Nel campus, più di 500 studenti di Bachelor e Master, quasi 500 partecipanti alla formazione continua e circa 200 dipendenti della Scuola di Musica impareranno, insegneranno, condurranno ricerche e presenteranno il loro lavoro al pubblico su circa 8.000 metri quadrati. Con il nuovo edificio, la Scuola di Musica di Lucerna riunisce le sue precedenti quattro sedi sparse per Lucerna in un unico luogo. Il nuovo edificio sarà inaugurato ufficialmente con un programma musicale dall'11 al 13 settembre. Gli eventi pubblici si terranno nelle tre nuove sale da concerto fino alla fine dell'anno.

La crisi del coronavirus è particolarmente evidente nel numero di studenti internazionali: la maggior parte degli studenti internazionali proviene dall'Europa, mentre le iscrizioni dai Paesi extraeuropei sono diminuite in modo significativo. Il gruppo di studenti in scambio che vengono alla HSLU solo per un semestre si è ridotto. Solo la metà degli studenti si è iscritta a un semestre di scambio rispetto all'anno precedente.

Con l'obiettivo di consentire una rapida valutazione della reattività estetica generale, un gruppo di ricerca dell'Istituto Max Planck per l'Estetica Empirica ha sviluppato un metodo che dovrebbe facilitare la selezione di campioni per gli studi futuri. Il cosiddetto Aesthetic Responsiveness Assessment (AReA) permette di distinguere tra le persone che reagiscono regolarmente e intensamente alle opere d'arte e quelle che raramente provano più di un apprezzamento quotidiano per gli oggetti estetici.

La scala si basa su un questionario compilato con l'obiettivo di identificare le persone che reagiscono in modo particolare agli stimoli estetici e sono quindi adatte a partecipare a uno studio. Il grado di reazione di una persona alla musica, alle arti visive e alla poesia può essere determinato con la scala AReA all'interno delle categorie "Apprezzamento estetico", "Esperienza estetica intensa" e "Comportamento creativo" e può essere utilizzato per la selezione di campioni particolarmente reattivi.

La procedura di valutazione è stata testata con quasi 800 partecipanti in studi condotti negli Stati Uniti e in Germania e può essere eseguita ugualmente in entrambe le lingue. La pubblicazione è apparsa sulla rivista Psychology of Aesthetics, Creativity, and the Arts dell'American Psychological Association.

Pubblicazione originale:
Schlotz, W., Wallot, S., Omigie, D., Masucci, M. D., Hoelzmann, S. C., & Vessel, E. A. (2020). L'Aesthetic Responsiveness Assessment (AReA): Uno strumento di screening per valutare le differenze individuali nella reattività all'arte in inglese e tedesco. Psicologia dell'estetica, della creatività e delle arti. Pubblicazione anticipata online. https://doi.org/10.1037/aca0000348
 

Il numero di partecipanti all'anno è in costante aumento, scrive il BAK. Nel 2019, il numero di domande è più che raddoppiato rispetto al 2017. Questo è quanto emerge dal rapporto sul periodo di finanziamento 2016-2020 pubblicato dal BAK.

In totale, oltre 46.000 bambini e ragazzi in tutta la Svizzera hanno partecipato ai programmi Y+M fino ad oggi. A giugno 2020, circa 17.000 bambini e ragazzi erano iscritti ai corsi e ai campi Y+M (2017: circa 8.700; 2018: circa 15.500; 2019: quasi 21.000). Alla fine di giugno 2020, il programma contava 1.036 leader Y+M certificati.

Dal lancio di Y+M, il governo federale ha investito circa 7,5 milioni di franchi nel programma. Di questi, circa 5 milioni di franchi sono stati spesi per sostenere i corsi e i campi Y+M e circa 500.000 franchi per contribuire alla formazione e al perfezionamento dei leader Y+M. Dal 2019, anche il Principato del Liechtenstein partecipa al programma Y+M sulla base di un accordo intergovernativo concluso nel maggio 2018.

Articolo originale:
https://www.bak.admin.ch/bak/de/home/aktuelles/nsb-news.msg-id-80298.html

Lo stile della musica classica europea è stato composto in passato anche su isole lontane. Il Dizionario musicale Riemann, ad esempio, cita il compositore Otto Jägermeier, nato a Monaco nel 1870, che nel 1915 emigrò dall'Europa devastata dalla guerra in Madagascar e compose poemi sinfonici come Nella giungla o il Suite tananarivienneche prende il nome dalla capitale malgascia Tananarive. Recentemente si è parlato anche di un altro isolano che ha scritto le sue partiture lontano dalla nostra civiltà. Si chiamava José Diego Coimbra, portoghese-spagnolo, e visse, si dice, dal 1824 al 1865 sull'isola di Mondariz, una piccola isola vulcanica dell'Atlantico meridionale, a cinque giorni di viaggio in nave dalla terraferma sudamericana.

Coimbra è un'apparizione che suscita curiosità. Un eccentrico di cui difficilmente si sentirebbe parlare se non fosse diventato il fantomatico protagonista di un romanzo. L'autore è Yorck Kronenberg, nato nel 1973 a Reutlingen, in Svevia. Mondariz ha pubblicato il suo quinto romanzo. Come scrittore e concertista, ha un doppio talento. Questo lo rende ineguagliabile nella sua capacità di raccontare una storia appassionante sul compositore morto da tempo e di esprimersi con competenza in termini musicali. Secondo Kronenberg, le partiture sono state a lungo conservate nella città principale dell'isola, un insediamento sonnolento di epoca coloniale, dove gli abitanti fanno un pessimo lavoro per mantenere viva la memoria dell'esotico compositore. Nella speranza che un giorno arrivino dei turisti, hanno allestito la sua casa, la Casa Coimbra, come piccolo monumento commemorativo, salvandola così da un degrado strisciante.

Tra iperrealismo e finzione

Il libro di Kronenberg offre al lettore un sapiente mix di descrizione iperrealistica e finzione. Il narratore in prima persona, che possiamo supporre sia l'autore stesso, ha visitato l'isola dieci anni fa per rintracciare le tracce del compositore. Ora è tornato per la seconda volta per osservare da vicino le partiture e i documenti riposti in vecchi bauli e per rivalutare biograficamente l'ambiente di vita di Coimbra. Si addentra nella vita del villaggio e nella storia coloniale dell'isola, ma durante le sue ricerche ha esperienze contrastanti con la diffidente gente del posto. Mentre cerca di orientarsi in questo mondo straniero, il suo passato europeo lo raggiunge sotto forma di messaggi di testo della sua ex compagna. Lei lo aveva accompagnato nella sua prima visita all'isola, ma ora i due sono lontani migliaia di chilometri in un doloroso processo di separazione. Questi due livelli sono abilmente intrecciati nella narrazione.

Nonostante tutte le carenze pratiche e le sofferenze, la figura del compositore e la sua musica prendono gradualmente forma. Quando alla fine il narratore lascia di nuovo l'isola su una chiatta, è più ricco di esperienze. Immergendosi in una terra straniera, si è anche immerso nella sua interiorità. Ora sa che il mondo degli isolani rimarrà sempre chiuso per lui, ha preso le distanze dalla sua ex fidanzata nella lontana Europa e la musica di Coimbra gli è diventata più familiare, intrecciandosi con l'imperscrutabile realtà dell'isola. Porta a casa alcuni degli spartiti come trofei.
Ed eccole nelle mani dell'autore e pianista Yorck Kronenberg. Nel suo libro le ha sapientemente descritte, ad esempio la grande sinfonia in do diesis minore, opera tarda del 1862, in cui il direttore d'orchestra può chiedere ai musicisti di fingere solo di suonare, in modo che i movimenti continuino ma non si senta alcun suono. Qui Coimbra anticipa gli esperimenti di teatro strumentale che compositori d'avanguardia come Dieter Schnebel avrebbero ripreso cento anni dopo.

In occasione di una domenica musicale e letteraria al Künstlerhaus Boswil il 30 agosto 2020, i visitatori hanno potuto farsi un'idea concreta dell'esistenza finora letteraria di Coimbra e della sua musica. Kronenberg e il Quartetto Casal hanno eseguito due opere del compositore, mentre l'autore ha letto alcuni passaggi del suo libro. Christine Egerszegi, presidente del Comitato consultivo della Fondazione Boswil, ha conversato con lui e ha guidato il pubblico attraverso il programma.

Kronenberg è un lettore e un interlocutore che è un piacere ascoltare. Come pianista, si prende tutti i rischi del caso. Questo è stato particolarmente evidente nel Concerto per pianoforte e orchestra in re minore di Bach. È stato eseguito in una versione con quartetto d'archi alla fine della serata. A un ritmo brillante e tecnicamente ben equipaggiato, ha corso nei movimenti esterni, con il quartetto sempre alle calcagna. Una prova in più avrebbe fatto bene all'insieme. Nel movimento centrale, il pianista è stato anche in grado di mostrare il suo lato introverso.

Al centro del concerto e della curiosità del pubblico c'erano, naturalmente, le due opere originali del misterioso compositore. All'inizio, Kronenberg ha suonato Dos Estudios para Piano. Il primo étude si distingue per la ripetizione motorizzata degli accordi nella mano sinistra e per le ampie melodie monofoniche nella mano destra. Il secondo è più libero nei movimenti e armonicamente più colorato. Entrambi sembrano un'innocente anticipazione dei pezzi ritmici di Prokofiev o Bartók. Il successivo quartetto d'archi è una prima mondiale. L'opera, in quattro movimenti, è intrisa di una calda emotività e prevale un tono riflessivo. Il primo movimento è caratterizzato da una rete di voci uniforme e polifonicamente stratificata. Nel secondo emergono singole figurazioni espressive, che assumono poi un carattere concreto sotto forma di lamenti nel lungo movimento finale, con linee discendenti e piccoli glissandi strappati. Sembra che Coimbra abbia anticipato le pene d'amore del suo successivo biografo.

Cosa dobbiamo pensare della produzione musicale di questo solitario, che scriveva imperterrito le sue partiture su un'isola tropicale dell'Atlantico meridionale dimenticata da Dio, sapendo che probabilmente non sarebbe mai stato ascoltato in vita? Chiunque legga il romanzo di Kronenberg viene trascinato passo dopo passo in questa situazione improbabile. Si comincia a credere nell'esistenza di Coimbra, una nuova, forte realtà diventa visibile dietro la finzione. Tuttavia, l'ascolto delle sue composizioni conferma solo in parte le promesse di unicità fatte nel libro. In questo caso, la finzione rimane più forte. Tuttavia, la scoperta del mondo musicale e letterario di Mondariz meritava un viaggio a Boswil.

PS: Il compositore Otto Jägermeier è una barzelletta musicologico-lessicografica. L'isola di Mondariz non si trova su nessuna mappa.
Yorck Kronenberg: Mondariz. Casa editrice Dörlemann, Zurigo 2020, 283 pagine

Quando si legge che la compositrice Martha von Castelberg (1892-1971) non ha ricevuto né lezioni di pianoforte né di composizione, l'ascolto del CD con i suoi mottetti e le sue canzoni sacre e profane fa pensare: se Lili Boulanger avesse scritto il suo ciclo di canzoni Clairières dans le ciel senza regolari lezioni di composizione, Fanny Hensel scrisse la sua opera per pianoforte L'anno essere in grado di scrivere senza molti anni di lezioni di pianoforte? L'apprendimento di uno strumento da autodidatta porta a scoprire nuove strade, e può essere che comporre senza studiare con un insegnante impedisca di seguire percorsi stilistici ben tracciati?

Le canzoni della Castelberg, ma non i suoi mottetti, inducono a pensare che un mestiere più abile avrebbe giovato alla sua composizione e che il suo indubbio talento avrebbe potuto dispiegarsi più liberamente. Si ha la sensazione che le sue canzoni siano accompagnate in modo piuttosto semplice dal pianoforte e che un po' di raffinatezza pianistica farebbe bene anche ai testi sacri.

Chi era Martha von Castelberg? La zurighese crebbe come figlia di un banchiere privato in una casa borghese rigorosamente cattolica. Ricevette lezioni di violino fin da piccola, ma non le fu permesso di studiare musica nonostante il suo talento. Come scrive Sibylle Ehrismann nel libretto informativo del CD, la von Castelberg, che era molto devota e interessata allo spirito, si batté con il marito a favore del cattolicesimo zurighese, che aveva un momento difficile nella città riformata. Molte delle sue composizioni hanno uno sfondo religioso, altre hanno un legame con Disentis nei Grigioni, la patria del marito.

I quattro cantanti e il pianista interpretano le canzoni con un impegno udibile, ricco di colori e finemente realizzato. Se si ascoltano tutti i brani, che sono abbastanza attraenti singolarmente, uno dopo l'altro, si avverte una certa monotonia, soprattutto per quanto riguarda i canti sacri, poiché le opere non sono abbastanza varie. È notevole il fatto che non ci siano quasi altre ambientazioni dei testi scelti, ad esempio di Fontane, Rückert, Bergengruen e poeti retoromani.

La vera scoperta del CD, tuttavia, sono i cinque mottetti per voci miste. Sono interpretati dall'ensemble vocale Basel larynx sotto la direzione di Jakob Pilgram al massimo livello, con un suono bellissimo e con ogni auspicabile differenziazione. Pur essendo saldamente ancorati alla tradizione della musica sacra, i mottetti affascinano per la loro particolare armonia "moderna". Sono probabilmente il contributo più importante di Martha von Castelberg alla musica svizzera del XX secolo.

I nomi, i titoli delle opere e i testi delle canzoni contenuti nel libretto contengono parecchi errori, il che è particolarmente evidente in un'edizione altrimenti così accurata.

Sebbene sia stata composta nel 1821/22 e quindi non sia affatto un'"ultima opera", la Sonata per pianoforte n. 32 in do minore op. 111 è avvolta da un'aura di mistero. Adolf Bernhard Marx aveva già intitolato il capitolo corrispondente della sua biografia di Beethoven del 1859 "Addio al pianoforte". Thomas Mann si è riferito a Beethoven nella sua Il dottor Faustus ma diagnosticato, secondo Theodor W. Adorno e più preciso nei fatti, un "addio alla sonata" in un duplice senso - cioè in Beethoven stesso, ma anche nei confronti del genere, che non poteva più realmente affermarsi sul mercato. Nel 1839, Robert Schumann osservava con sguardo rattristato la sonata per pianoforte: "Il pubblico è difficile da comprare, l'editore è difficile da stampare e i compositori sono scoraggiati da ogni sorta di ragioni, forse anche interne, dallo scrivere opere così antiquate".

La situazione è certamente più complicata (come spesso accade), soprattutto perché l'"addio" di Beethoven fu un processo lungo e per nulla semplice. Ad esempio, l'ultimo concerto per pianoforte e orchestra (op. 73) fu composto nel 1810, l'ultimo trio per pianoforte e orchestra (op. 97) l'anno successivo. D'altra parte, il Variazioni di Diabelli (op. 120) è stata completata solo dopo la Sonata op. 111, così come la Sonata op. 111, a volte piuttosto sperimentale. Bagatelle op. 126, quindi cosa dobbiamo fare delle caratterizzazioni che vedono la sonata come "testamento", come "profonda musica delle sfere", come "spiritualizzazione finale, dissoluzione nello spazio" o come "preludio al silenzio"? Non possono essere riferite specificamente a Beethoven o a una fonte contemporanea. Tuttavia, offrono l'opportunità di esprimere a parole le proprie sensazioni sulla musica, di rivelare più cose sul linguaggio e sull'espressione musicale di quanto possa fare una descrizione puramente tecnica e analitica.

In realtà, le interpretazioni di stampo poetico non si riferiscono tanto al primo movimento, con la sua idea principale davvero tempestosa e polifonica. Sono piuttosto rivolte al secondo (e ultimo) movimento - un'arietta con variazioni in cui il materiale non è semplicemente colorato, ma spesso trascende nel puro suono.

Link alla homepage del progetto "52 x Beethoven"

Gli edifici dello ZHdK sono di nuovo aperti al pubblico tutti i giorni, dal lunedì alla domenica, dalle 7.00 alle 19.00. Questo vale anche per il Museo del Design, il Padiglione Le Corbusier, il bar e il giardino del club musicale Mehrspur e il bistrot Chez Toni. Il Centro Media e Informazioni (MIZ) è nuovamente aperto fino all'11 settembre, dal lunedì al venerdì dalle 10.00 alle 16.00.

Il 17 agosto, la direzione dell'università ha deciso di tenere il semestre autunnale con lezioni frontali. Dal 24 agosto, le maschere sono obbligatorie in tutti i corsi, compresi quelli di formazione preliminare e continua. Inoltre, le maschere sono ora obbligatorie ovunque siano etichettate. Le maschere sono obbligatorie anche nel Centro Media e Informazioni (MIZ). Nelle aree pubbliche degli edifici della ZHdK si applica la regola della distanza, ma non vi è alcun obbligo generale di indossare una maschera.

D'ora in poi, i dati di contatto degli ospiti saranno raccolti ogni volta che visiteranno Mensa Molki, Chez Toni, Kafi Z e Café Momento. I dati di contatto possono essere raccolti con la Campus Card o con un codice QR. Inoltre, le maschere sono obbligatorie nell'area self-service, davanti ai punti di emissione e alle casse. Si applicano anche le raccomandazioni dell'Ufficio federale della sanità pubblica (UFSP) e del Cantone di Zurigo. Le linee guida e le specifiche della ZHdK possono cambiare in qualsiasi momento.
 

La cantante lirica e compositrice francese Pauline Viardot (1821-1910) è stata una delle artiste più versatili del XIX secolo. A quel tempo era difficile per le donne sviluppare il proprio talento. Ciononostante, si fece un nome come cantante, compositrice e donna di mondo. Come cantante, era paragonabile a star come Adele o Netrebko, con la differenza che ovviamente aveva una gamma vocale molto più ampia di loro. Gli incontri nel suo salotto con celebri contemporanei come Franz Liszt o Clara e Robert Schumann devono essere stati leggendari e dimostrano quanto dovesse essere interessante la sua personalità. Come donna di oggi, si cercano sempre invano i modelli femminili del passato. Nel caso di Pauline Viardot, si è ricompensati e in questo progetto la sua eredità di compositrice sarà pienamente realizzata e, soprattutto, ascoltata!

Aurea Marston, Cornelia Lenzin, Simona Mango e Nicolaia Marston desiderano celebrare il 200° compleanno di Viardot nel maggio 2021 con un concerto semiscenico. Le sue canzoni, i duetti e gli arrangiamenti di canzoni avranno il ruolo principale. Ad essi si aggiungeranno altre canzoni e duetti di compositori della sua cerchia di amici (ad esempio Johannes Brahms, Franz Liszt o Clara e Robert Schumann). Oltre alla musica, gli interpreti vogliono far rivivere la vita e l'epoca della compositrice con molto umorismo. Una messa in scena leggera conferisce al programma un filo narrativo e un tocco umoristico. L'obiettivo è quello di rendere accessibile a un vasto pubblico questa meravigliosa musica del periodo romantico.

In tempi di crisi, la raccolta fondi tradizionale ha lasciato gli artisti a bocca asciutta, per cui hanno cercato nuovi modi per finanziare il progetto e hanno avviato il crowdfunding:
www.lokalhelden.ch/concerts
 

La biblioteca dell'Abbazia di Engelberg conserva una parte stampata del 1764, scritta dal lucernese Franz Joseph Leonti Meyer von Schauensee (1720-1789), che compose i quattro concerti per clavicembalo o organo e orchestra. La sua vita, che si concluse nell'anno della Rivoluzione francese, fu caratterizzata dal suo lignaggio patrizio. I suoi genitori ereditarono il castello di Schauensee, sopra Kriens, e d'ora in poi si fecero chiamare Meyer von Schauensee. (Questo castello, dipinto da Mara Meier, è riportato sulla copertina dello spartito).

La famiglia musicale di Joseph gli impartì lezioni di canto e di organo fin dall'età di cinque anni, tanto che il precoce ragazzo fu presto in grado di sostituire il suo maestro agli organi della Hofkirche St Leodegar di Lucerna. Imparò a suonare il violino e il violoncello nelle scuole monastiche di San Gallo. Tornato a Lucerna, imparò le basi della composizione e creò musica per il teatro della scuola dei gesuiti già nel 1738. Nel 1740-41 il giovane si recò a Milano. Impressionato dalla vita musicale mondana e dalle opere della scuola napoletana (Feo, Leo, Pergolesi), acquisì un ulteriore virtuosismo al violino e al clavicembalo, che lo rese uno dei preferiti dei gesuiti. Sonate da camera per il Clavecin che purtroppo sono andati perduti.

Dopo il suo ritorno, il padre gli organizzò un posto di ufficiale presso il re di Sardegna-Piemonte. Ma nonostante gli impegni militari, trovò il tempo di comporre. Il freddo e l'umidità delle montagne e le tempeste del Mediterraneo lo ispirarono a scrivere opere future. I successivi incarichi a Lucerna come Gran Consigliere e supervisore del Reis-Waage gli lasciarono abbastanza tempo per la musica; diresse e suonò l'organo a Engelberg, Muri, San Gallo, Beromünster e fu chiamato come esperto d'organo a Rheinau. A partire dall'età di 32 anni si ritirò dalle cariche secolari e si concentrò su compiti spirituali e musicali presso l'Abbazia di San Leodegar. Nel 1760 fondò il primo Collegium musicum pubblico e nel 1775 fondò la Società Concorde Elvetica, un'associazione che propagandava l'unità nazionale dell'Antica Confederazione Svizzera. La sua musica fu molto apprezzata durante la sua vita - persino Mozart padre e figlio eseguirono la sua musica da chiesa - e il suo virtuosismo e la sua immaginazione furono lodati. Tuttavia, con gli sconvolgimenti politici e culturali che seguirono la morte di Meyer, la sua musica cadde nell'oblio.

Ora l'organista di Soletta Hans-Rudolf Binz ha accuratamente rieditato i quattro concerti sopra citati in occasione del 300° anniversario della nascita del compositore. Ciascuna delle opere in tre movimenti ha un carattere particolare. Il primo si chiude virtuosisticamente con un prestissimo ed alla breve, il secondo richiede un martellato e un sospirando, il terzo è un concerto natalizio con pedaliera di piverone e ninna nanna allegretto ed amoroso, il quarto è un concerto di Natale. Il Molino I rapidi apeggi imitano lo sferragliare di un mulino. I Concerti II e III richiedono due corni ad lib oltre agli archi. L'editore ha incluso soluzioni stampate per le cadenze richieste dal compositore nei Concerti I e IV.

L'introduzione e il rapporto di revisione in tedesco, francese e inglese forniscono informazioni dettagliate sul compositore e sulla sua storia contemporanea (su cui si basano i dati biografici qui riportati), sull'esecuzione e sulla prassi editoriale. Le opere sono state registrate già nel 1949 a Radio Berna da Eugen Huber, che ha anche aggiunto con cura le parti mancanti (peccato che queste aggiunte manchino nella nuova edizione!), e nel 1975 con Philippe Laubscher e François Pantillon su disco. Il nuovo bellissimo materiale ispira nuove esecuzioni!

Franz Joseph Leonti Meyer von Schauensee: Quattro Concerti armonici d'Organo o di Cembalo op. 8, parte 1ma.
Concerto I in do maggiore, M&S 2367
Concderto II in re maggiore, M&S 2368
Concerto III in sol maggiore, M&S 2369
Concerto IV in la maggiore "il molino", M&S 2370
Partitura I, II, IV/III: Fr. 38.00/22.00, riduzione per pianoforte Fr. 28.00/18.00, parti Fr. 8.00/5.00 ciascuna;
Müller & Schade, Berna

Il nome di Albert Moeschinger compare solo sporadicamente nei programmi dei concerti in Svizzera e sembra essere quasi sconosciuto alle giovani generazioni di musicisti. Nasce a Basilea nel 1897, dove frequenta anche la scuola e poi, per volontà del padre, inizia un apprendistato come banchiere. Tuttavia, abbandonò presto questa attività per dedicarsi agli studi musicali a Berna, Lipsia e Monaco. Inizialmente si guadagnò da vivere come musicista in un caffè e poi come insegnante al Conservatorio di Berna.

Come compositore, Moeschinger esplorò gli stili più diversi e creò un'opera di oltre 100 numeri d'opera in quasi tutti i generi. Solisti di spicco come Walter Gieseking hanno suonato i suoi concerti per pianoforte, mentre Hermann Scherchen, Paul Sacher e altri direttori d'orchestra hanno sostenuto le sue opere orchestrali.

Per motivi di salute, Moeschinger rinunciò all'insegnamento a Berna nel 1943 e successivamente visse come artista libero professionista a Saas Fee, Ascona e Thun, dove morì nel 1985.

Perché oggi la sua musica viene eseguita così raramente? Non può essere dovuto alla sua qualità. I suoi concerti per pianoforte e le opere per pianoforte solo in particolare rivelano un uso estremamente abile delle possibilità dello strumento. Per questo non si può che essere grati all'editore Müller & Schade per aver pubblicato l'opera Sonatina op. 66 è stata pubblicata di recente. Un'opera varia in tre movimenti per un totale di 13 pagine, che ricorda la Sonatine pour piano di Ravel, e non solo per la sua breve durata. Anche nel caso di Ravel, il titolo non si riferisce a un brano studentesco, ma piuttosto a una deliberata ed economica riduzione della dimensione temporale.

Le esigenze pianistiche non sono eccessive e la scrittura pianistica è generalmente molto buona. Alcuni passaggi richiedono un abile incrocio delle mani (che a volte è un po' scomodo nell'opera di Ravel...). Nonostante la deliberata riduzione dei mezzi compositivi, i tre movimenti sono molto diversi per carattere e sonorità, così che l'impressione di un ricco percorso musicale rimane nella memoria.

Si spera che l'editore Müller & Schade pubblichi in futuro altre trouvailles di Moeschinger. (Finora sono disponibili per pianoforte: Kleine Klavierstücke M&S 1999, Danses américaines M&S 2095, Fête de capricorne, M&S 2107) e magari anche con un testo di accompagnamento e ulteriori informazioni su questo appassionante musicista.

Albert Moeschinger: Sonatina per pianoforte op. 66, M&S 2144, fr. 12.00, Müller & Schade, Berna

Al di fuori della sfera culturale francese, i due quartetti per archi op. 112 (1899) e op. 153 (1918) di Camille Saint-Saëns conducono un'esistenza marginale. Le opere di altri compositori francesi sono troppo dominanti, soprattutto le pietre miliari epocali del genere di Claude Debussy (op. 10, 1893) e Maurice Ravel (Fa maggiore, 1904). Ma anche i contributi di Darius Milhaud, Gabriel Fauré e César Franck non sono stati completamente dimenticati.

Saint-Saëns è un fenomeno della storia della musica. Come Max Bruch, non ha mai abbandonato la strada della tonalità e alcune delle sue opere suonano fuori dal tempo. Tuttavia, mentre il Quintetto in la minore e l'Ottetto in si bemolle maggiore di Bruch del 1918/19, ad esempio, potrebbero essere stati scritti 60 anni prima, i due quartetti per archi in mi minore (1899) e in sol maggiore (1918) del compositore francese mostrano chiaramente i tratti del loro tempo di composizione. Saint-Saëns era piuttosto aperto nei confronti di Gustav Mahler e di altri modernisti che si rifacevano al tardo romanticismo, mentre etichettava come "pazzi" coloro che rovesciavano le leggi e le forme conosciute, come Igor Stravinsky, Debussy e il gruppo Les Six.

La sua musica è sempre tecnicamente impeccabile, caratterizzata da grande raffinatezza e ingegnosità e da melodie accattivanti. Allo stesso tempo, è sempre strettamente legata alla tradizione e ancorata ai principi formali che si sono evoluti nel corso dei secoli. Allo stesso tempo, però, è pieno di sorprese, idee brillanti ed effetti introvabili altrove. Questo caratterizza l'individualista Saint-Säens, che spesso è stato ingiustamente accusato di essere arretrato solo perché non ha voluto seguire gli sconvolgimenti del XX secolo. Egli, infatti, mutava costantemente nel proprio stile, l'unico a sua disposizione, anche se a volte sceglieva di tornare indietro. È possibile essere innovativi anche in un linguaggio ancestrale che riconosce le proprie radici. Non va dimenticato che il compositore è stato un pianista e un musicista focoso fino alla fine.

I due quartetti sono molto diversi. Con i suoi 30 minuti di durata, il 1° Quartetto per archi sovrasta già la sua controparte di Haydniana brevità, composta quasi una generazione dopo. Nell'annuncio della casa editrice Bärenreiter si legge che la forma e lo stile dei quartetti si rifanno (tra l'altro) all'estetica di questo grande padre del genere. Questo è a volte sorprendentemente vero nel secondo quartetto, ma come argomento di vendita o stigma - a seconda di come lo si guarda - è troppo poco. Il compositore corregge e contrasta sempre questa vicinanza immediatamente con l'inaspettato, ad esempio con tecniche fugali grandiose e complesse. Nell'opera tarda, più tradizionale, è particolarmente coinvolgente il movimento lento, profondamente sentito, che può certamente essere inteso come un'allusione alla devastazione e alla tristezza dell'epoca. Il 1° Quartetto, suonato dalle grandi star della scena d'archi francofona subito dopo la sua pubblicazione (ad esempio Eugène Ysaÿe e Pablo Sarasate), non è altro che un capolavoro senza riserve. Con le sue ricche armonie, il contrappunto e i passaggi d'effetto, ritmicamente avvincenti come lo Scherzo, gli archi gratificati e pieni di melodia appassionata, merita il posto che gli spetta accanto alle opere dei famosi tardo-romantici.

Camille Saint-Saëns: Quartetto per archi n. 1 in mi minore op. 112, parti, BA 10927, € 32,95; Quartetto per archi n. 2 in sol maggiore op. 153, parti, BA 10928, € 34,95; n. 1 + 2, partitura di studio, TP 779, € 29,95; Bärenreiter, Kassel

Lo si potrebbe definire aridamente un "contributo alla ricerca biografica". Ma le "Conversazioni con sei compositori e una compositrice sui loro anni di studio" di Werner Grünzweig offrono molto di più che retrospettive soggettive di compositori ormai affermati. Se si leggono con attenzione le interviste a Peter Ablinger, Orm Finnendahl, Georg Friedrich Haas, Hanspeter Kyburz, Bernhard Lang, Isabel Mundry ed Enno Poppe, si ottengono spunti profondi, vivaci e sfaccettati che dicono molto sull'educazione estetica, sulla psicologia e, non ultimo, su un certo ambiente chiamato Nuova Musica.

Il compositore e professore di composizione austriaco Gösta Neuwirth è un punto di riferimento costante. Dal 1980 al 1990 circa, ha insegnato a tutti e sette i ritratti, in parte a Graz e in seguito a Berlino. Neuwirth era un mecenate liberale per il quale la tecnica compositiva significava molto, ma non tutto. Ai suoi studenti parlava di cinema, letteratura e pittura. Hanspeter Kyburz, cresciuto in Svizzera, è stato ispirato dal periodo di studio a Graz proprio per la diversità: "Le lezioni di Gösta erano molto stimolanti, molto aperte, mondi stranieri. Ma cosa fare con questi alieni che hai visto?".

Una domanda davvero centrale. Chiunque visualizzi lo sviluppo dei sette compositori, molto diversi tra loro, giunge alla conclusione che ognuno di loro ha costruito il proprio mondo estetico. Kyburz ha intrapreso una direzione quasi scientifico-oggettiva, Peter Ablinger ha perseguito un'estetica concettuale che supera i confini, mentre Georg Friedrich Haas si è dedicato con successo all'esplorazione del suono microtonale. Il fatto che non abbia sviluppato una scuola nel senso di Arnold Schönberg depone chiaramente a favore di Neuwirth. Ci sono professori di composizione molto più rigidi e con un concetto di musica molto più ristretto.

Sebbene Neuwirth sia l'anello di congiunzione, Grünzweig non si occupa principalmente di insegnare la composizione. Nelle interviste - già condotte nel 2007 e nel 2008 - pone le sue domande apertamente, guidate dal flusso della conversazione e adattate al rispettivo compositore. Questo metodo porta a un'accattivante varietà di argomenti e a un tono molto personale. Anche gli specialisti di un compositore o di un altro scopriranno qualcosa di nuovo e saranno in grado di leggere tra le righe (soprattutto quando non vengono citati i nomi). I flashback degli anni Ottanta sono quasi malinconici. All'epoca c'era ovviamente molta più libertà di oggi, quando anche gli studi di composizione stanno gradualmente diventando sempre più scolastici. Fondamentalmente, il libro è un appello all'apertura liberale, un'apertura che rende possibili percorsi autodeterminati e sicuri di sé.

Werner Grünzweig: Come si crea la musica? Conversazioni con sei compositori e una compositrice sul loro periodo di studio, 200 p., € 19,80, von Bockel-Verlag, Neumünster 2019, ISBN 978-3-95675-026-7

Le otto miniature per due violini di Rudolf Kelterborn hanno un tempo di esecuzione totale di sette minuti - più le "chiare pause di rilassamento" raccomandate dal compositore. Il Otto ideecome li chiama lui, possono essere eseguiti in qualsiasi ordine, motivo per cui le partiture sono stampate su fogli singoli. Le impegnative formazioni ritmiche complementari richiedono una grande presenza mentale. Le richieste tecniche sono varie e molto stimolanti. Quando si esprimono idee, ci sono pause di riflessione; di conseguenza, le fermate sono spesso prescritte su pause o suoni (a volte anche sulla durata in secondi!). Si alternano eccitazione, tranquillità vocale, impegno preciso e danza omofonica.

Rudolf Kelterborn, nato nel 1931 - "compositore, pensatore musicale, mediatore", come lo definisce Andreas Briner nel titolo del suo libro pubblicato nel 1993 - ha dedicato questi duetti a Bettina Boller e Malwina Sosnowski.

Rudolf Kelterborn: Otto idee per due violini (2018), BA 11408, € 28,50, Bärenreiter, Kassel

Dopo 13 anni di mandato, Valentin Bischof si è dimesso dalla carica di Presidente della SBC. All'assemblea dei delegati dell'associazione, Luana-Menoud Baldi, membro della direzione dell'associazione dal 2021, ha prevalso sul musicista professionista Armin Bachmann come suo successore con una netta maggioranza. Menoud-Baldi, nata in Ticino e residente nel Canton Friburgo, è la prima donna a ricoprire questa carica.

I delegati della SBC si sono riuniti al Kultur- und Kongresshaus di Aarau per il loro incontro annuale, che avrebbe dovuto svolgersi a marzo ma che ha dovuto essere rinviato a causa della pandemia di coronavirus. L'associazione, la più grande associazione musicale amatoriale della Svizzera, conta 30 organizzazioni associate con quasi 70.000 musicisti.

Johann Sebastian Bach ha preceduto alcune delle sue cantate con una sinfonia come introduzione strumentale invece di un coro di apertura. Si tratta sempre di gemme di musica da camera con una strumentazione spesso insolita.

Il presente Concertino a 5 unisce ora le sinfonie delle cantate BWV 18 e 152 (Mentre la pioggia e la neve cadono dal cielo e Percorrere il cammino della fede) in un'opera strumentale in tre movimenti. Per rendere possibile la combinazione dei brani, è stato necessario armonizzare la strumentazione. Quella dell'introduzione della cantata BWV 152 con flauto dolce contralto, oboe, viola (originariamente viola d'amore), viola da gamba e basso continuo è stata adottata senza modifiche. La strumentazione originale della Sinfonia del BWV 18 era piuttosto insolita con quattro viole e continuo; nella ripresa è stata addirittura rafforzata da due flauti dolci in ottava parzialmente colla parte. Ora sono state apportate importanti modifiche a questo brano: le due parti superiori originali della viola sono state trasferite al flauto dolce e all'oboe con posizioni di ottava parzialmente modificate o parti scambiate, e la viola da gamba e la viola da gamba sono state incluse nel motivo. Piccoli ritocchi tecnici su entrambi gli strumenti ad arco completano la preparazione di questa nuova e attraente strumentazione.

La Sinfonia riarrangiata forma ora il primo movimento di questo concertino, in cui la pioggia e la neve cadenti sono musicalmente rappresentate nel carattere di una ciaccona. L'Adagio da BWV 152 nel movimento centrale, lungo solo quattro battute e caratterizzato da voci superiori finemente cesellate, conduce a una delle poche fughe strumentali delle cantate di Bach.

Ci si chiede se sia legittimo fare interventi così importanti in un'opera. Ci sono tre ragioni a favore: Bach stesso trattava le sue composizioni in modo altrettanto libero e cambiava la strumentazione, proprio come un approccio libero alla strumentazione era pratica comune all'epoca. In secondo luogo, tutti i cambiamenti sono spiegati in modo plausibile e accuratamente documentati. In terzo luogo, due sinfonie indipendenti vengono così combinate per formare un nuovo lavoro che rappresenta un arricchimento assoluto della letteratura cameristica in termini di suono e composizione.

Johann Sebastian Bach: Concertino a 5 dopo movimenti strumentali dalle cantate della chiesa di Weimar, per flauto dolce, oboe, viola da braccio, viola da gamba e b.c., a cura di Klaus Hofmann, EW 1085, € 21,80, Edition Walhall, Magdeburg