Der Verein Afro-Pfingsten ist überschuldet. Das Unternehmen Fairmeetings AG, welches das Festival im Auftrag des Vereins Afro-Pfingsten durchgeführt hat, ist laut einer Medienmitteilung der Stadt Winterthur nicht mehr in der Lage, die Verlustvorträge des Events zu tragen und muss ebenfalls einen Nachlass durchführen. Die Stadt Winterthur will für die aufgelaufenen Schulden von rund 700’000 Franken keinen Sanierungsbeitrag leisten.

In einem Gespräch zwischen dem Stadtpräsidenten, der Leiterin des Bereichs Kultur der Stadt Winterthur und dem Sanierungsbeauftragten des Vereins Afro-Pfingsten wurde festgehalten, dass der Verein Afro-Pfingsten nicht saniert wird. Er muss wahrscheinlich die Insolvenzerklärung abgeben, da Gläubiger bereits rechtliche Schritte eingeleitet haben. Zuerst soll die aktuelle finanzielle, strukturelle und rechtliche Situation bereinigt werden, bevor man sich mit der Zukunft des Festivals Afro-Pfingsten befasst.

Im Jahr 2016 wird auf die Durchführung des Festivals verzichtet. Es sei unter den gegebenen Umständen nicht möglich, in den verbleibenden sechs Monaten eine tragfähige und nachhaltige Organisationsstruktur aufzubauen, welche Gewähr für eine solide Finanzierung bieten kann, schreibt die Stadt weiter. Beide Seiten signalisieren jedoch ihr Interesse an einer Fortsetzung des Festivals.

Hedy Graber, der Leiterin der Direktion Kultur und Soziales beim Migros-Genossenschafts-Bund, ist in Berlin die Auszeichnung als Europäische Kulturmanagerin des Jahres überreicht worden. Weitere Nominierte waren Chris Dercon, Direktor der Tate Gallery of Modern Art London, sowie Annemie Vanackere, Leiterin des Theaters Hebbel am Ufer in Berlin.

Der Kulturmarken-Award 2015 zeichnet engagierte Kulturvermittler, kreative Investitionsformen und erfolgreiche Kulturanbieterinnen aus. Eine Expertenjury aus Wirtschaft, Kultur, Wissenschaft und Medien wählt die Preisträger in sieben Kategorien. Die Jury begründete ihre Wahl unter anderem mit der grossen Bedeutung für die nationalen Aktivitäten des Migros-Kulturprozent, die Graber in ihrem Wirkungsumfeld über längere Zeit entwickelt hat.

Wo es in Zürich um ein nicht opernhaftes, nicht narratives Musiktheater geht, ist in den letzten Jahrzehnten Daniel Mouthon durch seine kontinuierliche und sich erneuernde Theaterarbeit aufgefallen. Regelmässig hat der 1952 geborene Sänger, der in den Achtzigerjahren durch seine akrobatischen Stimmkünste bekannt wurde, aussergewöhnliche Projekte vorgelegt, in denen es um gesellschaftskritische und politische Ansätze ging: Stücke nach James Joyce oder Marcel Duchamp (oder im kommenden Jahr zum Jubiläum mit Dada). Eigen ist ihnen die diskursive Auseinandersetzung mit Texten und Theorien, mit der Kunst ganz allgemein – und damit ist er ein Vorläufer jener Diskurskompositionen, die ein Patrick Frank heute vorlegt. Solche Kompositionen begnügen sich nicht mehr mit dem Töne-Schreiben, sondern wollen eine Diskussion über Kunst und ihre Rolle in der Welt auslösen.  

Foto: zVg

Daniel Mouthon

Das Utopische im Musiktheater ist deshalb für Daniel Mouthon von zentraler Bedeutung: nicht als etwas Abgehobenes, sondern als etwas Zugängliches. Da mutet einen Mouthons jüngstes Werk in dieser Sparte doch ungewöhnlich an, denn Liquid Crystal Display ist eine echte, geradezu traditionelle Oper, erzählend, mit Sängern und Kammerorchester, fast vollständig gesungen und durchkomponiert – und ohne Brüche. Es gibt keine theoretischen Einschübe, keine reflektierende Metaebene, keine Intermezzi. Alles ist ins Libretto integriert, das der Zürcher Schriftsteller und Journalist Daniel Suter verfasst hat. Und Mouthon, der sonst oft mitsingt und an der Regie zumindest beteiligt ist, hat sich ganz in die Rolle des Komponisten und Produzenten zurückgenommen. 

Opernemotionen treiben an

Die Oper handelt von einem Staatspräsidenten und einer sektenartigen Volksbewegung mit einer charismatischen Führerin, von institutionalisierten Medien und offenen Social Media, von Intrigen und gefälschten Medienbildern. Wer die Macht über die Bilder hat, bestimmt. Persönlichkeiten, wie wir sie aus den Nachrichten kennen, spiegeln sich in den Figuren. Tatsächlich: Es ist ein Plot, der der Oper gut ansteht – und der dennoch aus unserer Zeit heraus spricht, denn Mouthon bringt Musiktheater und moderne Lebenswelt zusammen und stellt in der Oper die Fragen unserer Zeit, diskursiv, aber auch auf sinnliche Weise. Liquid Crystal Display ist eine Parabel auf eine Demokratie, die sich im Zeitalter der totalen Medialisierung verändert.  

Foto: Martin Stollenwerk

Robert Koller (Bassbariton) sang eine Doppelrolle als Präsident P und Transmitter T

Das Paradoxe an dem Stück ist, dass es zwar von der Allmacht der Medien erzählt, dass aber die Sinnfälligkeit des Werks weitaus stärker von den guten alten Opernqualitäten Liebe, Emotion, Eifersucht, Macht und Intrige lebt als von der alles beherrschenden Medientechnik. Mag sein, dass der Spielort, ein Kirchgemeindesaal, denn doch zu nüchtern ist und dass die technischen und finanziellen Möglichkeiten zu gering waren, um die überhandnehmende Technologie in ihrer Überlebensgrösse darzustellen. In der emotionalen Tiefe liegt die Stärke des Werks, sowohl musikalisch als auch in der Inszenierung von Stefan Nolte, die fast ganz ohne Bühnenbild auskommt. Mouthon beruft sich dabei auf jenes «Kraftwerk der Leidenschaften», wie Alexander Kluge einmal die Oper nannte: Der künstlerische Gesang vermag die Emotionen zu überhöhen; er äussert, was tief drinnen im Menschen steckt und dort vielleicht verborgen bliebe. Musik ist ein Auslöser, und Mouthon will diese so elitäre Kunstform näher an unsere Lebensrealität heranführen.  

Foto: Martin Stollenwerk

v.l.n.r.: Chasper-Curò Mani (Bariton) als Boss des Medienkonzerns B, Daniel Bentz (Tenor) als Agitator A und Catriona Bühler (Sopran) als Goldene Meisterin M

Gefühle lassen stolpern

Dieses Kraft- oder Triebwerk ist allenthalben in der Musik spürbar. Das Mini-Orchester – das Ensemble für neue Musik Zürich unter Leitung von Sebastian Gottschick – trägt den Gesang weniger, als dass es ihn antreibt. Vor allem in den ersten beiden Akten ist diese Musik ruhelos, sie enthält immer wieder vertraute Elemente, die aber so rasch an uns vorbeischiessen, dass man sie kaum halten kann, nervös, obsessiv geradezu. Das macht den Einstieg auch etwas schwierig, denn in dem überakustischen Saal dringt und drängt die Musik und auch der Gesang sehr unmittelbar auf den Hörer ein. Die Textverständlichkeit schwindet, es ist ein Zuviel an Eindrücken – wohl gewollt so.

Foto: Martin Stollenwerk

Franziska Andrea Heinzen (Sopran) als Creative Designerin C

Ein engagiertes Vokalensemble ist da unterwegs mit Robert Koller als Staatspräsident P, Catriona Bühler als Sektenführerin M, Daniel Bentz als ihrem Chefideologen A, Chasper-Curò Mani als Medienboss B sowie Franziska Andrea Heinzen als Creative Designerin C. Und diese letzte Figur ist es schliesslich, durch die sich das Stück eigentlich erst richtig entfaltet. Anfangs erlebt man sie in einer untergeordneten administrativen Rolle beim Medienkonzern. Durch ihre einstige Liebe zu A jedoch kommen Gefühle ins Spiel, die das Intrigenspiel von B durchkreuzen. Ihre Auseinandersetzung mit M im vierten und letzten Akt ist der Höhepunkt des knapp zweistündigen Werks. Wenn C dort M bedrängt, gerät ihr Gesang ins Stocken und bricht dann umso heftiger hervor: Die Töne werden zu tötenden Pfeilen. Das ist grandios. Hier zeigt sich, wie sehr Mouthon aus der Stimme, aus ihrer Körperlichkeit heraus komponiert. Tatsächlich: das «Kraftwerk der Leidenschaften» ist, unerwartet gerade an diesem Ort, von enormer Wirkung.  

Foto: Martin Stollenwerk

Die grossflächigen Videoprojektionen von Georg Lendorff spielten eine zentrale Rolle.

Der 1945 in Hergiswil geborene Josef Gnos machte eine Lehre als Tiefbauzeichner und erwarb anschliessend das Diplom für Klarinette und Blasmusikdirektion. Seine Ausbildung in Klarinette erhielt er bei Giuseppe Mercenati und in Blasmusikdirektion bei Albert Benz am Konservatorium Luzern. Von 1973 bis 2010 leitete er die Musikschule Sarnen. Zudem war er lange Jahre Studienleiter Blasmusik an der Musikhochschule Luzern. Noch heute ist er als Gastdirigent, Experte, Juror, Autor und Referent tätig.

Josef Gnos leitete viele bedeutende Orchester, darunter das Symphonische Blasorchester des Schweizer Armeespiels, das Nationale Jugendblasorchester und die Orchestergesellschaft Luzern. Er pflegte aber auch viele andere Musikgattungen wie die Volksmusik, die klassische Musik – etwa als Vorstandsmitglied und künstlerischer Berater des Kammermusikfestivals erstKlassik am Sarnersee – oder den Jazz.

Seit 2008 leitet Josef Gnos das Seniorenorchester Luzern (romantische Besetzung mit rund 65 Musikerinnen und Musikern), mit dem er pro Jahr gegen zehn Konzerte gibt, junge Solistinnen und Solisten begleitet und das sich grosser Beliebtheit erfreut.

Die Vergabe des Obwaldner Kulturpreises ist an keinen zeitlichen Turnus gebunden. Er wird in der Regel etwa alle drei Jahre vergeben. Er ging bisher an Caspar Diethelm (1969), Bruder Xaver Ruckstuhl (1971), Dr. August Wirz (1973), Meinrad Burch-Korrodi (1977), Zita Wirz (1983), Julian Dillier (1990), Bepp Haas (1990), Franz Bucher (1996), Eugen Bollin (1999), Adrian Hossli (2003), Karl Imfeld (2006), Ruedi Rymann (2007), Alois Spichtig (2010) und Romano Cuonz (2013).

Acht Posaunen in einer Kirche – das klingt gut. Raumfüllend, unterstützt durch längere Nachhallzeiten, entfaltet sich der Klang dieser Präambel, die der österreichische Komponist Georg Friedrich Haas schrieb für die Trombone Unit Hannover. Haas ist ein Detailfanatiker. Ausgeklügelte mikrotonale Klangwelten kontrolliert er wie kaum ein anderer. Was viele als blosses Ornament betrachten, das wird im Sinne der haasschen Musique spectrale zur kompositorischen Hauptsache: die feinen Zwischentöne zwischen innerhalb eines Halbtonschritts also, jene Viertel-, Sechstel- und Achteltöne, für die sich eine stufenlos intonierende Posaune besser eignet als eine Kirchenorgel.

Dieses Eröffnungskonzert nahm die Donaueschinger Musiktage symbolisch vorweg. Als Stätte von Beerdigung und Hochzeit steht der Aufführungsort Kirche für Abschied und Neuanfang. Hier der traurige Abschied vom 2014 verstorbenen bisherigen Festivalleiter Armin Köhler. Dort der hoffnungsvolle Beginn der Amtszeit von Björn Gottstein als neuer Kurator der Donaueschinger Musiktage. Gottsteins Handschrift zeigt sich noch nicht in musikalischer Hinsicht. Bis 2017 stehen die Programme weitestgehend fest – auch weil grosse Ensemble- und Orchesterpartituren ihre Zeit brauchen. Danach will Gottstein eine stärkere internationale Ausrichtung der Musiktage, die bisher zu mitteleuropäisch geprägt seien. Zudem sollen Komponistinnen stärker in den Vordergrund rücken – angesichts dessen, dass in diesem Jahr nur Olga Neuwirth vertreten war, ein verständliches und lobenswertes Anliegen.

Zu wenig Überzeugendes

Olga Neuwirths Raumkomposition Le Encantadas o le avventure nel mare delle meraviglie für sechs im Raum verteilte Ensemblegruppen, Samples und Live-Elektronik löste nicht alles ein, von dem die Komponistin im Programmbuch berichtet hatte. Im 70-minütigen Werk sollte es um elektronische Imitationen bestimmter Raumwirkungen gehen; etwa derjenigen der venezianischen Kirche San Lorenzo. Trotz enormem technologischem Aufwand ist das kaum nachvollziehbar. Schon gar nicht für den, der direkt neben einem der vielen Lautsprecher sitzt und nicht in der Mitte des Saales. Dass ein interessantes Konzept klanglich nicht eingelöst wird, ist nichts Neues. In anderer Hinsicht überzeugte Neuwirths Komposition: in der feinen Klangarbeit, im Sinn für Entwicklung und auch durch erhabene Raumwirkungen, die an den von Neuwirth erwähnten Prometeo Luigi Nonos erinnern.

Hohe Kunst war dieses Jahr Mangelware. Wenn von 18 Uraufführungen nur maximal drei gute Werke herausspringen – darunter Mark Bardens fantastisches aMass für verstärktes Ensemble, Mark Andrés Klarinettenkonzert über und eben Neuwirths Komposition –, dann ist das zu wenig. Besonders gross war die Enttäuschung bei den Orchesterkonzerten. Warum sich der italienische Komponist Francesco Filidei derart kindisch auf Johann Sebastian Bach bezog, bleibt sein Geheimnis. Filidei schreibt, er wollte das Perfekteste, was er auf Erden kenne, bei den Hörnern packen und angreifen. Killing Bach nennt er sein kurioses Orchesterwerk, das irgendwo im Niemandsland zwischen Collage, Zitatkomposition und Dekonstruktion versandete – aber letztlich wenigstens einem im Gedächtnis bleibt: dem Masochisten.

Komplex mit offenen Fragen

Die Donaueschinger Musiktage haben einen Laborcharakter. Das Scheitern eines Experiments ist hier schon mal möglich, zwar nicht gewünscht, aber doch erlaubt. Grössere Probleme gibt es, wenn schon der Versuchsaufbau vage ist, wenn sich Komponisten verrennen in Fragwürdiges, wenn sie den Mangel einer guten Idee kompensieren durch die Häufung blosser Einfälle, die eben – siehe Neuwirth – gern im Gewand des überbordend Theoretischen erscheinen. Wuchernden Charakter hat auch Patrick Franks umfassendes Machwerk Freiheit – die eutopische Gesellschaft. Der 1975 in Rio de Janeiro geborene, aber schon lange in der Schweiz lebende Komponist integriert kulturtheoretische Lesungen, dazu gibt es eine Wohlfühloase mit Wellnessangeboten in Form von Massagen, dazu wiederum diverse Bildschirme, die Zitate bedeutender Schriftsteller zeigen, aber auch über per App gesteuerte Publikumsreaktionen und Toilettenbesuche informieren. Franks opulenter Werkkomplex mit Beigaben auch anderer Künstler und Komponisten ist teils witzig, teils ein wenig ver- und zerstreut. Letztlich stellt er aber doch wichtige Fragen. In Zeiten, in denen unabhängiges Denken bedroht ist, liefert Frank viele Thesen dafür, dass Freiheit heute höchst ambivalent erscheint, dass Politik im Sinne von Links und Rechts längst nicht mehr zu fassen ist. Klare Antworten gibt es nicht. Aber zumindest hat Frank im Gegensatz zu vielen anderen seiner diesjährigen Donaueschinger Kollegen eines: ein wichtiges Anliegen.

Am 9. Juli 2016 werden 10’000 Musiker aus ganz Deutschland in dem Fussballstadion aufspielen. Mit dem grössten Orchester der Welt soll für das Guiness Book of Records der aktuelle Weltrekord gebrochen werden. Mitmachen werden auch die Neue Philharmonie Frankfurt und «namhafte Stars». 

Die Leitung des grössten Orchesters der Welt übernimmt Wolf Kerschek. Der Gewinner des Echo Klassik und des Hamburger Jazzpreises wird die Proben sowie das Konzert musikalisch leiten. Er unterstützt er auch die technische Umsetzung des Projekts. Initiant des Projektes ist der Trompeter Jens Illemann, ein Absolvent der Musikhochschule Hamburg.

Vier Stücke stehen für den Rekordversuch auf dem Programm: Auszüge aus Dvořáks 9. und Beethovens 9. Sinfonie, «Starlight Express» aus dem gleichnamigen Musical sowie «Music was my first love» von John Miles. Auf der Webseite des Projektes kann man sich zur Teilnahme anmelden.

Mehr Infos: www.wirfuellendasstadion.de
 

Mit seiner Finanzstrategie vom Juli 2015 hat der Regierungsrat Basel-Landschaft Kürzungen in der Höhe von jährlich insgesamt 30 Milionen Franken in den Bereichen Hochschulen und Kultur vorgeschlagen. Im Raum stehen parlamentarische Vorstösse, die die Kündigung des Universitätsvertrags und des Kulturvertrags seitens des Kantons Basel-Landschaft zum Gegenstand haben.

Die Regierungen von Basel-Landschaft und Basel-Stadt bekennen sich nun zur gemeinsamen Partnerschaft in den Bereichen Universität und Kultur.  In den gemeinsamen Verhandlungen haben die beiden Regierungen vereinbart, dass der Kanton Basel-Stadt ab 2016 jährlich einen Entlastungsbeitrag von 20 Millionen Franken an den Kanton Basel-Landschaft leistet, befristet auf vier Jahre bis 2019. Der Kanton Basel-Landschaft führt unter anderem den Universitätsvertrag, die Immobilienvereinbarung Universität Basel und den Kulturvertrag ungekündigt bis 2019 weiter. 

Der Regierungsrat des Kantons Basel-Stadt hat den entsprechenden Ratschlag zur Ausgabenbewilligung zuhanden des Grossen Rates verabschiedet und beantragt die dringliche Behandlung des Geschäfts an der Grossratssitzung vom 11. November 2015. Sollte der Grosse Rat diesen nicht beschliessen, könnten die Verträge per 31. Dezember 2015 gekündigt werden.

Basel-Landschaft hatte zuvor gedroht, die Kulturbeiträge an die Stadt zu halbieren (die Musikzeitung berichtete).

Im Frühling hat der Aarauer Stadtrat beim Zürcher Theaterexperten Marco Läuchli laut einer Medienmitteilung der Stadt ein Betriebskonzept sowie eine Machbarkeitsstudie für ein Theater-, Tanz- und Musikhaus in der Alten Reithalle in Auftrag gegeben. Dies um abzuwägen, ob eine Kombination von Theater, Tanz und Musik sowohl betrieblich wie auch baulich sinnvoll und umsetzbar sei. Beide Gutachten sind positiv ausgefallen.

Nun hat der Stadtrat beschlossen, auf deren Basis ein Vorprojekt entwickeln zu lassen, das sämtliche Rahmenbedingungen klären soll – dies im Rahmen des 2012 gewährten Projektierungskredits für das Theater- und Tanzhaus Oxer. Konkret sind die Investitions- und die Betriebskosten zu verifizieren, die Organisationsform und die Finanzierung zu definieren und die notwendigen Vertragswerke vorzubereiten.

Um das Projekt zügig voranzutreiben, wurde Hanspeter Thür zum Projektkoordinator gewählt. Er wird sein Mandat bis maximal Ende 2016 wahrnehmen. Hanspeter Thür ist seit 2008 Mitglied der Steuerungsgruppe Oxer. Da das ursprüngliche Projekt Oxer mit der Nutzung als Konzertsaal erweitert wurde, hat der Stadtrat gleichzeitig einen Namenswechsel beschlossen. Aaraus künftiges Tanz-, Theater- und Musikhaus soll «Alte Reithalle» heissen.

Mehr Flüchtlinge als je zuvor suchen derzeit in Europa Schutz vor Krieg und Verfolgung, viele von ihnen in Deutschland. Das Bemühen vieler Helfer, Flüchtlinge dabei zu unterstützen, sich in Deutschland einzuleben, und ihnen die Integration zu erleichtern, ist einzigartig. Und auch im Musikbereich sind breit gefächert viele Hilfsprojekte und Initiativen entstanden: Sie reichen von Instrumentenspenden und kostenlosem Musikunterricht über gemeinsame Musizierprojekte, Begegnungsveranstaltungen und die Erarbeitung gemeinsamer Konzertprogramme bis zu Benefizkonzerten und musiktherapeutischen Angeboten.



In einem neuen Fokus stellt das Deutsche Musikinformationszentrum (MIZ), eine Einrichtung des Deutschen Musikrats, ausgewählte Projekte zum Thema Musik und Flüchtlinge auf seiner Internetplattform vor. Die Darstellung der Aktivitäten beruht auf einer Umfrage des Deutschen Musikrats unter dem Titel Willkommen in Deutschland – Musik macht Heimat, die die verschiedenen Formen des Engagements sichtbar machen und eine Grundlage bilden soll, um die Schaffung notwendiger politischer Rahmenbedingungen effektiv einfordern zu können. In einem ersten Schritt soll dazu eine Resolution des Deutschen Musikrats bei seiner Mitgliederversammlung am 23./24. Oktober 2015 verabschiedet werden.



Der Präsident des Deutschen Musikrats, Professor Martin Maria Krüger, würdigt den Einsatz der Akteure des Musiklebens und stellt fest: «Die Musik nimmt eine zentrale Rolle in der nonverbalen Kommunikation ein und kann Freude am Austausch und Dialog zwischen den unterschiedlichen Kulturen vermitteln. Die Botschaft Musik macht Heimat richtet sich an alle Menschen in unserem Land.»



Abrufbar ist der neue Fokus des MIZ unter: www.miz.org/fokus_musik_macht_heimat
 

Angelo Garovi – Organist, Historiker, Musikologe, langjähriger Radioredaktor, Staatsarchivar und Universitätsprofessor – bedauerte jahrelang das Fehlen einer neueren Musikgeschichte der Schweiz, bis er sich selber ans Schreiben machte. Vorerst plante er einen Sammelband ähnlich dem Schweizer Musikbuch, das Willi Schuh 1939 zusammen mit zwölf Mitarbeitern herausgegeben hatte. Je mehr der Autor sich aber mit dem Thema in seiner ganzen Breite von der spätrömischen Wasserorgel in Avenches bis zu Mathias Spohrs eben erschienener Anthologie Schweizer Filmmusik beschäftigte, desto klarer wurde die Absicht, das Manuskript nach dem Vorbild von Antoine-Elisée Cherbuliez‘ Standardwerk Die Schweiz in der deutschen Musikgeschichte (1932) als Einzelpublikation zu verfassen. Die Einladung der nordostdeutschen Universität Greifswald zu zwei Gastsemestern erlaubte es Garovi, sein Konzept zu einer Musikgeschichte der Schweiz zu erproben und den Vorlesungstext anschliessend für das vom Verlag verlangte Taschenbuch zu verdichten.

Vor kurzem konnte ein 160-seitiges Büchlein erscheinen, das in 30 knappen Kapiteln über den verblüffend vielseitigen Musikbeitrag der Schweiz informiert. Ein Anhang listet rund dreihundert Namen von Musikschaffenden auf – unter ihnen bisher kaum bekannte komponierende Klosterfrauen und ausländische Komponisten, die sich durch Motive aus der schweizerischen Volksmusik oder Aufenthalte in der Schweiz zu Tonwerken haben anregen lassen. In diesem Zusammenhang dürfte ergänzt werden, dass Bohuslav Martinů seine drei letzten Lebensjahre in der Schweiz verbracht und in Liestal die Oper Die griechische Passion geschrieben hat.

Die Selektion der weiterführenden Literatur zeugt von der Belesenheit und Originalität des Autors. So werden die zu Unrecht in Vergessenheit geratenen Einzelpublikationen und Aufsätze von Arnold Geering ins rechte Licht gerückt, während man Max Peter Baumanns massgebende Dissertation Musikfolklore und Musikfolklorismus, die erste wissenschaftliche Auseinandersetzung mit der Jodelkultur, vermisst. Diese Makel, zu denen auch kleine, ganz vereinzelte Ungenauigkeiten zählen – der St. Galler Komponist und Erneuerer der Alphorntradition Ferdinand Fürchtegott Huber wird zum Beispiel als Johann Fürchtegott angeführt – lassen sich in einer weiteren Auflage dieses leicht lesbaren und nützlichen Buches beheben und schmälern weder Dankbarkeit noch Anerkennung für eine Publikation, die ihresgleichen sucht.

Man kann ihr entnehmen, dass im Kloster St. Gallen des 10. Jahrhunderts mit Sequenz (einstimmige Vertonung des Alleluia-Verses) und Tropus (syllabische Textgestaltung melismatischer Gesänge) neue Formen der vokalen Kirchenmusik gepflegt und gefördert wurden. Die Wichtigkeit des Konzils von Basel für die mehrstimmige A-cappella-Musik wird dem aufmerksamen Leser bewusst, führte man damals, im 15. Jahrhundert, doch Werke von Dunstable, Dufay und anderen noch lebenden Komponisten auf. Der Autor, ein quellenkundiger Historiker, kann aus Luzerner Rechnungsbüchern des 14. und 15. Jahrhunderts die Musik alltäglicher Bürger auffächern, während sich die Militärmusik jener Zeit in den Bilderchroniken der alten Eidgenossen spiegelt. Ebenfalls der Hinweis auf den Franzosen Antoine Brumel, Musiker aus Ferrara und von 1486-1490 Organist in Genf, überrascht. Erstmals lässt sich zudem die Erfolgsgeschichte des von verschiedenen Kirchenmusikern vertonten und 1573 auf Deutsch übersetzten Genfer Psalters erahnen, diente dieses erste Gesangbuch der Reformierten doch bis ins 19. Jahrhundert als verbreitetes Hausbuch, das heute noch bei konservativen Old Order Amish in im mittleren westen Nordamerikas verwendet wird.

Unter den Barockkomponisten verdienen Nicolaus Scherrer, der von Händel bewunderte Genfer Geiger Gaspard Fritz und der Luzerner Chorherr Franz Joseph Leonti Meyer von Schauensee, dessen Werke Leopold Mozart in Salzburg aufführte, mehr Beachtung. Als schweizerische Musikgattung des 19. und 20. Jahrhunderts wird das Festspiel bis hin zu Arthur Honegger, Frank Martin und die von Mal zu Mal neu geschaffenen Kompositionen der Fête des vignerons in Vevey erwähnt.

Garovi, der Sohn eines der Zwölftonmusik verpflichteten Komponisten, war von Haus aus vertraut mit der zeitgenössischen Musik und vertiefte seine Kenntnis auch als Radioredaktor dieser Sparte. So gelten denn die Kapitel zur Musik des 20. und 21. Jahrhunderts – sie machen ein Viertel der Publikation aus – als besonders informativ und dokumentieren, dass die Schweiz mit weltberühmten Komponisten wie Klaus Huber, Heinz Holliger, aber auch mit Jürg Wyttenbach, Roland Moser, Hans Ulrich Lehmann, Alfred Schweizer, Balz Trümpy , Beat Furrer u. a. m. einen wichtigen Beitrag zur Musik unserer Zeit leistet.

Angelo Garovis Musikgeschichte der Schweiz verdient grosse Verbreitung und würde sich, auf Englisch übersetzt, als Pflichtlektüre für die zahlreichen ausländischen Musikstudierenden an schweizerischen Musikhochschulen eignen.

Angelo Garovi, Musikgeschichte der Schweiz,
160 S., Fr. 19.90, Stämpfli, Bern 2015,
ISBN 978-3-7272-1448-6

Wussten Sie, dass in den skandinavischen Ländern mehr Menschen in einem Chor singen, als in jedem andern Land der Erde? Von Skandinavien bis ins Baltikum stellt das Chorsingen eine regelrechte Volksbewegung dar. Chorkompositionen aus Schweden, Norwegen, Dänemark und Finnland sind auch für deutsche Chöre schon lange kein Geheimtipp mehr. Wie ist es zu dieser einzigartigen skandinavischen Chortradition gekommen? Das professionelle Musikleben im 17. und 18. Jahrhundert bezog sich auf die Höfe in Stockholm und Kopenhagen. Dabei waren die skandinavischen Länder in Sachen Musik über Jahrhunderte hinweg «Importnationen». Sie wurden im 18. und 19. Jahrhundert stark von der deutschen Musiktradition beeinflusst.

Zu Beginn des 19. Jahrhunderts fanden die Ideen der Romantik ihren Weg über Kopenhagen in den Norden. Deutsche Musiker waren massgeblich an der Sammlung und Bearbeitung skandinavischer Volksmusik beteiligt. Die ersten Ausgaben schwedischer, dänischer und norwegischer Volksweisen erschienen um 1814. Ihre in Moll gehaltene Charakteristik passte ideal zur Suche nach dem Mystischen, nach Naturverbundenheit, der sich deutsche Romantiker verschrieben hatten.

Mit der Blüte der Männerchorbewegung wurde das deutsche Chorrepertoire in Skandinavien bekannt. Gleichzeitig begründeten die skandinavischen Sängerfeste eine nordische Chortradition. In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts führte das Bedürfnis nach politischer und kultureller Unabhängigkeit zu einer stärkeren Eigenständigkeit.

Unter dem Titel I Himmelen (Im Himmelreich) hat die Edition Peters drei umfangreiche Bände mit geistlichen Kompositionen, Gesängen für Advent und Weihnacht sowie weltlichen und Volksliedsätzen herausgebracht, und zwar für gemischten Chor, für 1–2 hohe Stimmen und für 3–4 hohe Stimmen. Dabei tauchen auch die Namen der bekanntesten skandinavische Komponisten wie Grieg, Alfvén und Sibelius auf. Neben der Originalsprache sind deutsche Texte unterlegt. Die meisten Sätze werden a cappella gesungen; obligate Begleitungen für alle drei Ausgaben sind in einem Heft zusammengefasst.

I Himmelen, 70 skandinavische Chorstücke für gemischten Chor, hg. von Hans Wülfing, EP 11410, € 24.95, Edition Peters, Leipzig u. a. 2014

id., 10 skandinavische Chorstücke für 1–2 hohe Stimmen, EP 11414, € 12.95

id., 20 skandinavische Chorstücke für 3–4 hohe Stimmen, EP 11412, € 14.95

Klavier- und Orgelbegleitungen zu: I Himmelen, EP 11410a, € 14.95
 

Dieses wunderbare Heft mit Werken des Clowns Grock (Charles Adrien Wettach), neu arrangiert für Akkordeon-Solo und -Duo von Andreas Hermeyer und Thomas Svechla, enthält auch eine spannende Kurzbiografie des berühmten Künstlers, erstellt von seinem Grossneffen Raymond Naef. Ausgeschmückt ist dieser Teil des Heftes mit eindrücklichen Fotos und Plakaten, die die überzeugende Lebendigkeit noch unterstreichen.
Der Textteil besteht zudem aus der interessanten Schrift von Thomas Eickhoff zu Grocks Bezug zum Akkordeon und seiner Arbeit als Komponist.

Der «praktische» Teil beinhaltet 14 inspirierende und klanglich sehr ansprechende Kompositionen von Grock. Sieben dieser Stücke wurden mit einer 2. Stimme ergänzt und können also in Duo-Besetzung genossen werden, die zweite Stimme ist eingelegt. Die Arrangements sind harmonisch sehr interessant und lassen viel Raum für die eigene Interpretation (keine Dynamik- und keine Artikulationsangaben). Ich empfinde dieses Heft als sehr gelungen (über den einen oder anderen Druckfehler sieht man gerne hinweg) und empfehle es all denen, die gerne in diese verträumten, schwungvollen bis zu übermütigen Melodien abtauchen und sich dabei vor technischen Herausforderungen, speziell auch für die linke Hand (Standardbass), nicht scheuen.

Grock, Akkordeonwerke des berühmten Clowns, hg. von Thomas Eickhoff, MH 15122, € 18.99, Matthias-Hohner-Verlag (Schott), Mainz 2014

Das Genre des Spirituals und Gospels ist beeinflusst von unterschiedlichen modernen Stilarten wie Jazz, Blues, Pop und Rock. Bernd Frank hat für den Schott-Verlag eine Zusammenstellung von Gospels und Spirituals herausgegeben, die sich für den Gesangsunterricht mit Anfängern und Laiensängern eignen, aber auch für die Arbeit mit Schul- oder Kirchenmusikern, die sich vielleicht auf eine Aufnahmeprüfung vorbereiten und über den Rand des klassischen Repertoires hinausschauen wollen .

Den Schwierigkeitsgrad der vorliegenden Ausgabe würde ich bei leicht bis mittel ansetzten. Die Songs sind aber durchaus auch für Vortragssituationen geeignet, z. B. als Soloergänzung eines Gospelchorprogramms, in Musikschulvortragsübungen oder als Bereicherung des herkömmlichen kirchenmusikalischen Repertoires .

Während des Entstehungsprozesses wurde die Sammlung in einem Workshop von den Schulmusikstudierenden der Mainzer Musikhochschule mit Ideen ergänzt und auf ihre Praxistauglichkeit überprüft.

Die Ausgabe bietet durch interessante Klavierbegleitungen vielfältige Aufführungsvarianten an: sowohl in Klavier- als auch Gesangsstimme können improvisatorische «Fill-ins» eingebaut werden. Viele Songs bieten sich an, als Duo oder als «Call & Response» auch zweistimmig gesungen zu werden.

Mehrere Strophen können frei improvisierend über den zugrunde liegenden «Changes» gestaltet werden. Spezifische Gesangstechniken der Gospelmusik wie z. B. das Anschleifen der Töne verlangen stilistische Vielfalt und Flexibilität. Gospelsongs sind rhythmische Lieder , die auch dem Gesangsanfänger sofort erlauben, sein Gefühl für «Groove» zu entwickeln und zu schulen.

Die Sammlung erscheint in zwei Ausgaben, für hohe Stimme und für mittlere oder tiefe Stimme, wobei die letztere wirklich tief ist und die höhere nicht wirklich hoch. Die Bände umfassen je 33 Songs, und die Titelliste enthält neben Bekanntem wie Amazing grace, Sometimes I feel like a motherless child auch weniger Verbreitetes wie Calvary oder Chilly water.

Spirituals & Gospels im Unterricht, 33 Songs
für Stimme und Klavier, hg. von Bernd Frank;
Ausgabe für hohe Stimme, ED 21712;
Ausgabe für mittlere oder tiefe Stimme, ED 21713;
je € 19.50, Schott, Mainz
 

Der Schweizer Blasmusikverband hat das Jahr 2015 zum «Jahr der Klarinette» erklärt (wir haben berichtet). Damit will er den musikalischen Nachwuchs motivieren, das Klarinettenspiel zu erlernen. Viele Organisationen haben sich mit zahlreichen Aktionen daran beteiligt, eine Aufstellung findet sich auf der entsprechenden Website www.jdk-adlc.ch.

«Der längste Klarinettenton»
Wer gerne Rekorde aufstellt, melde sich sofort bei der Musikschule Alato, um am 21. November in Dietlikon bei der Aktion «Der längste Klarinettenton» mitzumachen. Wer sich zutraut, einen konstanten Ton auf einer Klarinette während möglichst langer Zeit hervorzubringen, ist herzlich eingeladen, sich am Stafetten-Ton zu beteiligen.
Eine Anmeldung bis 17. November ist erforderlich. Informationen unter:
Telefon 052 354 23 30 oder klarinettenton@ms-alato.ch
ms-alato.ch/aktuell.html