Il direttore d'orchestra svizzero Nicolas Fink, nato nel 1978, è direttore ospite del WDR Rundfunkchor dal 2011. Collabora regolarmente anche con altri cori della radio ARD e con il Choeur de Radio France. È stato direttore assistente del Coro della Radio di Berlino dal 2010 al 2015. È anche direttore del coro del Festival musicale dello Schleswig-Holstein.

Inoltre, Simon Halsey è stato assunto dal WDR Rundfunkchor come direttore creativo per la musica corale e i progetti straordinari. Questa posizione è stata creata di recente. Il direttore di coro, nato nel Regno Unito nel 1958, è stato direttore principale del Coro della Radio di Berlino dal 2001 al 2015, periodo che ha visto la prima stretta collaborazione tra Simon Hasley e Nicolas Fink.

Halsey si presenta al pubblico in occasione del concerto sing-along del 12 dicembre. Nicolas Fink inizia la sua stagione concertistica con il WDR Rundfunkchor nel settembre 2020.

I 711 studenti inizieranno i loro studi alla ZHdK lunedì 16 settembre. Oltre agli studenti di musica, ci sono 110 iscritti in design, 91 in arte e media, 112 in educazione artistica e transdisciplinarità e 90 in arti dello spettacolo e cinema.

In totale, 2.245 persone studiano all'Università delle Arti di Zurigo. Di queste, 1.300 studiano in uno degli otto corsi di laurea triennale e 945 in uno degli undici corsi di laurea magistrale. Il numero di studenti è rimasto costante rispetto agli ultimi anni. Alla ZHdK si applica un numerus clausus; i futuri studenti sono sottoposti a una rigida procedura di ammissione preventiva.

Il Beethovenfest scrive: "Il 13 settembre, giorno del 200° compleanno di Clara Schumann, il brano orchestrale Movimento fantastico di Bettina Skrzypczak prima assoluta. È stata commissionata dal Beethoven Festival e sarà eseguita dalla Robert Schumann Philharmonic Orchestra Chemnitz sotto la direzione di Gerrit Prießnitz. (...) Nel suo omaggio a Clara Schumann, Bettina Skrzypczak si astiene da allusioni motiviche o citazioni stilistiche. Si avvicina invece con cautela al mondo poetico di Clara, che era anche il mondo di Robert, con i propri mezzi compositivi. Ciò che la affascina sono i misteriosi codici, i segnali e le reazioni che possono essere percepiti solo nel mezzo del suono, in cui si articolava l'affinità tra Clara e Robert Schumann. Il pianoforte, che i due usavano come mezzo per i loro messaggi, svolge un ruolo speciale nella nuova opera. Tuttavia, non è utilizzato in modo concertante, ma fa parte dell'orchestra".

Allo stesso tempo, la città e il Cantone hanno regolato la responsabilità e il finanziamento dei prossimi progetti di investimento culturale nell'ambito dell'associazione speciale. In futuro, i contributi agli investimenti delle istituzioni continueranno a essere negoziati caso per caso. In particolare, per i prossimi grandi progetti culturali del teatro e del Museo dei Trasporti, ciò significa che la città assumerà la guida per il Teatro di Lucerna e il Cantone per il Museo dei Trasporti.

Il Cantone investirà circa 25 milioni di franchi svizzeri nel progetto d'investimento del Museo dei Trasporti, mentre la città spenderà un importo non ancora specificato a due cifre per il Teatro di Lucerna. La riorganizzazione dei contributi operativi comporterà un onere finanziario complessivo di circa il 50% per la città e di circa il 50% per il Cantone. Il nuovo sistema di ripartizione dei costi sarà introdotto in tre fasi a partire dal 2023.

Che cos'è un buon direttore d'orchestra? Un ballerino, un insegnante, un terapeuta, un rapper o una diva? La droga del fare musica insieme crea dipendenza, hanno detto gli organizzatori alla finale del 9° Concorso svizzero di direzione d'orchestra. La possibilità di entrare nel flusso è molto maggiore se il direttore d'orchestra è entusiasta, carismatico e porta tutti nel suo mondo. Questa promozione del talento è il compito dell'evento, ormai collaudato, che si è svolto questa settimana a Baden.

Tutte le decisioni della giuria, composta da tre membri, sono state prese all'unanimità: Il vincitore del nono Concorso svizzero di direzione d'orchestra (4-9 settembre 2019) è Théo Schmitt di Palézieux. Il ventottenne vodese ha impressionato la giuria con la sua interpretazione dell'opera di alta classe "Praise Jerusalem" di Alfred Reed. Raphael Honegger di Argovia si è classificato secondo e Laurent Zufferey del Vallese terzo.
 

I premi vengono assegnati solo se vengono rispettati gli elevati standard stabiliti dalla giuria (Jan de Haan, Philippe Bach e Carlo Balmelli). Questo è stato il caso questa volta, poiché il livello complessivo dei 23 partecipanti era eccezionalmente alto. La giuria ha deciso a favore di Schmitt perché è stato chiaramente il migliore durante l'intera settimana, come ha spiegato il presidente della giuria Jan de Haan. Il vodese ha provato molto bene e ha avuto un'ottima padronanza della partitura. Nonostante la pressione della competizione, si è esibito in modo sicuro e convincente. Grazie al suo buon carisma e al buon contatto con le orchestre, Schmitt è un vincitore convincente secondo il presidente della giuria Jan de Haan.

Subito dopo l'annuncio, il vincitore Théo Schmitt ha faticato a capire cosa significasse la vittoria per la sua carriera. Dato che la prossima settimana inizierà un corso biennale di musica per film a Los Angeles, al momento ha comunque molto da fare. Questo potrebbe avergli tolto la pressione di dosso. Invece, ha potuto godersi le prove e i concerti ogni giorno di più. L'unica cosa che preoccupava il francese era la barriera linguistica. Alla fine, però, la sua mancanza di tedesco si è rivelata un vantaggio, perché ha potuto rivolgersi all'orchestra in modo molto personale ed esprimersi con i mezzi di un direttore d'orchestra piuttosto che con molte parole.
 

Lo stesso effetto è stato poi applicato alla finale: Schmitt si è aggiudicato Elogio di Gerusalemme Gli è stato dato esattamente il pezzo che non voleva affatto. Poi ha lavorato tutta la notte tra la semifinale e la finale e al mattino era molto convinto di questa composizione. Ecco perché Théo Schmitt dice: "Vincere non è la cosa più importante nel concorso di direzione d'orchestra". L'attenzione si concentra sul processo di apprendimento prima e durante l'evento e, in quest'ottica, non vede l'ora di affrontare l'imminente critica dettagliata da parte della giuria.

Il concorso di direzione d'orchestra gode di un'ottima reputazione nel panorama della musica per fiati. È una piattaforma unica per competere, affrontare una giuria e fare musica con grandi orchestre. Gli ex vincitori sono ancora oggi direttori di successo e godono di un'ottima reputazione. Questo tipo di promozione dei giovani talenti è estremamente interessante anche per il pubblico. Dopotutto, raramente è possibile confrontare in modo così diretto il comportamento dei direttori d'orchestra, i gesti e gli sguardi con cui dirigono l'orchestra, se riescono a creare tensione, se la loro gestione della bacchetta è adeguata all'opera e se il candidato lascia ai musicisti lo spazio per fare musica.
 

23 candidati si sono iscritti al 9° Concorso svizzero di direzione d'orchestra e hanno dovuto affrontare un programma impegnativo in un totale di quattro prove. I dodici ammessi al Concorso svizzero di direzione d'orchestra dalla commissione musicale hanno provato per mezz'ora un brano sconosciuto all'orchestra con l'Orchestra di fiati di Baden Wettingen fin dalla metà della settimana nella fase preliminare. Nella semifinale di venerdì, ai candidati sono stati concessi cinque minuti per provare una composizione già nota alla Brass Band Emmental o per eseguire passaggi strategici. Il lavoro è stato poi eseguito. Nella finale, i tre finalisti hanno impiegato 45 minuti ciascuno per provare una composizione nota alla Bern Symphony Brass Orchestra (Sibo), che è stata poi eseguita al concerto di gala.

Il concorso è anche una sfida per le orchestre, perché i candidati interpretano i singoli passaggi in modo diverso. Esistono diverse strategie per preparare un'opera. Per i direttori d'orchestra, oltre alle alte sfide tecniche, si pone il problema di come ottenere l'attenzione dell'orchestra. Un breve cenno a favore di una battuta, un sorriso dopo un assolo di successo o una battuta prima dell'inizio mostrano se un candidato è all'altezza della situazione.

La nona edizione del concorso di direzione d'orchestra è stata un completo successo. Per la prima volta (ad eccezione della selezione dei candidati), tutte le fasi del concorso sono state aperte al pubblico. Tutto è filato liscio, come hanno confermato all'unanimità la giuria, il pubblico e i candidati. Possiamo solo sperare che la situazione finanziaria dell'Associazione svizzera dei concorsi di direzione d'orchestra permetta di organizzare nuovamente una simile piattaforma per giovani direttori d'orchestra fra tre anni.

Una proposta della Commissione giuridica del Consiglio nazionale (RK-N) vuole abolire i diritti d'autore per le trasmissioni televisive e radiofoniche in alberghi, appartamenti di vacanza, ospedali e prigioni. Se il diritto internazionale venisse rispettato, gli importi esteri dovrebbero comunque essere pagati, solo che le produzioni svizzere sarebbero più svantaggiate.

La remunerazione costa agli alberghi meno di un franco al mese per camera, scrivono i professionisti della musica svizzeri in una lettera aperta al Parlamento. Si tratta di "un misero scherzo e di un insulto ai professionisti della musica in Svizzera".

La revisione dell'URG è stata avviata nel 2012. Secondo la loro stessa valutazione, i creatori di musica "hanno sostenuto un compromesso per la revisione con importanti concessioni", che conteneva ben poco delle loro richieste originali. La proposta della RK-N sbilancia questo compromesso e mette la revisione contro di loro. Il Consiglio di Stato lo aveva capito e aveva eliminato la richiesta sul turismo; la RK-N l'ha ora reinserita.

L'OSEW ha preso il via venerdì sera con lo Swiss Students Competition, un concorso di percussioni per studenti delle università musicali svizzere. Sabato e domenica, i solisti e gli ensemble hanno messo alla prova le loro abilità musicali.

Il concorso OSEW Swiss Student Competition per laureati si è svolto quest'anno per la terza volta. Il concetto è stato rivisto in collaborazione con le università svizzere. Possono partecipare gli studenti iscritti alle università musicali svizzere fino all'età di 24 anni. La giuria era composta da esperti di fama internazionale, Franz Bach, Stoccarda e Roman Brogli, Pugema TI. Il concorso si è svolto in tre parti (1° turno: timpani/mallet; 2° turno: set-up/body percussion/teatro musicale; 3° turno: marimba con tre finalisti). Cédric Gyger di Schönenried, laureato all'Università delle Arti di Zurigo, ha vinto il concorso con i brani Per Marimba II e Indifferenza attraverso. Ha relegato ai posti d'onore Farida Hamdar di Rehetobel e Corentin Barro di Mühleturnen.

Le gare dell'OSEW si sono svolte nella Dreitannensaal e nel complesso scolastico di Grünau. Il momento culminante è stata la grande finale per il Campione di assolo della Svizzera orientale, svoltasi domenica pomeriggio. Alla luce delle numerose esibizioni di spicco, la giuria, riconosciuta a livello internazionale, ha dovuto affrontare un compito difficile. I bambini e i giovani nati tra il 1998 e il 2012 si sono sfidati nei concorsi di melodia lenta, ensemble e assolo, con la partecipazione di circa 800 giovani musicisti, da clarinetti, trombe e tromboni a un'ampia varietà di strumenti a percussione.

I cinque vincitori di categoria del fine settimana si sono qualificati per la grande finale di domenica pomeriggio. Katharina Mätzler (Scuola di Musica di Bregenzerwald) si è imposta con il suo fagotto grazie a un'eccezionale performance virtuosa. È riuscita a convincere la giuria e ha conquistato per la prima volta all'estero l'ambito titolo di "Campionessa solista della Svizzera orientale". Sven Dahinden, rullante della scuola di musica di Schüpfheim, si è classificato al secondo posto con la sua esibizione. Linus Tschopp, della Società musicale di Sulgen, si è classificato terzo con l'eufonio. È stato anche nominato per partecipare al "Prix Musique 2020".

L'anno prossimo la competizione si svolgerà per la ventesima volta dal 4 al 6 settembre 2020. L'associazione si inventerà sicuramente qualcosa di speciale per l'anniversario, ha promesso Verena Fehr, amministratore delegato di lunga data di OSEW, rivelando allo stesso tempo che un regalo tardivo avrà luogo a Sirnach nel 2021 con la finale del "Prix Musique".

La caratteristica più evidente del nuovo Scuola di chitarra Ping-Pong di Andreas Knoblich e Philippe Loli sono le molte note sulla cui testa sono disegnati i nomi delle note in una distribuzione irregolare. Quando si lavora su un brano, l'insegnante dovrebbe suonare solo le note normali, non preparate, l'allievo solo quelle etichettate e viceversa - come nel ping-pong (la scuola è illustrata anche con due piccole figure di questo nome). Questo permette all'allievo di memorizzare i nomi delle note in modo rapido e sicuro, e l'attenzione costantemente forzata - quando sarà il mio turno? - diventerà rapidamente abile anche dal punto di vista ritmico.

Sulla base dei nomi degli accordi, per i quali è abbastanza comune che il tedesco H attraverso l'inglese B viene sostituito, il tono singolo h sempre come b ma, a differenza del mondo anglosassone, in minuscolo - tranne che per i titoli delle note, che sono maiuscoli. Alcune disattenzioni editoriali rovinano quello che di per sé è un concetto didattico interessante. Ad esempio, i primi 22 brani dell'applicazione audio play-along sono registrati troppo bassi. Le spiegazioni preparatorie e gli schemi per la mano destra compaiono solo dopo i brani corrispondenti e gli ultimi cinque numeri, un po' più lunghi, sono sistemati in modo tale da doverli scorrere.

Robert Morandell adotta un approccio diverso con il suo corso a spirale Chitarra tigre. La chitarra viene intonata fin dall'inizio. La notazione non viene introdotta nella prima lezione, ma gradualmente; la tablatura viene utilizzata per i pattern ritmici e gli esercizi per le dita della mano sinistra - chiamati "sfide". Nei brani solistici, progressioni di accordi abbreviate si alternano a barre di melodia scritte. La figura della tigre, che non muta in mucca o in orso, ma almeno in "Mu(h)tiger", "Bärtiger" e "Schmusetiger", guida le canzoni.

L'esperienza dell'autore nella pubblicazione di letteratura pedagogica per chitarra è evidente in alcuni dettagli: alternare tirando o apoyando? Il tono d' impugnare con il 3° o il 4° dito? Morandell lascia tacitamente ma deliberatamente queste decisioni all'insegnante. Unica nota negativa: il tempo degli esercizi sul CD di accompagnamento è troppo veloce per la maggior parte dei bambini.

Andreas Knoblich e Philippe Loli: La scuola di chitarra Ping-Pong. Il nuovo metodo di chitarra per tutte le età, Volume 1, N 2770, con app per esercitarsi, € 19,90, Heinrichshofen & Noetzel, Wilhelmshaven

Robert Morandell: Gitarrentiger. Die tierisch gute Gitarrenschule für Kinder ab 6 Jahren, Vol. 1, D. 35 963, con CD, € 29,90, Doblinger, Vienna

Il contratto tra il Festival di Lucerna e la Fondazione Kühne durerà inizialmente dal 2020 al 2022. In occasione di un incontro con i media presso il KKL di Lucerna, il presidente della Fondazione Klaus-Mchael Kühne ha sottolineato che la Fondazione non è interessata a commercializzare attivamente il marchio Kühne attraverso la sponsorizzazione. L'impegno sembra quindi avere più un carattere di mecenatismo. Il direttore del Festival di Lucerna Michael Häfliger non ha voluto rivelare dettagli specifici sulla portata finanziaria dell'accordo.

La Fondazione Kühne, senza scopo di lucro, con sede a Schindellegi, è stata fondata dalla famiglia Kühne nel 1976. Promuove l'istruzione e la formazione, nonché la ricerca e la scienza nel settore dei trasporti e della logistica. È coinvolta nella ricerca allergologica presso la Hochgebirgsklinik Davos. La Fondazione Kühne gestisce anche la clinica specializzata nel trattamento e nella riabilitazione delle allergie e delle malattie cardiache. In ambito culturale, sostiene festival, teatri d'opera e sale da concerto in vari Paesi europei. Svolge inoltre un ruolo importante al Festival di Salisburgo.

Quando si pensa ai concerti solistici di Dvořák, sicuramente si pensa in primo luogo al suo brillante
Concerto per violoncello op. 104, "il concerto perfetto in assoluto", secondo il pianista (!) Rudolf Buchbinder. Il suo unico concerto per pianoforte in sol minore op. 33 è raramente ascoltato nelle nostre sale da concerto. Quali sono le ragioni?

All'epoca, Dvořák aveva già una certa esperienza come compositore nel campo della musica da camera e delle sinfonie. Tuttavia, il suo personalissimo linguaggio tonale si rivela solo parzialmente nei tre movimenti dell'opera. I prestiti da maestri come Beethoven, Chopin, Wagner e Brahms sono ancora inconfondibili. Questo vale in particolare per il primo movimento, mentre il secondo movimento lento rivela già tratti molto personali. Tuttavia, ciò che ha ripetutamente impedito a molti pianisti di includere questo concerto nel loro repertorio è probabilmente la scrittura pianistica scomoda e ingombrante, che in alcuni punti suona incantevole, ma che non consente un'esibizione virtuosistica.

Per questo motivo, circa 100 anni fa, il maestro di pianoforte ceco Vilém Kurz si sentì in dovere di rivedere completamente la parte solistica. Per decenni sembra che sia stata eseguita solo la sua versione. Uno dei primi pianisti a sostenere la versione originale fu nientemeno che Sviatoslav Richter. Ha suonato il concerto molto spesso e lo ha persino registrato nel 1976 con l'Orchestra di Stato Bavarese (sotto la direzione di Carlos Kleiber!).

Robbert van Steijn ha recentemente ripubblicato questa versione originale da Bärenreiter-Verlag, sia la riduzione per pianoforte che la partitura. La prefazione fornisce ogni tipo di informazione illuminante sulla complicata storia della ricezione dell'opera, e Ivo Kahánek aggiunge alcuni consigli molto utili sull'interpretazione e sulla diteggiatura.

Il crescente interesse per il concerto per pianoforte e orchestra di Dvořák negli ultimi tempi non può essere trascurato. La nuova edizione Bärenreiter presumibilmente rafforzerà questa tendenza. András Schiff probabilmente non ha torto quando dice: "Numerosi concerti per pianoforte e orchestra del XIX secolo, che fanno parte del repertorio di molti pianisti - e vengono suonati fin troppo spesso - non sono meno complicati dal punto di vista pianistico, senza raggiungere il lavoro di Dvořák in termini di espressione musicale e capacità compositiva."

Antonín Dvořák: Concerto in sol minore op. 33 per pianoforte e orchestra, Urtext a cura di Robbert van Steijn; partitura, BA 10420, € 59,00; riduzione per pianoforte, BA 10420-90, € 32,50; Bärenreiter, Praga

Questa è l'edizione del trio di Antonín Dvořák più adatta all'uso pratico! Le pagine sono disposte dall'editore in modo tale da non doverle girare fino alla fine del secondo movimento, la carta è di qualità stabile e i numeri di battuta sono posti all'inizio di ogni battuta e non includono il levare. Nessuna delle parti stampate che conosco negli ultimi cinque decenni soddisfa tutti questi criteri allo stesso tempo. La concisa Relazione Critica di questa edizione Urtext testimonia una grande cura. Le differenze tra la partitura autografa e la prima stampa delle parti e della partitura sono segnalate nelle note. La curatrice Annette Oppermann privilegia in ogni caso la soluzione più plausibile. Le parti non contengono alcun dispositivo per l'arco, ma solo le diteggiature originali, che si limitano a occasionali armonici e corde vuote. Questo è un vantaggio anche per gli esecutori!

La storia di come è nato questo gioiello della musica da camera è divertente: nel 1887, uno studente di chimica e musicista dilettante viveva a casa di Dvořák e riceveva lezioni di violino nella sua stanza. Mentre lavorava a commissioni sinfoniche, Dvořák ascoltò i due violinisti e fu ispirato a diventare il terzo violista del loro ensemble. A causa della mancanza di letteratura per questa strumentazione, compose l'opera Tercet op. 74 (il nome originale in ceco) e poco dopo ha consegnato l'opera Drobnosti (inezie). Queste ultime sono state arrangiate dal compositore per violino e pianoforte come Pezzi romantici L'op. 75, tuttavia, è più popolare.

Il nome italianizzante Terzetto L'editore di Dvořák, Fritz Simrock, non volendo esaudire il desiderio del compositore di un titolo ceco in vista del mercato musicale tedesco, diede all'opera 74 in do maggiore un nome tedesco. Il nome tedesco "Terzett", d'altra parte, avrebbe offeso i sentimenti della patria boema di Dvořák.

I suoni che Antonín Dvořák evoca con questo piccolo ensemble sono magistrali! E le richieste strumentali rimangono adeguate al livello di allievi avanzati e dilettanti esperti. Questa edizione facilita inoltre le prove e allontana ogni preoccupazione quando si sfogliano le pagine.

Antonín Dvořák: Terzetto in do maggiore op. 74, per due violini e viola, a cura di Annette Oppermann; parti, HN 1235, € 12,00; partitura di studio, HN 7235, € 8,00; G. Henle, Monaco di Baviera

Le domande sono interessanti: quanta responsabilità ha un musicista rock? Quando raggiunge il limite in cui la provocazione sconfina in zone tabù, nei cosiddetti "no-gos"? I musicisti rock e pop si sono sempre scatenati in aree precarie - che si tratti di fantasie sessuali apertamente mostrate (i Rammstein in modo eloquente: Piegarsi) o scene cupe di violenza con riferimenti al Terzo Reich (Slayer: Angelo della morte). Ma non tutti i testi vanno presi al valore nominale. Alcuni - vedi i Rammstein - sono ironicamente infranti, altri - vedi gli Slayer - sono deliberatamente inscritti in quello scandalo e non necessariamente a sfondo politico, ma solo per promuovere le vendite. Un grande clamore è una pubblicità. Suscita interesse.

I numerosi fenomeni pop e rock difficilmente possono essere ridotti a un comune denominatore. A questo proposito, l'autore e critico pop Jens Balzer farebbe bene a partire da alcuni esempi selezionati. Ci sono, ad esempio, quei rapper che hanno nel mirino i tardo-adolescenti. "Giovane, brutale, bello xxx" è lo slogan dei rapper Kollegah e Farid Bang. I loro testi sono pieni di sesso, violenza e persino antisemitismo, che ha portato allo scandalo Echo. "Il mio corpo è più definito di quello dei detenuti di Auschwitz", dice la canzone 0815. Altrove rappano: "Fate un altro Olocausto, forza con le Molotov".

Se una cosa del genere possa essere giustificata con il concetto di libertà artistica rimane dubbio. Per Balzer, in ogni caso, tali misfatti sono indice dell'abbrutimento della morale. Egli vede chiari parallelismi tra la musica e la politica odierna, dove siriani, musulmani o ebrei si trovano nel mirino verbale. Per Balzer, la responsabilità del pop significherebbe una consapevole controreazione alla nuova destra, nel senso di testi intelligenti senza frasi fatte, senza frasi ad effetto alla Kollegah. E anche un linguaggio politicamente corretto, come descrive nel caso dell'artista performativo inglese Planningtorock, aperto al diverso, allo straniero nel senso di considerazioni transgender differenziate. "Si tratta", riassume Balzer, "dell'insostituibile speranza che il pop possa darci luoghi e spazi, momenti e opportunità in cui persone magari molto diverse da noi ci incontrino non come concorrenti e avversari, ma come amici".

Il libro di 200 pagine Pop e populismo fa già riflettere. Tuttavia, c'è da chiedersi se il mantello del silenzio non sia un'alternativa migliore della critica, che è facile nel caso dei rapper meno intellettuali, ma che alla fine non porta da nessuna parte. Il pop come fenomeno di massa è di solito superficiale o altamente imbarazzante di per sé. Lo stesso vale per la politica di destra. Anche lì i testi sono "emotivi", ma molto più pericolosi della musica per adolescenti che vogliono solo essere forti.

Jens Balzer: Pop e populismo. Sulla responsabilità nella musica, 206 p., € 17,00, Edition Körber, Amburgo 2019, ISBN 978-3-89684-272-5

La chitarrista Elena Càsoli è sempre pronta a sorprendere. È al centro della produzione musicale odierna e insegna chitarra e interpretazione della musica contemporanea all'Università della Musica di Berna. Ha già collaborato con l'etichetta italiana stradivarius con FortiStraneCorde ha scatenato un putiferio, seguito da Cambiamenti Possibilità con musiche di Cage, Carter e Riley.

Il loro ultimo CD è dedicato alla musica per chitarra del musicista spettrale e informatico italiano Fausto Romitelli (1963-2004), morto a soli 41 anni dopo una lunga malattia. Romitelli aveva studiato a Milano e poi aveva proseguito la sua formazione compositiva con Franco Donatoni. Seguendo il suo interesse per la "ricerca sonora", nel 1991 si è recato a Parigi per entrare in contatto con Hugues Dufourt e Gérard Grisey all'IRCAM (Institut de Recherche et Coordination Acoustique/Musique). Dal 1993 al 1995 è stato "compositeur en recherche". Come giovane compositore, si è affermato come membro dell'"avanguardia sonora" sui principali palcoscenici europei della nuova musica, circondato da Ligeti, Scelsi e Grisey, ed ha esplorato dimensioni inedite del suono, sia nel campo della musica strumentale e vocale che con l'elettronica, il live electronics e la multimedialità,

Elena Càsoli è anche in grado di rivelare il cosmo visionario di Romitelli nei suoi pezzi per chitarra. Altamente musicale come lei, crea le partiture meticolosamente annotate e quindi difficili da decifrare con finezza drammaturgica e una tavolozza di colori a più livelli.
Solare (1984) per chitarra sola dà il nome al CD. Càsoli sa come rendere l'inizio tranquillo e scintillante così emozionante che si segue con interesse: è un brano tranquillo e pieno di sorprese che dispiega con pochi mezzi una poesia drammaturgicamente idiosincratica e tonalmente differenziata. La Càsoli conosce bene ogni sua sottigliezza, e verso la fine riflette persino sulle singole note con un sommesso ronzio.

Il CD offre cinque prime registrazioni, Solare è uno di questi. Per i brani che richiedono due chitarre o una chitarra elettronica, Càsoli ha coinvolto Virginia Arancio e la flautista Teresa Hackel. Questo apporta Paesaggio marino (1994) e Simmetria d'oggetti (1987/88) per flauto e chitarra, l'approccio immaginativo di Romitelli al respiro è impressionante. - Chiunque inizi ad ascoltare questo CD rimarrà affascinato da un mondo sonoro delicato e accattivante.

L'abile curatore americano Douglas Woodfull-Harris spiega nella sua prefazione inglese (tradotta in francese e tedesco), con molte citazioni dell'epoca, come a Debussy sia venuta l'idea di comporre musica da camera solo alla fine della sua vita: nel 1914 gli piacquero così tanto gli arrangiamenti per violino e pianoforte di due suoi pezzi per pianoforte da parte del violinista ungherese-americano Arthur Hartmann, che arrangiò un altro pezzo per questa strumentazione - tutti e tre sono inclusi in questo libretto - e ne diede un'incantevole esecuzione insieme ad Hartmann. In seguito ha progettato la serie di opere Sei Sonate per strumenti diversida cui riuscì a completare la Sonata per violoncello (1915), la Sonata per flauto, viola e arpa (1916) e la Sonata per violino. Nel 1917 Debussy, malato di cancro, lavorò alla prima della Sonata per violino incompiuta con il violinista Gaston Poulet - la sua ultima esecuzione pubblica. Ascoltiamo in dettaglio le circostanze delle esecuzioni e delle edizioni successive.

La sonata è qui stampata due volte, secondo le due fonti più importanti. Le grandi legature della prima versione corrispondono alle intenzioni di fraseggio del compositore, quelle della seconda alle esigenze della tecnica violinistica. Proviamo a realizzare la prima con l'aiuto della seconda! Nel Commento critico (solo in inglese) ci si stupisce di dove l'editore abbia rintracciato le fonti: a Parigi, Winterthur, Washington DC, Ginevra. Esse forniscono il materiale per oltre un centinaio di annotazioni; sono dettagli preziosi per la nostra interpretazione.

Claude Debussy: Opere per violino e pianoforte (Sonata, Menestrelli, La fille aux cheveux de lin, Il pleure dans mon coeur), a cura di Douglas Woodfull-Harris, BA 9444, € 18,95, Bärenreiter, Kassel

Dopo che nel 2015 l'inno della Festa federale di musica popolare di Aarau era stato composto da Hanspeter Zehnder come composizione su commissione, quest'anno gli organizzatori hanno voluto concentrarsi sui giovani talenti. Il weekend di composizione è stato avviato dalla SUISA e organizzato da Markus Brülisauer dell'Associazione svizzera di musica popolare (VSV) in collaborazione con il comitato organizzativo dell'EVMF.

Gli organizzatori erano responsabili della selezione dei musicisti invitati. Si è fatto in modo che fossero rappresentati gli strumenti più comuni della musica popolare. È così che Eva Engler al clarinetto, Alessia Heim al dulcimer a martelli, Jérôme Kuhn al contrabbasso, Florian Wyrsch allo Schwyzerörgeli e Siro Odermatt alla fisarmonica si sono riuniti un sabato mattina di maggio 2019 a Crans-Montana.

A parte Siro Odermatt, membro della SUISA dal 2017 e già autore di diversi brani, i giovani musicisti non avevano molta esperienza nella composizione. Per questo motivo Dani Häusler, un musicista folk esperto, è stato ingaggiato per guidare il fine settimana.

L'inizio sul foglio bianco

Prima che si potessero sentire le prime note dagli strumenti che avevano portato con sé nella sala seminari dell'hotel "La Prairie", il gruppo si è seduto a un tavolo e ha letteralmente iniziato a lavorare sul foglio bianco. Il primo scambio di idee è stato caratterizzato da nozioni vaghe: Un inno - è una parola grossa. Come dovrebbe essere? Come dovrebbe suonare? Come ci muoviamo? Che tipo di danza è adatta? Come trovare melodie e accordi? E riusciremo davvero a finire un pezzo entro domani, domenica?

Il direttore Dani Häusler ha fornito spunti di riflessione, ha raccolto le domande, insieme hanno cercato le risposte, le idee e i pensieri sono stati registrati su carta, le idee sono state concretizzate e presto è stata definita una base per il pezzo - per il momento ancora su carta. Dopo alcune discussioni, la decisione è stata presa a favore di una Schottisch. Volevano anche avere un testo da cantare.

È seguita la prima sessione di creazione di musica con gli strumenti: I giovani si sono seduti a coppie o a tre e hanno raccolto idee musicali insieme. Ciò che era stato elaborato nei piccoli gruppi è stato poi presentato di fronte all'intero gruppo e integrato con eventuali voci di accompagnamento. Dopo alcune difficoltà iniziali, l'idea brillante è stata trovata nel corso del pomeriggio del sabato e la struttura dell'inno è stata completata all'ora di cena.

In questo quadro si inserisce anche la bozza del testo del brano, da cui, oltre all'esclamazione che dà il titolo al brano "Ab is Wälschland ...!", si imprime subito nella mente un verso di canto conciso: "Glich oder glich ned glich". Jérôme Kuhn spiega: "La musica popolare è presente in tutta la Svizzera, ma in molte zone ci sono stili diversi". Gli ascoltatori curiosi potranno scoprire se sono "uguali o non uguali" al prossimo Festival federale di musica popolare di Crans-Montana.

La prima rappresentazione

La domenica mattina sono state messe a punto le singole parti del brano, in particolare per quanto riguarda l'arrangiamento. I musicisti si sono esercitati sulle singole parti in gruppo o da soli. Intorno a mezzogiorno, il pezzo appena creato ha potuto essere ascoltato per la prima volta nel suo insieme ed è stato costantemente perfezionato nelle prove successive.

"Il risultato è un pezzo facile da ascoltare, che ha qualcosa di unico e che è adatto a un grande pubblico", ha dichiarato Siro Odermatt al termine del fortunato weekend di composizione. L'inno è stato poi registrato professionalmente in studio con i musicisti e Dani Häusler e può essere acquistato su CD. Tutti i proventi della vendita andranno al VSV Young Talent Fund.

La 13ª edizione del Festival federale di musica popolare si svolgerà dal 19 al 22 settembre 2019 a Crans-Montana.

> www.cransmontana2019.ch

Making of video e ulteriori informazioni sul blog della SUISA:

> www.suisablog.ch