Con un peso economico di 535,9 miliardi di euro e 7,1 milioni di posti di lavoro, la centrale nucleare è uno dei più importanti datori di lavoro dell'UE e impiega quasi lo stesso numero di persone dell'industria della ristorazione, scrive EY. Allo stesso tempo, impiega due volte e mezzo più persone dell'industria automobilistica e cinque volte più del settore delle telecomunicazioni.

Per lo studio sono stati analizzati undici sottomercati: Libri, giornali e riviste, musica, arti dello spettacolo, TV, film, radio, videogiochi, arti visive, architettura e pubblicità. Lo studio è stato commissionato dal GESAC (European Grouping of Societies of Authors and Composers).

Lo studio può essere scaricato all'indirizzo www.creatingeurope.eu può essere scaricato.

Con la petizione Nessun deserto musicale a Basilea! i sottoscritti chiedono "al Consiglio di Governo del Cantone di Basilea Città,

• trovare una soluzione giuridica transitoria in modo che tutti i musicisti provenienti da paesi terzi interessati dal cambiamento di prassi, compresi quelli che hanno completato gli studi nel 2014, ricevano un permesso di soggiorno di breve durata almeno fino al 31 dicembre 2015 e
• di intervenire presso il governo federale come misura a lungo termine e di lavorare per modificare l'ordinanza della legge federale in modo che sia ancora possibile per i musicisti freelance non comunitari lavorare qui in Svizzera".

La petizione può essere qui possono essere visionati e firmati.

Durante l'ora delle interrogazioni in Consiglio nazionale dell'8 dicembre, la consigliera federale Simonetta Sommaruga ha commentato il Autorizzazioni per musicisti di paesi terzi in Svizzera espresso.
 

Il JTI Trier Jazz Award le è stato assegnato perché è "una musicista eccezionale al di là del suo vasto impegno, ad esempio con il programma SOFIA (Support of Female Improvising Artists)", scrive un portavoce della musicista. Grazie a una sovvenzione del programma Popkredit della città di Zurigo, nel 2016 potrà lavorare a New York per sei mesi nell'ambito di una residenza in studio.

Johänntgen ha studiato sassofono e composizione in musica jazz/popolare a Mannheim e dal 2005 vive a Zurigo come musicista freelance. Insegna nelle scuole di musica di Urdorf e Oetwil an der Limmat, nel cantone di Zurigo. Tiene inoltre workshop per musicisti dilettanti e viaggia da un Paese all'altro come ambasciatrice SOFIA, tenendo concerti in Svizzera e all'estero e conferenze sull'autogestione.

Il consigliere nazionale Lehmann ha voluto sapere perché "eccellenti musicisti stranieri specializzati e autonomi" che non provengono da Paesi dell'UE/AELS non dovrebbero vivere e lavorare in Svizzera e quali misure il Consiglio federale, insieme ai Cantoni, è disposto a esaminare e ad applicare generosamente affinché le numerose orchestre classiche possano continuare ad assumere e impiegare musicisti altamente qualificati.

Secondo la Consigliera federale Sommaruga, la legge sugli stranieri consente ai lavoratori qualificati provenienti da Stati non appartenenti all'UE/AELS, ossia da Paesi terzi, "di esercitare un'attività autonoma, a condizione che ciò sia nell'interesse economico generale, che dispongano dei necessari requisiti finanziari e operativi e che siano rispettati i numeri massimi, ossia i contingenti".

Si ritiene che esista un interesse macroeconomico se l'attività autonoma comporta un beneficio sostenibile per il mercato del lavoro svizzero, ad esempio attraverso la creazione di posti di lavoro. Al di fuori dell'autorizzazione basata su contingenti, i Cantoni possono rilasciare un permesso nell'ambito dei permessi temporanei di breve durata - fino a 8 mesi nell'arco di 12 mesi - senza dover risiedere in Svizzera. Oltre alle qualifiche professionali, il requisito fondamentale è la disponibilità di un reddito sicuro, cioè di un mezzo di sostentamento.

Secondo il Consigliere federale, i musicisti qualificati provenienti da Paesi terzi possono già essere ammessi al mercato del lavoro nel quadro di queste basi legali. Se i Cantoni hanno richieste particolari di norme più generose, queste saranno esaminate dal governo federale, ma sempre nell'ambito del quadro legale.

La domanda è stata posta da un Messaggioche minaccia di espulsione mezzo centinaio di musicisti professionisti provenienti da Paesi terzi, alcuni dei quali lavorano e insegnano a Basilea da anni.

Secondo un comunicato stampa, l'obiettivo dichiarato della Fondazione Salle Modulable e del Butterfield Trust è quello di costruire un edificio con uno spazio per spettacoli modulare e adattabile in modo flessibile nel centro di Lucerna. Il nuovo teatro è destinato a fornire una piattaforma riconosciuta a livello internazionale per produzioni e sperimentazioni creative nei campi dell'opera, del teatro musicale, della danza e del dramma. Il progetto sarà realizzato nell'ambito della Nuova infrastruttura teatrale (NTI).

In passato, Butterfield Trust ha già pagato 5,75 milioni di franchi svizzeri per i lavori preparatori alla pianificazione del progetto della Salle Modulable. I restanti obblighi finanziari di Butterfield Trust ammonteranno quindi a 114,25 milioni di franchi svizzeri se la Salle Modulable verrà realizzata. Dopo aver dedotto gli ulteriori costi di pianificazione del progetto, legali, contabili e amministrativi, le stime attuali indicano che alla fine saranno disponibili circa 80 milioni di franchi svizzeri per la costruzione del nuovo teatro modulare di Lucerna.

Nella prima fase, che si concluderà entro i prossimi dodici mesi, la società di consulenza Arup USA Inc. analizzerà la fattibilità tecnica del progetto. Arup valuterà anche i costi di costruzione e gestione della Salle Modulable e identificherà le condizioni legali e politiche che devono essere soddisfatte per la sua realizzazione. Secondo l'accordo, saranno disponibili altri tre anni per soddisfare tutte le condizioni finanziarie e politiche del progetto.
 

Fondatore della big band Loose Tubes negli anni '80, Django Bates è stato uno degli iniziatori della rinascita del jazz europeo. Nel 1997 è stato insignito del premio danese Jazzpar, considerato il premio Nobel del jazz. Nel 2005, l'RMC di Copenaghen lo ha nominato primo professore di musica ritmica. È docente di pianoforte, composizione ed ensemble presso l'Università di Musica e Arti dello Spettacolo di Berna.

I British Composer Awards premiano le composizioni di musica contemporanea, jazz e musica elettroacustica. Sono stati istituiti nel 2003 dalla British Academy of Songwriters, Composers and Authors (BASCA).
 

Patricia Pagny, docente di pianoforte all'Università delle Arti di Berna, è l'iniziatrice del progetto "Tasti'Era", che mira a dare nuova vita alla scena musicale classica attraverso l'interdisciplinarità. Il suo obiettivo dichiarato è quello di rendere le performance musicali attraenti, versatili e accattivanti per il pubblico, collegandole ad altre arti. Finora, però, i risultati tangibili e i biglietti da visita sono stati solo due CD che, nonostante la loro rispettabile qualità, non possono certo essere definiti innovativi. La classe di pianoforte di Pagny esegue due programmi ben realizzati, ma non si distinguono dai soliti CD a tema.

Partendo dalla forte influenza della pittura giapponese sugli artisti francesi della fine del XIX secolo, la classe intraprende un viaggio alla scoperta del cd. Tra la Francia e il Giappone alla ricerca di qualcosa di paragonabile nella musica. In effetti, un accostamento convincente è ottenuto grazie a una scelta azzeccata dei brani. Toshio Akaishi e Toru Takemitsu offrono uno spaccato della cultura compositiva giapponese e, attraverso rappresentanti francesi più o meno noti, da Maurice Ravel a Jean-Jacques Werner, emergono presto differenze, ma anche profonde analogie. Le opere, per lo più atmosferiche e fluttuanti, si distinguono l'una dall'altra soprattutto per le diverse strutture sonore, riconducibili alle diverse culture. Il preludio La Puerta del Vino di Claude Debussy, con le sue forti influenze spagnole, si distingue per il suo mondo sonoro molto bello ma tematicamente inappropriato. Tre prime registrazioni, quelle di Jean-Jacques Werner Piazza MadiganToshio Akaishi Una nuvola pesante gocciola nel cielo dell'inverno settentrionale e La luna blu sta sorgendo da oltre il crinale di una montagnaLa finezza compositiva e l'individualità delle opere di Akaishi si ritrovano in alcuni elementi impressionistici espressivi e colorati. Gli interpreti sono convincenti e rendono giustizia alle opere; oltre alla stessa Patricia Pagny, che si distingue qualitativamente come mentore, merita una menzione speciale Mrika Sefa, che esegue il brano di Poulenc Improvvisazione XIII e Takemitsus Canzone d'amore offerte.

Entre la France et le Japon, un sentiment de parfaite harmonie, opere di Messiaen, Akaishi, Ravel, Takemitsu e altri.

Esempi di video:

Tanja Biderman suona Toru Takemitsu: Litania II in memoria di Michael Vyner
Aimi Sugo interpreta Toshio Akaishi: Una nuvola pesante gocciola nel cielo dell'inverno del nord
Zarja Vatovec interpreta Jean-Jacques Werner: Madigan Square

Nel secondo CD Berna-Thun-Interlaken, autentica fonte d'ispirazione il gioco delle associazioni continua, anche se in modo piuttosto lasco. Sebbene i quattro compositori strettamente collegati (gli Schumann, Brahms e Mendelssohn) conoscessero e apprezzassero tutti la zona, solo una delle opere registrate è stata effettivamente scritta qui: Tre pezzi di fantasia op. 111 di Schumann. Tanja Biderman apre la registrazione con il brano scelto in modo molto intelligente Toccata op. 7 di Robert Schumann, un brano così difficile che pochi pianisti possono o vogliono includere nel loro repertorio. Il brano è affrontato con sorprendente sicurezza e con un'enfasi tecnica decisamente ridotta, come è evidente anche nell'opera di Mendelssohn. Variazioni continue e di Brahms Intermezzo op. 118 n. 6 non cambia. Il fatto che subito dopo la Intermezzi op. 117 di Brahms, interpretato da Tomomi Hori, mostra proprio le differenze tra i due pianisti. Mentre Biderman esegue Brahms in modo ampio, con molto rubato e pathos, Hori non si concede molte libertà, suonando a volte in modo quasi legnoso. Queste interpretazioni divergenti diventano più evidenti nel corso del CD. Tuttavia, la qualità complessiva rimane molto alta, con un plauso particolare alla concezione di un suono rotondo e alla notevole attenzione alla logica interna delle composizioni, che, nonostante tutte le differenze, non scivola mai nell'arbitrario.

Come in ogni area stilistica, anche qui ci sono cose migliori e cose peggiori. I brani di Mårten Jansson appartengono chiaramente alla prima categoria. Bärenreiter-Verlag ne ha pubblicati tre in una presentazione attraente.

Non temere per coro femminile a cinque voci convince per il suo movimento filigranato e sempre trasparente con il più semplice dei motivi, che continua a svolgersi dopo un inizio ostinato. L'intero spazio sonoro accessibile alle voci femminili è abilmente utilizzato. Il brano non è proprio facile, soprattutto nella parte melodica del soprano ci sono a volte grandi salti (che però sono sempre armonicamente ammortizzati), e un do acuto è imperativo. Jansson deve fare i conti anche con le voci di contralto estremamente basse, ma è abbastanza intelligente da offrire soluzioni di tipo "cioè". Il brano, che si basa sul testo di Isaia "Non temere, io sono con te", rimane armonicamente all'interno di un quadro leggermente esteso di do minore, con una trasfigurazione in do maggiore alla fine del brano.

In modo molto simile Maria (IV) per coro misto a quattro voci, anche se il soprano è diviso per lunghi tratti. La tonalità di mi bemolle minore viene presto abbandonata per passare a quella di mi minore attraverso varie tappe, spesso per mezzo di percorsi cromatici (e facilmente realizzabili grazie all'elaborata conduzione delle voci). Anche in questo brano il soprano è la voce più impegnativa dal punto di vista melodico, mentre le altre si dividono il compito di fornire le basi armoniche. Questa musica richiede un coro ben intonato e tonalmente equilibrato, che sia anche allenato all'uso di armonie estese. Il brano è proposto in due versioni linguistiche, l'originale svedese e l'inglese. Il testo è una sorta di poema mariano moderno, quindi è accessibile anche ai cori protestanti che hanno difficoltà con le tradizionali devozioni mariane cattoliche.

La sepoltura dei direttori di coro pone un accento leggermente diverso: dopo un inizio monofonico e folkloristico del tenore, subentra un coro maschile dal suono pieno, che viene poi completato dal coro femminile. Questo brano richiede un coro uniforme e non troppo piccolo. Anche in questo caso, le gamme esterne sono sfruttate appieno (soprano alto fino a b"; basso basso fino a B, con ossia) e possono essere ulteriormente ampliate da due cori femminili opzionali (soprano fino a d"'). Ciò che mi piace di questo brano è anche il fatto che la tonalità di Fa maggiore non viene sfruttata eccessivamente, ma è vivacizzata da altre regioni tonali. Il testo inglese dello scrittore vittoriano Thomas Hardy racconta la storia di un direttore di coro che viene sepolto senza musica, contro la sua volontà e su istigazione del vicario - al quale la notte successiva appare una "Banda di Angeli" che suona musica sotto la direzione del defunto direttore di coro. Diversi versi del testo liturgico del requiem sono integrati in questo brano.

Mårten Jansson, Fear thou not per coro SSMAA, partitura corale, BA 7411, € 3,95, Bärenreiter, Kassel 2014

id., Maria (IV), per coro SATB, BA 7412, € 3,95

id., The Choirmaster's Burial, per coro SSATBB, BA 7413, € 5,95

La Sonata per pianoforte in do maggiore D 840 di Schubert, la cosiddetta "Reliquie" - il soprannome la rende nota - è un busto; il terzo e il quarto movimento sono rimasti incompiuti. Diversi musicisti hanno apportato aggiunte nel corso del tempo. La maggior parte, come Paul Badura-Skoda, ha cercato di orientarsi stilisticamente molto vicino al modello. Altri, come Christoph Delz, hanno deliberatamente aggiunto al frammento una nuova versione alienata.

L'ultima versione di Bernhard Billeter ha raggiunto qualcosa che prima mancava. Billeter rimane sempre fedele al modello di Schubert, ma osa comunque creare alcune sorprese formali e armoniche che danno vita a questo esercizio stilistico. Tra queste, il "calendario tonale" nel minuetto e la meravigliosa reminiscenza del primo movimento nella coda del rondò. Anche i commenti di Billeter sulla prassi esecutiva, che mette in pratica anche nel CD allegato, sono molto rivelatori. Un piccolo dettaglio di passaggio: nelle battute 489/490, proprio alla fine del rondò, la mano sinistra sembra suonare crome e non crotchets secondo il CD, senza dubbio la variante più elegante.

Rimane una domanda: Perché Schubert lasciò questa sonata incompiuta? Il materiale tematico del terzo e del quarto movimento non lo attraeva più per un ulteriore lavoro? Poté pubblicare una sonata scritta quasi contemporaneamente e per molti versi affine, la sonata in la minore D 845, come prima, ovviamente completa.

Ferenc Farkas (1905-2000) è uno dei più importanti compositori ungheresi del XX secolo. Il suo ricco catalogo di opere abbraccia tutti i generi musicali. Sulla genesi della composizione del 1932 Sonata per violoncello solo è poco conosciuto. Fu scritta poco dopo il viaggio di studio di Farkas a Roma e non fu stampata durante la sua vita. Il figlio del compositore, il direttore d'orchestra András Farkas, che vive a Pully vicino a Losanna, ha scoperto il manoscritto nella proprietà del grande violoncellista ungherese Ede Banda (1917-2004). L'affascinante opera in tre movimenti è stata pubblicata da Editio Musica Budapest.

Molto più conciso della grande sonata solista di Zoltán Kodály, connazionale di Farkas, il brano è paragonabile per estensione e difficoltà a quello di Caspar Cassadó. Suite per violoncello solo. Il primo movimento (Allegro) è caratterizzato da ritmi dell'Europa orientale con molti cambi di tempo. I pizzicati da eseguire con la mano sinistra sono tecnicamente impegnativi. Il secondo movimento (Andante) inizia con una delicata melodia suonata sulla corda D nel registro acuto, accompagnata dalla corda A vuota. Il terzo movimento (Allegro molto) è una vivace tarantella che offre all'esecutore l'opportunità di dimostrare la brillantezza della sua tecnica d'arco. Un omaggio al maestro di Farkas, Ottorino Respighi?

La prima edizione è stata preparata dal violoncellista ungherese Miklós Perényi, che ha fornito anche le diteggiature.

Con lo stesso editore Perényi ha pubblicato anche un breve lavoro per violoncello solo: Introduzione e ScherzoIl compositore scrive in un commento: "L'opera non è stata scritta sulla base di calcoli matematici preordinati, ma la sua composizione ha richiesto una grande quantità di calcoli". Il violoncello di Perényi è famoso per la sua magistrale perfezione. Non sorprende quindi che non sia avaro di difficoltà tecniche ed effetti in entrambi i movimenti e che ponga al violoncellista molti compiti difficili e interessanti, soprattutto per la mano sinistra.

Ferenc Farkas, Sonata per violoncello solo, Z. 14 879, € 7,45, Editio Musica Budapest (Edition Kunzelmann) 2013

Miklós Perényi, Introduzione e Scherzo per violoncello solo, Z. 14 881, € 7,45, 2013

Con il titolo L'aria in classe L'edizione Schott presenta un volume di selezione per giovani cantanti che sono all'inizio della loro formazione e la cui gamma vocale è ancora limitata, che forse si stanno preparando per un test attitudinale all'università e vogliono avere un assaggio dell'opera.

La raccolta copre epoche e stili diversi, dagli inizi del genere operistico al XX secolo. Tutte le arie sono rappresentate in lingua originale e sono cantate in italiano, inglese, francese e tedesco. La selezione contiene una ricchezza di arie per lo più "piccole", al di fuori delle consuete antologie. Finora sono stati pubblicati un volume per soprano, un volume per mezzo e contralto e un volume per tenore, ognuno dei quali contiene circa 30 arie.

Secondo la regola che cantare Mozart significa coltivare la voce, questa è rappresentata soprattutto nell'edizione per soprano, ma anche nelle altre due. Oltre a Cherubino, Susanna e Zerlina, sono presenti anche opere meno ascoltate come l'aria di Servilia da La clemenza di Tito o la Serpetta da La finta giardiniera. Inoltre, le arie di Annio, Barbarina, Pedrillo e Monostatos, personaggi che, all'ombra dei grandi eroi operistici, contribuiscono a determinare gli eventi in scena.

Questo gruppo è circondato da un variopinto bouquet di brani poco conosciuti, inediti ed essenziali: Handel e Monteverdi, Verdi e Thomas, ma anche Vicente Martin y Soler, compositore spagnolo che in vita era conosciuto come "il Mozart di Valencia", e Vincenzo Righini, anch'egli contemporaneo di Mozart. Con Hans Werner Henze, Karl Amadeus Hartmann, Kurt Weill e Carl Orff, anche il XX secolo è rappresentato con esempi perfettamente cantabili.

Nella sua selezione, la curatrice Claudia Eder si sforza di raggiungere una diversità stilistica, linguistica e musicale, che dovrebbe sostenere il principiante di talento nel suo lavoro di respirazione, virtuosismo, articolazione ed espressione musicale. Sebbene la curatrice si attenga generalmente ad arie semplici e dirette, sono incluse anche alcune arie difficili: ad esempio, la scena di Yniold da Pelléas e Mélisande di Débussy, l'aria di Mignon dall'omonima opera di Thomas, che curiosamente appare nel volume per soprano (?), e Stride la vampa Le opere di Verdi presentano sfide che i principianti potrebbero non essere ancora in grado di affrontare.

Die Arie im Unterricht, 32 arie di 4 secoli per tenore e pianoforte, a cura di Claudia Eder, ED 21141, € 18,99, Schott, Mainz 2014

id., 28 arie di 4 secoli per mezzosoprano/alto e pianoforte, ED 20897, € 17,99, 2013

id., 27 arie di 4 secoli per soprano e pianoforte, ED 20896, € 17,99, 2012

Al più tardi dall'inizio del millennio, la musica popolare svizzera è stata riscoperta e rivitalizzata con nuovi impulsi. Indipendentemente da questo fenomeno, l'argomento si è sempre prestato alle lezioni di contrabbasso, in quanto si possono combinare in modo ideale diversi obiettivi didattici: mantenere il metro regolare, utilizzare il contrabbasso in una funzione importante come strumento di accompagnamento, conoscere i livelli tonali di base e suonare a orecchio, ecc. Con queste esperienze e competenze di base, è facile ampliare lo spettro, sia nella nuova varietà di musica popolare svizzera (si vedano le raccolte in corso di pubblicazione presso la stessa casa editrice), sia nel folklore europeo ed extraeuropeo, sia nel jazz standard.

Tuttavia, finora mancava un metodo pratico e una raccolta di materiali pedagogicamente orientati per i contrabbassisti. Ora Peter Gisler ha realizzato un manuale semplice e sistematico. Le prime 16 pagine contengono istruzioni senza pretese su come suonare il contrabbasso per gli autodidatti, illustrate con foto, disegni ed esercizi di base. Poi si passa alla pratica dell'accompagnamento, dall'accompagnamento di base al basso alternato, alle transizioni e a semplici effetti. La breve teoria musicale alla fine può essere utilizzata anche per le lezioni di contrabbasso, indipendentemente dall'argomento. La scelta intelligente di brani modello e la grafica chiara conducono abilmente alle forme di accompagnamento di base di uno Schottisch, un Ländler e un valzer. Una Monferreina e altri esempi riflettono il fatto che la musica popolare svizzera non può essere ridotta alle solite danze. Il CD, tanto semplice quanto ben registrato, in cui il basso può essere ascoltato con un suono incisivo e contemporaneo e viene poi sfumato per essere suonato da soli, dovrebbe contribuire molto a motivare l'applicazione di quanto appreso. Ed è un invito a cercare colleghi suonatori...

Peter Gisler, Il contrabbasso nella musica popolare svizzera. Istruzioni per l'uso del contrabbasso nella musica popolare svizzera, n. d'ordine 1113, con CD, Fr. 38.00, Mülirad-Verlag, Altdorf 2013