Il Rockförderverein der Region Basel è stato fondato nel maggio 1994 e ha cambiato il suo nome circa due anni fa in RFV Basel - Promozione della musica pop e della rete musicale nella regione di Basilea. Il direttore generale Tobit Schäfer cita come motivo della ridenominazione la consapevolezza che il termine ombrello "rock" non era più adatto ai musicisti della scena hip hop o elettronica. In origine, l'associazione, avviata da musicisti e rappresentanti della scena, offriva principalmente aiuto per l'auto-aiuto. "Prima della RFV, non c'era alcun supporto per il pop o il rock nella regione", aggiunge Chrigel Fisch, responsabile della comunicazione ed ex manager dei rocker alternativi Navel. Oggi le cose sono diverse, anche se bisogna ancora lottare per ottenere il sostegno.

I responsabili della RFV hanno capito subito che il lobbismo politico è indispensabile anche nel pop. Una consapevolezza che in alcuni luoghi della Svizzera è ancora difficile da realizzare. In ogni caso, la strategia della RFV alla fine ha dato i suoi frutti: nel 2008, il governo di Basilea Città ha deciso che l'associazione era "un'organizzazione altamente professionale" e "l'istituzione adatta" a fornire i servizi di promozione desiderati nel campo della musica popolare. E ha concesso maggiori sovvenzioni. Da allora, la missione della RFV non è stata solo quella di promuovere la scena pop nella regione di Basilea, ma anche di affermare il pop come genere nel panorama culturale.

La RFV riceve ora sovvenzioni annuali per un totale di 610.000 franchi. Il significativo aumento dei fondi non è stato utilizzato per sviluppare innumerevoli concorsi per bande. Al contrario, l'organizzazione ha preferito investire nella creazione di reti e stabilire contatti con Esportazione di musica svizzeraal festival m4music o alla piattaforma online Elvetico rafforzato. Grazie alle nuove possibilità finanziarie, nel 2009 la Premio Basilea Pop è stato lanciato. Tra i precedenti vincitori del premio da 15.000 franchi figurano la formazione art-pop The bianca Story e la cantautrice Anna Aaron, che di recente ha iniziato a esibirsi con un pop sperimentale.

Nel 2010, la RFV ha lanciato il modulo di finanziamento Esportazione di musica a Basilea e ha fatto sentire la sua presenza al Reeperbahn Festival. Con il premio, che viene organizzato tre volte l'anno RegioSuonoCredil concorso è rivolto a musicisti esperti che possano già dimostrare "un'attività artisticamente impegnata e specializzata nel campo della musica pop". L'attuale vincitrice del concorso è la cantante soul Ira May, il cui album di debutto L'incantesimo ha raggiunto la vetta delle classifiche svizzere. Il 26enne ha utilizzato i fondi per esibirsi per la prima volta in Germania all'inizio di aprile.

Consolidamento e nuove idee

"Attualmente ci troviamo in una fase di consolidamento", afferma Schäfer. Tuttavia, i negoziati per il prossimo periodo di sovvenzioni, dal 2016 al 2019, sono nella sua mente: "Siamo particolarmente interessati al tema delle esportazioni", spiega. Nelle arti visive conosciamo bene gli anni di lavoro, e Schäfer vorrebbe vedere qualcosa di simile anche per la musica popolare. "Una filiale all'estero avrebbe senso", dice. In questo modo le band potrebbero lavorare su un progetto a lungo termine".

È importante che lui e Fisch sottolineino che il loro lavoro è incentrato sulle preoccupazioni dei membri dell'associazione. Devono essere alla base della strategia dell'ufficio, che attualmente conta 210 equivalenti a tempo pieno, e del comitato volontario. Anche per questo la vicinanza alla scena è essenziale per la RFV. "Uno dei nostri punti di forza", sottolinea Fisch. Alla domanda sui possibili punti deboli del modello, Schäfer spiega: "Al momento abbiamo un programma molto vario ma anche molto impegnativo dal punto di vista delle risorse. Di conseguenza, lo sviluppo di nuove visioni tende a passare in secondo piano". In passato, anche la rete nazionale e internazionale della RFV lasciava molto a desiderare. "Ma negli ultimi quattro anni questo è diventato uno dei nostri punti di forza".

Ora è giunto il momento di concentrarsi nuovamente sulle nuove leve, spiega Schäfer, "anche se abbiamo la sensazione che in questo settore si stia facendo meno rispetto a qualche anno fa". Fisch cita l'emergere di programmi di casting e format come La voce della Svizzera. Per questo motivo, molti giovani possono pensare che tali organizzazioni siano l'unica via per una carriera musicale. Questo è uno dei motivi per cui la RFV sta riflettendo su nuove idee per far conoscere meglio ai giovani l'associazione e le sue attività. Un possibile approccio: una sorta di sistema di scouting.

Schäfer e Fisch controbattono alla critica secondo cui il lavoro della RFV non è riconosciuto al di fuori di Basilea con l'argomentazione che mai prima d'ora così tanti musicisti con radici basilesi si sono fatti un nome al di fuori del loro paese d'origine. Per esempio Anna Aaron, The bianca Story o gli eclettici pop We Invented Paris. Coincidenza o no, tutti loro sono o sono stati sostenuti da RFV. "Naturalmente potremmo cercare di organizzare un management o un'etichetta a Berlino per uno dei nostri gruppi", dice Chrigel Fisch, "ma preferiamo che lo facciano da soli. Questo dimostra che hanno davvero la volontà di fare carriera".

Questo articolo è stato pubblicato il 7 maggio 2014 sulla rivista tedesca Mercato musicale

Nessuno sa veramente quante persone cantano insieme nel continente, in quali Paesi viene coltivato il repertorio, quanto tempo viene dedicato al canto e così via, scrive la casa editrice Schott. Queste e altre domande su aspetti artistici, demografici ed economici, oltre a statistiche e informazioni provenienti dalle organizzazioni corali, dovrebbero infine contribuire a creare un quadro dell'Europa che canta.

La pubblicazione dei risultati con un confronto tra i diversi Paesi è prevista per il 2015. L'obiettivo del progetto è anche quello di stimolare un dibattito europeo sul canto e di promuovere la conoscenza reciproca e la familiarità tra gruppi di canto di diversi Paesi.

Solo dalla Slovenia sono arrivate quasi 700 risposte, che forniscono informazioni sull'intero Paese. Chiunque faccia parte di un coro o di un gruppo canoro, come cantante, direttore o membro del consiglio direttivo, è invitato a compilare il breve questionario su www.singingeurope.org nella sua lingua.

Il Cavaliere Rust vive nel Castello di Ferro e si ritiene il cavaliere più coraggioso, forte e intelligente di tutta la Scozia. Ciò che gli manca in abilità, lo compensa con un'incrollabile presunzione. Si imbarca coraggiosamente in ogni avventura pericolosa, non senza pentirsene immediatamente. La coraggiosa e forte damigella Bö, con il suo cappello parlante, e l'impertinente drago domestico Koks devono aiutarlo a uscire dai guai più volte. Tuttavia, l'amabile antieroe con la pancia ammaccata del registratore di cassa riesce sempre a emergere come un brillante vincitore alla fine.

Il cavaliere, noto anche come "Rösti", è il protagonista di una popolare serie di libri con i cosiddetti "musical per bambini"; ogni storia è accompagnata da spartiti e da un CD con musiche di Felix Janosa. Ora ci sono anche i DVD Knight Rust, un film per il cinema, una serie TV e i soliti gadget e giocattoli. E: un arrangiamento delle canzoni per uno o due flauti dolci soprano.

Poiché è probabile che i bambini conoscano Ritter Rost e le sue canzoni pop, questo libretto offre loro l'opportunità di familiarizzare a orecchio con ritmi più complicati (come le crome punteggiate) o con le accidentali (fino a un diesis e un bemolle). Alcuni brani sono piuttosto bassi, ma hanno una gamma complessiva che va dal do' al la''. Cavaliere Ruggine è adatto come primo libro di recite dopo una scuola di flauto dolce soprano, in modo che il gruppo target abbia più o meno la stessa età dei musical di Knight Rust. Lo scriba della corte reale Ratzefummel ci guida attraverso la storia, permettendo ai bambini che non conoscono Ritter Rost di familiarizzare con i personaggi. La motivazione è supportata da medaglie cavalleresche - adesivi allegati che possono essere assegnati e attaccati dopo aver fatto pratica con successo. Le illustrazioni di Jörg Hilbert, spiritose e sfacciate, adornano lo spartito, interamente in tonalità di grigio.

Jörg Hilbert e Felix Janosa, Ritter Rost per 1 o 2 flauti dolci soprano, ECB 6113, fr. 23.80, Edition Conbrio (Hug Musikverlage), Zurigo 2013

Franz Xaver Wolfgang Mozart era il figlio minore di Wolfgang Amadeus Mozart. Nato nell'anno della sua morte, fin da piccolo era destinato a diventare un musicista e nella sua città natale, Vienna, ricevette lezioni di composizione e di strumento da Johann Nepomuk Hummel, Antonio Salieri e Johann Georg Albrechtsberger, tra gli altri. Per tutta la vita, Franz Xaver Wolfgang Mozart compare nei documenti ufficiali solo con il nome di "W. A. Mozart Sohn". Le esigenze legate a questo nome e il costante confronto con il padre lo portarono a dubitare di se stesso. All'età di vent'anni, entrò al servizio di varie famiglie aristocratiche della capitale galiziana di Leopoli come insegnante di pianoforte e si esibì come pianista e direttore d'orchestra. Scrisse varie composizioni per l'appena fondato "Dilettanten-Concerte", tra cui forse questa. Variazioni per fortep: e flageolet sulla marcia da Alineun'opera di Henri-Montan Berton che ha debuttato a Parigi nel 1803.

All'inizio del XIX secolo, il flageolet, simile al flauto dolce, divenne sempre più popolare e si manifestò in varie forme, ad esempio come flageolet inglese o francese. Non è possibile stabilire da quale tipo Mozart stesse lavorando, ma dato che la partitura richiede uno strumento in posizione quadrupla, si suggerisce una versione per flauto dolce soprano. Il pianoforte e il flauto dolce entrano in dialogo e assumono alternativamente la parte principale. Come il tema di fondo di Aline le piacevoli variazioni rinunciano anche a momenti di shock eccessivamente melodici o armonici.

È richiesto un livello intermedio di esecuzione; solo le dinamiche richieste e i problemi di intonazione associati devono essere tecnicamente padroneggiati dall'esecutore. Tuttavia, questa trouvaille è una gradita aggiunta al ristretto repertorio originale del primo romanticismo per flauto dolce ed è piacevole nella sua semplice bellezza Biedermeier.

Franz Xaver Wolfgang Mozart, Variazioni sulla marcia da "Aline", per flauto dolce soprano (flauto, oboe, violino) e pianoforte, prima edizione a cura di Nikolaj Tarasov e Helmut Schaller, DM 1431, € 13,95, Doblinger, Vienna 2012

Chi non conosce la famosa immagine Concerto di flauto a Sanssouci di Adolph Menzel, in cui Carl Philipp Emanuel Bach viene immortalato come accompagnatore al clavicembalo del suo datore di lavoro, il re prussiano Federico II. Immortalato in un dipinto, ma oggi piuttosto emarginato come compositore: questo è il destino del secondogenito di Johann Sebastian Bach. Eppure Carl Philipp Emanuel, nato a Weimar nel 1714, fu un importante pioniere del modernismo dell'epoca. Non più barocco, non ancora classico, forse è questa "epoca di sensibilità" che ha influenzato la sua ricezione. Bach rappresentò lo spirito estetico di ottimismo del suo tempo con un'incredibile modernità, che comprende anche le rivoluzionarie sonate.

In occasione del 300° compleanno di Carl Philipp Emanuel Bach, la specialista svizzera di Basilea in musica barocca Leila Schayegh presenta una registrazione altamente raccomandabile. In un'interazione gioiosa e "galante" con il suo accompagnatore Jörg Halubek, la Schayegh traccia il bello, l'audace e il nuovo con un suono meraviglioso che Bach richiedeva con tanta determinazione per un "vero capolavoro". Sono incluse le sonate Wq 76 e Wq 78, in cui le qualità speciali del modernismo di Bach sono palpabili. Il dialogo tra violino e strumento di accompagnamento, ad esempio, o le sensibili cantilene per violino splendidamente "cantate" da Schayegh. Questi aspetti si evidenziano ancora di più quando il CD si apre con la prima Sonata in re maggiore, che mostra Bach nel 1731, durante il suo periodo con Federico II, ancora fortemente influenzato dal padre.

In questo contesto è ancora più sorprendente, quasi scioccante, il Fantasia libera in fa diesis minore Wq 80, che porta il significativo titolo "Sensazioni di C. P. E. Bach". I due musicisti hanno optato per un pianoforte a coda tangente (Späth & Schmal) che, con il suo suono simile a quello di un fortepiano, si adatta perfettamente a questo brano sperimentale.

La Sonata in do maggiore Wq 78, anch'essa con pianoforte a coda tangente, è il pezzo forte. Jörg Halubek si dimostra un abile esecutore di questo strumento raramente ascoltato, mentre Leila Schayegh delizia con il suo timbro rotondo, dolcemente carezzevole e tuttavia chiaro, quasi sinuoso. È affascinante la capacità di adattare i suoi colori alle sonorità molto diverse del clavicembalo e del pianoforte a coda tangente.

Una volta un produttore mi disse che non avrebbe più realizzato CD di progetto con opere di diversi compositori: si sarebbero semplicemente persi nella massa di musica che viene immessa sul mercato ogni mese e, nella migliore delle ipotesi, sarebbero finiti sotto la voce "miscellanea" anche nei negozi specializzati. Comprensibile, ma purtroppo non in linea con la realtà sonora. In ogni tempo sono state prodotte le cosiddette edizioni da collezione o opere comuni, in cui diversi compositori hanno contribuito con pezzi per lo più brevi. E spesso sono proprio queste edizioni a dire di più su un periodo, uno stile o una scuola rispetto a molte opere principali.

Ciò è dimostrato anche dalla prima registrazione completa di Gabrielle Beck-Lipsi del suo Treize Danses (1929). Eseguito in modo tanto intelligente quanto brillante e spiritoso, è un ritratto di gruppo di prim'ordine. È completato da sette opere più ampie di Conrad Beck, Tibor Harsányi, Bohuslav Martinů, Alexandre Tansman e Alexander Tscherepnin, tutti appartenenti all'"École de Paris" - un circolo di amici di compositori stranieri negli anni Trenta, con cui il pianista ha anche un legame familiare. In questo modo, nell'interpretazione tutt'altro che asciutta risuona molto di più di quanto le semplici note siano in grado di rivelare, rendendo la registrazione stessa un documento, catturato anche in un'acustica eccezionale.

Ciò rende ancora più incomprensibile il fatto che la produzione al di fuori della Svizzera (soprattutto nell'era del "click and buy" transfrontaliero) sia non solo difficile da trovare, ma anche scomoda da ottenere.

CD 1: "Ecole de Paris
Alexander Cherepnin (1899-1977): Bagatelle, op. 5 e 5 Studi da concerto, op. 52
Conrad Beck (1901-1989): Due pezzi di danza e 1a Sonatina
Bohuslav Martinu (1890-1959): Trois Esquisses
Alexander Tansman (1897-1986): Sonatine transatlantiche
Tibor Harsanyi (1898-1954): Blues

CD 2: "Treize Danses"
Conrad Beck (1901-1989): Danse
Marcel Delannoy (1898-1962): Rigaudon
Pierre-Octave Ferroud (1900-1936): La baccante, Blues
Tibor Harsanyi (1898-1954): Fox-Trot
Jacques Larmanjat (1878-1952): Valse
Nikolai Lopatnikoff (1903-1976): Gavotte
Bohuslav Martinu (1890-1959): La Danse
Georges Migot (1891-1076): La Sègue
Marcel Mihalovici (1898-1985): Cindia
Manuel Rosenthal (1904-2003): Valse des Pêcheurs à la Ligne
Erwin Schulhoff (1894-1942): Boston
Alexander Tansman (1897-1986): Burlesque
Jean Wiéner (1896-1982): Rêve

Müller & Schade 5080 (2 CD)

La musica è un modo antico di allenare la capacità di risonanza delle persone. Già nei primi tempi, in Tibet, in Egitto e nell'Antica Grecia, la musica veniva utilizzata per la guarigione. I suoni hanno un effetto diretto sull'intero organismo attraverso l'orecchio (e le sue connessioni nervose con il cervello) - in psicologia clinica si dice: "Ogni malattia ha una dominante cerebrale". Novalis scrive sul potere curativo della musica: "Ogni malattia è un problema musicale, la cura una risoluzione musicale".1

Il rapporto di energie tra musica e corpo

Le scoperte scientifiche di oggi confermano sempre più ciò che è stato vissuto e insegnato come conoscenza intuitiva nelle precedenti epoche culturali dell'umanità. Sta diventando chiaro che tutti i processi vitali sono interconnessi, sono in relazione tra loro e interagiscono attraverso una base uniforme, che un tempo era chiamata energia eterica e oggi è chiamata energia vitale. Per questo motivo, ogni sistema può comunicare con un altro. Questa situazione rende anche molto più chiaro ciò che la musica può avere in comune con l'uomo. Mentre prima era un interesse della filosofia e dell'estetica, ora sta diventando sempre più un interesse della scienza.

Il potere e la magia, l'enorme energia della musica, in grado di smuovere le masse, stanno diventando un campo di ricerca scientifica. Soprattutto, ovviamente, si cercano nuove possibilità terapeutiche, ma non solo, anche nuovi potenziali di potere, come è chiaramente evidente nel mercato musicale e nella pubblicità. Ma anche i predicatori di nuove religioni in America hanno riscoperto il potere della musica come strumento di unità collettiva.

Sembra quindi ancora più importante, soprattutto per i musicisti, penetrare nel mondo energetico della musica per assumersi la responsabilità di uno strumento così potente. Dal punto di vista teorico, nel recente passato ci sono stati ottimi e nuovi approcci alla comprensione della natura interiore della musica, soprattutto da parte degli antroposofi. Dobbiamo preziose intuizioni a questi musicisti e ricercatori, la maggior parte dei quali ha tratto ispirazione dallo studio di epoche culturali precedenti.
La moderna ricerca sul cervello rivela che tutti i processi del nostro corpo, compresi quelli biochimici, sono determinati dai nostri pensieri, sentimenti e percezioni e sono influenzati dalla coscienza. Non ci sono separazioni. Mente e corpo sono una cosa sola. Nel corpo troviamo l'unione di diversi livelli di coscienza. Tutti i fenomeni del cosmo sono permeati dai campi di informazione energetica che lo attraversano costantemente. Attraverso questa energia costante e presente, chiamata anche etere, tutti gli esseri sono collegati e in contatto tra loro.

Attivate i vostri poteri di autoguarigione

Ogni vita nasce attraverso un processo di autocreazione e si organizza da sola. Vivendo, creiamo il nostro mondo. Il modo in cui sperimentiamo il mondo, anche nel nostro essere fisico, dipende da come abbiamo imparato a percepire il mondo attraverso i nostri sensi nel corso della nostra vita. La percezione della realtà e del mondo è quindi un processo empirico.

Il nostro cervello è composto da tre tipi che si sono sviluppati nel corso dell'evoluzione. Il tipo più antico è noto come cervello rettile o complesso rettile, seguito dal sistema limbico, che corrisponde ai mammiferi inferiori. Questi due tipi di cervello controllano il nostro programma principale, la genetica. Il nostro programma di ragione è definito programma secondario, è relativamente giovane nel suo sviluppo e si trova nella corteccia cerebrale. Tutti e tre i tipi di cervello sono riconosciuti come dotati di intelligenza, soggettività e memoria proprie.

L'arte applicata della guarigione musicale mira ad attivare e collegare le aree del cervello responsabili dell'autoguarigione. Proprio queste aree sono al centro della nostra creatività. L'effetto curativo della musica può essere sfruttato in modo mirato, creando programmi musicali personalizzati per l'ascolto attivo e la contemporanea riduzione dello stress, che sono da quattro a otto volte più efficaci dei farmaci convenzionali - come ha dimostrato la conferenza sullo stress della World Health Conference.

Se analizziamo gli elementi strutturali e le dimensioni curative della musica, scopriamo la trinità del principio della vita: il ritmo della vita, la melodia della vita e l'armonia della vita. O come disse Ludwig van Beethoven: "La musica media tra il mondo spirituale e quello sensoriale".
Poiché come persone (personare = suonare attraverso) possiamo affinare la nostra capacità di risuonare allenando i nostri sensi, apriamo la nostra percezione alle qualità curative della musica. Quando utilizziamo consapevolmente tutti i nostri sensi, le nostre vite diventano sensibile.

Cura della musica applicata

Il nuovo concetto di arte applicata della guarigione musicale di Wenzel Grund si basa sulla sua vasta esperienza come formatore di kinesiologia musicale, musicista, insegnante e terapeuta. Per molti anni ha praticato e insegnato con successo la kinesiologia musicale come metodo olistico per un approccio libero da stress e creativo alla professione musicale. Da qui ha sviluppato nuovi modi, immediatamente realizzabili, di sperimentare e applicare in modo specifico gli effetti curativi della musica.
Il nuovo ciclo di formazione sull'arte applicata della guarigione musicale viene offerto presso l'istituto kinesiologico IAK di Kirchzarten, vicino a Friburgo i. B. (www.iak-freiburg.de).
I seminari sono adatti a insegnanti di musica, artisti di palcoscenico, terapisti e a tutte le persone che amano la musica e che desiderano fare un'esperienza di formazione continua, approfondire le proprie conoscenze e ampliare i propri orizzonti o aprirsi a un nuovo ed entusiasmante campo professionale.

1 Prova della citazione: Novalis Schriften, a cura di Ludwig Tieck e P. Schlegel, Fünfte Auflage, Zweither Theil, Berlin Verlag von G. Reimer, 1837, pagina 168 (Fragmente vermischten Inhaltes, I Philosophie und Physik).

Nata a Ginevra nel 1985, la pianista Beatrice Berrut si inserisce nella tradizione della scuola pianistica russa di Heinrich Neuhaus. Ha completato la sua formazione con Galina Ivanzova a Berlino, Esther Yellin a Zurigo e Brigitte Engerer a Parigi. Ha completato gli studi presso la Royal Irish Academy of Music di Dublino con John O'Conor, allievo di Wilhelm Kempff.

Nato a Sion nel 1982, lo chansonnier Marc Aymon ha registrato il suo ultimo album a Nashville con due musicisti svizzeri e alcuni americani, tra cui il batterista di Neil Young e il pianista di BB King.

Per la quarta volta consecutiva, un premio speciale per la promozione della cultura sarà assegnato anche all'associazione Ouverture-Opéra di Sion. Il Premio speciale del Canton Vallese, che viene assegnato dal 2011, è destinato a una persona o a un gruppo che si occupa principalmente dello sviluppo e della promozione della cultura nel Vallese.

Il Premio culturale del Vallese, che viene assegnato dal 1980, è dotato di 20.000 franchi svizzeri. Istituito nel 1982, il premio si rivolge a giovani talenti che si trovano a un punto di svolta nella loro carriera. Questo contributo creativo di 10.000 franchi svizzeri ciascuno viene assegnato tre volte e ha lo scopo di riconoscere il loro lavoro e di incoraggiarli a proseguire sulla strada intrapresa.

"Melodia e ritmo fornisce molte prospettive non convenzionali e insolite sulla musica popolare", afferma Susann Witt-Stahl. La direttrice della rivista musicale, fondata nella DDR nel 1957, spiega al quotidiano mondo giovane l'ultimo rilancio di M&R. "M&R diventa più critico, più politico, si avvicina all'attualità e interviene nei dibattiti culturali", si legge altrove.

Tuttavia, queste promesse non reggono a un esame differenziato: né la selezione degli artisti - dal successore di Bono Rea Garvey ai giudici del casting indie dei Kaiser Chiefs - né le analisi presentate (un'eccezione è il testo di Marcus Staiger sulla retorica you-can-create-it-if-you-want-it nel rap tedesco) sono particolarmente critiche o innovative. Dal punto di vista linguistico, la rivista non pone quasi nessun accento: Il livello dei testi è troppo vario, vengono utilizzati troppi luoghi comuni. Tuttavia, questo non è solo un riflesso della lunga durata e dell'importanza che ha avuto la rivista per il mondo del rap. M&R La crisi della critica discografica che sta dilagando. Perché le voci sono sempre "cristalline" e cosa diavolo si intende per "serietà musicale"?

La copertina della rivista, disegnata dal collettivo di designer di sinistra Rabotnik di Copenaghen in un'"estetica marxista contemporanea" (Susann Witt-Stahl), è sorprendente. I danesi hanno anche dato al layout un delicato colore rosso. Tuttavia, questa è una rivoluzione tanto piccola quanto l'esame approfondito delle prospettive di contenuto: Sono semplicemente troppo brevi per farlo. Questa carenza è particolarmente evidente nel focus tematico "Musica pop e lotta di classe". La "conferenza" annunciata in pompa magna con il critico musicale britannico Simon Reynolds non è altro che la preparazione di nove brevi dichiarazioni e l'organizzazione di una conferenza con il critico musicale britannico Simon Reynolds. M&R-Il questionario a Jan Delay non va quasi mai oltre le domande banali, che diventano irrilevanti nella loro brevità e sono tutt'altro che "esistenziali", come si sostiene nell'introduzione.

La forza e il potenziale del nuovo M&R La sezione Punti di vista, leggermente più critica, in cui la tesi "La cultura pop non è possibile senza il capitalismo" viene discussa da due prospettive o la scena musicale greca viene esaminata - finalmente in modo più dettagliato. Promettente è anche l'analisi delle canzoni pop da parte del teorico dell'arte israeliano Moshe Zuckermann, che in futuro apparirà in ogni numero e che in questo numero si occupa di Miley Cyrus. Infine, è emozionante vedere come il tema della lotta di classe attraversi l'intero numero, fino alla sezione dei concerti dal vivo. Se questo sia dovuto al posizionamento di sinistra della rivista o a un nuovo concetto tematico, sarà chiaro nel prossimo numero con il suo focus sul Brasile.

M&R Melodie und Rhythmus, numero di maggio/giugno 2014; pubblicazione bimestrale, numero singolo € 4,90, abbonamento annuale all'estero € 36,90, Verlag 8. Mai, Berlino, www.melodieundrhythmus.com

Nel 1908, il trentaquattrenne Max Reger creò la Sonata per clarinetto op. 107, un'opera "tremendamente chiara", come scrisse lui stesso in una lettera, che ben si adattava al suo felice stato d'animo familiare: all'epoca, lui e la moglie Elsa avevano adottato Christa, di tre anni, e Lotti, di un anno e mezzo. La critica percepì nella sonata "un ritorno alla semplicità classica, sia in termini di forma che di contenuto" e la descrisse come "un idillio profondamente sentito e splendidamente tonale". Dopo il successo della prima, Reger rielaborò l'opera per viola (e violino), cambiando il fraseggio dal fiato dell'esecutore a fiato al colpo d'arco dell'esecutore ad arco, oltre ad alcuni cambiamenti di ottava.

Michael Kube ha realizzato una nuova edizione accurata e ben annotata, basata sulla prima edizione pubblicata da Bote & Bock nel 1909 e con l'aiuto dell'autografo e del modello dell'incisore - conservati nelle biblioteche di Winterthur. Molte ambiguità, elencate dettagliatamente nelle note, sono state eliminate. Oltre a una parte di viola non marcata, ne esiste una marcata con diteggiature e bombature da Jürgen Weber. Weber risparmia l'uso del 4° dito troppo spesso e qua e là non usa il suono brillante della corda A per il forte, ma per il resto le marcature sono estremamente utili per il movimento molto cromatico. L'opera, non troppo difficile per la viola e molto densa di partiture per il pianoforte, è qui favorevolmente riedita dopo l'ultima pubblicazione del 1937.

Max Reger, Sonata per clarinetto op. 107, versione per viola, Urtext a cura di Michael Kube, con parte aggiuntiva per viola etichettata da Jürgen Weber, HN 1099, € 18,00, G. Henle, Monaco 2013

Con la nuova edizione in due volumi della raccolta di opere per organo di Johann Speth (1664 ca. 1719/20), Doblinger rende nuovamente accessibile un'importante fonte di musica per tastiera della Germania meridionale nella collana "Diletto Musicale". Finora era disponibile solo in facsimile (Helbling 1993) o era fuori catalogo da tempo (Bärenreiter).

Con il titolo Ars magna consoni et dissoni. Arte organico-strumentale, giardino ornamentale e di piacere Nel 1693, l'organista della cattedrale di Augusta pubblicò una raccolta di dieci toccate (o "Musicalische Blumen-Felder"), otto magnificate e tre serie di variazioni. Le toccate sono simili, nello stile, a quelle del Apparato musico-organistico Georg Muffat (pubblicato tre anni prima), ma senza raggiungerne la complessità e la ricchezza di idee. Speth si limita generalmente a un'introduzione simile a una toccata, di solito su punti d'organo a pedale, a una breve fuga manualiter e a un postludio libero. Influenze italiane sono riconoscibili nelle sezioni Durezze-e-ligature e poi soprattutto nella serie di variazioni, mentre gli arrangiamenti del Magnificat in sette movimenti sono paragonabili a quelli di Kerll. Le indicazioni dinamiche della Toccata Quarta sono sorprendenti!

Una nuova edizione raccomandabile, in quanto le opere sono molto adatte alle funzioni religiose e ai concerti grazie alla loro brevità e maneggevolezza.

Johann Speth, Opere complete per organo, a cura di Ingemar Melchersson, Diletto Musicale; Volume 1, DM 1449, € 18,95; Volume 2, DM 1450, € 20,95; Doblinger, Vienna 2013

Steve Gadd, Gary Chaffee, David Garibaldi e Rick Latham, solo per citarne alcuni, sono considerati i pionieri del linear drumming. Questa tecnica di suonare la batteria è emersa a metà degli anni '70 ed è ancora oggi più popolare che mai. Ausili didattici come Modelli di funzionamento del tempo (1980), Tempo lineare di gioco (1993) - entrambi di Gary Chaffee -, Studi avanzati sul Funk (1980) di Rick Latham e Suoni del futuro (1990) di David Garibaldi hanno trovato rapidamente posto sui leggii di dilettanti e professionisti.

In Dimensione creativa il batterista svizzero Charlie Weibel mostra in modo impressionante quali fantastici groove e fills sono possibili con un drumming lineare. Anche gli esercizi preliminari contenuti nel libretto di Weibel sono divertenti e adatti anche ai principianti. Ma poi si entra davvero nel vivo con oltre duecento esempi di one-bar. Ci sono grooves lineari e quasi-lineari che rappresentano stili funk e fusion, ritmi latini e shuffles.

Gli esercizi e i ritmi di Dimensione creativa ricordano le opere dei protagonisti sopra citati, ai quali l'autore dice di ispirarsi fortemente. Rick Latham potrebbe essere stato l'ispiratore della scelta della forma di notazione, in cui le battute suonate simultaneamente sono annotate sotto un gambo rivolto verso l'alto. Un ulteriore vantaggio di questa forma di notazione è che riesce a gestire quasi senza pause; i ritmi sono quindi facili da decifrare.

Charlie Weibel ha deliberatamente evitato lunghi passaggi di testo e spiegazioni lessicali, con grande beneficio per il libretto. Come supplemento, presenta sei assoli impegnativi tratti dal suo libretto del 2001 Spettro di tamburi. Il CD allegato contiene ben 150 campioni sonori. Le registrazioni impressionano per la loro precisione di registrazione e la ricchezza del suono. Veramente bello.

Charlie Weibel, Dimensione creativa. Concetti contemporanei per drumset, grooves speciali e drumming solista, Linear Time Playing (L.T.P) in Funk Latin Fusion Style, con CD, Fr. 39.00, Ghost Note Productions, Lucerna, ISMN 979-0-000-00158-9, www.weibeltech.ch

C'erano lo swing, le canzoni morave, lo jodel misto a elementi rap e la pantomima o la letteratura corale tradizionale inglese per i ragazzi. È stato sorprendente notare come spesso le esibizioni fossero arricchite da elementi coreografici e pantomime, che i giovani interpreti hanno realizzato con evidente gioia e impegno.

L'incontro tra le diverse culture è stato interessante: i costumi in stile Innerrhoden del coro Hitzigen di Appenzello si sono mescolati con gli abiti scuri dei New Dublin Voices, per esempio. La letteratura corale dell'altro Paese è stata esplorata insieme sul podio e durante l'incontro serale. I Little Singers dell'Armenia, ad esempio, hanno insegnato ai colleghi americani e tedeschi una commedia musicale armena dopo la loro esibizione.

Gli organizzatori intorno a Kathrin Renggli, che ha magistralmente organizzato il grande evento, sono stati fortunati con il tempo di sabato: nel centro di Basilea, gli ensemble hanno offerto uno spettacolo canoro su sei grandi palchi all'aperto sotto un sole splendente. Anche da lontano, le persone sono state attratte dai suoni provenienti dalle giovani gole e molti spettatori curiosi si sono radunati intorno ai palchi. Si potevano vedere bambini stupiti e adulti di tutte le età. Il festival di strada all'aperto è stato una grande attrazione e una perfetta pubblicità per il canto.

Il concerto finale è stato esemplare per l'intero Festival europeo dei cori giovanili 2014, un evento imponente che si è svolto come matinée domenicale nel Teatro di Basilea e che ha riunito ancora una volta tutti gli ensemble. Diciannove formazioni provenienti da tutta Europa hanno cantato le loro opere preferite, introdotte e attentamente moderate da Salome Kornfeld e Clemens Staub.

Appena entrati nella sala del teatro, si è stati sopraffatti dall'abbondanza di cantanti giovani e meno giovani che hanno preso posto sul palcoscenico, riempiendolo quasi completamente. L'organizzazione dell'ampia matinée era di alto livello, le canzoni eseguite erano di alta qualità e spesso abilmente coreografate.

La matinée si è presto trasformata in un concerto di circa tre ore, ma grazie alla brevità dell'orario e alla varietà del programma, non ci si è mai annoiati. Per esempio, il coro di bambini e ragazzi Coro Clairière Lugano, vestito con camicie colorate e con un fascino da pantomima, ha cantato la Torsione di LambrettI coristi del Jesus College di Cambridge hanno seguito, nei loro tradizionali abiti rossi, il canto tradizionale inglese in una bella armonia. Come posso evitare di cantare?

Ragazzi che cantano

In generale, i "ragazzi che cantano", a cui era dedicato il motto del festival di quest'anno, hanno offerto momenti particolari e un po' di malinconia, perché purtroppo stanno diventando sempre più rari. Tuttavia, le voci dei ragazzi e dei giovani uomini hanno molto da offrire, come l'eroe locale, il Basel Boys' Choir di circa settanta membri sotto la direzione di Markus Teutschbein, con il primo movimento dell'opera ritmica di Leonard Bernstein. Salmo di Cicester dimostrato. Sarebbe bello se ci fossero di nuovo più appassionati di canto maschile.

La letteratura corale era colorata come gli interpreti nei loro costumi. Se È una cosa sola del Coro delle ragazze di Basilea, della Moravia Dúbravěnko zelenká del coro di voci bianche Motýli Sumperk, o il Rapporto islamico del coro giovanile islandese Hamrahlíd, ci si è meravigliati delle opere, spesso arrangiate, a volte anche dai direttori, appositamente per i loro ensemble. In generale, non è stata solo la gioventù canora a rappresentare un'esperienza, ma anche l'ardente impegno dei direttori dei cori, che hanno realizzato qualcosa di quasi incredibile. Hanno preparato i loro protetti per il grande evento con entusiasmo e alta motivazione.

Una chicca musicale speciale è stata sicuramente il Coro degli studenti dell'Accademia Statale di Musica della Bielorussia, che ha eseguito il brano Gostcik del suo corista Andrej Savritsky con un canto sottile e altamente differenziato. Anche il Coro Femminile di Hannover appartiene all'élite con il suo incredibile suono e la sua rigorosa formazione, grazie alla quale sempre più ragazze fanno il salto di qualità per diventare cantanti. E poi, naturalmente, la canzone finale La musica è ovunque di Ivo Antognini, che è risuonato da centinaia di gole, compreso il pubblico in coro: uno splendido finale!