter si è esibito al simposio della ZHdK "Sprachkunst in der Musiktherapie" il 26 gennaio 2024. Foto: zVg/ZHdK
Termini come linguaggio musicale, parola musicale e linguaggio del corpo indicano che il linguaggio, la musica e il corpo si relazionano l'uno con l'altro e sono addirittura reciprocamente dipendenti. Idealmente - e non solo gli artisti di teatro lo sanno - i tre elementi si condensano in un insieme artistico.
Il simposio "Le arti linguistiche nella musicoterapia" del 26 e 27 gennaio all'Università delle Arti di Zurigo (ZHdK) si è concentrato sulle "transizioni tra linguaggio e musica". Esperti provenienti dai campi della letteratura, della musica, della performance e della terapia hanno fatto luce su questo tema ombrello da diverse prospettive nel corso di conferenze e workshop. Beate Roelcke e Diandra Russo hanno moderato l'evento.
La musica e il linguaggio sono utilizzati in terapia in modo responsabile e scientificamente valido, ma anche in modo artistico e creativo. Michael Eidenbenz, direttore del Dipartimento di Musica della ZHdK, ha detto nel suo discorso di benvenuto: "Chi fa musica ha la responsabilità di fare buona musica. Questo è ancora più vero in un contesto terapeutico".
I tre interventi principali hanno coperto un'ampia gamma di aspetti: Sandra Lutz Hochreutener ha parlato del quadro scientifico della musicoterapia con il titolo "Corpo, musica e linguaggio delle parole in dialogo a tre" e ha illustrato il suo lavoro con esempi pratici. Benjamin Hoeltje ha parlato della "musicoterapia rap", che funziona bene con i "giovani a rischio", mentre il noto autore, poeta, performer e artista visivo svizzero Jürg Halter si è rivelato la persona perfetta per dimostrare l'importanza del linguaggio in combinazione con la musica in forma artistica.
Combinare senso e suono
Jürg Halter ha lavorato con successo come poetry slammer e come personaggio di fantasia Kutti MC. All'inizio della sua conferenza "Please, I'm trying to speak" (Per favore, sto cercando di parlare), ha subito presentato il titolo in modo scenico. Balbettando e lottando con le parole, si è fatto strada verso il palco e ha discusso la sua comprensione del linguaggio usando molti esempi e citazioni, alcuni tratti dalle sue stesse poesie. Si aggirava inquieto tra due leggii, come se cercasse di raccogliere le sue argomentazioni. In realtà, ha parlato liberamente e ha improvvisato per lunghi tratti. "Quando mente e corpo si uniscono, il linguaggio può emergere", ha detto e ha continuato: "Senso e suono, vi unirò". L'intreccio delle parole deve sempre avere un ritmo. Lui la chiamava "musica delle parole". Non si limitava a citare, ma eseguiva i brani del testo, li rivestiva di un canto particolare e li dotava dei freschi movimenti in avanti delle braccia che gli erano familiari nel rap.
Nessuna paura di fallire
L'improvvisazione nella musica e nel linguaggio ha molto a che fare con la consapevolezza e l'espansione di sé, ha spiegato Halter, ricollegandosi così al tema dell'evento. Egli si espone consapevolmente alla paura di fallire e non prepara mai le performance nei minimi dettagli. Gli piacciono le persone che si espongono al rischio di imbarazzo. "Tuttavia, la questione è a quale livello si fallisce", ha aggiunto con un sorriso. Per prepararsi a un'improvvisazione, entra in uno "stato tra la concentrazione assoluta e il lasciarsi andare".
Ha dimostrato le sue capacità di improvvisazione in modo sorprendente con una performance spontanea basata sul termine "papere" datogli dal pubblico. Dopo poco tempo, si è trovato in una sorta di trance. Come se stesse leggendo da un immaginario gobbo, ha recitato un testo perfetto nella sua insensatezza.
"Il linguaggio è il tentativo di farsi capire", ha sottolineato Halter, eppure il pericolo di essere fraintesi lo accompagna. L'obiettivo sarebbe quello di trovare un linguaggio comune in cui i malintesi possano essere ampiamente evitati. La riflessione critica sul mezzo linguistico è indispensabile per le persone pensanti.
Le trouvailles di Mendelssohn eseguite
A gennaio, il duo pianistico Soós-Haag ha suonato per la prima volta le cadenze di Felix Mendelssohn al Concerto per due pianoforti e orchestra K. 365 di Mozart, che avevano scoperto qualche tempo fa alla Fondazione Sacher.
Verena Naegele
(traduzione: IA)
- 26 Gen 2024
Duo pianistico Soós-Haag Foto: Irene Zandel
Anni fa, il Duo pianistico Soós-Haag due cadenze di Felix Mendelssohn per il Doppio Concerto K. 365 di Mozart, che finalmente poté essere eseguito a Lindau, Liestal, Lutry e Boswil. Ivo Haag spiega la ricerca dell'epoca: "In una lettera del 1° giugno 1832 alla sua famiglia a Lipsia, Mendelssohn scriveva da Londra che quella sera avrebbe suonato il doppio concerto di Mozart con Ignaz Moscheles e che per l'occasione aveva scritto 'due lunghe cadenze'".
Grazie a una soffiata di Ralf Wehner del Centro di ricerca Mendelssohn di Lipsia, sono venuti a sapere che queste cadenze "londinesi" si trovano presso la Fondazione Paul Sacher di Basilea. Fino ad allora erano note solo a pochi specialisti. Haag descrive il momento della scoperta come "magico": "Mi sono subito reso conto che si trattava di materiale molto interessante ed ero determinato a metterlo in una forma eseguibile". Poiché i manoscritti sono sopravvissuti solo come frammenti, le cadenze hanno atteso a lungo di essere completate ed eseguite.
In concerto da Catene dal 20 gennaio presso la Künstlerhaus Boswil Il doppio concerto di Mozart è stato inserito in opere di Bach, Veress e in una sinfonia di Mozart. Nel Concerto in do maggiore BWV 1061 di Bach, originariamente previsto per due strumenti a tastiera senza orchestra, il duo Soós-Haag è stato in grado di dimostrarne le qualità: la competizione tra i due partner alla pari nel primo movimento o il sottile Siciliano. I due pianoforti hanno superato l'accompagnamento un po' fiacco dell'Ensemble Chaarts.
Nel Quattro danze transilvane ma poi ha alzato il tiro. Veress trasformò abilmente la musica popolare della sua terra in un'opera per orchestra d'archi di grande intensità. La composizione fu eseguita per la prima volta da Paul Sacher a Basilea nel 1950. Il patrimonio di Veress, come le cadenze di Mozart/Mendelssohn, è conservato presso la Fondazione Sacher.
Le danze si svolgono secondo la tradizione della buona suite. "Lassú" colpisce per il suo gesto romantico, seguito da una danza saltellante in "Ugros". La malinconica "Lejtös" inizia con una sostenuta melodia di viola, mentre "Dobbantós" presenta un finale energico, in cui il direttore d'orchestra Gábor Takács-Nagy salta addirittura sul palco.
L'interpretazione portava la firma inconfondibile di Chaarts, che si è fatta sentire ancora di più nella Sinfonia n. 29 in la maggiore K. 201 di Mozart. Archetto energico, quasi eccessivo, energia di altissima intensità con fraseggio breve. Anche l'Andante corrispondeva a questo approccio altamente dinamico: secondo la partitura, tutti gli archi dovrebbero suonare con la sordina, il che produce un suono morbido ed enigmatico. Era forse intenzionale che alcuni musicisti mancassero della sordina? In ogni caso, l'effetto sordino prescritto è andato perduto. (cfr. la controdichiarazione di Andreas Fleck*.)
Nato dall'improvvisazione
Il fulcro della serata, tuttavia, è stato il doppio concerto di Mozart con le due cadenze sconosciute. Il duo Soós-Haag è riuscito a ottenere i servizi di Robert David Levin per completare la proprietà perduta. È estremamente raro che i manoscritti delle cadenze sopravvivano e quindi Levin, che si è fatto un nome con le ricostruzioni di opere mozartiane, si è subito interessato. È particolarmente emozionante che esistano cadenze originali di Mozart suonate "a tempo".
E con Mendelssohn? A differenza di Mozart, è evidente che le cadenze di Mendelssohn sono state scritte a partire dall'improvvisazione, come spiega Haag: "Sono strutturate in maniera più libera; Moscheles e Mendelssohn amavano spesso improvvisare insieme. Quella per il primo movimento è più o meno scritta, ad eccezione di un passaggio nel primo piano, che si basa su un'improvvisazione non annotata di Moscheles. Robert Levin ha completato questo passaggio in modo congeniale. Il materiale di abbozzo per il terzo movimento è molto rudimentale". Quindi Levin ha dovuto aggiungere altro.
Come ascoltatore al concerto, mi sono naturalmente chiesto come avrebbe potuto suonare: più come Mozart o più come Mendelssohn? La risposta è stata sorprendente sotto diversi aspetti. Da un lato, Mendelssohn spalanca le porte al Romanticismo, è più libero, più audace nelle sue armonie, e dà ai due solisti un'ampia parte ciascuno. Il duo pianistico Soós-Haag non ha avuto bisogno di essere interpellato due volte, interpretando abilmente le peculiarità, agogicamente raffinate e quasi improvvisando.
Si rimpiange la brevità della seconda cadenza; si sarebbe voluto ascoltare più a lungo la parte del basso e le ghirlande in stile chopiniano. L'Ensemble Chaarts diretto da Gábor Takács-Nagy è riuscito a trovare l'equilibrio tra classico e romantico con un approccio più morbido, un fraseggio più lungo e una melensa cantilena per oboe. Le cadenze arricchiscono il repertorio e probabilmente saranno pubblicate.
* Controdichiarazione di Andreas Fleck, Ensemble Chaarts, datata 8 maggio 2024:
Mozart (come al solito) prescrive solo sordine per i violini (vedi schermata della partitura qui sotto)
tutti i violinisti hanno suonato con la sordina e di conseguenza gli altri (6) non l'hanno fatto.
Il video registrato mostra (nel concerto di due giorni dopo) che tutti i violinisti hanno indossato le sordine come una cosa ovvia.
Nota dell'editore: la modifica o l'aggiunta è stata eseguita il 13 maggio 2024.
Ars Electronica Forum Vallese 2024
Sono stati annunciati i risultati del 9° concorso Ars Electronica Forum Valais per la musica acusmatica. Le opere vincitrici saranno eseguite a Münster/Goms nel mese di marzo.
PM/SMZ
(traduzione: IA)
- 26 Gen 2024
Compositori della Selezione Ars Electronica Forum Wallis 24 (AEFW) (l'altra metà è visibile alla fine dell'articolo). Composizione dell'immagine: AEFW
301 compositori provenienti da 51 Paesi e da tutti i continenti hanno presentato un totale di 327 opere, un numero mai raggiunto prima. È notevole che la proporzione di opere di compositrici donne tra quelle presentate sia inferiore al 20%, ma ammonti a quasi 30% tra le opere selezionate. Rispetto agli anni precedenti, si è registrata anche una percentuale significativamente più alta di opere selezionate di compositori provenienti da Paesi dell'America Latina e dell'Asia (45%).
Nei ranghi dei Ars Electronica Forum Vallese 2024 La selezione dei concerti comprendeva un totale di 23 opere. Inoltre, altri 18 brani hanno ricevuto una menzione speciale.
Selezione di concerti (in ordine alfabetico)
Gabriel Araújo, Saw (BRA)
Studio Bariya (Pratyush Pushkar & Riya Raagini), Delhi Polyphones (IND/IND)
Natasha Barrett, Momenti impossibili da Venezia 2 (NOR/GBR)
Beau Beaumont, Senza Ingresso (GBR)
Sébastien Béranger, Superflu(x) (BEL)
Alex Buck, Otherness (BRA)
Mikel Kuehn, Unlocking The Keys (USA)
Léo Magnien, un rilievo sospeso per trasparenza (FRA)
Paolo Montella, Cairo al contrario (ITA)
Cameron Naylor, Spent (GBR)
Protocollo Naxal (Piero Stanig), Microinsurrezioni (ITA/SGP)
Paul Oehlers, Automaton (USA)
Lucie Prod'homme, Tu es démasqué (FRA)
Luis Quintana, Junkyard Construction (PRI)
Francesco Santagata, Overthinking - ascoltare musica e non parlare è la cosa migliore, credo (ITA)
Dimitris Savva, Tranglitchuiliser (CYP)
Bernd Schumann, Canone per 4 altoparlanti (GER)
Sylvain Souklaye, corpo invisibile (FRA/USA)
Mehmet Ali Uzunselvi, Parco di Iklık (TUR)
Frida Vasquez de la Sota / Kathia Rudametkin, Arrampicata (MEX/MEX)
Jorge Vicario, Poltergeist II (ESP)
Bihe Wen, non ancora affermato (CHN)
Yunjie Zhang, Le Caméléon (CHN)
Menzione speciale (in ordine alfabetico)
Giuseppe De Benedittis, sottosuolo (ITA)
Manuella Blackburn, Cupboard Love (GBR)
Maria Fernanda Castro, Arbóreo (COL)
Mauro Diciocia, Rygerfjord (ITA)
Christian Eloy, Dans les jardins de Cybèle (FRA)
Juro Kim Feliz, Kinalugarán (PHL)
Nicole Fior-Greant, un-Form 3 (CHE)
John Fireman, Lacis (USA)
Mariam Gviniashvili, Free Flow (GEO)
Andrew Lewis, Due Laghi (GBR)
Yannis Loukos, Meditazione 3D (GRC)
Manolo Müller, identità emblematiche (CHE)
Rodrigo Pascale, Meditazione discontinua I (BRA)
Lucie Prod'homme, Comme un malentendu (FRA)
Paul Rudy, Da una goccia all'oceano (USA)
Nicolas Vérin, Méditation sur l'Ukraine (FRA)
Chen Wang, Paradosso del cyberspazio (CHN)
Otto Wanke, Ciclismo (CZE)
I brani della selezione di concerti dell'Ars Electronica Forum Wallis 2024 saranno eseguiti l'8, il 9 e il 10 marzo sull'acusmonium a 16 canali dell'Istituto di Musica di Wallis. MEbU (Münster Earport) nell'ambito del Festival per la nuova musica Forum Wallis è stato interpretato da Simone Conforti (IRCAM Parigi). La giuria era composta dal giapponese Kotoka Suzuki (UTSC Toronto), dal peruviano Jaime Oliver La Rosa (Waverly Labs NYU New York), dal neozelandese Reuben de Lautour (Canterbury University NZ) e dallo svizzero Javier Hagen (ISCM Svizzera, Forum Wallis, presidente di giuria).
Il Forum Vallese è il festival annuale di nuova musica organizzato dall'IGNM-VS, il capitolo vallesano dell'International Society for New Music. Si svolgerà per la 17a volta nel 2024.
Compositori della Selezione Ars Electronica Forum Wallis 24 (AEFW) (l'altra metà è visibile all'inizio dell'articolo). Composizione dell'immagine: AEFW
Andrea Bischoff diventa docente di oboe alla HSLU
Il Dipartimento di Musica Classica e Sacra della Scuola di Musica di Lucerna (HSLU) dà il benvenuto ad Andrea Bischoff come nuova docente di oboe maggiore a partire dall'anno accademico 2024/25.
HSLU
(traduzione: IA)
- 25 Gen 2024
Andrea Bischoff. Foto: zVg
Andrea Bischoff ha conseguito il diploma di insegnante e orchestrale con Louise Pellerin a Zurigo e poi il diploma di concertista e solista con lode nella classe di Heinz Holliger alla Musikhochschule di Friburgo in Brisgovia.
Dal 1997 è oboista principale dell'Orchestra Sinfonica di Lucerna ed è spesso impegnata come oboista solista ospite (tra cui la Camerata Salzburg, l'Orchestra Sinfonica di Berna, la Camerata Zurich, l'Orchestre de Chambre de Lausanne, la Philharmonia Zurich). Come musicista da camera, è membro, tra gli altri, dell'Heinz Holliger Oboe Trio. Le esibizioni da solista con l'Ensemble da Camera di San Gallo, l'Orchestra della Città di Zugo, l'Orchestra della Città di Lucerna, La banda ANTIX, l'Orchestra Sinfonica di Lucerna, la Nuova Orchestra di Basilea e la Sinfonietta di Zugo completano la sua attività artistica. Si esibisce su strumenti d'epoca con l'Ensemble Corund e con molte altre formazioni cameristiche e orchestrali.
I molti anni trascorsi come capo sezione dell'Orchestra Sinfonica Giovanile della Svizzera Centrale (ZJSO) e di "Auftakt", il progetto della ZJSO per i giovani musicisti, documentano anche il suo impegno per le nuove generazioni di artisti.
Nell'ambito del 13° Norient Festival, l'artista keniota e direttrice del festival Emma Mbeke Nzioka ha organizzato anche dei laboratori per le classi scolastiche.
Gabiz Reichert
(traduzione: IA)
- 22 Gen 2024
Foto: Norient/Marianne Wenger
Quest'anno il Norient Festival si è svolto dal 10 al 14 gennaio in varie località del centro di Berna. Come i suoi predecessori, non è stato un evento per i deboli di cuore. Il nome Norient (No-Orient) è contro l'orientalismo e l'esotismo. Norient si considera una comunità globale di artisti che portano le loro idee a un pubblico ampio e interessato e creano uno scambio culturale. Lo fanno esplorando vari argomenti socio-critici e geopolitici. Il programma di quest'anno comprendeva formati come proiezioni di (brevi) film e podcast, discussioni di panel, DJ set e concerti ibridi online/live di artisti provenienti da tutto il mondo. Questi formati hanno affrontato temi come la connessione tra suono e narrazione, il conflitto israelo-palestinese, l'estinzione della lingua musicale Hmong o lo sfruttamento occidentale delle risorse africane, con l'aspetto musicale solitamente al centro della scena.
In mezzo a questi spunti di riflessione difficili da digerire, è stato un po' sorprendente trovare due laboratori per le classi scolastiche, organizzati dall'associazione bernese Bee-flat. Bee-flat e Norient sono partner ideali. Entrambi cercano in tutto il mondo argomenti stimolanti che possano essere tradotti in musica per ampliare gli orizzonti del pubblico. Il DJ, fotografo e cineasta keniota Emma Mbeke Nzioka (alias DJ Coco Em) ha spiegato le basi della produzione di musica elettronica utilizzando il programma Ableton durante i 90 minuti dell'evento. Nzioka, il direttore artistico del festival di quest'anno, ha abilmente incoraggiato i bambini a partecipare. Hanno prodotto beat in modo creativo e alla fine hanno chiesto con interesse informazioni sul software presentato e sul lavoro artistico di Nzioka.
Creare rispetto, mettere in discussione ciò che si dà per scontato
Nonostante la leggerezza con cui Nzioka e il leader del secondo workshop, Justin Doucet (alias DJ Huilly Huile), hanno trasmesso la musica, i bambini non sono il pubblico principale del festival. Alla domanda su come questi workshop si inseriscano nel programma del festival, Nzioka risponde: "L'obiettivo è creare un certo rispetto per ciò che si consuma, per come viene creato e per il lavoro che c'è dietro. È importante capire l'intero processo ed entrare in contatto con esso". Anche se i workshop del festival sembrano strani a prima vista, si armonizzano con il ruolo di "messaggero" di Norient.
Si tratta di mettere in discussione ciò che diamo per scontato nel mondo moderno, sia negli eventi per bambini che nel complesso contenuto del resto del festival. La libertà di viaggiare, ad esempio, non è qualcosa che Nzioka dà per scontato. Il 12 gennaio ha parlato a una tavola rotonda delle sue esperienze con la politica europea dei visti. È stata anche vittima di un respingimento arbitrario perché, in quanto donna africana senza figli e non sposata, è considerata un rischio dalle autorità europee. Si presume che voglia rimanere qui illegalmente e che non voglia tornare indietro. Le prove di apparizione, lavoro e voli di ritorno non erano sufficienti. A riprova di ciò, due artisti non hanno potuto esibirsi al Norient Festival di quest'anno. "La libertà di movimento degli artisti africani non deve essere data per scontata, né in Europa né in Africa", ha aggiunto Nzioka.
Nuovi pensieri che si impongono
La sera sono stati proiettati film in due sale cinematografiche. Uno di questi è stato il film documentario Canzoni che inondano il fiume. Nziokas raccomanda vivamente questo film. Tratta dello sradicamento delle pratiche culturali spirituali in relazione allo sfruttamento delle risorse naturali. Affronta anche il processo artistico della composizione di canzoni e la misura in cui i fattori esterni possono influenzarlo. Il pubblico rimane con pensieri impossibili da scrollarsi di dosso. Nzioka dice: "Il pubblico non troverà: 'Oggi cambieremo il mondo', no, ma forse gli spettatori cambieranno almeno un aspetto della loro vita... Forse i loro rapporti con le altre persone o l'educazione dei loro figli".
Per gli spettatori del festival Norient, così diversi tra loro, la musica e le immagini promuovono la comprensione di parti del mondo poco conosciute. Si spera che Norient possa creare un nuovo tipo di consapevolezza culturale attraverso questa mediazione.
Verifica della presenza femminile+ della Künstlerhaus Boswil
Il 18 dicembre Soroptimisten Bremgarten ha consegnato un contributo di 5.000 franchi svizzeri sotto forma di assegno al programma di sostegno female+ per giovani musiciste.
In occasione del suo 30° anniversario, il Service Club Soroptimist International - Club Bremgarten-Freiamt Nel settembre del 2023, una campagna di raccolta fondi sotto forma di asta a favore del fondo musicale femminile+ dell'Istituto di Musica. Casa degli artisti di Boswil attraverso. Di solito ogni due anni si tiene un concerto di beneficenza a favore di Female+. Tuttavia, anche gli ospiti e le Soroptimist sono rimasti colpiti da questo progetto di raccolta fondi e hanno partecipato generosamente all'asta. Il 18 dicembre, presso la Künstlerhaus Boswil, è stato consegnato l'assegno di 5.000 franchi svizzeri al fondo musicale di Female+.
Il prossimo concerto di beneficenza si terrà l'8 settembre 2024.
Alcune delle più importanti istituzioni musicali del Cantone troveranno una casa comune nell'attuale sede della radio di Lugano. La presentazione del progetto architettonico vincitore, avvenuta il 12 dicembre, ha fornito le prime informazioni complete sull'ambizioso progetto "Città della Musica".
Max Nyffeler
(traduzione: IA)
- 18 Dic 2023
Visualizzazione della nuova sala prove multifunzionale della Città della Musica di Lugano. Immagine: Club di Architettura
Il Città della Musicail nome del progetto, sta sorgendo sull'ex sito di Radio Svizzera italiana (RSI) nel quartiere di Besso, sopra la stazione ferroviaria FFS. L'utente principale è il Conservatorio della Svizzera italiana (CSI)i partner sono i Orchestra della Svizzera italianail Il Coro RSI e i Barrocchisti di Diego Fasolis, il Fonoteca Nazionale Svizzera e l'associazione Sonart. (La radio manterrà alcuni dei suoi studi qui, ma trasferirà tutte le altre attività nella sede della televisione alla periferia di Comano). I costi complessivi sono stimati in circa 45 milioni di franchi. I finanziatori sono la città di Lugano, il Cantone e, per quanto riguarda il CSI, la Confederazione. Circa un terzo è costituito da investitori privati. L'inizio dei lavori è previsto per il 2025 e la Città dovrebbe essere completata entro il 2028.
Punto di riferimento culturale con attrattiva sovraregionale
Il progetto, che si affianca alla moderna sala concerti del LAC in riva al lago, creerà un polo culturale che sottolinea la crescente importanza di Lugano come città della musica a metà strada tra Zurigo e Milano. Dal punto di vista locale, il Città della Musica C'è anche una lacuna significativa nelle infrastrutture. Il LAC non dispone di sale prova e l'Auditorio Stelio Molo, unico dal punto di vista acustico e situato sul sito della radio, è un luogo ricercato per le registrazioni, ma troppo piccolo per gli ensemble sinfonici. La Città della Musica porrà fine alla crisi delle sale prova.
Oltre ai grandi vantaggi per la formazione professionale e la ricerca, il campus, con i suoi ampi spazi, apre anche nuove prospettive in termini di politica culturale. Le istituzioni musicali dovrebbero aprirsi alla città e alla regione, si dice, da un lato attraverso l'accesso a bassa soglia al sito e agli eventi, dall'altro attraverso il programma didattico del Conservatorio. La Presidente della Fondazione Conservatorio, Ina Piattini Pelloni, parla dell'effetto integrativo che il progetto avrà, unendo musicalmente tutte le generazioni. Oltre all'università a orientamento internazionale e al dipartimento pre-college, anche la scuola di musica con la sua formazione di base per bambini e ragazzi beneficerà della nuova sede. A Lugano si attribuisce grande importanza all'educazione musicale generale. Ad esempio, l'associazione Amici del Conservatorio, che si dedica alla promozione dei giovani talenti, ha raccolto 160.000 franchi svizzeri solo per l'anno scolastico in corso, mettendo a disposizione oltre 150 borse di studio per studenti provenienti da famiglie meno abbienti - un diverso tipo di inclusione.
Sintesi architettonica di vecchio e nuovo
Il progetto pluripremiato del Club di Architettura si impegna anche a rispettare il principio dell'apertura. Il giovane team di architetti basilesi, che ha progettato anche il Campus 2040 per l'Accademia musicale di Basilea, ha elaborato una soluzione per la riprogettazione del sito che ha ricevuto molti applausi alla presentazione. L'ampio insieme di edifici esistenti è rimasto in gran parte intatto all'esterno e il loro sorprendente linguaggio di design senza tempo degli anni Cinquanta è stato adottato in modo discreto per i nuovi edifici. L'Auditorio Stelio Molo, di forma esagonale, rimarrà il fulcro del centro. Tuttavia, l'edificio poligonale della sala prove multifunzionale e di dimensioni generose, che può ospitare fino a trecento persone per i concerti e, come tutti gli altri edifici, si inserisce organicamente nel parco circostante, ha ora una funzione più importante. L'azienda giapponese Nagata Acoustics, che ha lasciato il segno anche nella sala concerti Elbphilharmonie di Amburgo, è responsabile della progettazione acustica di tutte le sale prova e di esercitazione del sito.
Cooperazione esemplare a tutti i livelli
Il progetto Città della Musica è sostenuto da un ampio consenso sociale. Nei discorsi e nelle conversazioni personali alla conferenza stampa, si è percepito un senso di euforia collettiva per il successo dell'avvio. "Tutte le dichiarazioni di intenti e gli accordi sono stati raggiunti in un rapporto collegiale e di fiducia", afferma il direttore del Conservatorio Christoph Brenner, che ha contribuito in modo determinante a portare avanti il progetto. "C'è questa volontà in un piccolo cantone di lavorare davvero insieme". Si è parlato di "cambio di mentalità" e alcuni hanno parlato di un piccolo miracolo: tutti i responsabili delle decisioni, dalle istituzioni coinvolte ai politici di alto livello, si sono mossi nella stessa direzione. Buone premesse per lo sviluppo di una cultura musicale promettente, ben radicata a livello locale e di richiamo internazionale.
Il Ticino, solo un paradiso vacanziero con palme, spaghetti e vino rosso? La nuova fondazione smentisce questo preconcetto. Dopo il LAC, la Città della Musica è un altro passo avanti sulla strada per diventare un Cantone culturale.
Una conferenza a Berna ha messo in evidenza gli sconvolgimenti mediatici che il "Musiklexikon der Schweiz" (MLS) deve affrontare. Gli interessati sono invitati a contribuire alla stesura di nuove voci nell'ambito di un progetto partecipativo.
Wolfgang Böhler
(traduzione: IA)
- 15 Dic 2023
La funzione di ricerca è integrata nella homepage dell'Enciclopedia musicale svizzera. Immagine: Schermata
A differenza di altri Paesi europei, la Svizzera non dispone di un'opera di riferimento moderna sulla storia della musica. Le enciclopedie esistenti sono obsolete e non rendono giustizia alla diversità e alla ricchezza della vita musicale svizzera, scrive la Società Svizzera di Ricerca Musicale (SMG) sul suo sito web. Da decenni si chiede una nuova enciclopedia musicale su base scientifica.
Sono in corso i lavori per la realizzazione dei primi frammenti del progetto, ora in fase di realizzazione.Lessico musicale della Svizzera (MLS) Presso l'Università di Berna è stato compilato un elenco di parole chiave per il MLS a partire dalle opere di riferimento esistenti. Circa 11.000 vecchi articoli di enciclopedia su 6.800 persone sono stati digitalizzati e preparati in un database. Tuttavia, scrivere nuovi articoli originali è oggi una sfida molto più grande di quanto il team fondatore potesse immaginare, poiché il mondo delle enciclopedie ha subito cambiamenti fondamentali negli ultimi anni. Al posto dei libri, ora si trovano su Internet.
Multimediale, personalizzabile, multilingue
La rivoluzione dei media ha anche cambiato completamente l'editing dei testi. Gli articoli delle enciclopedie non sono più testi erratici che vengono magari corretti o integrati per la seconda o terza edizione dopo qualche anno, ma, in casi estremi, strutture liquide con materiale audio, video e immagini integrato su cui redattori, volontari esterni e altri collaboratori lavorano costantemente. Oltre agli articoli veri e propri, ad esempio, è ora necessario documentare anche la storia delle loro modifiche. Infine, ma non meno importante, è necessario integrare nel team specialisti di Internet, database e multimedia. Inoltre, è in corso una rivoluzione in termini di multilinguismo: Gli utenti del lessico si rivolgono sempre più spesso ad ausili di traduzione automatica per poter leggere i testi nella loro lingua madre. Ciò ha conseguenze di vasta portata sulla progettazione linguistica di un'opera di consultazione, soprattutto quando, come nel caso del MLS, si crea un lessico multilingue.
Il MLS, il cui finanziamento non è affatto sicuro, si trova quindi ad affrontare molte sfide: Da un lato, i suoi esponenti devono costantemente ridefinire il suo aspetto, sapendo che i lessici digitali e i loro usi potrebbero essere completamente diversi nel giro di pochi anni. In secondo luogo, è necessario organizzare tutti coloro che lavoreranno a questa grande opera in un modo in cui le istituzioni accademiche in Svizzera hanno ancora poca esperienza. Una redazione professionale a tempo pieno, come si usava decenni fa per progetti editoriali di tale portata, non è più sufficiente. Al giorno d'oggi, tali progetti coinvolgono anche innumerevoli autori freelance che conoscono aree tematiche o regioni geografiche specializzate, ed è necessaria una moderazione per i commenti continui agli articoli.
Banche dati e progetti di citizen science
Per fare un ulteriore passo avanti nel progetto, il Consiglio di fondazione del MLS, in collaborazione con l'Accademia svizzera di scienze umane e sociali (SAHS) e la SMG, ha organizzato un colloquio (23 e 24 novembre 2023) e un workshop (25 novembre 2023) per gli autori interessati presso l'Università di Berna.
Le conseguenze degli sconvolgimenti nel mondo dei media per l'aggiornamento delle enciclopedie tradizionali sono state mostrate, ad esempio, in una relazione sulla retro-digitalizzazione dell'enciclopedia Lessico teatrale della Svizzera (tls.theatrewissenschaft.ch). Tuttavia, il colloquio si è anche meravigliato di quanto sia diventato vario il panorama delle enciclopedie digitali. Ad esempio, la rete di competenze Memoriav per la conservazione del patrimonio culturale audiovisivo della Svizzera, un Dizionario del Giura o il progetto della Svizzera occidentale notreHistoire.ch, una piattaforma di orientamento storico su cui i romandi possono scambiare opinioni e documenti sul passato e che ha propaggini corrispondenti in altre parti del Paese (la nostra storia.ch, lanostrastoria.ch, nossaistorgia.ch). È presente anche un "Indice dei musicisti", un elenco di nomi di personalità del mondo della musica attive in Svizzera nel XIX secolo. Questo indice è uno dei numerosi Banche dati dell'Istituto di Interpretazione dell'Università delle Arti di Berna. L'ambasciatore culturale di Wikipedia Diego Hättenschwiler ha concluso la conferenza con approfondimenti sul lavoro dell'enciclopedia globale online.
Servono collaboratori gratuiti e molto denaro
La traduttrice e musicologa Irène Minder-Jeanneret, promotrice dell'MLS, ha sottolineato che il progetto decennale dovrebbe costare circa 9 milioni di franchi svizzeri. La sfida più grande sarà probabilmente la ricerca di collaboratori freelance e la loro collaborazione con il team editoriale dell'MLS. Considerando che un'enciclopedia musicale svizzera completa dovrebbe contenere forse 10.000 nuovi articoli, un progetto di partecipazione culturale di questo tipo è un'impresa estremamente ambiziosa.
D'altra parte, la partecipazione culturale è stata al centro della politica culturale svizzera dal 2016. Nell'ambito di un'iniziativa di "Citizen Science" delle Accademie svizzere delle arti e delle scienze, anche il team della MLS ha lanciato un progetto partecipativo. Gruppi e individui sono incoraggiati a documentare le culture musicali locali per il MLS utilizzando parole, immagini e suoni. Nel workshop che ha seguito la conferenza, un piccolo gruppo di partecipanti interessati è stato istruito su come i testi dovrebbero essere pre-scritti in modo da essere adatti al lessico.
Xavier Dayer succede a Michael Eidenbenz alla ZHdK
Il Consiglio dell'Università di Scienze Applicate ha nominato Xavier Dayer nuovo direttore del Dipartimento di Musica dell'Università delle Arti di Zurigo con effetto dal 1° agosto 2024.
PM/SMZ/ks
(traduzione: IA)
- 13 Dic 2023
Xavier Dayer. Foto: zVg
Come scrive il Dipartimento dell'Educazione del Cantone di Zurigo, con Xavier Dayer l'Università delle Arti di Zurigo (ZHdK) ha acquisito una personalità esperta e ben collegata, con un ampio curriculum nel panorama accademico musicale svizzero, come successore di Michael Eidenbenz, che ricopre la carica fino alla fine di luglio 2024.
Xavier Dayer lavora all'Università delle Arti di Berna dal 2002 e dal 2011 è presidente della Cooperativa Suisa. Ha vinto diversi premi di composizione e ha scritto numerose opere per importanti ensemble.
Una mostra che vale la pena di vedere ripercorre l'opera di Ligeti in nove suggestivi moduli.
Verena Naegele
(traduzione: IA)
- 12 Dic 2023
I documenti originali sono montati su griglie. Foto: Philipp Emmel/Historisches Museum Basel, Musikmuseum
L'anno di Ligeti è quasi terminato e il centenario del compositore ungherese, scomparso nel 2006, è stato celebrato in dettaglio da giornali, eventi e servizi radiofonici. Per questo motivo, a qualcuno potrebbe sembrare una "lettera postale" il fatto che la Fondazione Paul Sacher presenti solo ora una mostra: Nel Museo della musica del Museo storico di Basilea la maggior parte degli oggetti del patrimonio di György Ligeti custoditi dalla Fondazione.
Questo onore "tardivo" è dovuto principalmente alla tempistica. Il Museo di Storia della Musica di Budapest - i cui partner di cooperazione sono l'Istituto di Musicologia del Centro di Ricerca per le Scienze Umanistiche di Budapest Hun-Ren - dove la mostra è stata esposta in precedenza, ha avuto la possibilità di ospitarla solo nella primavera del 2023, mentre i locali di Basilea erano disponibili solo da novembre. Queste circostanze non sminuiscono il contenuto della mostra, che è altamente raccomandata e può essere visitata fino al 7 aprile 2024.
Non solo dimostra l'elevato status di Ligeti nella musica del XX secolo, che continua senza sosta, ma ci introduce anche al pensiero e all'opera del compositore in un modo affascinante che probabilmente non sarà possibile ripetere così presto. Una parte essenziale di questo "viaggio" nel "labirinto di Ligeti", come si intitola la mostra, sono i numerosi originali da ammirare - una qualità che purtroppo viene sempre più trascurata.
Labirinto nelle celle del carcere
Tuttavia, chi si aspetta una presentazione cronologica rimarrà fortunatamente deluso. L'attenzione si concentra invece sulle varie sfaccettature del pensiero, della creatività e dei processi di lavoro di Ligeti, che vengono esplorati in nove moduli. Temi come "Sogni e fantasie" o la "Rete di voci" catapultano immediatamente i conoscitori delle opere di Ligeti nel suo mondo speciale.
I suggestivi moduli sono stati ideati da Heidy Zimmermann della Fondazione Sacher, che da anni si occupa del patrimonio di Ligeti, e dai musicologi ungheresi Anna Dalos e Márton Kerékfy. Il concetto e l'idea si basano su una dichiarazione di Ligeti: "Mi sento andare avanti di opera in opera, in direzioni diverse, come un cieco in un labirinto". E questo "labirinto di Ligeti" trova un'affascinante controparte nel museo musicale Lohnhof di Basilea, con le sue ex celle di prigione, che è difficile da suonare.
In mostra è esposta un'ampia gamma di materiali di partenza, accuratamente selezionati e annotati. Secondo le stime di Heidy Zimmermann, il patrimonio di Ligeti comprende circa 25.000 pagine di manoscritti, 10.000 pagine di corrispondenza e 800 fotografie, film e documenti audio. Senza sapere cos'altro si nasconde in questo tesoro, la selezione presentata a Basilea sembra rigorosa ed emozionante. In questo modo, il processo di lavoro personale di Ligeti può essere studiato in modo unico.
Concetti grafici per i fattori musicali
Per ciascuna delle sue opere, Ligeti annotava pagine e pagine di idee concettuali, non appunti ma parole, selvaggiamente affastellate con varie matite colorate o talvolta in rappresentazioni grafiche. Quello che a prima vista sembra un guazzabuglio impenetrabile diventa un'esperienza che apre gli occhi nei pressi dell'opera composta. I testi di accompagnamento forniscono il background necessario e gli estratti musicali mostrati possono essere ascoltati anche con un telefono cellulare.
Per esempio, c'è uno schizzo del famoso Atmosfere (1961), in cui la musica è descritta con precisione, con la disposizione delle parti della forma e la loro durata precisa. Oppure c'è uno schizzo del corso di Avventure (1962), che registra le parti vocali e strumentali su quattro fogli A4 incollati insieme orizzontalmente, come "controllo del tempo e della forma", come viene annotato su di esso. Perché Ligeti ha realizzato per la prima volta questi schizzi extra-musicali? "Ligeti ha preso lezioni di pianoforte solo all'età di 14 anni", spiega Heidy Zimmermann, "quindi ha dovuto immaginare a lungo le impressioni musicali perché non aveva modo di scriverle. Forse è questa la ragione di questo percorso".
Il concerto per violino (1990-1992), di cui si parla nel capitolo "Umore e stonatura", illustra il particolare percorso di Ligeti. Ci sono non meno di cinque fogli di colorati schizzi verbali. Kerékfy li caratterizza nell'eccellente catalogo di accompagnamento: "Le note si riferiscono in parte alla forma dei movimenti, in parte al loro contenuto melodico e alla struttura metrica. Ligeti ha anche previsto il tempo di base e la durata stimata".
Un altro modulo si concentra sulle "Scoperte ritmiche". Mostra la svolta di Ligeti verso i poliritmi, utilizzati ad esempio nel Concerto per pianoforte e orchestra (1985). Ligeti si è ispirato in parte alla musica di una tribù dell'Africa centrale, i Banda Linda, che consiste in modelli ritmici polifonici. Ligeti possedeva una collezione di circa 140 dischi di musica popolare tradizionale di tutto il mondo, che viene presentata in una sala a tema con tutte le copertine. Questo è un aspetto emozionante che stimola la discussione anche nel caso di Ligeti. A Basilea c'è molto da vedere e da leggere.
Una cella mostra le copertine della collezione di dischi di Ligeti. Foto: Philipp Emmel/Historisches Museum Basel, Musikmuseum
La terza edizione di Sonic Matter, il festival di musica sperimentale di Zurigo, si è svolta all'insegna del motto "Leap". Per quattro giorni sono stati organizzati 16 eventi in varie sedi concertistiche e in diversi formati.
Thomas Schacher
(traduzione: IA)
- 11 Dic 2023
Concerto di apertura nello Schiffbau: le immagini di Mazen Kerbaj vengono proiettate sullo schermo. Foto: Kira Kynd
La buona notizia arriva subito all'inizio: Materia sonica può continuare. Su richiesta del Comune di Zurigo, l'amministrazione comunale ha deciso di continuare a sostenere il festival di musica sperimentale con una sovvenzione annuale di 250.000 franchi per i prossimi quattro anni. La città di Zurigo è il principale sponsor di Sonic Matter. Il festival, nato nel 2021 dai Tage für Neue Musik Zürich, si trovava in precedenza in una fase pilota e la sua affidabilità creditizia era stata valutata da una società esterna.
Conoscere cose diverse
Dopo la prima edizione incentrata sui cambiamenti musicali ed extra-musicali con il motto "Turn" e quella dello scorso anno "Rise", che cercava di comprendere lo stare in piedi anche in senso politico, il motto "Leap" (salto) costituisce ora la parentesi per il terzo anno. Nella prefazione al programma, le due direttrici artistiche Katharina Rosenberger e Lisa Nolte hanno invitato il pubblico a "fare insieme un salto nell'ignoto". L'interconnessione del mondo dovrebbe essere sfruttata come un'opportunità per conoscere ciò che è diverso, per abbracciare l'imprevisto. Oltre ai musicisti svizzeri, sono stati invitati anche numerosi artisti stranieri, soprattutto dal Medio Oriente. E come ospite, il Festival Irtijal Beirut è anch'esso coinvolto.
Suoni e colpi di scena sorprendenti
Il concerto di apertura nello Schiffbau dello Schauspielhaus di Zurigo ha fornito un'espressione concreta di queste idee. L'incontro con la compositrice e suonatrice di qanun iraniana Nilufar Habibian è stato emozionante. Nel suo pezzo Diventare la cetra orientale forma sorprendenti combinazioni con la chitarra elettrica, il violoncello e il clarinetto basso. Il chitarrista Sharif Sehnaoui e il videoartista Mazen Kerbaj, i due fondatori del festival Irtijal di Beirut, hanno fatto da contrappunto all'esibizione dell'ensemble ginevrino Contrechamps con una performance estemporanea. I tunnel spaziali. Al suono insolito della chitarra preparata, Kerbaj disegnava e spruzzava immagini astratte su una pellicola, che venivano contemporaneamente proiettate su uno schermo. Alla luce dell'attuale guerra a Gaza, la frase che appare all'improvviso "Siamo i morti di domani" è un chiaro messaggio politico. La composizione finale per giradischi ambisonici dal vivo e elettronica immersiva del compositore Shiva Feshareki ha offerto sorprendenti esperienze sonore a 360 gradi, ma ha chiaramente richiesto troppo tempo rispetto alla ricchezza di idee.
Il tradizionale concerto alla Tonhalle è stato accompagnato da uno scandalo: Sonic Matter ha infatti annunciato con poco preavviso che questa volta non avrebbe fatto parte del festival. Entrambi gli organizzatori hanno taciuto le ragioni. Interpellato, il portavoce di Sonic Matter si è limitato a dichiarare che la decisione era "dovuta alla situazione geopolitica". In ogni caso, la cancellazione del concerto alla Tonhalle ha significato una perdita di prestigio per Sonic Matter.
Corso di suono all'aperto. Foto: Kira Kynd
Lounge, Party, Corso, Maratona
Oltre ai concerti tradizionali, Sonic Matter ha offerto ancora una volta formati di presentazione alternativi, come il Listening Lounge con musica elettroacustica attuale proveniente da venti Paesi, la festa per i giovani con il gruppo di DJ Frequent Defect della scena dei club di Beirut e un percorso sonoro all'aperto. La maratona di quattro ore di concerti La lunga notte delle interferenze al Theaterhaus Gessnerallee ha permesso alla musica di diverse culture di scontrarsi. La parte svizzera è stata offerta dalla prima mondiale di un nuovo lavoro del compositore ginevrino Denis Rollet, in cui violino, clarinetto basso e live electronics attraversano varie fasi di convergenza e distanza.
"Umva!" di Aurélie Nyirabikali Lierman con il gruppo Silbersee al concerto finale nella Rote Fabrik. Foto: Kira Kynd
Il festival ha compiuto un importante salto geografico ed estetico con l'evento di chiusura alla Rote Fabrik. Il compositore, che vive nei Paesi Bassi Aurélie Nyirabikali Lierman e il suo gruppo Silbersee hanno trasportato il pubblico con l'installazione performativa Umva! in Ruanda. Il soggetto è la vita del nonno di Aurélie, Kanyoni Ladislas, vissuto in Ruanda come mandriano e guaritore naturale e morto all'età di 113 anni. La narrazione, gli elementi di danza e l'esecuzione di strumenti tradizionali africani e del violino "europeo" hanno creato un affascinante teatro musicale afro-europeo.
Conclusione dopo tre anni
Dopo la terza edizione di Sonic Matter, è chiaro che il festival è diventato parte integrante della scena musicale d'avanguardia a cui la gente non vuole più mancare. Tuttavia, la varietà delle forme di presentazione, l'ampiezza estetica delle performance e la partecipazione di artisti provenienti da mezzo mondo comportano anche il pericolo di una certa arbitrarietà e portano a una divisione del pubblico in diversi gruppi di interesse.
Lounge d'ascolto con musica elettroacustica attuale proveniente da venti Paesi. Foto: Kira Kynd
L'Accademia musicale del Liechtenstein si concentra sulla formazione umana olistica
Da ieri l'Accademia di Musica del Liechtenstein ha un nuovo look. L'ha presentato in cantiere: il campus "Hofstätte Hagenhaus", che comprende la sala concerti di Nendeln, dovrebbe essere pronto per essere occupato il prossimo autunno.
SMZ/ks
(traduzione: IA)
- 01 Dic 2023
Il massimo organo di governo dell'Accademia di Musica del Liechtenstein è il Consiglio di Fondazione. Alla conferenza stampa del 30 novembre nella sala concerti sono presenti, da sinistra a destra: Jürg Kesselring, Drazen Domjanic (direttore artistico), Otmar Hasler (presidente), Olav Behrens (vicepresidente), Christina Zeller e, in alto sullo schermo, il violoncellista Kian Soltani, ex allievo e ora professore all'Accademia di Musica del Liechtenstein. Foto: SMZ
Il pavimento è ancora in cemento grezzo, la porta di accesso una soluzione temporanea. Tuttavia, la conferenza stampa si è svolta nella futura sala concerti dell'Accademia musicale del Liechtenstein, fondata nel 2010 e diretta da Drazen Domjanic. La sala si trova nell'ex Tenn della tenuta Hagenhaus a Nendeln. Gli edifici sono attualmente in fase di ristrutturazione e integrati da un nuovo edificio. A partire dal prossimo autunno, l'accademia musicale dovrebbe trovare una nuova sede con promettenti opportunità di sviluppo.
Nell'ambito di questo grande cambiamento, l'immagine dell'organizzazione è stata completamente rinnovata, così come il concetto di formazione. L'Accademia di Musica vuole essere "un'istituzione leader nel mondo musicale internazionale con solide radici nel Principato del Liechtenstein". L'Accademia considera il suo programma di formazione come un complemento ai programmi di Bachelor e Master delle università di musica. Oltre alla comprovata formazione musicale di alta qualità di giovani musicisti di eccezionale talento provenienti da tutto il mondo da parte di insegnanti di fama internazionale, l'attenzione è rivolta alla formazione olistica dell'individuo. Ciò include una pianificazione completa della carriera che promuove le persone con tutte le loro esigenze sociali, sanitarie ed economiche. I tre programmi sono rivolti a diverse fasce d'età: Studenti fino a 18 anni, studenti con più di 18 anni e studenti già in possesso di una laurea triennale. Gran parte del programma è finanziato da borse di studio.
Per il mio articolo "Mistero sotto la doccia" (Schweizer Musikzeitung 12/2023), ho intervistato alcuni musicisti. Le loro risposte dettagliate possono essere lette qui in ordine alfabetico.
Hanspeter Künzler, trad.: IA
(traduzione: IA)
- 29 novembre 2023
Passeggiare fischiettando: Niklaus Keller a Bologna. Foto: zVg
Annakin, cantautore
Che cosa significa per lei "ispirazione"?
Per me l'ispirazione è lo stato d'animo necessario per scrivere una buona canzone. È l'epifania, una rivelazione o un lampo di ispirazione, l'iniezione di endorfine e l'inizio di qualcosa di eccitante. È all'inizio ed è importante perché il processo creativo possa fluire.
Ci vuole "ispirazione" per creare o basta il duro lavoro?
Non posso fare a meno dell'ispirazione, perché senza di essa è difficile fare progressi, se non del tutto. E credo anche che la si possa sentire in una canzone, perché in quel caso suona poco ispirata. L'ispirazione è quindi per me una fonte indispensabile per poter lavorare in modo creativo e forse anche un marchio di qualità. Non credo che il risultato sia lo stesso se si lavora duramente su qualcosa di creativo in modo non ispirato. Perché, secondo me, l'ispirazione anima il lavoro.
Quali sono le circostanze che più facilmente portano all'ispirazione creativa?
A un certo punto ho capito che esistono dei metodi per attingere all'ispirazione. Per esempio, spesso scrivo semplicemente il mio monologo interiore alla ricerca di buoni testi. Prima o poi, i miei pensieri si concentrano su qualcosa che vale la pena seguire o nasce un gioco di parole che registro. In pratica, si può trovare ispirazione ovunque, se si aguzzano i sensi. Proprio di recente, non sono riuscito a leggere bene un cartello con scritto "Brockenhaus" da lontano e ho pensato che dicesse "Broken Hans". Un titolo meraviglioso per una nuova canzone, ho pensato.
C'è qualcos'altro che vorrebbe dire sull'ispirazione?
Abbracciatela finché potete! Spesso si tratta di un legame fugace con l'ispirazione e bisogna lavorare sodo per tenerla al proprio fianco a lungo.
L'ispirazione (in relazione all'arte/creazione) per me è qualcosa per cui voglio lavorare. Di solito la vedo sotto forma di altri artisti che realizzano qualcosa che ritengo valido. La cosa più importante per me è il modo in cui lo realizzano e la loro autenticità nei confronti di se stessi e del mondo esterno. Questo include cose che mi toccano e/o mi impressionano. In altre parole, tutto ciò che mi colpisce e in cui posso identificarmi può essere fonte di ispirazione per me e far parte del processo o dello sviluppo che sto perseguendo.
Ci vuole "ispirazione" per creare o basta il duro lavoro?
Penso che non si possa evitare il "duro lavoro". Tuttavia, credo che l'ispirazione sia anche al centro del duro lavoro. Perché si lavora sodo? Per me la spinta è legata all'ispirazione come qualsiasi altra cosa. Di conseguenza, credo che l'ispirazione sia al centro di tutta la creazione.
Quali sono le circostanze che più facilmente portano all'ispirazione creativa e ai risultati artistici per lei?
Per me, arriva molto sporadicamente. Non c'è bisogno di un certo stato o di una situazione specifica, basta la volontà di essere ispirati.
Significa che qualcosa sta stimolando la vostra mente. Può provenire dall'esterno o dall'interno. Lo spirito che "ispira", cioè che ti visita, è ovunque, ma non sempre ci si può aprire subito ad esso. A volte suona alla porta dell'artista in momenti sfavorevoli. Cosa fa scattare l'ispirazione? Un ambiente creativo può avere un effetto ispiratore, altre persone, artisti. Ma anche la solitudine può ispirare. Come ho detto, lo spirito vive ovunque, solo che non sempre si rivela.
Ci vuole "ispirazione" per creare o basta il duro lavoro?
Ispirazione significa energia; sì, ci vuole ispirazione per creare, e poi subito un duro lavoro concentrato, altrimenti lo spirito se ne andrà di nuovo immediatamente. Non si può "rimandare" l'ispirazione. Purtroppo, il duro lavoro da solo non è sufficiente. Semplicemente non si ha la forza di fare nulla. Senza ispirazione ci si inaridisce. Oggi il pericolo è la distrazione; tutto cerca di ottenere il minimo energetico, che è la fisica, la chimica: cioè: Frigo, notizie, benessere, TV, social media. La mente esce di nuovo dalla porta... Ma se si riesce a resistere, c'è la "spinta dell'ispirazione", dove un intero flusso di idee, l'impulso creativo e il kairos si uniscono.
Quali sono le circostanze che più facilmente portano all'ispirazione creativa e ai risultati artistici per lei?
Altri musicisti, grandi concerti, grandi opere del passato; ma anche grande letteratura e altre culture.
C'è qualcos'altro che vorrebbe dire sull'ispirazione?
Sì; credo che esista uno "spirito creativo" sovraordinato che caratterizza le persone e dà loro la possibilità di progettare una sorta di "controcreazione". Se si riesce a unirsi a questo spirito sovraordinato, a connettersi con esso, si è in grado di fare cose che in realtà non si possono fare. può. È questo che intende Bach, ad esempio, quando scrive JESU JUVA nelle parti più complicate delle sue composizioni. Volete che lo spirito vi aiuti a raggiungere il kairos, il punto di successo. Che poi significa felicità.
Questo è anche l'unico motivo per cui lo si fa. Non ha senso commerciale scrivere una fuga a spirale in quattro parti. Non si può nemmeno bluffare con essa al giorno d'oggi hahaha. Ma quando viene suonata e funziona, è ovviamente grandiosa e un momento di felicità. E poi, a distanza di anni, non si capisce mai come tutto si incastri così bene e possa avere successo: Come compositore, crei i tuoi puzzle creativi, hahaha.
L'ispirazione è per me fonte di vita. Come l'olio nel cambio.
Ci vuole "ispirazione" per creare o basta il duro lavoro?
Per creare qualcosa di nuovo e inedito è necessaria l'ispirazione. Per realizzare l'ispirazione ci vuole un duro lavoro. E molta perseveranza.
Quali sono le circostanze che più facilmente portano all'ispirazione creativa e ai risultati artistici per lei?
Grazie al blocco, ho imparato che posso essere creativo solo quando interagisco con le persone, soprattutto con gli estranei. Osservare gli estranei mi ispira e stimola la mia immaginazione. Oziare a casa con la mia famiglia in armonia e sicurezza è meraviglioso e rilassante, ma per me è controproducente. Non ho scritto una sola canzone durante l'intero periodo di isolamento.
Come si scrive un brano accattivante?
I tarli dell'orecchio possono essere stupidamente invadenti e sgradevoli. A volte mi assalgono appena sveglio e continuano a ronzare nefasti nella mia testa, e quando voglio elaborarli sono troppo unti e invadenti perché ne esca qualcosa di bello. In questi casi, affidarsi a una collaborazione con un collega musicista o produttore è fruttuoso. Una collaborazione che permette e sopporta il disaccordo e la tensione. Trovo difficile puntare a una melodia orecchiabile.
C'è qualcos'altro che vorrebbe dire sul tema dell'"ispirazione"?
L'ispirazione è una cosa meravigliosa, perché ti succede e basta. Arriva come una brezza. Senza doversi sforzare. È come innamorarsi. E non può essere forzata o comprata. Questo a volte è un aspetto bellissimo.
L'ispirazione è il motivo per cui devo creare. È come se avessi qualcosa di importante da dire. Deve uscire fuori. È una sensazione di felicità, un "flash". Anche se felicità non è la parola giusta. Si è più concentrati, "in the zone". Non faccio salti di gioia in studio. Tendo a diventare tranquilla, umile e grata di poter vivere questo momento. Non mi sembra di aver fatto o creato qualcosa. È un'esperienza spirituale e non ci si sente un attore, ma piuttosto un medium.
Ci vuole "ispirazione" per creare o basta il duro lavoro?
Se creassi solo quando sono ispirato, una canzone non sarebbe mai finita. Ha sempre bisogno dell'aspetto di un lavoro duro e asciutto. Ma solo attraverso il duro lavoro non troverei mai una canzone abbastanza interessante da pubblicare. Non potendo controllare quando sono ispirato e quando non lo sono, devo andare in studio anche quando non ne ho voglia. Ci sono molte aree della musica su cui posso lavorare anche quando non sono ispirato.
Quali sono le circostanze che più facilmente portano all'ispirazione creativa?
Vorrei saperlo! L'ascolto della musica può portare all'ispirazione e viceversa. Poiché vivo in città, le gite nella natura sono sempre di grande ispirazione. Forse è solo una questione di cambiamento di scenario. Anche le visite ad altre città innescano sempre molto. A volte mi sembra di ricaricare le batterie.
Come è nata l'idea di una collaborazione con Simone Felber nella ferrovia di montagna? L'ispirazione "forzata" che ha fornito ha portato il vostro lavoro creativo in direzioni diverse rispetto a quando eravate da soli?
La collaborazione è stata avviata da Swisscom. Hanno creato un format online chiamato X-Stories, che mira a far incontrare persone provenienti da mondi diversi. Nel nostro caso, si trattava di città X paese, musica elettronica X musica popolare. Questo elemento forzato è stato molto rinfrescante e vantaggioso per me, perché di solito non mi capita spesso di farlo. Ho "dovuto" consegnare qualcosa e questa pressione mi ha fatto bene. Penso che ogni volta che si deve uscire dalla propria zona di comfort, accadono cose eccitanti. Se facessi sempre e solo collaborazioni, sarei davvero entusiasta se improvvisamente mi venisse concesso di lavorare da sola per un giorno. Ma dato che mi capita spesso di lavorare da sola, lo scambio è stato molto prezioso e arricchente.
Mi hanno aiutato anche le scadenze rigide. Altrimenti posso passare secoli a modificare un brano. Sposto un dettaglio qui, faccio una piccola modifica lì finché non è "perfetto". E poi non è mai perfetto. Ho dovuto essere molto più pragmatico e questo mi ha aiutato. Abbiamo trovato un buon mix tra il tempo libero per suonare, giocherellare e cercare da un lato e la dura realtà di dover consegnare 15 minuti di musica dall'altro. Sembra un compromesso e un "accontentarsi di qualcosa di più veloce", ma non è stato così. Si trattava semplicemente di giornate lavorative più lunghe e notti più corte.
C'è qualcos'altro che vorrebbe dire sull'ispirazione?
È una parola che può essere usata per dire tutto e niente. E può anche essere usata come argomentazione micidiale e come scusa, perché non si può mai provare o smentire. Potrei ancora lavorare alla mia prima canzone e convincermi che sto solo aspettando l'ispirazione e nel frattempo me ne sto sdraiato sul divano a scorrere i social media. Ma una volta che si è sperimentato quel "flash", ci si vuole aggrappare a quella sensazione per sempre. Mi chiedo spesso come ci si sente per le altre persone. E quali sono le azioni o i momenti che fanno sentire i non musicisti e come li esprimono.
È questa scintilla che accende la mia creatività, il momento in cui idee, emozioni e impressioni si uniscono e mi portano a creare qualcosa di nuovo.
Ci vuole "ispirazione" per creare o basta il duro lavoro?
L'ispirazione è, nella migliore delle ipotesi, l'inizio del processo creativo che dà vita alle mie opere, ma poiché non si può aspettare la grande ispirazione, ho anche sviluppato delle tecniche personali per incoraggiare la mia creatività. Ed è qui che entra in gioco l'aspetto del lavoro. Può essere più che noioso, persino frustrante, ma è anche l'unico compagno fedele e impavido che mi accompagna durante tutto il processo.
Quali sono le circostanze che più facilmente portano all'ispirazione creativa e ai risultati artistici per lei?
Trovo ispirazione in molti aspetti della vita, perché fondamentalmente si è circondati da idee e impressioni ogni giorno, per non dire senza sosta. L'importante è che io sia anche sulla strada del desiderio di creare qualcosa di nuovo. Solo così le mie antenne sono attive e posso ricevere segnali. Uscire dalla routine quotidiana, lasciare la zona di comfort, trasformare ancora una volta la notte in giorno, uscire, lasciare la stanza calda, assistere a concerti, andare a teatro, andare al cinema, sono tutte circostanze o cose meravigliose che poi amplificano i segnali in modo esponenziale.
Riesci a imporre una melodia orecchiabile?
Un earworm è di solito una canzone o una melodia orecchiabile che continua a saltare in mente. Potete sicuramente cercare di comporre melodie orecchiabili che abbiano il potenziale di innescare un earworm nell'ascoltatore. Questo si può ottenere utilizzando determinate armonie, melodie o testi facilmente memorizzabili. Esistono interi libri di testo che hanno analizzato i grandi successi e hanno cercato di ricavarne la cosiddetta chiave del successo. Anche i team di produzione e le case discografiche cercano di applicare questi schemi e se poi la canzone gira ininterrottamente e in costante rotazione su tutti i canali, le probabilità che il brano orecchiabile diventi un successo non sono certo scarse.
C'è qualcos'altro che vorrebbe dire sul tema dell'"ispirazione"?
Ispirazione nel senso di respiro in realtà non significa altro che ogni persona ha bisogno di ispirazione per sopravvivere e può e deve essere ispirazione per gli altri.
Un'opera artistica, uno spettacolo o una partita di calcio devono prendere vita - nella loro creazione e durante la loro realizzazione. Regole, competenze e un budget consistente da soli non bastano. Si parla di "animazione" quando un evento suscita empatia, emozione e comunità. Questo avviene attraverso il "respiro delle cose": la vita viene infusa negli esseri viventi coinvolti. Cominciano a credere nel qui e ora insieme.
Ci vuole "ispirazione" per creare o basta il duro lavoro?
L'ispirazione è come uno spirito giapponese che si trasforma continuamente in altri corpi. Appare dal nulla sotto la doccia così come durante il duro lavoro. Quindi non può essere forzata, ma può essere evocata: attraverso la pazienza e la dedizione alla musica, nell'estasi artistica come stato permanente, per così dire.
Quali sono le circostanze che più facilmente portano all'ispirazione creativa e ai risultati artistici per lei?
Flusso di lavoro: che sia sotto stress o con molto tempo e spazio, la visione a tunnel deve essere giusta. Il compositore Morton Feldman dice: Per comporre sono necessarie due cose: concentrazione incondizionata e convinzione. Io aggiungerei: un'enorme gioia per la musica. Per inciso, è così che il FCZ è diventato recentemente campione contro concorrenti strapagati e ingrassati: gioia, concentrazione, fede.
Sarebbe disposto a rispondere ad alcune domande sul tema dell'"ispirazione"?
Con piacere, perché:
R: Ispirazione e creazione sono i due cardini della mia vita. Spirito e creazione determinano la mia esistenza, baciata dalla musa compongo nel mio studio. Non ho idea di cosa stia facendo lì, la scintilla divina mi permea e con la penna d'oca in mano le note si scrivono da sole.
B: Forse no, io faccio musica e ho poca idea delle sequenze neurologiche del cervello. L'ispirazione e la creazione, in ultima analisi, forse non sono altro che cariche elettriche e le persone creano solo cose nuove, così come scalano una montagna, cioè perché la montagna è lì. Quindi scrive musica perché può farlo e per nessun altro motivo.
Che sia A o B, la musica suona allo stesso modo. Bene, allora possiamo iniziare l'intervista: "Signor Keller, grazie per la presentazione".
Che cosa significa per lei "ispirazione"?
Per me, ispirazione significa avere un'idea senza doverci pensare attivamente; lo spirito entra nella coscienza inaspettatamente e viene percepito. Questo avviene in un momento di rilassamento e di dimenticanza di sé, nessuno dei quali può essere portato avanti consapevolmente, perché l'intero processo, ripeto, avviene inaspettatamente.
Purtroppo non riesco a pensare a sinfonie complete in un attimo; tendono a essere brevi motivi e melodie che di solito mi si rivelano mentre passeggio fischiettando. Se mi piace un motivo, lo registro con il mio apparecchio, il cellulare.
Ci vuole "ispirazione" per creare o basta il duro lavoro?
Per me l'ispirazione non è nulla di soprannaturale, è generata dalle persone o dal loro stesso cervello, tende a essere inconscia e nasce da ciò che hai immagazzinato come musica nel tuo cervello e viene riorganizzata lì se è un'idea originale. Come ho detto prima, mi vengono in mente brevi melodie. Poi inizia il duro lavoro, che a volte è utile se l'idea è buona. L'ispirazione è il mattone e un aiuto per iniziare.
Il fatto che l'ispirazione serva come punto di partenza può essere visto anche nel fatto che alcuni musicisti credono che l'ispirazione sia un messaggio diretto di Dio. La fiducia in Dio dà certamente una forza in più e legittima il proprio lavoro. Ma si può iniziare anche senza ispirazione, perché ci sono altri parametri oltre all'ispirazione che giocano un ruolo, come l'impulso a creare qualcosa che sia giusto in sé, come un designer con una bella macchina o un calciatore con un bel calcio di punizione o, come Rossini, quando cucina qualcosa di buono.
E sì, è un lavoro. Si lavora a lungo, perché non deve suonare come un lavoro duro, ma come qualcosa che si è creato sul momento, e deve anche suonare bene, quindi bisogna anche avere determinate competenze tecniche.
Quali sono le circostanze che più facilmente portano all'ispirazione creativa e ai risultati artistici per lei?
Purtroppo non ho una risposta. Credo che nemmeno Beethoven ne avrebbe una, perché anche lui, se ricordo bene, non ha ottenuto risultati da 1001TP3 in campo operistico. Se avesse saputo valutare correttamente la situazione, non avrebbe scritto opere - o ne avrebbe scritte di migliori. Ma l'ispirazione non è tutto, si tratta anche di liberarsi dalla propria realtà e di guardarla dall'esterno, per così dire. Come facevano i Beatles quando scrivevano le canzoni. Inoltre, l'ispirazione non arriva solo all'inizio. Anche durante il lavoro si hanno nuove idee, che sono il risultato della scintilla iniziale.
L'ispirazione è ciò di cui vive un musicista. È il cuore pulsante della nostra esistenza creativa. L'ispirazione è ciò che non si può spiegare, la magia dietro una canzone, quel qualcosa.
Ci vuole "ispirazione" per creare o basta il duro lavoro?
Avete sicuramente bisogno di ispirazione. Si può ottenere molto con il duro lavoro, ma sono convinto che il lavoro creativo, in particolare, richieda un'ispirazione che viene da qualche parte e ti trova. Penso che solo il duro lavoro non porti soddisfazione interiore perché manca questa magia.
Quali sono le circostanze che più facilmente portano all'ispirazione creativa e ai risultati artistici per lei?
Le cose di tutti i giorni, ma anche le grandi emozioni. A volte si scrive una canzone su una rottura, una perdita, la nascita di un figlio o altre esperienze drastiche. Ma a volte basta una frase tratta da un buon libro per ispirarsi a scrivere una canzone.
Si può forzare una melodia orecchiabile con il calcolo? Alcuni dei vostri ritornelli sono incredibilmente orecchiabili...
Non crediamo che questo possa essere forzato. In realtà ci abbiamo provato un paio di volte. Ma siamo sempre arrivati al punto in cui non potevamo andare oltre o eravamo insoddisfatti, ed è qui che entra in gioco l'ispirazione. Funziona meglio quando si è aperti e non si hanno aspettative, e allora scorre all'improvviso.
