A differenza di aree affini come il basso continuo, non esiste praticamente alcuna letteratura sul tema della partitura. Ciò è certamente dovuto alla complessità dell'argomento, che comprende anche aree specialistiche come la lettura a vista, la strumentazione, l'armonia e la stilistica. Di conseguenza, la didattica è difficile da presentare in modo chiaro.

I due volumi, ormai fuori catalogo, rappresentano un tentativo riuscito in questo senso. Scuola di spartito di Günter Fork (pubblicato nel 1980), che però non hanno potuto dimostrare la loro validità in classe a causa delle loro dimensioni. I quattro libretti sono ancora attuali Punteggio giocando di Heinrich Creuzburg (pubblicato nel 1956), in cui però vengono proposti arrangiamenti pianistici del tutto impraticabili. Per quanto riguarda questo aspetto, l'opera di Alfred Stenger Giocare con i punteggi è facile del 2004 è un approccio interessante, anche se il «reso facile» è ingannevole, perché suonare le partiture non è facile!

Accesso completo, assistenza concreta

Ora Paul Suits presenta un nuovo libro in inglese, sapientemente strutturato, e affronta questo fatto: «Ci sono campi artistici in cui l'ispirazione supera la traspirazione. Nella lettura del punteggio è vero il contrario [...]». Le istruzioni sono concise e l'esperienza pluriennale dell'autore nell'insegnamento è evidente.

Suits insegna a leggere gli strumenti traspositori imparando le cosiddette «vecchie chiavi»: se si sostituisce una chiave marcata con un'altra, il tono di riferimento si sposta, dando luogo a una trasposizione. Se si correggono anche alcuni segni di trasposizione, è possibile leggere direttamente una parte in trasposizione. Il testo è preceduto da un utile esercizio di lettura che aiuta gli studenti a familiarizzare con il sistema di riferimento di ogni nuova chiave. Utilizzando esempi selezionati in modo eccellente dalla letteratura, si viene poi guidati attraverso tutte le chiavi e le trasposizioni presenti in orchestra.

Suits raccomanda il basso figurato e i simboli degli accordi assoluti per comprendere le relazioni armoniche. Particolarmente preziosi sono i capitoli «Arrangiare la partitura al pianoforte» e «Affrontare i pezzi non suonabili». I metodi e gli esempi suggeriti sono pratici: da un lato, la riduzione di un movimento orchestrale alla sua struttura armonica e la successiva aggiunta di parti suonabili; dall'altro, la lettura regolare e l'ascolto interiore senza strumento. Suits comprende il concetto di «suonare la partitura» in modo completo e utilizza il titolo Punteggio Lettura con uno scopo: «Nel lavoro con i miei studenti, le tecniche di suonare, cantare, immaginare e analizzare la partitura sono tutte impiegate, spesso alternate in rapida successione».»

Questo libro, ricco di utili suggerimenti, è altamente consigliato a chiunque voglia affrontare la difficile disciplina della lettura del punteggio!

Paul Suits: Lettura della partitura: principi antichi e nuovi approcci, 124 p., € 37,00, Tredition, Amburgo 2025, ISBN 978-3-384-57748-1

Ci sono film che si vedono. E ci sono film che si ascoltano. L'ultimo lavoro di Anka Schmid Melodia appartiene chiaramente alla seconda categoria. Si potrebbe anche definire «una colonna sonora con un'immagine». Proiettato per la prima volta nella categoria Sounds al Festival di Zurigo il 28 settembre 2025 e regolarmente distribuito nelle sale dal marzo 2026, è molto più di un documentario musicale: è un mosaico poetico su come il canto possa diventare un'ancora di salvezza, un rituale, una resistenza, un conforto e un'appartenenza.

I protagonisti sono diversi come le loro voci. C'è la donna nera Joanna Kora, che trasforma in canto le sue esperienze nel movimento Black Lives Matter e, come insegnante di musica e cantante del coro Go and Sing, ispira speranza ed entusiasmo a ogni nota. La casara dell'Appenzello che protegge non solo le sue mucche, ma anche se stessa, notte dopo notte con la benedizione delle Alpi. L'hip-hopper ticinese, combattuta tra la rabbia per la mancanza di sostegno alla cultura giovanile alternativa e le sue profonde radici nella sua terra d'origine. Il curdo, a cui sette anni di prigione non hanno tolto la voce e che ora canta canzoni alla sua giovane figlia in Svizzera affinché lei, curda senza patria, non resti senza cultura. E l'ultima cantante morta su un'isola greca che, dopo la perdita del marito, trova sostegno e scopo nella vita solo attraverso il lamento - e si pone l'angosciante domanda: Chi canterà il suo lamento quando lei stessa non ci sarà più?

Il canto è più che un suono

Schmid racconta queste storie senza pathos, trasportato dalla musica e dai volti dei cantanti. La macchina da presa cattura la luminosità, la stanchezza, la passione. Ma il vero fulcro è la colonna sonora. L'ingegnere del suono Reto Stamm fa ampiamente a meno della distorsione elettronica, trasmettendo le voci pure, non distorte, in tutta la loro fisicità. Si sentono le pause del respiro, gli attriti, le imperfezioni, ed è proprio questo che rende il film così reale.

Alla fine, quando le giovani donne dello sciopero femminile riempiono la piazza cantando e suonando il tamburo, il cerchio si chiude: il canto è più di un semplice suono. Supera i confini e avvicina gli estranei più di qualsiasi discussione. Il film di Schmid dimostra che possiamo incontrarci nella felicità del canto, indipendentemente dall'origine, dalla lingua o dal colore della pelle. Un film documentario che non rimane solo nell'orecchio, ma anche nel cuore.

Melodia. Anka Schmid, Scritto e diretto da. Frenetic-Films. Nei cinema dal 5 marzo 2026.

Rimorchio

La selezione di queste 17 canzoni popolari svizzere è rappresentativa: sono incluse le più popolari di tutte e quattro le regioni linguistiche. Alcune di esse sono «canzoni d'arte» che sono diventate di uso comune grazie alla loro popolarità. Il compositore e suonatore di flauto dolce di Basilea Raphael Benjamin Meyer presenta gli arrangiamenti della sua casa editrice Basilisk, che possono essere suonati da qualsiasi strumento in trio o in duo con un accompagnamento di pianoforte, che risulta dalle due voci inferiori.

L'offerta di scaricare gratuitamente le singole parti per la trasposizione degli strumenti o con una diversa chiave di violino tramite codice QR dal sito web dell'editore è molto utile. basilisco-edizione.ch da scaricare. In un'esecuzione con un trio d'archi, ad esempio, la seconda parte è in chiave di viola e nell'ottava «corretta», in modo da non sovrapporsi alla prima.

Il movimento è fatto con maestria; è più nella direzione della «musica d'arte», ma suona estremamente bene e darà ai giovani musicisti in particolare un sacco di piacere nella loro prima esperienza di musica da camera. Come di consueto nella maggior parte delle raccolte di canzoni, non ci sono marcature di tempo, solo una volta viene chiamato «Swing». Il livello di difficoltà è basso, l'esperienza nella lettura della musica è un vantaggio. I testi sono corredati di tutte le strofe di tutte le canzoni, il che consente anche di eseguirle vocalmente. Tuttavia, le canzoni devono essere trasposte per ottenere una tonalità di canto confortevole.

Canzoni popolari con e senza autore

Per quanto queste canzoni popolari possano essere familiari alle generazioni più anziane, andranno perse per i bambini e i giovani se si canterà sempre meno nelle scuole primarie. Oggi le scuole di musica si assumono il compito di preservare la nostra tradizione musicale. Canzoni come Luegid vo Bärg e Tal, Le ranz des vaches, Guggisberglied, Le vieux chalet, Aprite le porte, Dorma bain e Da Lozärn verso Weggis e molti altri ancora vengono portati alle giovani generazioni di musicisti o ricordati grazie a questi arrangiamenti.

Canzoni meno popolari ma di autore noto come Weischus dü (Eugen Meyer, *1934), Mi chiedi chi sono (Heidi Stucki, 1915-2012) e Anneli dove sei andata ieri? (Gottfried Bohnenblust, 1883-1960) hanno trovato spazio in questa collezione.

Trii svizzeri, per flauti dolci, archi o altri strumenti arrangiati da Raphael Benjamin Meyer, partitura e parti (online), RM 21, Fr.23.50, Basilisk Edition, Basilea

Clara Schumann gode giustamente della fama di musicista eccezionale del XIX secolo. La sua fama superò persino quella del marito Robert. Come virtuosa, compositrice e insegnante, ha lasciato il segno su un'intera epoca. La sua opera compositiva, non eccessivamente vasta, è stata eseguita sempre più spesso negli ultimi anni. Il Teatro dell'Opera di Zurigo sta attualmente organizzando un'intera serata di balletto basata sulla vita di questa eccezionale artista. Circa trenta compositori le dedicarono opere per pianoforte, anche se lei ne incluse solo poche nel suo repertorio.

La pianista svizzera Kathrin Schmidlin prosegue il suo lavoro con il doppio CD pubblicato da Claves Dedicato a Clara Schumann per opere di dieci compositori e una compositrice, la maggior parte dei quali non è mai stata ascoltata in una sala da concerto. Nella scelta delle opere è stata consigliata da Walter Labhart. Schmidlin ha studiato a Zurigo, Norimberga e Basilea con Karl-Andreas Kolly, Wolfgang Manz e Tobias Schabenberger. I suoi precedenti CD sono stati dedicati a opere di compositrici donne e sono stati recensiti molto positivamente.

Da Bargiel a Smetana

Questa registrazione offre uno spaccato straordinariamente interessante della musica per pianoforte dell'epoca romantica. Tra i compositori figurano Alexander Dreyschock e Stephen Heller, famosi virtuosi del pianoforte, Felix Mendelssohn Bartholdy e Vinzenz Lachner, stimati direttori d'orchestra, Woldemar Bargiel, fratellastro di Clara Schumann, e Johann Peter Emilius Hartmann, importanti insegnanti universitari, ed Eduard Bernsdorf, uno dei più importanti scrittori di musica.

In tutte le sue opere si avverte una grande familiarità con il pianoforte. Naturalmente, lo stesso vale per Johannes Brahms, che ha scritto un'opera che è stata arrangiata per vari strumenti da numerosi altri compositori. Gavotte di Christoph Willibald Gluck, e per Robert Schumann, il cui cosiddetto Variazioni fantasma, scritte poco prima della sua morte, sono un pezzo molto particolare che non si rivela necessariamente al primo ascolto. Elisabeth von Herzogenberg Allegro appassionato è stata dedicata a Clara Schumann dal marito dopo la sua morte. Bedřich Smetana 4 schizzi dimostrano che la sua musica per pianoforte è stata ingiustamente dimenticata. Inoltre, i brani di Bargiel e Bernsdorf, quest'ultimo in prima registrazione, meritano un ascolto particolare.

Kathrin Schmidlin suona con passione e grande abilità tecnica. I pezzi virtuosi sono particolarmente stimolanti. Purtroppo, il suono del pianoforte è molto diretto, come se fosse registrato da troppo vicino, e si sentono anche i rumori della pedalata. Oltre che per la sua qualità artistica, questa registrazione impegnata può essere raccomandata anche per il suo valore di repertorio.

Dedicato a Clara Schumann. Opere di Bargiel, Lachner, Dreyschock, Heller, R. Schumann, E. von Herzogenberg, Brahms, Hartmann, Mendelssohn, Bernsdorf, Smetana. Kathrin Schmidlin, pianoforte. Claves Records 3122/23

Per evitare che le inevitabili lunghe spiegazioni introduttive possano rovinare il piacere dell'ascolto: Antitopèia offre una miscela incredibilmente dinamica e atmosferica di influenze globali e prestazioni locali che ci porta la sua audacia sperimentale con molto calore.

Il gruppo The Sea Around Us è composto dal batterista, polistrumentista e compositore zurighese Mario Marchisella e dal clarinettista, bassista e synth specialist italo-sudafricano João Orecchia, che attualmente vive a Marsiglia. I due si sono incontrati a Johannesburg nel 2008, quando Marchisella vi soggiornava nell'ambito di una residenza Pro Helvetia con la sua compagna di vita e di lavoro Marianne Halter - i due sono impegnati in video e altre installazioni artistiche. Hanno subito riconosciuto uno «spirito affine», che in seguito ha portato ad altri progetti di ogni tipo in Sudafrica e in Svizzera.

Ora lo scambio creativo ha finalmente trovato espressione in un album. Il lavoro è iniziato con una settimana di incontri nello studio di Marchisella a Zurigo. Le «jam» quotidiane, della durata di un'ora, sono state tutte registrate e poi - a casa - passate al setaccio separatamente per trovare i passaggi più promettenti.

In un secondo incontro, hanno integrato le registrazioni originali selezionate con parti strumentali aggiuntive e arrangiamenti elettronici. Ora sentivano il bisogno di altri ingredienti. L'artista vocale Saadet Türköz, l'artista della parola Gilles Furtwängler e la violinista/musicista elettronica Magda Drozd hanno trascorso mezza giornata in studio e hanno risposto al materiale sonoro presentato loro con i propri contributi.

Anche grazie a un sottofondo di basso di influenza sudafricana, a una batteria decisa e a pads di synth atmosferici, questi pezzi sono quasi carnali nella loro sensuale ricchezza.

Il mare intorno a noi: Antitopèia. Mario Marchisella, batteria, chitarra, pianoforte, basso; João Orecchia, clarinetto basso, sintetizzatore, basso. Ospiti: Magda Drozd, Violino, Elettronica (1, 2, 3), Saadet Türköz, Testi e Voce (2, 4), Gilles Furtwängler, Testi e Voce (1, 6). Digitale e vinile. Audioscope/Irascibile

Tra gli organisti si può trovare una razza speciale di musicisti completi: quasi universalmente istruiti, ugualmente abili nell'interpretazione, nell'improvvisazione e nella composizione (dove quest'ultima è spesso un po' trascurata), ben versati nella letteratura e nella teologia, attivi nel confronto diretto con la rete sociale e liturgica del servizio ecclesiastico; inoltre, c'è la conoscenza della costruzione e dell'insegnamento dell'organo. Artigianato e sovrastruttura spirituale vanno davvero di pari passo.

Daniel Glaus combina tutto questo nel suo lavoro. Nato a Berna nel 1957, ha lavorato come organista presso la Stadtkirche Biel dal 1985 al 2006 e dal 2007 come organista presso la cattedrale di Berna, dove era responsabile della musica da chiesa e della musica serale. A ciò si è aggiunta una cattedra di organo e composizione presso la HKB. Ha insegnato composizione e strumentazione alla ZHdK. Si è ritirato da queste posizioni alla fine del 2022. Ma Glaus non è mai stato solo un musicista di chiesa: l'incontro con il suo maestro Klaus Huber e in seguito soprattutto con Luigi Nono lo ha portato a pensare al di là dell'aspetto puramente musicale delle sue opere. La storia è presente nella sua musica tanto quanto il presente immediato.

Questo si riflette nelle sue opere per quartetto d'archi, che segnano la sua evoluzione. Il primo quartetto, composto nel 1980 durante gli studi al Conservatorio di Berna, è già pienamente formato e riflette la sua precoce esplorazione delle forme classiche (fuga, scherzo, corale) e della tecnica dodecafonica in modo indipendente. Il terzo titolo Naezach del 2001 è una versione per quartetto del primo movimento della terza delle quattro opere orchestrali Sinfonie di Sephiroth e fa riferimento al misticismo ebraico, la Cabala. Il quarto, presentato in anteprima al Festival di Musica di Berna nel 2023, dispiega una ricchezza sonora ancora maggiore. Suoni spettrali sono inseriti in ampi campi sonori, spesso grezzi, persino indomiti, ma poi ancora belli come in un canto gregoriano, persino alpino, simile a una benedizione.

Il confronto drammatico con il bel suono, in un modo tanto affascinante quanto autocritico, appare sempre di nuovo nel lavoro di Daniel Glaus: È un segno di resistenza, di ascolto. La musica non si sottomette completamente, ma sfida sempre. Questo vale anche per la cantata poetica Chammawet Ahawah per soprano, arpa e quartetto d'archi. Una canzone d'amore poliglotta, basata sul Cantico dei Cantici dell'Antico Testamento, ma tanto intima quanto a volte impetuosa. Per tutto questo Glaus ha a disposizione i migliori interpreti: Christina Daletska e Consuelo Giulianelli nella cantata e il fenomenale Quartetto Arditti nell'intero CD.

Daniel Glaus: Opere per e con quartetto d'archi. Quartetto Arditti; Christina Daletska, soprano; Consuelo Giulianelli, arpa. Neos 12508

Suite di Grieg Dal tempo di Holberg è uno dei pilastri del repertorio per orchestra d'archi. Tuttavia, affinché il ritmo incalzante del primo movimento, le belle cantilene nelle parti multiple divise dei movimenti centrali e il rigaudon virtuoso degli assoli siano adeguatamente enfatizzati, sono necessari interpreti di alto livello. Per me, questa suite è un pezzo per orchestre da camera professionali, o al massimo semi-professionali. E una meravigliosa introduzione alla musica per giovani ambiziosi suonatori d'archi!

A maggior ragione mi rallegro della pubblicazione di questa nuova edizione di Henle, che offre tutti i comfort oggi indispensabili: Numeri di battuta nella partitura e in tutte le parti, carta di grande formato in qualità spessa, parti in 3/3/2/2/1, notazione musicale chiara e una paginazione adatta all'esecuzione. Se viaggiate in digitale, potete acquistare la partitura e le parti anche nell'app Henle.

Prima per pianoforte, poi per orchestra d'archi

Edvard Grieg compose la suite nel 1884 in occasione del 200° compleanno del polimatico e poeta norvegese Ludvig Holberg (1684-1754), che egli definì anche il "Molière del Nord". La versione per orchestra d'archi è stata preceduta da quella per pianoforte a due mani (anch'essa disponibile presso Henle, HN 432). Oggi è meno conosciuta dell'arrangiamento per orchestra d'archi completato dal compositore nel febbraio 1885. Sembra che Edvard Grieg avesse già in mente il suono degli archi quando compose l'opera per pianoforte. Il quarto movimento "Aria" è uno dei più bei pezzi per archi, musica per l'isola deserta!

L'editore Ernst-Günter Heinemann cita come fonti essenziali le prime edizioni della partitura e delle parti pubblicate da Peters a Lipsia (1886) con le annotazioni autografe del compositore. Grieg stesso diresse la prima a Bergen il 13 marzo 1885 (da parti manoscritte). L'autografo, che in seguito servì come modello di incisione per l'editore, è purtroppo andato perduto. Le arcate e le diteggiature occasionali, inserite nelle parti, erano probabilmente già presenti e corrispondono interamente alle idee dell'autore. Sono stati inclusi in questa edizione Henle. Ma - non preoccupatevi - sono poche e tutte buone!

Grieg non può negare se stesso

Se il Suite Holberg Anche se si tratta di un barocco "romantico", che ha poco in comune con la conoscenza odierna della pratica musicale storicamente informata, è comunque un prezioso documento contemporaneo della ricezione della musica barocca ai tempi di Grieg. L'opera ci permette di prendere atto con un sorriso di come il suo creatore romantico rimanga sempre riconoscibile attraverso l'idioma barocco, nonostante la sua osservazione in una lettera a Julius Röntgen del 1884: "In realtà è un buon esercizio, come eccezione, nascondere la propria personalità".

Edvard Grieg: Dal tempo di Holberg. Suite nel vecchio stile op. 40, versione per orchestra d'archi, a cura di Ernst-Günter Heinemann; partitura, HN 3320, € 22,00; set di parti, HN 3322, € 45,00; partitura di studio, HN 7012, € 10,00; G. Henle, Monaco di Baviera

I violoncellisti possono talvolta guardare con un po' di invidia alla letteratura violinistica. Certo, la letteratura violoncellistica comprende il profondo Concerto in la minore di Robert Schumann. Ma contiene anche un "gioiello del cuore", come Joseph Joachim descrisse il Concerto per violino in mi minore di Felix Mendelssohn Bartholdy nel 1906?

Almeno il Concerto per violoncello n. 1 in re minore op. 193 (1874) di Joachim Raff colma parzialmente questa presunta lacuna. L'opera 64 di Mendelssohn ne è stata chiaramente l'ispirazione. L'ingresso appassionato dello strumento solista dopo due battute di introduzione orchestrale all'inizio, la brillante cadenza alla fine del primo movimento, la fluida transizione nel secondo movimento, anch'esso in metro 6/8, il vivace tema del rondò del terzo movimento: sono tutti elementi in cui il grande modello si riflette in modo udibile. Nel terzo movimento, Raff aggiunge il tema perennemente preferito di Paganini Moto perpetuo op. 11.

Le recensioni contemporanee furono prevalentemente positive. Tuttavia, nel XX secolo, la vicinanza di quest'opera al Concerto per violino di Mendelssohn è stata talvolta criticata come poco originale. A torto! Il primo concerto per violoncello di Raff, dedicato a Friedrich Grützmacher, è un profondo tributo e un convincente omaggio al suo grande modello e offre agli esecutori una ricca tavolozza di espressioni musicali, come appassionate cantilene e brillanti passaggi, che non mancheranno di avere un effetto sul pubblico.

Il concerto è stato pubblicato da Breitkopf und Härtel in una nuova edizione critica curata da Jonas Kreienbühl e Andrea Wiesli.

Joachim Raff: Concerto per violoncello e orchestra n. 1 in re minore, a cura di Jonas Kreienbühl e Andrea Wiesli, partitura, PB 5715, € 65,00, Breitkopf & Härtel, Wiesbaden

Chi non li ha mai visti, i graziosi organi domestici, spesso dipinti a colori, che si trovavano nella camera di colmo di molte case coloniche del Toggenburgo tra la fine del XVIII e l'inizio del XIX secolo? Questo libro meticolosamente studiato e documentato dal musicista, musicologo e organaro Markus Meier è quindi naturalmente dedicato alla storia e al contesto della costruzione di organi domestici locali.

Questo può svilupparsi nell'arco di circa 75 anni e porta a un tipo di strumento quasi standardizzato e perfezionato, soprattutto negli strumenti della famiglia Looser (in appendice si trova un catalogo di opere con quasi 100 strumenti). Meier fa luce anche sulla costruzione di organi ecclesiastici nella regione e fa riferimenti incrociati rivelatori che riconducono alla tradizione organaria del Vorarlberg e della regione del Lago di Costanza.

Organi e denominazioni

Con il suo libro, Meier riesce a collocare il suo tema, che a prima vista può sembrare piuttosto "locale", in un contesto di condizioni sociali, confessionali e politico-religiose che si estende ben oltre il Toggenburg (la "più importante area di tensione nella Confederazione confessionalmente divisa", secondo l'autore).

Nel periodo successivo alla Riforma, le sue chiese furono inizialmente spesso utilizzate in egual misura da entrambe le confessioni, ma rimasero sotto il controllo del principe abate di San Gallo, il che significava che il divieto riformato sugli organi poteva essere aggirato "con la benedizione cattolica", per così dire. Contemporaneamente al ritorno dell'organo in chiesa, anche l'organo domestico svolse un ruolo importante nelle devozioni domestiche quotidiane della famiglia, nello spirito del pietismo (un collegamento tra la cultura dell'organo domestico e il divieto zwingliano di usare l'organo è quindi palesemente falso). L'avvento del fortepiano ha infine soppiantato gli organi domestici, che tuttavia in alcuni luoghi sono stati trasferiti nelle chiese, almeno come soluzione temporanea.

Conclusione

Un libro caldamente raccomandato a tutti gli interessati agli organi, che documenta un importante capitolo della storia organaria ecclesiastica e secolare del nostro Paese sullo sfondo confessionale, secondo lo stato più recente della ricerca. È auspicabile che, in considerazione delle numerose e variegate attività che circondano la cultura organaria della casa del Toggenburg, possa seguire una pubblicazione sul materiale musicale superstite, ancora in gran parte inedito, e sul repertorio suonato!

Markus Meier: Geächtet, geliebt und geduldet - Die Orgel im nachreformatorischen Toggenburg, 400 p., Fr. 48.00, Chronos, Zurigo 2025, ISBN 978-3-0340-1796-1 (E-book gratuito)

Se la musica fosse uno sport, questo album avventuroso, dal ritmo incalzante e non ultimo verbalmente impegnativo, batterebbe dei record. Contiene non meno di 69 brani, per una durata totale di 36 minuti e 24 secondi. Il contributo più breve dura 7 secondi, il più lungo un quasi elefantiaco 1'41".

Ebbene, il compositore e sassofonista di Baden Christoph Gallio non ha mai scelto la strada della minor resistenza, il che ha portato a molte esperienze edificanti e sorprendenti nei lavori dell'ensemble Day & Taxi, che esiste in varie formazioni dal 1988. Qui non cambia nulla, eppure tutto è diverso. Da oltre trent'anni, Gallio è particolarmente interessato alle opere di Gertrude Stein (1874-1946), scrittrice e collezionista d'arte nata in Pennsylvania, la cui cerchia a Parigi comprendeva in seguito Picasso, Hemingway, Scott Fitzgerald e Matisse. La sua opera letteraria si caratterizza soprattutto per la struttura musicale, spesso ripetitiva, delle sue frasi, il cui significato raramente può essere racchiuso dagli usuali mezzi di cognizione linguistica. Precisamente: "Una rosa è una rosa è una rosa".

Poesia più breve, composizione più breve

Con Eppure il piatto è una lunga serie di brevi poesie pubblicate postume. Non c'è abbastanza spazio per spiegare le teorie di Stein sulle parole e sul loro significato - o sulla nostra idea di significato. Basti dire che queste mini-poesie scatenano sicuramente associazioni e percorsi di pensiero completamente diversi in ogni orecchio. Per esempio XLII: "Una torta di gelatina/una torta di gelatina/una torta di gelatina". Oppure XLV: "Copiare copiare copiare".

Dalla prima all'ultima nota, Gallio ha adattato a ciascuna di esse una breve composizione altamente focalizzata, indipendente nella costruzione e nella qualità tonale (cioè ispirata alle parole e allo stesso tempo dotata di una nuova dimensione), che sente le parole e ne fa suonare i contorni. In questo è aiutato dalla cantante franco-bernese Sonia Loenne, che ricorda tranquillamente Dagmar Krause, dal contrabbassista Vito Cadonau e dal batterista Flo Hufschmid. L'effetto complessivo delle miniature cristalline e levigate è un luccichio caleidoscopico in cui le parole si diffondono come il miele nel tè.

Stone Is A Rose Is A Stone Is A Stone di Christoph Gallio - Yet Dish, Gertrude Stein. Sonia Loenne, voce; Christoph Gallio, sassofono soprano e contralto; Vito Cadonau, contrabbasso; Flo Hufschmid, batteria e percussioni. Hat Hut Records

L'antologia Intelligenza artificiale dei suoni offre una solida panoramica delle attuali discussioni sull'intelligenza artificiale nell'industria musicale. Gli argomenti spaziano dalle basi tecniche alle questioni di protezione del copyright, produzione e mediazione, fino alle riflessioni sugli sviluppi della critica d'arte. La maggior parte degli articoli è di facile lettura. Tra i punti salienti si segnalano Ludger Brümmer, che rende comprensibile il principio statistico delle catene di Markov, importanti per l'IA, e Michael Schmidt con una panoramica degli strumenti fisici e digitali per la composizione con l'aiuto dell'IA.

Dorte Lena Eilers fornisce aneddoti divertenti sulle reazioni storiche delle pagine artistiche ai primi tentativi di comporre ed eseguire opere ispirate all'IA. La corporazione dei critici ha preso alla sprovvista ChatGPT, scrive l'autrice. La derisione che la scrittrice rivolge all'Ars Electronica di Linz e al Centro di Karlsruhe per l'arte e la tecnologia dei media, che "non hanno il futuro sotto controllo", potrebbe essere rivolta anche ai testi di questo libro.

Sebbene il sommario si chieda fino a che punto la "netta separazione tra lavoro, arrangiamento, interpretazione ed esecuzione si adatti ancora alla pratica musicale supportata dall'IA", l'argomento è trattato in uno stile convenzionale di feuilleton che separa nettamente queste aree. L'intera raccolta di testi sembra quindi un po' nostalgica. Dovrebbe essere utile per le generazioni che sono state socializzate prima della rivoluzione digitale. I nativi digitali e presumibilmente presto anche quelli dell'intelligenza artificiale utilizzeranno YouTube e ChatGPT per raccogliere informazioni sugli sviluppi dell'intelligenza artificiale nell'industria musicale. Con tutti i rischi connessi. E questo è probabilmente il principale punto di forza del libro: Ci si può fidare delle informazioni praticamente senza riserve.

Intelligenza artificiale dei suoni - Etica ed estetica della cultura musicale digitale, a cura di Michael Schmidt, 124 p., € 22,00, edizione testo + kritik, Monaco 2025 , ISBN 978-3-689-30030-2

"Non un secondo di ozio" si può trovare nelle opere di Dieter Ammann, secondo il suo famoso collega compositore Wolfgang Rihm, ora tristemente scomparso. Il fatto è che le creazioni del compositore argoviese, che insegna composizione all'Università di Musica di Lucerna, sono accolte con estremo favore dal pubblico. Il suo concerto per pianoforte Gran Toccata, a cui ha lavorato per diversi anni, è già stato eseguito in tutto il mondo con grande successo - anche grazie alla fenomenale interpretazione di Andreas Haefliger - e il suo concerto per viola nessun modello ha anche buone possibilità di diventare un pezzo di repertorio.

Tuttavia, Ammann è diventato particolarmente noto nell'ultimo decennio con quattro opere per grande orchestra, che in ordine cronologico sono Aumento (PREMIÈRE 2002), Nucleo (PREMIÈRE 2002), Girare (UA 2010) e bagliore (PREMIÈRE 2016). I primi tre sono stati commissionati dall'Orchestra Sinfonica di Lucerna e dal Lucerne Festival, bagliore L'Orchestra della Tonhalle di Zurigo e l'Orchestra Sinfonica di Berna si esibiranno insieme.

Abitudine all'improvvisazione e cura meticolosa

Il loro effetto accattivante si basa su diversi fattori: da un lato, si percepisce il passato di Ammann come musicista jazz e improvvisatore. Sebbene i quattro brani non contengano passaggi improvvisati o aleatori, ma al contrario siano "lavorati" fin nei minimi dettagli, hanno un groove ritmico che mantiene costantemente la tensione. Pierre Boulez li ha caratterizzati così: "Le opere orchestrali di Ammann costituiscono una sintesi di habitus apparentemente improvvisato e di cura meticolosa nella loro elaborazione". Questo modo di lavorare lo rende uno dei compositori più "lenti" tra i suoi contemporanei. Ammann scrive che comporre significa anche "sopportare la contraddizione di essere un cercatore in un mondo di cui si è allo stesso tempo creatori". D'altra parte, le opere sono molto varie e sensuali, in quanto Ammann utilizza tutte le possibilità di un'orchestra moderna nella sua orchestrazione, con le percussioni spesso in primo piano.

Naturalmente, musiche molto diverse hanno lasciato il segno nell'opera di Ammann; ci viene momentaneamente in mente il brano di John Adams Un breve viaggio in una macchina veloce, Mark-Anthony Turnages Tre papi urlantiGyörgy Kurtág Stele o anche di Alexander Mossolov Fonderia di ferroi; alcune armonie e timbri ricordano le opere degli impressionisti francesi o di Olivier Messiaen. Tuttavia, la musica di Ammann non è epigonale, ma ha una sua firma personale. È piacevole che egli rinunci completamente alle citazioni, che sembrano quasi inevitabili in altri compositori del momento.

Suono opulento e suonato con brillantezza

Naxos pubblicherà nel 2023 un CD con musica orchestrale di Ammann (tra cui Nucleo, Girare e Aumento) in eccezionali interpretazioni registrate dal vivo dalla Basel Sinfonietta diretta da Baldur Brönnimann. Il fatto che l'etichetta Schweizer Fonogramm abbia ora pubblicato queste tre opere, completate da baglioreL'uscita della nuova registrazione di "The Swiss Orchestra" di Ammann in studio con l'Orchestre de la Suisse Romande sotto la direzione di Jonathan Nott, che conosce bene la musica di Ammann, può essere definita un colpo di fortuna. Da un lato, abbiamo ora due diverse registrazioni di alcune delle più interessanti opere orchestrali recenti composte in Svizzera; dall'altro, la nuova registrazione, con il suo suono opulento e suonato con la massima brillantezza, è un vero piacere da ascoltare. Il CD può essere caldamente raccomandato!

Dieter Ammann: glut, musica per orchestra. Orchestre de la Suisse Romande; Jonathan Nott, direttore. Fonogramma svizzero, SF0020

Questo LP fa quasi sentire un po' di nostalgia. L'agilità di questo basso, l'azionismo agile e talvolta selvaggio, un gesto di allontanamento dalla scena free jazz londinese, spesso addomesticata dalla struttura che proviene dalla nuova musica. Erano gli anni '70.

Il contrabbassista britannico Barry Guy, che vive da tempo in Svizzera con la moglie, la violinista Maya Homburger, ha percorso diverse scene, tra cui quella della musica barocca. Si è esibito più volte a Donaueschingen. E qui tutto si riunisce in modo unico. L'LP da un litro e mezzo (con lati A, B e C) riserva alcune sorprese.

Solo l'opera di Iannis Xenakis Terapie è diventato un classico con il suo vigore bruitistico e giocoso. Gli altri quattro compositori, pur essendo tutti ancora in vita, sono stati un po' eclissati; vale la pena riscoprirli. Sapevano come utilizzare le qualità improvvisative e teatrali di Guy in una varietà di modi: Bernard Rands, ad esempio, con Memo o John Anthony Celona con Voci. La voce del contrabbassista si unisce, sussurrando e fischiando. L'italiano Luca Lombardi ha composto un brano politico Saggio con la citazione di Paul Dessau, e l'altoatesino Hubert Stuppner ha scritto con Espressioni un rondò per un clown - che è meravigliosamente illustrato con foto in questa edizione LP: Qui il basso suona con se stesso dal nastro - un bell'esempio dell'esuberante vitalità che il teatro strumentale possedeva ancora in quegli anni.

È una cosa che appartiene al passato? In ogni caso, ci vuole un virtuoso come Barry Guy, che tra l'altro ha anche creato una magnifica grafica per la colonna sonora. Anaclasi del 2002, l'unico lavoro proprio e più recente, realizzato qui con il collega contrabbassista Stefano Scodanibbio, è uno di questi: apre un ricco campo di gioco per i due musicisti.

Barry Guy suona. Luca Lombardi, Hubert Stuppner, Iannis Xenakis, Bernard Rands, John Anthony Celona e Barry Guy. Barry Guy, contrabbasso. Maya Recordings MLP 2401

"La memoria è qualcosa di cui noi artisti non amiamo parlare, soprattutto perché abbiamo paura di perderla". Così ha detto una volta la pianista canadese Angela Hewitt. Il fatto che i professionisti possano suonare a memoria per ore e ore, di solito senza commettere errori, è praticamente un miracolo. In effetti, la nostra memoria cerebrale è tanto affascinante quanto quasi impossibile da penetrare. Al di là dell'interazione estremamente complessa e ancora poco studiata di centinaia di trilioni di sinapsi, questo vale anche per il tema "musica e memoria". Sebbene sia immediatamente evidente, è ancora difficile da afferrare.

Musica e memoria di Melanie Unseld è un libro di studio. La professoressa, che insegna a Vienna, si propone di fornire una panoramica delle prospettive musicologiche su un tema che è stato promosso in modo significativo dagli studi culturali, ad esempio dal libro di Jan Assmann La memoria culturale. Le identità giocano quindi un ruolo, ad esempio, quando l'ancoraggio inconsapevole Marsigliese o altri inni creano consapevolezza a livello nazionale. Altre aree di ricerca comprendono gli aspetti della formazione dei canoni e la ricerca sulla ricezione. Perché alcune cose sono ricordate e perché no? Perché hanno prevalso questi o quei compositori e molto meno le compositrici? Unseld tocca naturalmente anche la conservazione dei monumenti e la politica con queste domande. Cita, ad esempio, il divieto temporaneo di Marsiglieseche, a causa del suo potenziale rivoluzionario, doveva scomparire dalla memoria per un certo periodo, proprio come alcune opere di compositori russi che furono bandite sotto Joseph Stalin.

Non è sempre facile seguire Unseld. Cambia prospettiva nei minimi dettagli. Dal ruolo assolutamente importante della musica negli anni formativi dell'adolescenza, passa alla didattica della musica, alla ricerca sulla demenza o alla falsificazione della memoria che è un luogo comune nelle biografie. Come se non bastasse, i ricordi giocano un ruolo anche nell'estetica della composizione. I compositori ricordano i predecessori citandoli. E: la forma sonata, i movimenti di variazione, i versi e i ritornelli rendono evidente che la musica gioca quasi sempre sulla tastiera della memoria. Unseld riassume questo particolare approccio ristretto scrivendo dell'esperienza del tempo: "La musica può trattare il tempo in tre modi. Può costruire il tempo (attraverso i ritmi o l'andamento della forma, attraverso la composizione), immaginare il tempo (per esempio con la prassi esecutiva storica o la storiografia musicale) e rendere il tempo percepibile (per esempio attraverso la correlazione con il battito cardiaco o quando il tempo passa mentre ci si esercita o si assiste a un concerto)".

Per il momento, è impossibile prevedere dove porterà questo complesso campo di ricerca. È bello che il libro di Unseld, ottimamente curato, porti dal freddo formalismo a un approccio alla musica incentrato sull'uomo. Alla fine, però, non si può ignorare che la memoria è (finora) difficile da afferrare e spesso è molto diversa da persona a persona. In questo senso, la musica ha a sua volta a che fare con la memoria, perché entrambi gli ambiti sembrano un budino che non può essere inchiodato al muro.

Melanie Unseld: Musica e memoria - Un libro di studio, 298 p., € 29,90, Rombach Wissenschaft, Baden-Baden 2025, ISBN 978-3-96821-886-1  

Il compositore estone Arvo Pärt ha festeggiato a settembre il suo 90° compleanno. Lui stesso dice del suo stile, emerso alla fine degli anni Ottanta: "La tintinnabulazione è un'area in cui a volte mi addentro quando sono alla ricerca di risposte - nella mia vita, nella mia musica, nel mio lavoro. (...) Il complesso e il multistrato mi confondono e devo cercare l'unità...".

Due delle sue opere corali più recenti sono il tedesco Padre nostro e il mottetto O Santo Padre Nicola. Quest'ultima l'ha scritta per la riconsacrazione della chiesa greco-ortodossa di San Nicola presso il Santuario Nazionale di Ground Zero a New York, distrutto l'11 settembre 2001. Dieci minuti sonori e arricchenti, nel tipico stile a cappella di Pärt. Il Padre nostro invece, è piuttosto atipico per lui, ma non per questo meno impressionante. Oltre alle precedenti versioni per voce e pianoforte e per coro, pianoforte e orchestra d'archi, Universal Edition Wien ha pubblicato questa nuova versione per coro e pianoforte, di facile esecuzione anche per cori amatoriali.

Arvo Pärt: Padre nostro, per coro misto e pianoforte, UE 38005, € 8,95, Universal Edition, Vienna

Id.: O Santo Padre Nicola, per coro misto a cappella, UE 38114, € 13,95