La seguente galleria fotografica completa l'articolo di Brigitte Bachmann-Geiser Dulcimer in Svizzerache si trova nel Giornale musicale svizzero 5/2014 è stato pubblicato.

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Dal 1957, un cantone o un consiglio scolastico intorno al Lago di Costanza organizza l'IMTA. Mercoledì 14 maggio, a partire dalle ore 9.00, oltre 2000 scolari, studenti e insegnanti, dall'asilo all'università, provenienti da tutte le zone del Canton Turgovia, presenteranno le loro creazioni artistiche nei campi del design/arte, della musica, dello sport/danza e della lingua/teatro.

Il comitato organizzatore si aspetta circa 5.000 visitatori da tutta la regione del Lago di Costanza. Il pubblico è cordialmente invitato a tutti gli spettacoli.

Informazioni dettagliate e programma sono disponibili sul sito: www.imta-bodensee.com

Il sestetto svizzero Hildegard Lernt Fliegen ha battuto in finale a Monaco il trio olandese Tin Men and the Telephone. Oltre al premio, riceveranno un premio in denaro per un totale di 10.000 euro; il secondo posto è dotato di 5.000 euro.

Quattro borse di studio della Fondazione Friedl Wald, per un totale di 14.000 franchi, sono state assegnate quest'anno agli studenti di jazz della HKB. I beneficiari sono Marena Whitcher (voce), Michael Haudenschild (pianoforte), Benjamin Muralt (basso elettrico) e Valentin von Fischer (contrabbasso).

"Die Entführung aus dem Serail" è attualmente visibile allo Stadttheater Biel e alla Rythalle Solothurn. In occasione del Festival Birgitta, il 14 agosto 2014, i cantanti del TOBS e il coro del Theater Orchester Biel Solothurn presenteranno il capolavoro di Mozart al pubblico estone nella straordinaria atmosfera del monastero medievale di Pirita a Tallinn.

In autunno TOBS farà un'altra apparizione come ospite internazionale: Nell'ambito dell'Armel Opera Festival in Ungheria, l'opera "Figaro¿" di Christian Henking e Raphael Urweider, presentata in anteprima a Bienne, sarà rappresentata all'Accademia di Musica Franz Liszt (Liszt Ferenc Zeneművészeti Egyetem) di Budapest il 10 ottobre 2014.

Bartolomeo Barbarino, di cui non si conoscono le date esatte della vita, creò musica vocale sacra e profana nel passaggio dal XVI al XVII secolo. La nuova edizione dei suoi mottetti pubblicata da Edition Walhall è un documento eccezionale di grande interesse per la storia della musica.

Barbarino fu attivo sia come cantante (descrisse la propria voce come "roca e sottile") che come compositore e si appassionò molto alle innovazioni del recitar cantando, seguendo Caccini.

Nel 1614 il suo Secondo libro dei motetti da cantarsi a una voce sola o in soprano o in tenore a Venezia. In una lettera di dedica, Barbarino si lamenta dei cantanti che non hanno "esperienza nell'uso dei brani", e propone quindi le sue monodie in due versioni: semplice e ornata. Ogni mottetto del Secondo libro appare in due versioni, elaborate nel dettaglio dal compositore stesso. Questa particolarità editoriale ci dà un'idea concreta di come sia stata ornata una melodia. Un'altra particolarità è la totale assenza di figurazioni del basso continuo.
Barbarino cerca sempre un'interpretazione espressiva del testo con la sua musica, che cerca di esprimere con l'aiuto di elementi della teoria delle figure, ritmi lombardi e movimenti cromatici per enfatizzare il pathos di particolari parole come paura, miseria, languore o dolcezza.

Sebbene la raccolta sia stata originariamente pensata per soprano o tenore, i mezzosoprani e i baritoni possono rallegrarsi: le monodie sono tutte di gamma media, senza note alte di rilievo e sono facili da cantare anche negli ornamenti per voce media. Tuttavia, se si desidera seguire le versioni ornate, è necessaria una gola abbastanza familiare. La versione semplice e quella ornata sono stampate direttamente una sopra l'altra, in modo da poter passare da una versione all'altra.

Bartolomeo Barbarino, Il secondo libro delli motetti, per soprano (mezzo) o tenore [c'-f''] & b. c., in due volumi a cura di Jolando Scarpa; vol. 1, EW 891; vol. 2, EW 894; € 28,50 ciascuno, Edition Walhall, Magdeburg 2013

Le 27 trascrizioni di Bach per chitarra classica di Martin Hegel sono una raccolta di alcune delle melodie e dei brani più famosi dell'antico maestro. Si va da Aria dal Suite n. 3 per orchestra fino al preludio corale In dulci jubilo L'accento è naturalmente posto sugli arrangiamenti di movimenti per clavicembalo (clavier) o altri strumenti solisti. Questi includono estratti dal Variazioni Goldberg e il Pianoforte ben temperatooltre a sette brani tratti dal libretto musicale per Anna Magdalena Bach. Sono rappresentate anche le suite per violoncello e le sonate e partite per violino solo. Gli unici brani per liuto o opere per liuto sono l'orecchiabile Bourrée in mi minore della prima suite per liuto e la singolare Preludio in re minore BWV 999 (originariamente in do minore) - entrambi con diteggiature notevoli.

Anche l'organo ha una possibilità: non solo con il già citato preludio corale adatto alla chitarra, ma anche con i primi tre minuti del poderoso Toccata in re minore BWV 565, trasposto in mi minore. Trasferire i numerosi registri della Regina degli strumenti alle sei corde della chitarra è di per sé un'impresa piuttosto audace, soprattutto per un brano il cui suono originale è così saldamente ancorato nella coscienza collettiva degli amanti della musica che è impossibile immaginare di suonarlo o ascoltarlo senza. Ma, secondo il curatore Martin Hegel, la musica di Bach "è così ingegnosa e chiaramente strutturata che semplicemente suona bene su qualsiasi strumento".

Gli arrangiamenti di Hegel sono snelli, con diteggiature plausibili, quasi senza legature e, da questo punto di vista, abbastanza fedeli allo stile. Il libretto interesserà meno i puristi, ma ha molto da offrire agli appassionati di Bach che suonano la chitarra. L'edizione è funzionale e curata nei minimi dettagli. Un CD con registrazioni dell'editore è disponibile separatamente.

Bach per chitarra, 27 trascrizioni per chitarra arr. da Martin Hegel, ED 21601, € 14,99, Schott, Mainz 2013

L'archivio della Deutsche Grammophon (DG), acquisita da Universal molto tempo fa, è inesauribile. E queste enormi quantità di registrazioni sembrano essere sopravvissute all'ultimo cambiamento dei media. Perché ora che l'LP è stato messo in disparte, il CD si è lasciato alle spalle i suoi giorni migliori e il DVD/Blu-ray ha generato solo quote marginali nel settore musicale, stanno arrivando i formati virtuali sintetici e onnicomprensivi. E come nel caso del CD, è ancora una volta la Nona Sinfonia di Beethoven a conquistare il mondo della musica classica come misura di tutte le cose via app...

Almeno così sembra una volta scaricato il "giocattolo". Ci sono quattro grandi registrazioni tra cui scegliere come storia sonora dell'interpretazione: Fricsay (1958), Karajan (1963), Bernstein (1979, anche come video) e Gardiner (1992). È possibile fare zapping avanti e indietro, far lampeggiare un modello d'azione graficamente animato dell'orchestra, leggere insieme alla partitura (una copia del 1825, l'edizione Bärenreiter senza voltapagine o una partitura generata da essa).

Fin qui tutto bene, e dopo una fase di tentativi ed errori e alcuni studi approfonditi, l'app finisce in un angolo. Perché? Innanzitutto perché si limita a una sola opera ed è autosufficiente, non permette di inserire voci proprie e, in definitiva, non approfondisce nulla. Ciò è dovuto anche alla "storia" raccontata da David Owen Norris, sia per quanto riguarda lo sfondo (graficamente presentato solo come "deserto di piombo"), sia per le spiegazioni che accompagnano ogni battuta di musica, che oscillano tra l'analisi e l'ermeneutica: "Un momento di morbidezza di nuovo: uno sguardo indietro ... e poi di testa ... prima di tornare alla linea di partenza ... o al prossimo evento emozionante". C'è spazio solo per un altro proverbio: il profano si meraviglia, l'esperto si stupisce.

La Nona Sinfonia di Beethoven, App per iPad / iPhone (versione tedesca) di Touch Press LLP, Esperienza completa iPad Fr. 14.00; iPhone Fr. 6.00

Video dimostrativo

Il libro di corali è stato esposto per l'ultima volta nel 1964 in occasione di una mostra al Festival Bach di Weimar e da allora era considerato perduto. Il libro di corali di Herthum contiene opere per strumenti a tastiera del XVIII secolo per uso cantoriale, tra cui brani di Georg Philipp Telemann.

Durante i lavori di catalogazione presso l'Archivio Musicale di Stato della Turingia, è stata scoperta anche una copia completa della partitura dell'Oratorio di Natale di Bach presso l'Accademia di Musica di Weimar, che potrebbe essere un manoscritto finora menzionato solo in vecchi cataloghi di vendita e che potrebbe provenire dal patrimonio del noto studioso bachiano Franz Hauser (1794-1870).
 

Secondo il team, il rischio per i musicisti è 3,51 volte più alto rispetto alla media delle persone. Sono state prese in considerazione circa tre milioni di segnalazioni. Tra le persone colpite, lo 0,07% erano musicisti professionisti, per un totale di 2227 persone.

Si tratta della più grande indagine mai condotta su questo tema. Dimostra chiaramente che il rischio che i musicisti soffrano di perdita dell'udito o di acufene è molto più alto di quanto si pensasse in precedenza.

Articolo originale:
oem.bmj.com/content/early/2014/03/28/oemed-2014-102172.abstract?sid=71fe1a7f-873b-4abb-ab1c-a38473cc34b4

Alla luce del costante calo delle entrate derivanti dalle registrazioni, l'attività dal vivo è diventata sempre più importante per i musicisti. Ma nessun musicista pop svizzero può vivere di concerti in patria. Di conseguenza, due panel a M4Music hanno discusso se Berlino possa diventare un trampolino di lancio per una carriera internazionale.

Berlino ha un effetto di richiamo, come sa Katja Lucker, commissario per la musica di Berlino. Anche la tedesca del nord è una nuova arrivata. "Berlino è una città incredibilmente varia, dove si può ancora vivere a prezzi accettabili", ha detto Lucker nel discorso introduttivo al panel di m4music. Berlino - La nuova capitale della musica svizzera?

Ueli Häfliger, responsabile musicale di FluxFM, ha spiegato che molti anni fa aveva in mente di diventare responsabile musicale di una radio berlinese. "Sono emigrato per questo sogno". Anche se questo significava mantenersi a galla con lavori part-time per un lungo periodo di tempo. E cosa gli è servito per realizzare la sua ambizione? "Un sacco di grinta", dice l'uomo della Svizzera centrale.

Anche Tobias Jundt, cantante del collettivo Bonaparte, ha elogiato i vantaggi della capitale tedesca: "A Berlino si può essere attivi a livello internazionale senza mai lasciare la città". Ma naturalmente bisogna sforzarsi di trovare il proprio posto nella metropoli. Il metodo di Jundt è stato quello di girovagare per Berlino alla ricerca di un luogo che lo attraesse. Non appena l'ha fatto, ha suonato spontaneamente il campanello della sua casa preferita. E con successo: l'uomo di Berna ha ottenuto un contratto di locazione.

A differenza di Tobias Jundt, Eveline Fink, DJ e cofondatrice di Enough Music, non è ancora in grado di vivere delle sue attività musicali. "Sono stata catturata dalla leggerezza della città", afferma entusiasta, ma ammette anche che all'inizio del suo soggiorno a Berlino ha avuto molti problemi con il tono duro della gente del posto. "È bello sapere che Berlino può essere piuttosto brutta", aggiunge Tobias Jundt.

Il musicista jazz Stefan Rusconi ha dato una motivazione molto semplice per il suo trasferimento a Berlino: "A Zurigo non mi piaceva più". È per questo che ora vive nella capitale tedesca, va spesso a fare passeggiate - per trovare ispirazione - e ha aperto un suo studio. Ma non per tutti è così - relativamente - facile. Katja Lucker ha sottolineato: "Berlino non è un palcoscenico per il fallimento". Molti vengono in città, ma solo pochissimi hanno successo.

Nuove strategie di esportazione

Poco prima che Tim Renner, manager musicale di fama internazionale, diventasse Segretario di Stato per gli Affari Culturali a Berlino, ha partecipato a diverse tavole rotonde su temi come Strategie di esportazione per etichette indie, management di artisti e band fai-da-te. In qualità di rappresentante della giuria che ha assegnato il premio per la promozione delle etichette del Percento culturale Migros, Renner ha dichiarato: "Un'etichetta dovrebbe sempre avere un'identità chiaramente riconoscibile". La giuria ha anche prestato attenzione al fatto che il lavoro di un'etichetta riflettesse i cambiamenti dei media e che qualcosa come una strategia di esportazione fosse riconoscibile.

Oliver Jmfeld di YES Music, manager di DJ Bobo dal 1989, ha parlato degli inizi della sua azienda e di come lui e il suo cliente abbiano inizialmente navigato sotto la bandiera della musica britannica. "Allora come oggi, nessuno aspetta una band o un'etichetta dalla Svizzera". Dieci anni fa, DJ Bobo avrebbe generato 70% del suo fatturato attraverso i supporti audio, ma oggi questi rappresenterebbero solo 10%. "Il resto è costituito dagli introiti dei concerti, dal marchio DJ Bobo e dalle attività accessorie".

Alla domanda del moderatore Jean Zuber, amministratore delegato di Swiss Music Export, su cosa debbano offrire le giovani etichette per affermarsi sul mercato, sia Jmfeld che René Renner, direttore di Metropolis Artist Management, hanno risposto: "Devono avere molta forza di resistenza".

La 18ª edizione di M4Music si svolgerà dal 26 al 28 marzo 2015.

www.m4music.ch

La prima parte della relazione su m4music di Markus Ganz è stata pubblicata sul sito Giornale musicale svizzero 5/2014, nonché i suoi commenti sulla legge sul copyright.

Pochi amici della musica antica avranno sentito il titolo dell'opera annunciata: Fontana d'Israele. L'opera fu scritta dal Thomaskantor di Lipsia Johann Hermann Schein, che la fece stampare nel 1623. Si tratta di una raccolta di composizioni a cinque parti per ensemble vocale e basso continuo. I testi sono tratti dall'Antico Testamento, principalmente dai Salmi, e formulano una saggezza sulla vita e sulla morte e sul rapporto tra l'uomo e Dio in un linguaggio ricco di immagini. Stilisticamente, il ciclo si muove tra la tradizione del madrigale e quella del mottetto.

Interpretazione emotiva
Gli Angeli Genève, sotto la direzione del suo fondatore Stephan MacLeod, hanno tolto la polvere da un'opera che ha fatto epoca. Nella chiesa di San Pietro di Zurigo, l'ensemble ha realizzato una brillante interpretazione del ciclo, leggermente abbreviato. MacLeod, che cantava lui stesso come basso, formava un quintetto molto espressivo insieme ai soprani Dorothee Mields e Monika Mauch e ai tenori Robert Getchell e Georg Poplutz, accompagnati dall'arpista Giovanna Pessi, dal violoncellista Hager Hanana e dall'organista François Guerrier al suo organo a cassa. Tutti e cinque i cantanti sono riconosciuti specialisti della musica antica e hanno coltivato un suono diretto ma emotivamente penetrante. Il testo è stato eccezionale, catturando sia il significato che lo stato d'animo di questi testi biblici. Chi semina con lacrime raccoglierà con gioia è il terzo dei 26 brani. Le linee cromatiche espressive delle "Lacrime" e i ritmi saltellanti delle "Gioie" hanno sottolineato questo contenuto in modo molto diretto. Gli Angeli Genève non sono davvero un ensemble anemico; la loro interpretazione sentita, che ama operare anche con colori forti, ha suscitato grande entusiasmo tra il pubblico.

L'Orchestra di Fischermanns è diretta da Thomas Reist ed è una delle rare formazioni di grandi dimensioni della Svizzera centrale. Esiste dal 2007 ed è in tournée in tutta Europa. Secondo la sua stessa descrizione, la musica dell'ensemble è "plasmata dai suoi musicisti, che elaborano le loro esperienze da paesi lontani come il Sud America e l'Africa e sperimentano anche forme contemporanee di improvvisazione".

Il premio è stato assegnato da una giuria di quattro esperti presieduta da Hans-Peter Pfammatter, pianista e docente presso l'Università di Scienze Applicate e Arti di Lucerna. 

L'Associazione Scuola di Jazz di Lucerna (VJSL) ha istituito il Premio Lucerna Jazz nel 2012 in occasione del suo 40° anniversario. Il premio premia un progetto, un'organizzazione, un'etichetta, una band o un singolo musicista innovativo e creativo legato alla regione di Lucerna.

Il forum "Perspectives on musical learning and teaching in old age", tenutosi il 29 marzo a Berna, è stato l'evento di avvio del CAS "Musical learning in old age" offerto alla HKB, che entrerà nel suo secondo ciclo nell'autunno 2014. In termini di densità di informazioni fornite, questo corso intensivo ha avuto un alto valore di formazione continua.
Secondo una recente ricerca, la plasticità neuronale continua anche in età avanzata. Ciò può essere ora dimostrato senza ombra di dubbio grazie all'utilizzo di scanner cerebrali. Il pregiudizio a lungo sostenuto secondo cui le persone anziane non possono più imparare nulla di nuovo è stato quindi definitivamente invalidato. Questo è particolarmente vero quando si tratta di imparare uno strumento. La domanda nel segmento di insegnamento oltre i 50 anni è in aumento e i dati demografici suggeriscono che questo sarà probabilmente un mercato in crescita: una ragione sufficiente per esaminare più da vicino la questione dal punto di vista scientifico.

Non è mai troppo tardi
"L'apprendimento lungo tutto l'arco della vita è possibile", hanno sottolineato le due ospiti Regula Stibi, direttrice del dipartimento di formazione continua della HKB, e Corinne Holtz, responsabile del programma CAS "Apprendimento musicale in età avanzata". Hanno accolto un gruppo di partecipanti interessati e impegnati e quattro ospiti.
Eckhart Altenmüller, professore di fisiologia musicale presso l'Università di musica, teatro e media di Hannover, ha spiegato l'effetto della musica sul cervello e lo ha dimostrato con immagini di cervelli scannerizzati. Quando una persona inizia a fare musica, regioni del cervello precedentemente non collegate vengono presto ricollegate e le corde nervose si espandono. È stato dimostrato che la stimolazione del centro uditivo durante le attività musicali ha effetti positivi sulla competenza emotiva e sociale, sull'acquisizione del linguaggio e sui processi cognitivi. Questo vale anche per le persone anziane e molto anziane. Inoltre, si dice che fare musica regolarmente abbia un effetto curativo o preventivo: Tra l'altro, fare musica permette di sviluppare una "riserva cognitiva" che può ritardare in modo significativo l'insorgere della demenza. Sebbene il cervello si restringa con l'età, conserva la capacità di adattarsi attraverso la riorganizzazione, di compensare le abilità perse e di trovare nuove strategie. Ciò è particolarmente importante in professioni complesse come quelle di insegnanti, terapisti, musicisti e medici.

Le radici dello shakuhachi sono sconosciute Lo strumento è originario della Cina e, secondo la leggenda, giunse in Giappone nel XIII o XIV secolo, dove inizialmente era suonato da monaci mendicanti organizzati in modo non ufficiale. Dopo i disordini delle guerre civili alla fine del XVI secolo, questi monaci formarono un ordine che trae le sue origini dal maestro cinese Zen Fuke e il cui simbolo divenne lo shakuhachi. In seguito, tuttavia, si verificò uno sviluppo unico: i monaci Fuke si dedicarono intensamente allo strumento e crearono una forma unica di pratica meditativa incentrata sul respiro e sul suono. Poiché il respiro è di importanza centrale negli esercizi di meditazione, suonare lo shakuhachi serve a dirigere e controllare il respiro. La musica viene suonata con questo spirito. Questa pratica portava a una musica molto complessa, ma era considerata un "esercizio spirituale in toni". Per questo motivo non veniva suonata nei concerti e gli estranei non avrebbero mai sentito i brani ("honkyoku" - la "musica vera e propria"). Si creò così, in isolamento dalla società, una musica molto particolare, che si basava su scale, ritmi e forme giapponesi, ma che appariva stranamente trasformata e portata all'estremo: una musica che si impegnava solo sul respiro e sulle ricche possibilità tonali dello strumento e che non aveva alcun riguardo per i gusti di un pubblico che comunque non esisteva - in altre parole, una musica veramente assoluta.

Le differenze tra i Paesi dell'Asia e dell'Occidente vengono ripetutamente sottolineate e, naturalmente, si manifestano anche nella musica. Ma per quanto diverse possano essere le condizioni in cui la musica viene creata, e per quanto diverse e strane possano essere le composizioni, l'honkyoku può stare da solo, e non può che essere un arricchimento per ogni musicista serio nella sua professione lasciare i sentieri battuti e avventurarsi in un nuovo territorio. Quando poi si guarderà indietro, la sua visione sarà nuova e fresca.

Più di trent'anni fa, Andreas Gutzwiller è stato il primo a portare la tradizione del flauto di bambù shakuhachi dal Giappone all'Europa e ha iniziato a insegnare presso l'Istituto di Musica Extraeuropea dell'Accademia di Musica di Basilea. È grazie alla sua iniziativa che cinque dei suoi studenti a Basilea, Zurigo e Lucerna stanno ora continuando questo lavoro. Otto anni fa, l'associazione Chikuyusha.ch Società Shakuhachi Svizzera (www.chikuyusha.ch) è stato fondato per riunire le diverse tradizioni di questo strumento (Ginevra è stata aggiunta come sede di insegnamento), per rivitalizzare i contatti tra i suonatori e per offrire corsi che completino le lezioni strumentali e promuovano l'interazione con gli strumenti a corda shamisen e koto. Questo offre un'opportunità concreta non solo di leggere sulla musica giapponese e, se necessario, di ascoltarla, ma anche di prendere in mano uno strumento e conoscerlo.