Der Bundesrat fasst in seiner heutigen Medienmitteilung die wichtigsten Punkte aus der neuen Kulturbotschaft zusammen: Die drei «Handlungsachsen – kulturelle Teilhabe, gesellschaftlicher Zusammenhalt, Kreation und Innovation – werden für die Periode 2021-2024 beibehalten.» Für die Umsetzung des zur Vernehmlassung vorgelegten Entwurfs seien 942,8 Millionen Franken vorgesehen, was einer Mittelaufstockung von 35.4 Millionen Franken entspreche.

Im Bereich «kulturelle Teilhabe» solle das Programm «Jugend und Musik» konsolidiert werden. In Zusammenarbeit mit den Kantonen und mit Musikorganisationen werde der Bundesrat eine musikalische Begabtenförderung einführen. Im Bereich «gesellschaftlicher Zusammenhalt» würden die schulischen Austauschaktivitäten zwischen den Sprachgemeinschaften verstärkt und ein Austauschprogramm für Lehrpersonen eingerichtet. Im Bereich «Kreation und Innovation» solle schliesslich die Kooperation zwischen Kultur und Wirtschaft fortgesetzt werden.

Zudem setze der Bundesrat neben der Kontinuität einen besonderen Schwerpunkt auf die Digitalisierung. Der digitale Wandel beeinflusse sämtliche Bereiche und Institutionen der Kultur in Bezug auf Produktion, Vermittlung und Erhaltung.

In der Förderperiode 2021-2024 solle die Zusammenarbeit mit den Kantonen, Städten und Gemeinden im Rahmen des Nationalen Kulturdialogs fortgeführt werden. Der Bund wolle sich zudem für die Gleichstellung von Frauen und Männern im Kulturbereich und für eine angemessene Entlöhnung der Kulturschaffenden einsetzen.

Die Vernehmlassung dauert bis am 20. September 2019. Der Entwurf der Kulturbotschaft wird am Treffen der Parlamentarischen Gruppe Musik vom 5. Juni in Bern vorgestellt.
 

Von seinem Vater hat Franco Ambrosetti nicht zuletzt zwei Dinge geerbt: Die Liebe zum Jazz und ein familieneigenes Unternehmen mit mehreren Hundert Angestellten. Dieses leitete der Trompeter und Flügelhornist während 27 Jahren – bis er die Firma 2000 verkaufte, um sich ganz der Musik zu widmen. Davon erzählt Ambrosetti in seiner lesenswerten, im letzten Jahr erschienenen Autobiografie Zwei Karrieren – ein Klang. Auf diese hat er mittlerweile auch eine neue CD, The Nearness Of You, folgen lassen.

Deren Musik geht auf ein Projekt für das Sanremo-Jazzfestival 2016 zurück: Der Tessiner wurde gebeten, einen Konzertabend mit dem Sanremo Symphony Orchestra unter der Leitung von Massimo Nunzi zu entwickeln; zwei Jahre später fand man im Studio wieder zusammen, um die zehn Stücke für die Nachwelt festzuhalten. Im Fokus stand das Aufeinandertreffen klassischer Musiker mit Jazzsolisten.

Ambrosetti, inzwischen 77-jährig, beweist in dem Album sein Flair für einen möglichst warmen Sound. Faszinierend ist auch, wie gut ihm die Balance zwischen Jazz und Orchestralem gelingt. Die Arrangements sind breit und doch differenziert angelegt und zeigen sich überaus agil. Davon zeugen etwa das subtile Un Uomo Disabitato oder das sanft melancholische My Ship aus der Feder von Kurt Weill und Ira Gershwin. Das Album, das mitunter wie der Soundtrack zu einem opulenten Hollywood-Film aus den 1950er-Jahren anmutet, entfaltet sich mit viel Leichtigkeit. Und sorgt auch für Spannung, indem Ambrosetti Gin And Pentatonic oder A Bix Within A Wheel mit abstrakten Passagen anreichert. Das ist unbequem, sorgt aber für Frische und Farbe. Die CD endet mit Haden, einem Mini-Requiem für den 2014 verstorbenen Kontrabassisten Charlie Haden. Es ist der würdige Abschluss eines Werkes, das von A bis Z zu gefallen weiss.

Franco Ambrosetti: The Nearness Of You. Symphonic Orchestra and Jazz Band. Werke von Hubbard, Nunzi, Leonard, Weill, Ambrosetti, Jobim, Carmichael, arr. Massimo Nunzi und Gianni Ferrio. Unit Records 4889

Der 1986 geborene Andreas Zurbriggen ist klassischer Komponist und Musikjournalist. Der in Saas-Fee geborene und dort wohnhafte Künstler hat bei Daniel Glaus an der Hochschule der Künste Bern klassische Komposition und an der Universität Bern Musikwissenschaft, Geschichte und Kunstgeschichte studiert. Andreas Zurbriggens Musiksprache wurzelt in der Tradition, er integriert diese jedoch in einen aktuellen Kontext.

Zurbriggen komponiert Musik für verschiedenste Besetzungen: Vom Klaviersolostück bis zur Komposition für Orchester und Chor. Seine Werke wurden bereits an mehreren Festivals gespielt (Forum Wallis, Musikfestivals von Bern, Davos und Shanghai) und von renommierten Ensembles interpretiert (Ensemble Phoenix Basel, Ensemble Mondrian Basel, Flötenquartett Tétraflûtes, Russische Kammerphilharmonie St. Petersburg).

Isa Wiss überzeuge als «ausserordentliche Stimmkünstlerin und Performerin», schreibt die Stadt. In ihrem vielseitigen künstlerischen Schaffen komme «die Vielseitigkeit ihrer Stimme, wie auch ihre Virtuosität, Kreativität und Neugier zum Ausdruck». Von Oper über Jazz und Volksmusik bis zu geräuschvollen Improvisationen sei sie in allen Genres eine überzeugende Performerin.

In den letzten Jahren hat Isa Wiss mehrere aufwändige Kinder-Musiktheater-Produktionen konzipiert und realisiert. Das aktuellste Projekt «Die Wörterfabrik» ist eine Zusammenarbeit mit den Musikern Vera Kappeler, Peter Conradin Zumthor und Luca Sisera. In der «Wörterfabrik» verbindet Isa Wiss ihre verspielte Musikalität mit ihrem virtuosen Umgang mit Sprache. Isa Wiss geniesst sowohl mit ihren eigenen Projekten wie auch als gefragte Gastmusikerin nationale Resonanz.

Um den «Stadtklang» einer Überbauung zu erforschen, müssen zwei Fragen geklärt werden: Was hört man, wenn man sich im Hof aufhält? Und welche Wirkung haben die Gebäude darauf? Dabei beeinflussen drei «Raumschalen» das, was eine Person hört: Erstens die Umgebung ausserhalb der Überbauung – die umgebenden Strassen und deren (Verkehrs-)lärm. Zweitens der Raum zwischen den Häusern mit den Aktivitäten im Innenhof. Und drittens der Nahraum im Umkreis von fünf Metern rund um eine Person oder Gruppe und deren Gespräche.

Um das Zusammenspiel dieser drei Raumschalen zu untersuchen, führte das Projektteam, darunter Klangforscher und Klangkünstler Andres Bosshard, in verschiedenen Innenhöfen Expertenbegehungen mit Tonaufnahmen durch und wertete diese systematisch aus. Dabei ging es unter anderem darum, die Geräusche genau zu erfassen. Durch die Variation von Bauteilen konnten deren Auswirkungen auf die Akustik des Hofs untersucht werden.

Eine wichtige Erkenntnis daraus ist: Leiser ist nicht immer besser, denn neben Ruhe ist auch Diskretion ein Anspruch, den Bewohnerinnen und Bewohner an einen Innenhof stellen. Das Ziel der akustischen Hofgestaltung ist eine ausgewogene Klangkombination aus allen drei Raumschalen.

Publikation zur Forschung: Sturm, Ulrike, Bürgin, Matthias und Schubert, Axel (Hrsg.): Stadtklang. Wege zu einer hörenswerten Stadt, Band 2: Klangraumgestaltung von Aussenräumen, vdf Hochschulverlag AG an der ETH Zürich, www.vdf.ethz.ch, 112 Seiten, ISBN 978-3-7281-3939-9
 

Kann ein Laienchor aus «nichts» einen ganzen Konzertabend gestalten? Dieser Herausforderung haben sich die Basler Chöre Kultur und Volk sowie bâlcanto und der Jugendchor ATempo! der Musikschule Basel improvisierend gestellt. Das Resultat der langen und teilweise auch mühsamen «Reise» war eine einstündige Performance: Sie wirkte berührend und witzig, manchmal aber auch etwas ratlos lassend.

Gemäss dem Konzept von Projektleiterin Johanna Schweizer erhielten die drei Chöre von der Gare du Nord und dem Kunstmuseum Basel einen «Freipass», in der Ausstellung Basel Short Stories. Von Erasmus bis Iris von Roten Inspirationen für ein zu entwickelndes Werk zu sammeln. In verschiedenen Etappen, sogenannten «Looping Journeys», wurden seit April 2018 drei neue Musikstücke kreiert. Dieser Prozess erforderte eine gehörige Portion Mut, wenn man etwa im Rhein schwimmend Sännelä hojahoo singen musste.

Unterstützung bei diesen Abenteuern erhielten die Chormitglieder von drei Cracks der improvisierenden Musikszene, den Stimmperformern Christian Zehnder und Andreas Schaerer und der Sängerin Isa Wiss. Sie führten die Choristinnen und Choristen durch ein schier endloses Meer von Geräuschen und Gestaltungsmöglichkeiten. «Für viele Teilnehmende war die improvisatorische Freiheit eine grosse Herausforderung, in der sich vor allem am Anfang einige von ihnen verloren fühlten», erläuterte Schweizer.

Zudem sollten die Chöre einen Weg finden, die neu entwickelte Musik auf Papier festzuhalten – eine Annäherung an grafische Notationen also. Das Resultat gestaltete sich dann aber anders, denn den Leitfaden des Abends bildeten Videosequenzen von Paula Reissig, die unaufgeregt und gewieft Takt und Inhalt vorgaben – Improvisation und Struktur sollten sich so ergänzen, zumal Texte fehlten, was dem Publikum das Verständnis etwas erschwerte.
 

Die gewählten Themen spiegelten in auffallender Weise den Charakter des jeweiligen Chors, der seine Stärken so in die Performance einbrachte. Der Abend begann mit dem Chor Kultur und Volk, der zum Film Frick und Frack über das Basler Eisläufer-Duo Werner Groebli und Hansruedi Mauch improvisierte. Passend dazu amtete als Coach der auf neue alpine Musik spezialisierte Christian Zehnder.

Foto: Ute Schendel

Chor Kultur und Volk mit Christian Zehnder

In Reissigs Video waren weniger die Kapriolen der Eiskunstlaufhelden zu sehen, als das sie umjubelnde Publikum. Stimmige, in sich drehende, manchmal etwas langatmige Sequenzen, die der Chor mit spielerischen Bewegungen und Tonfragmenten untermalte: In drei Gruppen eingeteilt, wurde geklatscht, geraunt und im Rhythmus «gesungen». Es war eine durch Bilder initiierte Abfolge, die in einem Jodellied, dem «Zuger», gipfelte.

Etwas schwieriger gestaltete sich die Wahl des Jugendchors ATempo!, der sich unter der Leitung von Andreas Schaerer mit dem Erfinder des LSD, Albert Hofmann, auseinandersetzte. Liegende, an der Minimal Music orientierte Gesangslinien begleiteten und untermalten Videoeinspielungen, die abstrakte Frequenzkurven zeigten oder Laboransichten mit einer sich drehenden Metalltonne. Wenig Entwicklung also, Längen waren eigentlich vorprogrammiert.

Foto: Ute Schendel

Andreas Schaerer und der Jugendchor ATempo! der Musikschule Basel

Zur Einstimmung auf ihr Projekt hatten die Jugendlichen Verkehrsgeräusche am Wettsteinplatz erforscht oder im Badischen Bahnhof zu «Rausch und Delirium» improvisiert. Als Folge äusserten zwei junge Chorsänger, sie würden nun mutiger singen, «egal, was die anderen denken». Gemeinsam gelang es dem Chor, die inneren Vorgänge in Bewegung zu bringen, etwa durch das kreuzweise aneinander Vorbeilaufen mit an- und abschwellenden Gesangskurven, mit Dissonanzen und Konsonanzen.

In eine ganz andere Welt entführte unter der Führung von Isa Wiss bâlcanto, ein international zusammengesetzter Chor. Er wählte den zivilreligiösen Aspekt des Basler Friedenskongresses 1912. Ein abstraktes Thema also, zu dem Fotos zur Verfügung standen, aber keine «laufenden Bilder». Trotzdem wurde die Performance dank einer choreografierten Bewegungsabfolge und den neuen Videosequenzen zu einer gelungenen «Demonstration».

Foto: Ute Schendel

bâlcanto

Aus dem Nichts stapften die Akteure auf das Podium, begannen leise und dann immer lauter zu nuscheln, einzelne Wortfetzen wie «Gerechtigkeit» oder «Volk» schwirrten durch die Luft und im Tohuwabohu begann eine Frau laut zu krächzen. Dazwischen entwickelte sich ein berührender Choral. Das Stück schloss mit einer Glockenimprovisation, zu der sich nach und nach alle Beteiligten auf die Bühne begaben.

Es folgte eine Schlussimprovisation, bei der man die rahmengebenden Videoeinspielungen leicht vermisste. Für die Teilnehmenden aber war wohl gerade dieser Schluss wichtig, wie es eine Chorsängerin formulierte: «Das Zusammentreffen der Chöre! What an inter-generation project!»
 

Alony wurde als Tochter irakischer Einwanderer in Haifa geboren, wuchs in Israel auf. Dort begann sie ihr Studium in Komposition und Gesang, das sie später in den USA, am Berklee College of Music in Boston, fortsetzte und in Berlin an der Hochschule für Musik Hanns Eisler abschloss.

Als Feature-Vokalistin und Komponistin trat Efrat Alony auf beim Sunday Night Orchestra, mit dem Ed Partyka Jazz Orchestra, mit dem Jazz Orchestra Concertgebouw, Amsterdam und mit der Bigband des Hessischen Rundfunks. An der HKB unterrichtet Efrat Alony Gesang und Ensembles.

Das Artemis Women in Action Film Festival feiert «Frauen, die kulturellen Wandel herbeiführen und andere Menschen inspirieren».

Ein Liedrezital ist mehr als ein Konzert, denn es vereint Musik und Wort auf poetischste Weise: Die Festival-Initiantin und Sopranistin Franziska Heinzen hat sich zum Ziel gesetzt, das Kunstlied in ihrer Heimat Brig durch verschiedene Konzertformate zu fördern. Nach einer erfolgreichen ersten Edition im Mai 2018, u. a. mit dem Schweizer Bariton Äneas Humm und Hartmut Höll, Klavier, geht das Rhonefestival für Liedkunst vom 30. Mai bis 2. Juni zum zweiten Mal über die Bühne.

Eröffnet wird es unkonventionell mit einem Abend im Bistro des Zeughauses Kultur Brig: Dabei trifft Poetry Slam (Phibi Reichling, Kilian Ziegler und Felicia Brembeck alias Fee) auf die vermeintlich «eherne» Liedkunst. Dieses Konzept der Pianistin Marlene Heiss gewann am Grazer Lied-Wettbewerb «Schubert und die Moderne» den Audience-Engagement-Preis 2018.

Höhepunkt des Festivals bildet der Liederabend der ebenfalls aus Brig stammenden international renommierten Sopranistin Rachel Harnisch und ihrem Klavierpartner Jan Philip Schulze mit Werken von Franz Schubert bis George Crumb.

Anlässlich des 200. Geburtstages der Pianistin und Komponistin Clara Schumann liegt der Festival-Themenschwerpunkt auf Kompositionen von Frauen: Der Liederabend «Komponistinnen: Zierde oder Meisterin?» mit Franziska Heinzen, Sopran und Benjamin Mead, Klavier, beleuchtet Werke von 20 Komponistinnen von Clara Schumann bis Isabel Mundry. Ausserdem liest Barbara Terpoorten aus den Lebensschicksalen von Clara Schumann, Alma Mahler und Fanny Hensel-Mendelssohn. Der Schwerpunkt wird im Kino Capitol mit dem preisgekrönten Dokumentarfilm Komponistinnen von Kyra Steckeweh und Tim van Beveren abgerundet, der über die Noten hinaus die nicht immer einfache Position der Komponistin in den letzten 200 Jahren beleuchtet.

Als Schweizer Festival möchte das Rhonefestival künftig die – mehrheitlich unbekannten – Schweizer Komponisten und Dichter mit einem eigenen Konzert fördern. Da mehr Swissness als am Schweizer Nationalfeiertag nicht möglich ist, findet dieses Konzert jeweils ausserhalb der regulären Festivalzeit rund um den 1. August statt, dieses Jahr unter dem Titel «Alte Weisen, neu entdeckt: Hommage an Gottfried Keller» am 31. Juli im Stockalperschloss in Brig.
 

Der Jazz-Verein Esse Winterthur betreibt seit 2005 ein Jazz-Lokal beim Bahnhof Winterthur. Aufgrund der Umnutzung durch die SBB wird die Liegenschaft der Esse-Musicbar per Ende August 2019 abgerissen. Der Kulturverein will sein musikalisches Angebot erhalten und hat im Zeughaus 1 an der Zeughausstrasse 52 einen neuen Standort für sein Konzertlokal gefunden.

Seit 2017 wird der Betrieb der Esse-Musicbar von der Stadt Winterthur mit einem jährlichen Subventionsbeitrag von 25’000 Franken unterstützt. Für die Finanzierung der Investitionen in den Um- und Ausbau der neuen Lokalität akquiriert der Verein Gelder von Stiftungen und Privaten und ersucht den Lotteriefonds des Kantons Zürich um einen Beitrag. Bedingung für einen Beitrag des Lotteriefonds ist aber eine Zusage der Standortgemeinde. Die Stadt Winterthur leistet darum einen Standortbeitrag von 80’000 Franken und gewährt dem Verein zudem ein zinsloses Darlehen von 100’000 Franken.

Mit jährlich bis zu 170 Konzerten und Veranstaltungen leistet die Esse-Musicbar einen wichtigen Beitrag zu Winterthurs Attraktivität als Musikstadt. 2008 erhielt das Konzertlokal den Kulturpreis der Kulturstiftung Winterthur. Mit dem Standortbeitrag und dem Darlehen unterstützt die Stadt Winterthur den Jazz-Verein Esse Winterthur bei seinem Vorhaben und ermöglicht eine Wiedereröffnung des Konzertlokals ab September 2019.
 

Mischa Cheung studierte Klavier bei Konstantin Scherbakov an der Zürcher Hochschule der Künste. Er ist Mitglied des Gershwin Piano Quartet, welches Werke für vier Konzertflügel aufführt, und war von 2011 bis 2015 Pianist bei der klassischen Band Spark. Seit 2014 tritt er als Solist bei den Symphonic Game Music Concerts der Merregnon Studios auf. Seit 2009 ist er an der Zürcher Hochschule der Künste als Assistent der Meisterklasse von Konstantin Scherbakov und als Dozent für Klavier und Improvisation tätig.

Die Chorleiterinnen und Chorleiter Lucia Germann und Michael Zumbrunn (Gymnasium Liestal) sowie Christoph Huldi, Jürg Siegrist und Christine Boog (Gymnasium Muttenz) verantworten laut dem Kanton «seit Jahrzehnten mit grossem persönlichem Engagement qualitativ hochstehende und erfolgreiche Chorprojekte». Den vorerst letzten Höhepunkt bildete im Oktober 2018 das Oratorienkonzert «Elias» von Mendelssohn mit den Chören aus Muttenz und Liestal sowie dem Sinfonieorchester Basel im Musical Theater Basel. Der Jubiläumspreis 50 Jahre Kulturpreise Baselland 1969–2019 ist mit 25‘000 Franken dotiert. Das Preisgeld ist zweckgebunden für weitere Projekte mit Gymnasialchören aus dem Kanton.

Bisher werden Konzertgitarren aus einer Kombination lang gelagerter tropischer Holzarten wie westindische Zedrele für den Hals, ostindischer Palisander für Zarge und Boden und Ebenholz für das Griffbrett hergestellt. Seit Anfang 2017 gelten für den Handel mit bedrohten Hölzern aus den Tropen jedoch strengere Bestimmungen, so dass Musikinstrumentenbauer auf Alternativen angewiesen sind.

Mit dem Behandlungsverfahren der TU Dresden werden einheimische Hölzer mit einer bestimmten Temperatur und einem bestimmten Druck für eine gewisse Zeit thermisch behandelt um die notwendigen Alterungsprozesse des Holzes zu beschleunigen. Im Ergebnis können die thermisch modifizierten einheimischen Hölzer nach nur einem Jahr zu hochwertigen Musikinstrumenten weiterverarbeitet werden.

Mittlerweile produziert Hanika vier neue, vollständig tropenholzfreie Gitarrenmodelle (Basis-, Mittel-, Ober- und Meisterklasse) aus thermisch behandelten einheimischen Hölzern. Dafür wurde die Gitarrenmanufaktur auf dem Innovationstag Mittelstand des Bundesministeriums für Wirtschaft und Energie (BMWi) in Berlin als «ZIM-Handwerksprojekt des Jahres» ausgezeichnet.

Mit einer «kleinen Prise Humor» blickt Meierhans auf eine spezielle Kultur: Nebst Fussball wird das Kegeln gross geschrieben im Ruhrgebiet. Ist die Arbeit getan, trifft man sich, trinkt Bier und Schnaps, redet – und zwischendrin wirft man Kugeln auf Kegel. Längst verlassen wirkt die Kneipe mit Kegelbahnen an der Wittener Ruhrstrasse. Putz blättert von den Wänden, das Mobiliar ist abgenutzt, gedeckte Farben erinnern an die Fünfzigerjahre. «Ohne Nostalgie» wollte Meierhans sich auf den Ort beziehen, freundlich auf die Absurditäten von «Vereinstätigkeiten» blicken. Dazu postiert die 1981 in Burgau/SG Geborene in der Nähe des einstigen Bierausschanks eine Schlagwerkerin. Direkt an den Bahnen spielen eine Viola, eine Posaune oder ein Saxofon; unterstützt ist das klangliche Ambiente von Sprach-Einspielungen per Lautsprecher.

Mit Fug und Recht komponierte Meierhans keine stringenten Werke. Eher sind es gelockerte Ton- oder Klangfolgen oder so etwas wie kleine Rhythmus-Studien, die da zu Gehör kommen. Das lässt gedankliche, auch sportive Freiräume. Zwischendrin darf der Festivalbesucher selbst eine Kugel werfen, kann sinnieren über vergangene Zeiten, sich Atmosphären überlassen, die letzten Endes hübsch, letztlich aber auch zu zaghaft-reserviert wirken. Nun denn: Es mag verschiedenen Mentalitäten geschuldet sein. Hier das kernige, meist männerdominierte Westfalenkegeln, dort eine reflektierte, aber auch zurückhaltende Künstlerin aus der Schweiz – so etwas ist keine einfache Konstellation.
 

Barblina Meierhans’ Station Diese Zeiten sind vorbei … ist nicht die einzige. Alternative Orte abseits der Konzertsäle haben in Witten mittlerweile Tradition. Mal ging es – ganz à la Festival Rümlingen – mit einer Klangwanderung in die Natur, mal spielen Stücke auf einer Fähre oder in einer Strassenbahn, mal bestellt der Festivalleiter Harry Vogt Klanginstallationen für Kellergewölbe. Geht es um ortsbezogene Kunst, ist man beim Komponisten und Multimedia-Spezialisten Manos Tsangaris an der richtigen Adresse. Tsangaris’ immer wieder bewährtes Rezept ist das Spiel mit dem Innen und Aussen. In diesem Wittener Jahr sieht es so aus: Innen, in einem fast rundherum verglasten Kiosk aus den Fünfzigerjahren, sitzt das Publikum, das beschallt wird von ein paar Instrumentalisten und Lautsprechern. Draussen bewegen sich in der Nähe einer Strassenkreuzung normale Passanten nebst obskuren Gestalten, die echt sein mögen oder aber – wer weiss es schon? – von Tsangaris bestellt. Als «Kammerspiel» bezeichnet er seine Station, die auch «Hörkino» heissen könnte.

Auf alle Fälle aus der Kunstsphäre kommen eine Sprecherin und ein Interviewer, deren Worte per Funk in den vollbelegten Kiosk gelangen. Feine Antennen hat Tsangaris. Die Musik darf – wie bei Meierhans – nicht zu sehr im Vordergrund stehen. So sind es eher kleine atmosphärische Beigaben, die die Musiker spielen. Jene draussen flanierende Sprecherin sinniert währenddessen über das Thema Fortschritt, während der Interviewer recht aufdringlich Wittener Passanten nach ihrem Musikgeschmack befragt. Rolling Stones sind eine «Macht», sagt ein Passant. Karlheinz Stockhausen kennt er nicht.
 

Was drinnen in den Konzertsälen passiert, bleibt den Wittenern wohl auch verborgen. Schade drum! Denn was in diesem Jahr tönt, ist alles hörenswert, teils sensationell gut. Herausragend das Konzert mit Werken von Mikel Urquiza, von Sasha J. Blondeau und von Sara Glojnarić, alle etwa dreissigjährig. Urquiza vertont dänische Texte von Inger Christensen, indem er die Sopranistin in bezaubernd intime Dialoge verwickelt entweder mit gestopfter Trompete, mit Klarinette oder mit Schlagwerk. Sasha J. Blondeau, 1986 im französischen Briançon geboren, entscheidet sich für eine körnig aufgeraute Klangstudie, während der Ansatz der Kroatin Glojnarić eher rhythmischer Natur ist. In witziger Manier bezieht sie sich zwar nicht auf die «Macht» Rolling Stones, dafür aber auf Schlagzeug-Intros der Rock-Gruppen The Police, Nirvana oder U2. Dass dieses etwa 50-minütige Konzert derart gut funktioniert, liegt zum einen an der kurzweiligen Heterogenität und der frappanten Kompositionsqualität der Werke, zum anderen aber auch an den Interpreten. Sarah Maria Sun (Sopran), Marco Blaauw (Trompeten), Carl Rosman (Klarinetten) und Dirk Rothbrust (Schlagzeug) spielen atemberaubend. Begriffe wie «Variabilität», «Perfektion» oder «Klangsensibilität» werden der unglaublichen Musikalität dieses Quartetts kaum gerecht.

Die Wittener Tage für Neue Kammermusik sind offenbar auf einem guten Weg. Nach Jahren verspannt-sophistischer Komplexität und zwanghafter Suche nach neuen Klangwelten kommt offenbar wieder mehr Lockerheit ins Spiel – kein bloss unkonzentriertes Laissez faire, sondern erfreulich gekonnte Souveränität. Drei Tage voll nachhaltiger Erlebnisse. Was will man mehr?
 

Jossi Wieler ist 1951 in Kreuzlingen aufgewachsen. Bis 1972 war er im Thurgau wohnhaft und zog dann für sein Regiestudium nach Tel Aviv, Israel. Danach sammelte er erste Bühnenerfahrungen am Habimah Nationaltheater sowie ab 1980 am Düsseldorfer Schauspielhaus. Als Schauspielregisseur arbeitete er anschliessend in Heidelberg, Bonn, Stuttgart, Hamburg, München und Berlin. Am Theater Basel war er von 1988 bis 1993 als Hausregisseur tätig. Danach arbeitete er als freier Regisseur, er war unter anderem an den Münchner Kammerspielen sowie wiederholt bei den Salzburger Festspielen engagiert.

Seit 1994 inszeniert er gemeinsam mit Sergio Morabito auch Opern. Wieler und Morabito wurden 2002 und 2012 zum Regieteam des Jahres gewählt und erhielten in den Jahren 2006 («Doktor Faust») und 2012 («Die glückliche Hand/Schicksal») den Deutschen Theaterpreis Der Faust in der Kategorie «Beste Opernregie». 2015 wurde Jossi Wieler mit dem Kulturpreis Baden-Württemberg ausgezeichnet; 2016 erhielt er den Verdienstorden des Landes Baden-Württemberg.