Nel programma di Bachelor of Arts in Music sono stati conseguiti 61 diplomi, di cui 43 nel profilo classico e 18 nel profilo jazz. Nel programma di Master of Arts in Music sono stati conseguiti 45 diplomi, la maggior parte dei quali nel profilo di esecuzione classica (16). Nel Master of Arts in Music Education, 53 diplomati hanno ottenuto la qualifica professionale per l'insegnamento nelle scuole di musica o nelle scuole secondarie, con la maggior parte dei diplomi nel profilo classico (31).
Inoltre, 45 professionisti hanno completato la loro formazione con un Diploma di studi avanzati (DAS) o un Certificato di studi avanzati (CAS).

In occasione della cerimonia di consegna dei diplomi, la Fondazione Strebi ha assegnato tre premi, ciascuno del valore di 2.000 franchi, a laureati di primo livello particolarmente meritevoli. I vincitori sono stati Nils Fischer (Bachelor of Arts/Music and Movement),
Flora Karetka (Bachelor of Arts in Music, profilo musica classica, specializzazione in flauto) e Luca Koch (Bachelor of Arts in Music, profilo jazz, specializzazione in canto).

Per saperne di più:
https://www.hslu.ch/de-ch/hochschule-luzern/ueber-uns/medien/medienmitteilungen/2020/09/23/diplomvergabe-fuer-die-166-absolventinnen-und-absolventen-der-hochschule-luzern-musik/
 

Secondo Dirk Mürbe, direttore del Dipartimento di Audiologia e Foniatria della Charité, i risultati mostrano che le emissioni di aerosol sono significativamente più elevate nei bambini quando cantano rispetto a quando parlano, ma variano notevolmente e sono ben al di sotto delle emissioni degli adulti. I risultati di questo studio serviranno a specificare i concetti di igiene per il canto nelle scuole e nelle attività extrascolastiche, consentendo così ai cori di bambini e ragazzi di tornare a cantare a determinate condizioni.

Allo studio hanno partecipato quattro ragazzi e quattro ragazze del Coro di Stato e del Coro della Cattedrale di Berlino e del Coro Femminile della Singakademie Berlin, con molti anni di esperienza nei cori di bambini. I test sono stati eseguiti nella camera bianca di ricerca dell'Istituto Hermann Rietschel. I bambini hanno completato vari compiti di prova, utilizzando un contatore di particelle laser per determinare il numero di aerosol formati nella gamma di dimensioni da 0,3 a 25 micrometri.

Preprint dello studio:
https://www.medrxiv.org/content/10.1101/2020.09.17.20196733v1

Secondo il BAK, questo ha portato a un aumento della moderazione. All'inizio di giugno, solo un quarto della popolazione voleva aspettare la fine della crisi per visitare gli eventi culturali. Il sondaggio mostra anche che le misure di protezione adottate e il sostegno fornito dal settore pubblico al settore culturale hanno riscosso un ampio consenso.

All'inizio di giugno 2020, il 24% degli intervistati era ancora disposto a visitare nuovamente istituzioni o eventi culturali "senza grandi riserve". La percentuale era scesa al 18% alla fine di agosto. Il 42% degli intervistati ha dichiarato che non riprenderà le visite culturali prima del 2021; nel primo sondaggio la percentuale era del 22%.

Ci sono alcune differenze in termini di tipo di offerta culturale: Mentre il 36% degli intervistati dichiara di non voler visitare un museo o una mostra prima del 2021, la percentuale in relazione agli "spettacoli come concerti, teatro, opera, danza, ecc. 43%.

Articolo originale:
https://www.bak.admin.ch/bak/de/home/aktuelles/nsb-news.msg-id-80461.html

Il nome ELYS è un neologismo composto dalle iniziali di Elsässerstrasse e Lysbüchelstrasse. I due edifici sono stati ristrutturati negli ultimi tre anni e separati l'uno dall'altro al di sopra del terreno. Il cortile che ne risulta tra gli edifici, chiamato Esplanade, invita le persone a soffermarsi e a socializzare. ELYS è facilmente raggiungibile con i mezzi pubblici, ma offre anche un parcheggio sotterraneo con oltre 100 posti auto accessibili al pubblico.

Oltre all'edificio culturale e commerciale, la parte cantonale di oltre 26.000 metri quadrati del sito di Lysbüchel ospiterà anche appartamenti cooperativi, appartamenti a prezzi accessibili nell'ambito del programma di edilizia residenziale comunale "1000+", una scuola elementare con due asili nido e strutture di assistenza diurna, nuovi posti di lavoro, spazi verdi pubblici e una piazza di quartiere.

La Chiesa di Klingental è stata completamente ristrutturata e offre spazio a 30 studi sovvenzionati dal Cantone per artisti visivi. Ospita inoltre lo spazio espositivo Klingental, una piattaforma per le attività culturali contemporanee.

La riapertura e la messa in funzione della chiesa di Klingental rappresentano un'importante pietra miliare nello sviluppo del sito della caserma. La conversione dell'edificio principale è ancora in pieno svolgimento. A partire dall'autunno 2021, circa 5.000 metri quadrati di spazio saranno disponibili per la cultura, la sociocultura, le industrie creative e gli usi legati al quartiere, integrati da un ristorante innovativo.

Sono finiti i tempi in cui i critici potevano scrivere diatribe su concerti che non avevano nemmeno onorato con la loro presenza. La parola magica per rimettere al suo posto una corporazione non amata è "Contact Tracing". Perciò non è servito a nulla al recensore il fatto che il concerto dei vincitori del Concorso Rychenberg del 9 settembre sia stato trasmesso in diretta streaming dalla Stadthaus di Winterthur. La sua mancanza di presenza fisica sarebbe stata evidente nonostante la sua conoscenza dello svolgimento della serata.

Tuttavia, lo streaming è stato un colpo di fortuna per le due compositrici Annachiara Gedda e Verena Weinmann, che hanno dovuto assentarsi dal concerto per motivi di quarantena. I giovani compositori raramente hanno l'opportunità di mettere alla prova della realtà le combinazioni sonore e le sequenze drammaturgiche che covano nella quiete della camera, soprattutto con le opere orchestrali. La tecnologia digitale ha permesso ai due di non lasciarsi sfuggire l'occasione, anche se l'esperienza non è paragonabile a quella che si vive dal vivo.

Gedda e Weinmann sono due dei cinque premiati che sono stati premiati al Concorso Rychenberg e si sono esibiti al concerto di chiusura. Il concorso internazionale di composizione è stato lanciato nel 2018 dal Musikkollegium Winterthur insieme al Fotomuseum Winterthur, con la particolarità che i partecipanti dovevano mettere in relazione la loro opera orchestrale con una delle tre serie fotografiche selezionate dal museo. Un compito insolito, al quale si sono iscritti 191 compositori provenienti da oltre 30 Paesi. Alla fine, entro la fine di marzo 2019 sono state presentate 85 opere, dieci delle quali sono state nominate per il concerto finale da una giuria guidata dal presidente Alfred Zimmerlin. Per questi dieci brani il Musikkollegium ha profuso uno sforzo che non può essere sopravvalutato. Sono stati provati in un lasso di tempo molto breve, registrati la scorsa estate sotto la direzione alternata di Thomas Zehetmair e Pierre-Alain Monot e messi online per una votazione pubblica. (Si possono ancora ascoltare su www.rychenbergcompetition.ch.)

Il premio del pubblico è stato vinto da Fabian Künzli di Turgovia. Il suo lavoro La clessidra orizzontale è un caso particolare, poiché la versione suonata al concerto dei premiati non corrisponde a quella presentata online. Questa è stata accelerata di un fattore 8, mentre le altezze sono rimaste invariate. Questa circostanza fa riflettere. Perché la versione accelerata, che il pubblico aveva scelto come miglior contributo, sembra una caricatura della musica, piatta e pallida rispetto al brano eseguito dal vivo. È un mistero come questo allestimento sperimentale, che sembrava freddo, sia riuscito a scaldare il pubblico. Forse è stato il concetto insolito?

Anche il compito in sé è stato stimolante. Ma non ci sono state riflessioni sul rapporto tra arte visiva e sonora. Né ci sono state digressioni sul tema dell'"arte sull'arte". Ciò che ha attirato l'attenzione è stato semplicemente il fatto che otto dei dieci candidati hanno scelto la stessa serie di fotografie come soggetto del loro sforzo creativo. Trovare un modo o crearne uno della fotografa ginevrina Anastasia Mityukova si ispira alla storia dell'esploratore del Polo Nord Robert Peary. L'autoproclamato primo esploratore del Polo Nord falsificò il percorso e il successo del suo viaggio. Su questa base, la serie fotografica di Mityukova è una documentazione fittizia di una spedizione polare effettuata in Svizzera. È stato significativo il modo in cui i compositori coinvolti nel concerto finale hanno spiegato la loro scelta. La quintessenza che è emersa da tutti loro è che erano affascinati dal contrasto tra movimento e statica. La maggior parte dei partecipanti ha affrontato il compito dal punto di vista più generale possibile. Movimento - statica è un'opposizione che pervade la nostra esistenza (vita - morte) ed è insita in tutta l'arte, sia come problema che come forza motrice. Di conseguenza, non si è cercato un punto di riferimento specifico, ma si è scelta una serie di fotografie che lasciassero la massima libertà alla composizione dell'artista. Ciò non è criticabile in linea di principio, ma mette in discussione la pertinenza del compito.

Tuttavia, alla fine, i lavori per il pezzo picaresco di Mityukova hanno vinto il premio del pubblico e il secondo e terzo posto. Con ICE_one_h del pittore e compositore italiano Valerio Rossi, un brano musicale arrivato ai piedi del podio la cui delicata pacatezza sarebbe potuta sfuggire all'attenzione di una giuria meno attenta. Tuttavia, i suoni delicati, vaganti e mutevoli dell'orchestra di Rossi sono sembrati troppo centrifugati nel contesto di una competizione per arrivare in cima. In totale contrasto con il secondo posto preferito dal recensore. Inseguendo il ghiaccio di Annachiara Gedda, nata a Torino nel 1986, colpisce per la sua immensa colorazione e una ricchezza che unisce forti contrasti. I suoni "nuovi" incontrano il circo, l'aggressività incontra la tenerezza, la malizia il pathos. Il fatto che l'ampio spettro espressivo non venga meno è merito del senso del suono del compositore, che sa sfruttare le possibilità dell'orchestra con una precisione infallibile.

Alla fine, è significativo che il primo premio sia andato a un compositore che non aveva scelto le immagini di Mityukova. La serie di foto di Adél Koleszár Le ferite della violenzain cui il paesaggio idilliaco del Messico si contrappone alle cicatrici visibili degli abusi e della violenza dei cartelli, non consente un approccio per categorie astratte. Cecilia Arditto, nata a Buenos Aires, presenta le immagini delle ferite e del dolore in Tessuto e questo si traduce direttamente in suono. Le vibrazioni microtonali lo fanno apparire fragile e aprono le orecchie alle emozioni più sottili. Una composizione comunicativa che parla direttamente all'ascoltatore e che merita il massimo onore.

Infine, anche il premio speciale della giuria è andato a una delle due eccezioni alla regola. Verena Weinmann, giovane artista di Frauenfeld, si è dedicata a un singolo quadro della serie di Koleszár, il Colline di Torreón. In questo modo, ha mostrato ancora una volta un approccio diverso alla gestione di un modello di immagine. Ha trasferito le proporzioni della fotografia su carta millimetrata per ottenere linee guida per il progetto formale. Evidentemente ha realizzato questo concetto con un'adeguata libertà artistica, poiché il suo lavoro non sembra mai artificioso.

Il Gruppo parlamentare sulla musica (MGP) non ha avuto scelta nella sua seconda riunione dell'anno. Nel bene e nel male, ha dovuto affrontare le conseguenze della crisi del coronavirus. Mentre in primavera l'argomento era stato inserito nell'ordine del giorno, ma non realmente all'ordine del giorno, ora il motto era "5 mesi di tempesta Covid-19: conseguenze e implicazioni per il settore musicale". E queste ultime sono davvero drastiche, come ha spiegato all'inizio Stefano Kunz, responsabile del lavoro politico del Consiglio svizzero della musica. Considerando che i proventi delle licenze Suisa per i diritti di esecuzione (concerti, musica nel settore alberghiero ed eventi di intrattenimento) sono destinati a diminuire di circa due terzi quest'anno, il fatturato del settore rischia di crollare. Anche per il 2021 Suisa prevede ricavi significativamente inferiori rispetto al 2019*. Ciò avrà gravi conseguenze a lungo termine per i creatori di musica, che nei prossimi anni dovranno aspettarsi distribuzioni significativamente inferiori da parte dell'organizzazione per i diritti d'autore.

Ma non è tutto. Anche un'altra importante fonte di reddito sta scomparendo: le scuole di musica registrano un calo del numero di allievi fino al 20%. A risentirne sono soprattutto gli insegnanti di musica freelance. Per il Consiglio della Musica è stato quindi chiaro che il precedente aiuto finanziario della Confederazione deve essere mantenuto - cosa che il Consiglio Nazionale ha deciso lo stesso giorno, ma che il Consiglio degli Stati ha respinto nuovamente il giorno successivo per il momento. Anche i liberi professionisti e i lavoratori autonomi dovrebbero finalmente avere accesso all'assicurazione contro la disoccupazione (ALV) e alle indennità di perdita di guadagno (IPG).

Beat Santschi, rappresentante dell'Associazione Svizzera dei Musicisti (SMV), non ha avuto molto di meglio da dire. I membri permanenti dell'orchestra sono ancora protetti dai contratti collettivi di lavoro e hanno dovuto accettare "solo" tagli salariali fino al 20% in alcuni casi. Anche i freelance sono i più penalizzati nel panorama orchestrale, in quanto sono i primi a subire tagli dalle orchestre. Tuttavia, non è assolutamente chiaro come si svilupperà la vita concertistica e quindi le entrate delle orchestre. Gli organizzatori chiedono quindi sempre più spesso di essere esonerati da qualsiasi obbligo in caso di cancellazione dei concerti. Dopo sette mesi di crisi, molti organizzatori freelance sono ora decisamente sull'orlo del collasso finanziario, ha sottolineato Santschi.

Christoph Trummer, responsabile dei progetti politici di Sonart, l'associazione professionale degli artisti freelance, ha spiegato cosa significa per lui: la maggior parte dei suoi concerti è stata cancellata o rinviata all'anno prossimo, e da aprile ha ricevuto una sola prenotazione per il nuovo tour previsto a dicembre. I concerti con ingresso a pagamento sono diventati finanziariamente imprevedibili. I costi fissi dell'attività - in primo luogo un affitto di 650 franchi - sono a malapena coperti dai 750 franchi di PO. Secondo Trummer, la pianificazione della stagione 2021 è praticamente impossibile. I modelli di finanziamento incrociato verrebbero annullati, non ci sarebbero quasi più festival di grandi dimensioni, il che lascerebbe anche le agenzie senza nulla. Si teme un taglio netto dell'ecosistema culturale.

L'idea di molti politici che il peggio sia ormai passato per la cultura, perché gli eventi - anche quelli più grandi - sono di nuovo possibili, è stata contraddetta dai rappresentanti di club musicali, festival, etichette e manager musicali presenti. Un tipico evento musicale ha un tempo di realizzazione di circa sei mesi. Ci sono ancora grossi ostacoli anche nella fase di programmazione: i requisiti proibitivi, l'incertezza della pianificazione dovuta ai cambiamenti delle norme di ingresso e gli imprevedibili ritiri dei permessi all'ultimo minuto trasformano l'organizzazione in una lotteria. Le vendite dei biglietti non sono affatto tornate ai livelli pre-corona. Di conseguenza, la maggior parte degli organizzatori di eventi sta ancora affrontando un calo delle vendite dell'80-100%. In media, la liquidità è sufficiente per altri sei mesi, dopodiché per molti organizzatori si spengono le luci: Si spengono le luci.

La Task Force Cultura del Consiglio svizzero della musica ha esercitato un'intensa attività di lobbying sui parlamentari in seguito alle decisioni del Consiglio degli Stati. Alla fine, una settimana dopo la riunione dell'MGP, anche il Consiglio degli Stati ha seguito ampiamente la linea del Consiglio nazionale. Le misure di sostegno per i lavoratori autonomi e i freelance saranno portate avanti con fiducia nelle autocertificazioni degli interessati, anche se non fino alla fine del 2021, come aveva chiesto la Taskforce Cultura, ma inizialmente fino alla metà di giugno del prossimo anno.

Il topos del burbero e veloce Beethoven sembra essere stato contrastato dal poderoso inizio a tre velocità dell'opera di Beethoven. Ouverture di Coriolano op. 62 è esemplare. Tuttavia, questa composizione non è uno studio sul carattere del compositore stesso, ma un'opera che riflette il dramma e la tragedia dell'omonima tragedia di Heinrich Joseph von Collin (1772-1811): Il generale romano Coriolano, un tempo acclamato e onorato, cade in disgrazia durante un cambio di potere politico e viene bandito. Ferito nell'orgoglio, guida un esercito contro la sua città natale in alleanza con i suoi vecchi nemici. Arrivato alle porte, il rinnegato viene invitato dalla madre e dalla moglie a risparmiare la città e a tornare indietro. Intrappolato senza speranza nel conflitto tra amore per la patria e arroganza, l'eroe fallito si getta sulla propria spada. Una storia archetipica e senza tempo.

Tuttavia, l'ouverture fu scritta troppo tardi, all'inizio del 1807, per poter essere davvero utilizzata come apertura dell'opera: alla prima del 24 novembre 1802, una musica d'intermezzo composta dall'Abbé Stadler, tratta dall'opera di Mozart, era stata utilizzata come apertura dell'opera. Idomeneo che aveva organizzato. Il dramma, che ebbe successo, andò in scena il 3 marzo 1805, rendendo l'Ouverture del Coriolano di Beethoven una (se non la prima) "ouverture da concerto" fin dall'inizio: un'ouverture che, pur basandosi su un rimprovero letterario-drammatico familiare al pubblico, viene ascoltata nella sala da concerto completamente distaccata dal teatro. Se una partitura di questo tipo può stare in piedi da sola senza che il pubblico conosca il tema di fondo, ciò è dovuto alla sua qualità musicale, al modo in cui vengono utilizzate forme e proporzioni sinfoniche. L'opera appare "caratteristica" solo nel senso del suo contenuto emotivo.

L'opera 62 di Beethoven fu eseguita per la prima volta in uno dei concerti privati del principe Lobkowitz, che era anche un membro di spicco della compagnia teatrale di Vienna. È logico che la tragedia di Collin sia stata portata in scena ancora una volta in questo modo e per un'unica rappresentazione, il 24 aprile 1807, ora con l'ouverture di Beethoven.

Link alla homepage del progetto "52 x Beethoven"

Solo la spesa per lo streaming ha registrato una crescita del 22% rispetto allo stesso periodo dell'anno precedente. Al contrario, le vendite di supporti sonori fisici sono diminuite drasticamente, con un calo del 25% della spesa per i CD. Il settore live è stato colpito ancora più duramente: la spesa per i concerti è scesa dell'80%.

È diminuita anche la quantità di tempo che le persone in Germania dedicano all'ascolto della musica. Dal lancio dello studio nell'agosto 2018, il consumo settimanale di musica è diminuito dell'8% (un'ora e 46 minuti): È passato da 21 ore e 29 minuti a 19 ore e 43 minuti.

La radio convenzionale, in particolare, è in costante declino con un calo del 15%, anche se questo è parzialmente compensato dai forti guadagni della radio online. Quest'ultima ha registrato un aumento del 73%. Secondo i ricercatori, una possibile spiegazione del calo del consumo di musica è la mobilità limitata e l'attenzione alle notizie in tempi di pandemia di coronavirus.

Lo studio "L'industria musicale in Germania" condotto dal DIW Econ si basa su un sondaggio online condotto tra l'11 maggio e il 29 giugno 2020, al quale hanno partecipato 861 aziende e lavoratori autonomi.

Articolo originale:
https://www.musikindustrie.de/presse/presseinformationen/studien-zu-musikwirtschaft-und-musiknutzung-in-hamburg-vorgestellt

Anche nelle attuali difficili circostanze, la Scuola di Musica della FHNW e l'Accademia di Musica di Basilea hanno in programma per il prossimo semestre autunnale tutta una serie di eventi musicali di rilievo, come si legge nel comunicato stampa: un simposio sulla danza come musica, concerti sul podio con giovani talenti emergenti, un progetto di cooperazione con il Teatro di Basilea, concerti della nuova Focusyear Band al Jazzcampus Club e, infine, il tradizionale Open Day della Scuola di Musica di Basilea.

I Conservatori di musica aprono il semestre autunnale, coordinato in tutta la Svizzera, a metà settembre. A causa della chiusura primaverile, gli esami finali, i concerti e i recital sono ancora rimandati. L'obiettivo primario della direzione dell'Accademia di Musica della FHNW / Accademia di Musica di Basilea è quello di mantenere l'attività didattica e concertistica e quindi la preziosa cultura dell'aggregazione in loco, aderendo a un concetto di protezione costantemente aggiornato.

Articolo originale:
https://www.fhnw.ch/de/medien/newsroom/medienmitteilungen/medienmitteilungen-2020/studien-lehr-und-konzertbetrieb-nimmt-wieder-fahrt-auf-praesenzmodus-dank-schutzkonzept
 

A quanto pare, il coronavirus si è diffuso inosservato all'interno del team di produzione durante le prove al Theater an der Gumpendorfer Strasse (TAG), scrive l'Università di Musica e Arti della città di Vienna (MUK). Solo dopo la prima, l'amministratore delegato del TAG, che era presente in teatro, ha appreso che durante le prove c'era stato un caso sospetto nella produzione, poi risultato positivo.

Secondo i media viennesi, le scene di danza si erano svolte nell'auditorium del TAG, mescolando in modo non autorizzato palcoscenico e pubblico. Un'impiegata dell'Opera di Stato, che era presente solo come spettatrice e indossava una maschera, era stata informata troppo tardi per poterla isolare immediatamente. In seguito è risultata positiva al test. Di conseguenza, è stato necessario apportare modifiche all'Opera di Stato.

L'Università di Musica e Arti dello Spettacolo di Vienna (mdw) non è interessata dagli incidenti.

Tuttavia, è stato rilevato un comportamento deviante del flusso, soprattutto nei flauti, negli oboi e nei clarinetti, che ha spinto i membri dell'Associazione Federale dei Produttori Tedeschi di Strumenti Musicali (BDMH) a lavorare con il responsabile del team Christian Kähler per trovare dispositivi di protezione per porre rimedio alla situazione, con l'obiettivo di eliminare qualsiasi rischio di infezione.

Nel corso di ulteriori studi, i ricercatori hanno scoperto che i filtri dell'aria degli ambienti rendono possibile l'insegnamento della musica; una scoperta importante non solo per le scuole di istruzione generale, ma anche per le scuole di musica e così via, e nell'ottica della rilevanza sistemica della musica e della cultura in generale.

In questo contesto, è stato individuato un livello estremamente elevato di esposizione all'anidride carbonica anche dopo un breve periodo di insegnamento. Ciò comporta problemi di concentrazione e ha un impatto sul rendimento e sull'efficacia; anche numerosi settori analoghi della vita pubblica ne risentono. A ciò si aggiunge la richiesta di utilizzare moderni filtri dell'aria ambiente per contrastare non solo il coronavirus, ma anche il problema dell'anidride carbonica in futuro.
 

Tra gli studenti del primo anno della ZHdK, 292 si sono iscritti a un corso di laurea o di master in musica, 114 in design, 83 in belle arti, 109 in educazione artistica e transdisciplinarità e 99 in arti dello spettacolo e cinema.

Lo ZHdK terrà corsi frontali nel semestre autunnale 2020 nonostante il coronavirus. Nel semestre autunnale, le maschere saranno obbligatorie nelle aree pubbliche e nei corsi, quando si lavora in gruppo o nei laboratori. Ci saranno anche alcune opzioni di insegnamento digitale. Le maschere da utilizzare presso lo ZHdK saranno messe a disposizione di tutti i membri e gli ospiti dello ZHdK.

Le linee guida e le specifiche della ZHdK possono cambiare in qualsiasi momento. Sulla base dell'esperienza acquisita nel semestre primaverile 2020, la percentuale di insegnamento digitale potrebbe essere ampliata rapidamente, se necessario.

In totale, 2194 persone studiano alla ZHdK. Di queste, 1246 sono iscritte a uno degli otto corsi di laurea triennale e 948 a uno degli undici corsi di laurea magistrale. Il numero di studenti è rimasto costante rispetto agli ultimi anni.

In quanto organo centrale per l'attuazione della Convenzione per la salvaguardia del patrimonio culturale immateriale del 2003, il Comitato intergovernativo definisce le strategie per la salvaguardia e la diffusione del patrimonio culturale vivente. È responsabile dell'attuazione della Convenzione e, in particolare, decide sulle iscrizioni alla Lista del patrimonio culturale immateriale dell'umanità.

Con la Convenzione per la salvaguardia del patrimonio culturale immateriale, l'UNESCO intende proteggere il patrimonio culturale meno legato a edifici o spazi e più al tempo, alle pratiche comunitarie e alle interazioni sociali. In Svizzera, l'elenco comprende finora il carnevale di Basilea e lo jodel.
 

Se date un'occhiata al calendario dei festival, avrete notato che da anni ormai l'inizio di settembre a Berna vede salire sui palchi un festival musicale denso, discorsivo, fantasioso e colorato, sia tradizionale che non. Il tema del festival di quest'anno, "Tectonics", esplorava spostamenti, stratificazioni, pieghe e crepe su larga e piccola scala. Tuttavia, poiché l'idea di base del Consiglio di fondazione, "Per quanto solida ci sembri la crosta terrestre, essa ospita ancora il non provato", si è concretizzata in modo così radicale a seguito della crisi del coronavirus, gli organi di gestione del Bern Music Festival si sono trovati di fronte a decisioni difficili. Già durante l'isolamento, tuttavia, il consiglio di amministrazione, la direzione e il consiglio di amministrazione avevano concordato in linea di principio che il festival sarebbe andato avanti con un concetto di protezione rigoroso, a seconda dell'evoluzione della situazione. Nella migliore delle ipotesi, il programma doveva essere realizzato in forma frammentata o addirittura molto ridotta - forse addirittura in frammenti, parafrasando per così dire il tema. La cancellazione non era un'opzione, soprattutto in considerazione della situazione dei musicisti freelance. È ovvio che la nuova situazione richiedeva parziali modifiche al programma, sale più grandi e, in particolare, una grande flessibilità da parte di tutti i soggetti coinvolti. Sorprendentemente e fortunatamente, ciò non ha influito sulla densità e sulla varietà dei quasi quaranta eventi che si sono svolti nell'arco di cinque giorni. Solo la presenza di Toshio Hosokawa, il compositore in residenza, ha dovuto essere cancellata, ma non la sua musica e la sua presenza in collegamento video. Il corso di interpretazione previsto con lui per gli studenti dell'Università delle Arti di Berna è stato organizzato dal Quartetto Arditti. Il fatto che un ensemble di tale fama si sia reso disponibile per questo impegno aggiuntivo è stato un colpo di fortuna unico, ma anche un segno di simpatia dell'ensemble, dato che i quattro musicisti avevano già espresso il loro entusiasmo per il concetto e il programma del festival durante la loro esibizione dello scorso anno.

Le esibizioni del quartetto hanno caratterizzato in modo evidente l'edizione di quest'anno. La collaborazione con i giovani musicisti nell'esecuzione del monodramma di Toshio Hosokawa Il Corvo (testo di E. A. Poe) ha realizzato una caratteristica essenziale del festival: La collaborazione di interpreti locali con ospiti di alto livello. Il concerto di apertura nella grande sala della Berner Reitschule con il mezzosoprano Christina Daletska (Hosokawa) e la Basel Sinfonietta (Ives) ha rappresentato una splendida introduzione.

La grande sala è un'altra caratteristica del festival: la combinazione di progetti collegati tematicamente con luoghi speciali, a volte sorprendenti. Ad esempio, il Contrabassclarinet extended di nuova concezione (Ernesto Molinari) ha dialogato con l'elettronica dal vivo nel Klingendes Museum, interventi performativi all'interno del Ponte Monbijou hanno permesso di sperimentare attività sismografiche e il Trio Tramontana ha interpretato l'opera di Kaija Saariaho. Nuovi cancelli nella Torre del Sangue sull'Aare. Una costellazione magica e stimolante attendeva il pubblico nel mezzo della foresta di Dählhölzli, dove il collettivo Mycelium, insieme a Brane Project (installazione acustica) e Idéehaut (edifici), ha creato una rete fluttuante tra gli alberi come luogo di concerto e ha combinato musica contemporanea con canti Penan della foresta pluviale del Borneo in un programma composto.

Chiunque si avventuri negli strati della crosta terrestre non può sfuggire ai diversi suoni della pietra. Negli studi in pietra dell'azienda Bernasconi, il Mondrian Ensemble ed Erika Öhmann (percussioni) hanno mostrato il paesaggio sonoro, a volte fluttuante, a volte elettrizzante, degli strumenti in pietra serpentina orgalitho e litofono in opere di Edu Haubensak, Hans-Jürg Meier, Matthias Steinauer e in una prima mondiale di Samuel Cosandey. Peter Streiff e il Ginger Ensemble nella Nydeggkirche e nello Stadttheater hanno mostrato come suonano i materiali da costruzione bernesi, siano essi arenaria o granito, nel loro stato naturale.

Il pubblico nella cripta della chiesa di San Pietro e Paolo ha vissuto non solo una "grandiosa catastrofe", ma un'esperienza letteralmente sconvolgente quando René Waldhauser ha accordato lo strumento fino a un rumore di corde per l'esecuzione del pianoforte a coda martellato di Peter Conradin Zumthor.

La versatilità unica del festival rende quasi impossibile parlare di atti principali. Tuttavia, il concerto nella cattedrale di Berna con l'Ensemble BernVocal (diretto da Fritz Krämer), il Quartetto Arditti e un quartetto di percussioni nel soppalco dell'organo (Mihaela Despa, Peter Fleischlin, Pascal Viglino, Sacha Perusset) merita una menzione. La giustapposizione della Messa di Antoine Brumel Et ecce terrae motae con opere di Hosakawa è stato un evento spazio-sonoro di tipo speciale. Anche in questo caso, la densità tonale, il contrasto e il cambiamento della prospettiva di ascolto hanno costituito un "marchio di fabbrica" inconfondibile.

Il compositore sangallese di origine nigeriana Charles Uzor racconta di un tipo di stratificazione completamente diverso in Lingua madrequando stratifica testi degli Igbo (un gruppo etnico presente in diverse regioni dell'Africa equatoriale), di Novalis, Celan, Rauhavirta e Beckett con musica antica europea e musica delle popolazioni Gbaya. Il risultato è un conglomerato di culture e suoni che può sembrarci strano, ma che è anche espressione di una realtà attuale. Stratificazioni intergenerazionali di testi sono state trasformate in suoni del linguaggio in un progetto di Elina Bächlin e Noel Schmidlin insieme agli ospiti spoken word Guy Krneta e Marco Gurtner.

Il concerto del quintetto per strumenti ad ancia con Matthias Arter, Martin Bliggenstorfer, Valentine Collet, Béatrice Laplante e Béatrice Zawodnik si è rivelato un programma non convenzionale di suono spaziale. Non convenzionale perché il programma con musiche di Daniel Glaus, Barblina Meierhans, Heinz Holliger, Toshio Hosokawa e Matthias Arter nelle sale della Berner Kunsthalle spaziava dal canto dell'oboe d'amore alla nitidezza del suono d'insieme.

Il ciclo tematizza una realtà inquietante 5to12to6in cui compositori e scienziati hanno affrontato i cambiamenti della nostra mente, in particolare le domande urgenti sul cambiamento climatico, la sostenibilità e le discrepanze sociali.

Si deve e si può parlare di un momento culminante o di un climax in un programma così concentrato? Prima dell'intensità e della maestria tecnica del concerto del Quartetto Arditti con due quartetti di James Clarke, il terzo quartetto d'archi di Ferneyhough e il terzo quartetto d'archi di Ferneyhough. Tetras di Xenakis svaniscono. La presenza, l'apparente leggerezza e il virtuosismo dei quattro archi hanno attirato una standing ovation da parte del pubblico - e a ragione.

Cosa sarebbe la storia della musica senza il momento creativo? O semplicemente senza l'opportunità pratica di esecuzione? Quindi è stata più che altro una coincidenza che ha portato alla creazione della Pari WoO 30 per quattro tromboni, che ancora oggi sembrano un po' strani in termini di strumentazione. Per questi brevi movimenti dobbiamo ringraziare un soggiorno a Linz nel 1812, durante il quale Beethoven divenne amico dell'allora direttore della cattedrale Franz Xaver Glöggl (1764-1839). Si dice che quest'ultimo gli abbia chiesto di scriverli, "di comporre il cosiddetto Equale per 4 tromboni per il giorno di Ognissanti (2 novembre), in modo da farli suonare dai suoi musicisti nel modo tradizionale in questa festa".. Almeno così ricorda Ignaz von Seyfried. Poiché Beethoven non conosceva l'arrangiamento di questi brani, che erano stati tramandati solo a livello locale, li chiese, "per sentire un aequo, come è stato soffiato sui cadaveri a Linz".. E Franz Glöggl, l'allora sedicenne figlio del direttore della cattedrale, continua nel suo disco molto più tardivo: "Così accadde che un pomeriggio mio padre ordinò tre trombonisti, visto che Beethoven era comunque a cena da noi, e fece suonare a uno di loro l'equalizzatore".

I tre trombonisti erano presumibilmente supportati dallo stesso Padre Glöggl e sono stati eseguiti brani che probabilmente appartenevano a quei tempi. 1200 Batterie strumentali a cui il maestro della cappella della cattedrale poteva attingere quando soffiava dalla torre. Tuttavia, la collocazione di questa raccolta è del tutto sconosciuta. Anche la strana denominazione di lavoro "Equal" sembra provenire da questa tradizione locale di movimenti omofonici. Si trova anche in brani di un certo Wenzel Lambel (a quattro parti, prima del 1844) o del giovane Anton Bruckner (solo a tre parti, 1847). Questi pezzi occasionali, composti in un pomeriggio dell'autunno del 1812, documentano quindi un'usanza un tempo vivace che altrimenti sarebbe sprofondata nel vortice della storia. - A Vienna, invece, i tre brevi movimenti erano apparentemente poco utili; furono dotati di testi ed eseguiti con un coro maschile per il funerale dello stesso Beethoven e per la dedica della lapide.

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