Per conto della Konzerthaus Dortmund, l'Istituto Fraunhofer Heinrich Hertz di Goslar e l'azienda di tecnologia di misurazione ParteQ hanno analizzato sperimentalmente la dispersione spaziale di aerosol e CO2 in una sala da concerto. Lo studio è stato condotto in collaborazione con l'Agenzia federale per l'ambiente e con esperti di igiene. Si tratta del primo studio pubblicato con l'obiettivo di ottenere dati sperimentali per valutare il potenziale rischio di infezione da coronavirus durante le visite alle sale da concerto.

Sono state effettuate misurazioni approfondite nell'auditorium e nei foyer della sala concerti il 2/3 e il 20 novembre 2020. Le analisi dei test sperimentali dimostrano che il rischio di trasmissione di infezioni attraverso l'aerosol può essere praticamente escluso, soprattutto nell'auditorium nelle condizioni date. In particolare, il sistema di ventilazione centrale esistente e l'uso di una maschera facciale riducono notevolmente l'esposizione all'aerosol e alla CO2, il che significa che sarebbe teoricamente possibile riempire l'auditorium al massimo.

Tuttavia, tenendo conto delle vie d'accesso e dei foyer, si raccomanda uno schema di posti a sedere a scacchiera, ovvero il 50% della capacità della sala. Oltre a risultati concreti per una visita alla Konzerthaus Dortmund, lo studio può essere utilizzato anche per fare delle affermazioni per altre sale da concerto o teatri di dimensioni simili.

Articolo originale: https://www.konzerthaus-dortmund.de/aerosolstudie/

L'analisi speciale di GfK Entertainment in collaborazione con l'Associazione tedesca dell'industria musicale (BVMI) mostra anche che il numero totale di visualizzazioni in streaming dall'inizio della raccolta dati nel 2013 ammonta a 457 miliardi. L'analisi speciale si basa sui flussi musicali a pagamento e basati su annunci pubblicitari della durata di 31 secondi o più.

Nella categoria "canzone più ascoltata in 24 ore", "All I Want For Christmas Is You" di Mariah Carey ha superato il suo stesso record dell'anno precedente (3,2 milioni) con 4,5 milioni di clic il 24 dicembre 2020. "Last Christmas" degli Wham! è ora al secondo posto con 4,2 milioni di stream. Complessivamente, i brani natalizi occupano l'intera top 5 dell'analisi e sono responsabili di otto dei dieci brani più streammati in un giorno.

Per l'anno in corso il Cantone mette a disposizione circa 460.000 franchi per sostenere gli artisti e i professionisti della cultura che sono stati duramente colpiti dalla pandemia di coronavirus. Ciò significa che, rispetto agli anni precedenti, sono disponibili 200.000 franchi in più per le borse lavoro. Una parte del credito è ora riservata anche ai contributi pensionistici del 2° e 3° pilastro.

Gli artisti creativi possono richiedere una borsa di lavoro di 10.000, 20.000 o 30.000 franchi. È inoltre possibile presentare un'idea di perfezionamento individuale, che può comprendere una residenza specifica o uno stage. Un altro strumento di finanziamento sono le residenze negli appartamenti studio di Roma e Berlino. Quest'ultimo è reso possibile dalla collaborazione con l'Ufficio Cultura del Principato del Liechtenstein. A Roma l'appartamento è disponibile per due periodi di tre mesi e a Berlino per un periodo di tre mesi.

L'Ufficio per la cultura organizza una serata informativa in collaborazione con l'Ufficio culturale di San Gallo e il dipartimento di promozione culturale della città di San Gallo. La serata è gratuita e si terrà via Skype. Le iscrizioni sono accettate qui: www.kulturbuero.ch/sg/laden/beratung.

Vincitore del Concours Musical International de Montréal 2017 e destinatario della Borletti-Buitoni Trust Fellowship 2016, Zoltán Fejérvári si è esibito in tutta l'America e l'Europa, tra cui la Carnegie Hall, la canadese Place des Arts, il Gasteig di Monaco di Baviera, il Lingotto di Torino, il Palau de Música di Valencia e la Biblioteca Nacional de Buenos Aires.

Si è esibito come solista con la Budapest Festival Orchestra, l'Orchestra Nazionale Ungherese, l'Orchestra da Camera di Verbier e Concerto Budapest e ha lavorato con direttori come Iván Fischer, Gábor Tákács-Nagy, Ken-Ichiro Kobayashi e Zoltán Kocsis. La sua ultima registrazione, Schumann, è stata pubblicata nel maggio 2020 dall'etichetta Atma Classique.

Secondo il comunicato stampa del governo federale, è già prevedibile che il numero di casi non diminuirà in modo significativo e duraturo nelle prossime settimane. Il Consiglio federale ipotizza quindi che le misure adottate il 18 dicembre 2020 dovranno rimanere in vigore oltre il 22 gennaio 2021.

Propone di prolungare la chiusura di ristoranti e strutture culturali, sportive e ricreative di cinque settimane, fino alla fine di febbraio. In questo modo si intende creare una certezza di pianificazione per le imprese e i lavoratori interessati. Dopo aver consultato i Cantoni, il Consiglio federale prenderà una decisione definitiva sulla proroga e sulla sua durata nella riunione del 13 gennaio. Il 13 gennaio il Consiglio federale deciderà anche su ulteriori misure per mitigare le conseguenze economiche.

Link al comunicato stampa completo:
www.admin.ch/gov/de/start/dokumentation/medienmitteilungen.msg-id-81881.html
 

Andreas Böhlen è un suonatore di flauto dolce dall'ampio spettro. I suoi campi di attività comprendono la musica antica, la musica contemporanea e il jazz. È specializzato nell'improvvisazione in vari stili storici del XVI, XVII e XVIII secolo. Dirige le sue formazioni di musica antica, Theatrum Affectuum e Satyr's Band. È anche membro di varie formazioni di musica da camera in tutta Europa e collabora con rinomate orchestre. È attivo anche come sassofonista jazz.

Carles Cristobal (nato nel 1976) è originario dei pressi di Barcellona e ha iniziato gli studi di fagotto con Joseph Borras presso il Conservatori Professional de Musica de Badalona. Nel 2004 ha conseguito il diploma in musica antica presso la Schola Cantorum Basiliensis con Claude Wassmer e Donna Agrell.
Da allora lavora come fagottista freelance e ha collaborato intensamente con vari ensemble come il Balthasar Neumann Ensemble, Hesperion XXI e Le Concert de Nations, l'Orchestra da Camera di Basilea e l'Orchestra Barocca La Cetra.

Il Master in Esecuzione Musicale Specializzata dell'Università delle Arti di Berna HKB è il più alto livello di formazione musicale classica in Svizzera. Ogni anno vengono assegnati i Premi Eduard Tschumi per i migliori punteggi complessivi. Nell'attuale edizione 2020, la flautista Johanna Schwarzl nella specializzazione "Music in Context/Music Mediation" e il clarinettista Christian Spitzenstätter nella specializzazione "Soloist" hanno vinto un premio di 6.000 franchi svizzeri ciascuno.

Nel suo progetto educativo "L'ultimo mugnaio", Johanna Schwarzl, insieme ai cori maschili Büren zum Hof e Kirchberg, ha eseguito una versione di "Die Schöne Müllerin" di Schubert che ha adattato in un vecchio mulino di Kirchberg.

Nel concerto da solista, accompagnato dall'Orchestra Sinfonica di Biel Solothurn, Christian Spitzenstätter ha interpretato una sua composizione, in cui ha incorporato i suoi modelli musicali provenienti da generi contrastanti del XX secolo non solo come clarinettista basso, ma anche come sassofonista. Ha continuato il suo recital nella Reithalle di Berna come installazione concertistica con prime mondiali e un gruppo di ottoni folk.

Con il sostegno della Fondazione Bürgi-Willert, i due musicisti avranno ora anche l'opportunità di esibirsi in musica da camera o come solisti nel programma stagionale dell'Orchestra Sinfonica di Berna.

Christian Spitzenstätter. Foto: Peter Kraut

Nonostante lo sconvolgimento digitale dei media musicali e degli e-book, si è registrata una grande stabilità anche nell'ascolto privato di musica e nella lettura di libri, scrive l'Ufficio federale. Al contrario, il numero di visite ai festival è aumentato di quasi 10 punti percentuali nel 2019 rispetto al 2014.

Per quanto riguarda la musica, i concerti di musica pop o rock sono stati i più popolari nel 2019 (29%), seguiti da concerti di musica classica e opera (25%) e da concerti di musica popolare svizzera o di bande di ottoni (21%).

Come nel 2014, circa il 96% della popolazione ascolta musica privatamente. In termini di supporti di memorizzazione del suono, colpisce il calo dell'uso di CD/DVD, passato dal 74% del 2014 al 53% del 2019. Anche la tendenza dei dispositivi MP3 è in netto calo, passando dal 41% al 23%. Nel 2019, la maggior parte della musica è stata ancora ascoltata via radio o TV (89%), mentre il 64% ha ascoltato musica su un telefono cellulare (2014: 45%, +19 punti percentuali) e il 54% su un computer.

Per saperne di più:
https://www.bfs.admin.ch/bfs/de/home/aktuell/neue-veroeffentlichungen.assetdetail.15044378.html

Finale. Stranamente, dopo sole 26 battute di improvvisazione pianistica all'Allegro del Fantasia corale. Inoltre, l'orchestra deve entrare solo su segnale del pianista (Qui si dà un segno all' orchestra o al direttore di musica). Seguono ben 586 battute. Gli archi entrano con una linea di marcia come da lontano e si avvicinano in un crescendo, corni e oboi si scambiano brevi motivi di richiamo con un effetto di eco, prima che il pianoforte introduca una melodia che Beethoven ha preso in prestito da se stesso - dalla canzone composta nel 1794/95 Amore in cambio (WoO 118). È il tema delle variazioni successive, in cui i singoli strumenti a fiato vengono introdotti gradualmente in modo quasi cameristico: Flauto, oboi, clarinetti con fagotto, poi i leader della sezione d'archi come quartetto, infine il tutti e poi solisti e coro.

Quest'opera particolare, che ancora oggi occasionalmente divide le opinioni, fu l'ultimo punto del programma della grande accademia di Beethoven al Theater an der Wien il 22 dicembre 1808 - il coronamento di una lunga serata che aveva già incluso la quinta e la sesta sinfonia, parti della Messa in do maggiore, l'aria Ah perfido, il Concerto per pianoforte e orchestra n. 4 e una fantasia per pianoforte non scritta. L'idea di Beethoven di unire le forze di tutti gli esecutori è evidente anche nella nota di programma, che annuncia l'opera come "Fantasia al pianoforte, che si sviluppa gradualmente con l'ingresso dell'orchestra e infine con l'ingresso dei cori come finale". ! fine".

Johann Friedrich Reichardt fu invitato a trascorrere la serata nel palco del principe Lobkowitz e registrò le sue impressioni nel libro "La vita di Lobkowitz". Lettere familiari scritte durante un viaggio a Vienna (1810). Anche lui fu sorpreso dalla composizione, ma l'esecuzione dovette essere annullata e riprogrammata dopo un'iscrizione imprecisa. La struttura di fondo, che rifletteva l'intera serata, andò così persa di vista: "Undicesimo pezzo: una lunga fantasia in cui Beethoven mostrò la sua completa maestria, e infine, alla fine, un'altra fantasia, a cui si unì presto l'orchestra e infine anche il coro. Questa strana idea fallì nella sua esecuzione a causa di una confusione così totale nell'orchestra che Beethoven, nel suo sacro fervore artistico, non pensò più a un pubblico o a un luogo, ma chiese di fermarsi e ricominciare dall'inizio. Potete immaginare come ho sofferto insieme a tutti i suoi amici".

Tuttavia, la composizione, scritta in fretta e furia, non solo non era stata provata a sufficienza. Piuttosto, l'intero concerto, durato quattro ore, aveva stremato sia i musicisti che gli ascoltatori, come riferisce Reichardt: "Abbiamo resistito al freddo pungente dalle sei e mezza alle dieci e mezza, e abbiamo scoperto che è facile avere troppo di una cosa buona - e ancora di più, troppo di una cosa forte". E così, alla fine, quei versi programmatici con i quali la Fantasia corale brillante ed enfatico in Do maggiore: "Accettate dunque, anime belle, / volentieri i doni della bella arte, / quando amore e forza si uniscono, / valgono il favore degli dei".

Link alla homepage del progetto "52 x Beethoven"

L'evento è nato da una collaborazione tra la Hochschule der Künste di Berna e il Conservatorio della Svizzera italiana di Lugano, con il supporto scientifico della Beethoven-Haus di Bonn e della Società Italiana di Musicologia. Circa 170 i partecipanti che si sono riuniti online per seguire le relazioni dei 18 studiosi (ed esecutori) tra i maggiori esperti del pianismo beethoveniano nel panorama internazionale.

Filologia, contesto e prassi esecutiva: queste tre discipline hanno prodotto innumerevoli studi sulle opere pianistiche di Beethoven, a partire dal periodo immediatamente successivo alla morte del compositore fino ai giorni nostri. Nonostante la qualità e la quantità dei contributi, questa letteratura presenta ancora numerose zone di ambiguità, la cui comprensione è attualmente limitata.

Negli ultimi anni, un approccio particolare ha contribuito a portare alla luce importanti dettagli sull'interpretazione del repertorio classico. L'attenzione è rivolta alla ricerca artistica, come hanno sottolineato Thomas Gartmann, direttore del dipartimento di ricerca della HKB, e Christoph Brenner (direttore del CSI); l'unificazione della ricerca scientifica e artistica può giocare un ruolo fondamentale anche nell'interpretazione di un testo musicale, offrendo una ricchezza di nuove e interessanti prospettive.

Gli interventi del convegno hanno indagato: i cambiamenti socio-culturali che hanno segnato la diffusione e circolazione delle edizioni musicali di Beethoven; l'evoluzione della notazione musicale, che da quella "essenziale" del periodo Classico si muoveva verso un maggior grado di specificità; la rapida e diversificata evoluzione organologica del pianoforte, che ha offerto al compositore nuove possibilità espressive. Due concerti nell'Aula Magna del CSI - trasmessi in diretta streaming - hanno inoltre rappresentato la dimostrazione sonora della fusione tra ricerca scientifica e pratica musicale. Nel primo, la fortepianista Olga Pashchenko ha proposto un'esecuzione di un programma interamente dedicato a Beethoven ed eseguito su due diversi pianoforti storici. A seguire, lo Ensemble Zefiro e il pianoforte storico di Leonardo Miucci (anch'egli referente della conferenza), hanno invece accostato il Quintetto op. 16 di Beethoven a quello KV 452 di Mozart, invitandoci a cogliere le lunga durata mozartiane nelle opere giovanili beethoveniane.

Uno degli argomenti più discussi durante i quattordici giorni della conferenza è stato lo stretto rapporto tra notazione musicale ed esecuzione. Lo studio di tutto ciò che il compositore si aspettava fosse implicitamente comunicato all'esecutore nella tradizione del testo musicale, è il punto focale dell'intervento di Clive Brown (Universität für Musik und darstellende Kunst di Vienna). "Leggere attraverso le righe", spiega, significa non solo ricostruire le indicazioni implicite nei testi musicali, ma anche comprendere la casistica in cui fosse legittima, e anche prevista, una "deviazione" dal testo stesso. Le ornamentazioni improvvisate, l'arpeggio di accordi, l'uso della flessibilità ritmica e del tempo rubato: questi alcuni tra i mezzi espressivi che il pianista, una volta acquisita una "corretta" interpretazione della notazione, potrà sfruttare al fine di produrre una "bella" esecuzione.

Anche Sandra Rosenblum, autrice di Prassi esecutive nella musica pianistica dell'epoca Classica (1991), si sofferma sul significato del testo musicale. Prendendo in esame differenti edizioni del Quintetto op. 16 per pianoforte e strumenti a fiato di Beethoven, la ricercatrice ci mostra come, nei primi anni dell'Ottocento, esse presentassero talvolta contenuti variabili: dalla collocazione delle indicazioni di pedale fino ad un uso indifferenziato dei segni di articolazione e dinamica. Al fine di comprendere se queste differenze fossero dovute a precise intenzioni esecutive o a semplici ragioni commerciali, le singole varianti necessitano di essere analizzate alla luce delle singole pratiche di commercio editoriale.

È ancora la contestualizzazione delle prassi esecutive, compositive e notazionali a dare spazio ai successivi tre interventi: Neal Peres da Costa (Sydney University) si occupa della pratica non scritta di "arpeggiare" gli accordi nella musica pianistica di Beethoven; Dorian Komanoff Bandy (McGill University di Montreal) si sofferma sulla trasformazione nell'uso degli abbellimenti melodici; Marten Noorduin (Oxford University) mostra l'evoluzione di segni di espressione come dolce o calando durante il corso della vita del compositore. Claudio Bacciagaluppi (HKB) inoltre consegna un'interessante prospettiva sulla storia della ricezione beethoveniana attraverso il contributo dell'editore svizzero Hans Georg Nägeli.

Tornando al significato del testo musicale, Yew Choong Cheong (UCSI University Institute of Music di Kuala Lumpur) e Leonardo Miucci (HKB) propongono due interventi interconnessi. Il primo introduce la complessa casistica in cui una certa flessibilità di tempo e ritmo fossero implicati nei segni di dinamica e di accentuazione, il secondo, si concentra sulle istanze particolari in cui Beethoven sembrerebbe comunicare intenzioni agogiche attraverso indicazioni di crescendo e diminuendo. Un altro brillante contributo sulla relazione tra notazione e prassi esecutiva è quello di Siân Derry (Royal Birmingham Conservatoire), che ci consegna una nuova e convincente prospettiva su di un dibattito di lunga data. La ricercatrice affronta la figurazione con note unite da legature di valore e diteggiatura differenziata (si vedono gli esempi dell'op. 106 e il recitativo dell'op. 110). Prendendo ad esame uno schizzo di Beethoven datato circa 1790, la studiosa e pianista ricostruisce l'influsso di una particolare tecnica esecutiva per strumenti ad arco, il cosiddetto "tremolo ondulé", sull'immaginario pianistico del compositore. Egli ne avrebbe infatti ripreso il significato espressivo, dispiegandolo nel linguaggio pianistico tramite l'aggiunta di diteggiature peculiari. Gli schizzi sono nuovamente una tematica cruciale nella presentazione di Susanne Cox (Beethoven-Haus Bonn), che concentra la sua attenzione sul concetto beethoveniano di "opera" attraverso le fonti manoscritte. Christine Siegert (attuale direttrice dell'Archivio Beethoven e della casa editrice Beethoven-Haus) parlerà anche dell'evoluzione dello stile compositivo del compositore che, animato dalla ricerca di un linguaggio pianistico individuale, ha ricevuto un discorso vivace dai canoni estetici del brillante pianismo viennese e dalla tradizione mozartiana.

L'indagine di Michael Ladenburger (ex direttore del museo e custode della collezione della Beethoven-Haus di Bonn) ci catapulta in una dimensione differente, e cioè nelle botteghe dei costruttori di strumenti nella Bonn degli anni 1770, le cui tastiere hanno influenzato e ispirato l'attività del giovane Beethoven. In quegli anni i pianoforti si evolvevano con estrema rapidità; i loro costruttori non solo producevano un numero sempre maggiore di strumenti, ma sperimentavano anche costantemente con questi, creando, anche in una stessa città, esemplari completamente diversi tra loro sia per costruzione che per possibilità espressive. La comprensione dell'influsso di queste caratteristiche sonore e costruttive sulle prassi esecutive e compositive di Beethoven è quindi stata una tematica molto presente nel convegno. Della risposta compositiva alla graduale estensione della tastiera (che partiva dalle cinque ottave), ha parlato Martin Skamletz, direttore dell'orchestra di Beethoven.Interpretazione dell'Istituton della HKB. Una riflessione necessaria per i musicisti specializzati su strumenti storici ma ancora importante per i pianisti di oggi che, nonostante la relativa standardizzazione dello strumento moderno, affrontano ancora la necessità di adattarsi ad un tasto leggermente più pesante o, nel caso di alcuni nuovi modelli della Bösendorfer, la possibilità di sfruttare o meno un'estensione maggiore della tastiera.

Passando al periodo viennese, Robert Adelson mette fine alle controversie sul presunto acquisto da parte di Beethoven del pianoforte francese Érard. Portando all'attenzione nuovi e inconfutabili documenti, Adelson conferma la teoria del regalo da parte del costruttore e specula che, piuttosto che un riconoscimento della sua fama, esso potesse far parte di un più vasto accordo editoriale con la ditta. Il fortepianista Tom Beghin continua il discorso sulle caratteristiche costruttive e sulle qualità sonore dello strumento francese, facendone un uso immaginativo al fine di sviluppare nuove idee nella sua pratica allo strumento.

Una particolare caratteristica di alcuni pianoforti del costruttore Anton Walter, i cui strumenti Beethoven aveva posseduto ed apprezzato a Vienna, è invece spiegata e dimostrata dallo studioso e tastierista Tilman Skowroneck. Il ricercatore si sofferma sul funzionamento del cosiddetto "split damper pedal", un dettaglio costruttivo che aveva già anticipato nel suo volume Beethoven il pianista (2010). Il meccanismo permette di sollevare solo gli smorzatori delle corde nel registro acuto della tastiera, alternativamente all'intera casa degli smorzi, tramite una separazione (o "split") nel pedale stesso - in questo caso una ginocchiera. Tornando sul piano notazionale, Barry Cooper (University of Manchester) propone un'analisi dei segni di pedale negli autografi, negli schizzi ed edizioni a stampa beethoveniane. Autore di diversi libri monografici sul compositore e curatore di un'edizione pratico-interpretativa delle 35 Sonate, lo studioso si chiede infine quanto siano affidabili le moderne edizioni musicali nel rappresentare con esattezza le posizioni originali dei segni di pedale. Quale sarebbe, inoltre, il significato di queste indicazioni realizzate su pianoforti moderni e con una tecnica pianistica moderna? Quest'ultima provocazione, posta dallo studioso Mario Aschauer (University of Texas a Huntsville), suona più come una domanda retorica all'interno del suo contributo. L'invito ai curatori moderni è quello di presentare in modo intelligente le ambiguità insite nei caratteri musicali, in modo che possano fornire indicazioni sul mondo e sul pensiero di Beethoven. Questa ricerca ultima ha animato anche la tavola rotonda che ha concluso il convegno, mediata dal curatore e direttore della casa editrice Bärenreiter, Douglas Woodfull-Harris. Quale dovrebbe essere l'atteggiamento dei curatori nella preparazione delle moderne edizioni critiche/urtext? In che misura sarebbe egli inoltre responsabile della consegna, unitamente al testo, delle relative chiavi di lettura?

Sono stati inoltre discussi i limiti e vantaggi dei nuovi formati digitali e introdotti nuovi progetti editoriali riguardanti il genio di Bonn. La discussione si è infine spostata sulla responsabilità dei giovani studenti di musica e dei loro insegnanti, come sottolineato dalla Rosenblum. Con gli strumenti storici, le nuove edizioni critiche e gli studi di prassi esecutiva, possediamo potenti mezzi per la comprensione del linguaggio beethoveniano e del periodo Classico.

Il desiderio che ha animato gli organizzatori del convegno si è ora realizzato. Grazie allo stretto contatto tra studenti di vari settori e artisti, l'evento ha sicuramente ispirato e informato i molti giovani interpreti che vi hanno partecipato.

In quest'ottica, il volume della conferenza (pubblicato dalla casa editrice Argus) è programmato per il 2021.

L'archivio di fonti sulle donne attive nella cultura musicale sarà completato da 34 lettere della cantante Jenny Lind degli anni 1850-1874 e da una trascrizione della canzone "Chanson d'autrefois" della cantante, pianista, insegnante di canto e compositrice Pauline Viardot, proveniente dal patrimonio di Maria Callas. L'acquisizione, per un totale di 18.000 euro, è stata resa possibile dalla Fondazione Mariann Steegmann.

Finora era sopravvissuta solo una copia dell'ambientazione di un testo di Victor Hugo, anch'esso apparso a stampa alla fine del XIX secolo, di mano straniera. Il fatto che ora sia disponibile anche un autografo del compositore, acquisito dalla Fmg, può quindi essere definito un particolare colpo di fortuna. Un altro punto di forza è la provenienza della copia: Proviene dalla proprietà di uno dei più importanti soprani del XX secolo: Maria Callas.

Articolo originale:
https://www.hmtm-hannover.de/de/aktuelles/meldungen/archiv/2020/dezember/artikel/wertvolle-neuzugaenge-im-archiv-des-forschungszentrums-musik-und-gender-verloren-geglaubte-briefe-d/

Dalla fine di ottobre, il Consiglio federale ha ordinato un graduale inasprimento dell'ordinanza Covid-19 a causa dello sviluppo epidemiologico sfavorevole, che sta avendo un grave impatto sul settore culturale. I professionisti della cultura, le imprese culturali e le associazioni culturali del settore non professionale si trovano ancora una volta ad affrontare una situazione che minaccia la loro stessa esistenza.

In questo contesto, il Consiglio federale ha deciso di sostenere gli operatori culturali più di prima. In particolare, sarà reintrodotto lo strumento della compensazione delle perdite per i professionisti della cultura. Inoltre, saranno aumentati i limiti di reddito e di patrimonio entro i quali i professionisti della cultura hanno diritto ad aiuti di emergenza. Inoltre, i progetti di trasformazione delle imprese culturali possono ora essere sostenuti con un aiuto finanziario fino all'80% (in precedenza il massimo era il 60%).

Il software Muscat è stato scelto dalla comunità internazionale RISM come strumento standard per la catalogazione mondiale delle fonti musicali storiche. Di conseguenza, il personale del centro svizzero è ora responsabile anche dell'installazione e della gestione di Muscat sui server della Staatsbibliothek zu Berlin - Preussischer Kulturbesitz.

L'esperienza svizzera è evidente anche nello sviluppo di altri programmi, come lo strumento di notazione Verovio. Ciò conferisce al centro svizzero una posizione di rilievo nella comunità RISM a livello internazionale. L'associazione e il centro saranno quindi rinominati nel gennaio 2021. "Centro digitale RISM".

Il cambio di nome è sostenuto sia dall'Associazione internazionale RISM che dal Fondo Nazionale Svizzero per la Ricerca Scientifica. Quest'ultimo sostiene RISM Svizzera come organizzazione infrastrutturale da diversi anni. All'interfaccia tra discipline umanistiche e tecnologiche, con un legame diretto con la cultura musicale svizzera, il progetto è un ottimo esempio di impresa umanistica digitale.

Per i musicisti è importante pensare alla pianificazione patrimoniale fin dall'inizio della loro carriera. Florian Schmidt-Gabian, autore dell'opuscolo Pianificazione patrimoniale per i musicisticonvinto.

L'opuscolo è la prima pubblicazione della serie Pianificazione patrimoniale per ... del 2019 fondato Centro per i lasciti artistici (ZKN). Introduce la terminologia, spiega le fasi della pianificazione, chiarisce le questioni finanziarie e legali e delinea lo sviluppo e l'attuazione di una strategia successoria.

L'opuscolo di 20 pagine può essere richiesto allo ZKN:

- per 18 franchi (spese postali incluse) in edizione stampata da broschuere@zkn.ch 

- o scaricabile gratuitamente in formato PDF dal sito web della ZKN - Link alla brochure
 

Buon compleanno signor Beethoven! Cosa direbbe il maestro se venisse a conoscenza di tutti i concerti e i festival, i congressi e le conferenze celebrative previste in suo onore per il 2020? Probabilmente si stupirebbe della serietà con cui i posteri stanno celebrando il suo 250° compleanno, o meglio il 250° anno della sua nascita. Perché la data esatta in cui il piccolo Ludwig vide la luce rimane un mistero. L'unica certezza è l'iscrizione nel registro dei battesimi di San Remigio a Bonn il 17 dicembre 1770.

È molto probabile che sia nato il giorno prima, il 16 dicembre; a causa dell'alto tasso di mortalità infantile dell'epoca, di solito i battesimi si tenevano immediatamente il giorno successivo. Probabilmente Beethoven stesso considerava il 16 come il giorno del suo compleanno e questo era noto anche alla sua cerchia ristretta. Lo testimonia una lettera di Johann Georg Albrechtsberger, che il 15 dicembre 1795 scrive espressamente alla "Il festival dei nomi di domani" si congratulò con lei, ma naturalmente si riferiva al suo compleanno.

Ciò che stupisce, tuttavia, è che Beethoven non fu a lungo chiaro sul suo anno di nascita, il che significa che la sua età non era esattamente certa: suo padre lo aveva annunciato come più giovane di due anni alle sue prime apparizioni pubbliche (1778 come età di "6 anni") - un'annotazione che continuò negli anni successivi e che era ancora abbastanza comune nel XIX secolo. Dopo aver richiesto una copia del registro dei battesimi a Bonn nella primavera del 1810 (il registro di famiglia era andato perduto), Beethoven ha persino corretto "1770" in "1772". L'errore deve essere stato risolto negli anni successivi; in ogni caso, l'età corretta è riportata nel necrologio.

Tuttavia, è improbabile che Beethoven abbia festeggiato un vero e proprio compleanno in qualsiasi anno: Il giorno che oggi è così importante ha acquisito il suo significato solo in un secondo momento, quando l'onomastico ecclesiastico è stato sostituito dal compleanno laico. A questo proposito, non sorprende che nella musica strumentale di Beethoven si trovi una sola serenata: la Menu Congratulazioni Il WoO 3 fu eseguito per la prima volta il 3 novembre 1822 in occasione di un'ambiziosa serenata all'aperto alla vigilia dell'onomastico di Karl Friedrich Hensler (1759-1825), direttore del teatro Josephstadt.

Questo aspetto è stato discusso anche nel Giornale del Teatro Generale di Vienna ha riferito - anche se con una malintesa nobilitazione del minuetto: "... Non appena il signor Hensler è entrato nel suo appartamento, sotto le finestre della strada è iniziata la bellissima ouverture del Kapellmeister Prof. Drechsler, eseguita dall'intera orchestra. ..., A questo è seguito un concerto per flauto ottimamente eseguito, seguito da un'ottima ouverture del signor Kapellmeister Gläser e infine da una sinfonia meravigliosamente composta per questa serata da Ludwig van Beethoven. sic". Il concerto si è concluso con una marcia e un coro dall'opera di Mozart Tito con un nuovo testo in evidenza.

Anche se il libro, scritto con mano leggera e pubblicato per la prima volta nel 1832 con il titolo neutro di Allegretto stampato Menu Congratulazioni è probabilmente oggi in gran parte sconosciuto, anche tra gli intenditori, le singole svolte armoniche e la strumentazione rivelano inequivocabilmente il vero maestro.

Registro di battesimo di San Remigio