La serie "Leichtbauten" di Beat Gysin e Studio-klangraum entra nel vivo. Dopo Crono (2015), Griglia (2017), Mulino per tubi (2019-2021) e Casa (2022-23) è Movimenti I è già il quinto progetto che si occupa del rapporto tra musica e architettura.

E mentre il lavoro precedente ha fatto scalpore con alcuni edifici spettacolariQuesta volta si tratta di una visione a occhio di rana, cioè di come percepiamo i suoni e i rumori in uno spazio mutevole quando non possiamo vedere nulla. Il principio è tanto semplice quanto efficace: ci si siede su pedane mobili simili a sedie a rotelle, si indossa una benda e ci si lascia spingere da un'altra persona del pubblico. A metà dello spettacolo, i ruoli cambiano: si passa da passeggero cieco a guida e viceversa. Durante il viaggio si sentono rumori casuali provenienti dall'ambiente circostante e interventi musicali e tonali nelle varie stazioni. Questi ultimi sono stati composti dallo stesso Gysin e dalla compositrice spagnola Teresa Carrasco.

Stanze piene di suoni e musica

Il fine settimana del 5 e 6 settembre 2025, il Movimenti I nel Gundeldinger Feld di Basilea. Il centro del quartiere, all'estremità meridionale della città, si estende per circa 12.000 metri.² ed è stata sviluppata in modo significativo dall'architetto Barbara Buser: da ex fabbrica di ingegneria a vivace luogo di incontro di quartiere con un'ampia gamma di strutture culturali. Oggi ci sono birrerie, ristoranti, studi, uffici edili, studi di terapia, scuole di musica, laboratori di liuteria e palestre di arrampicata. Ideale per un viaggio sonoro.

Si parte dalla scuola di circo, dove due membri del Collegium Novum di Zurigo ci aspettano e preparano l'atmosfera per l'esperienza acustica con violino, clarinetto e parole: "Io sono qui - tu sei lì - vieni da me - vengo da te?" si sente da entrambi i lati per attivare l'udito spaziale. Poi inizia il viaggio, dapprima più breve, poi più lungo: attraverso un ufficio edile, i vivaci cortili interni, lo studio di registrazione, il bar, la tromba delle scale, l'officina o la palestra di roccia. Le guide sono istruite da segnali manuali del team di Gysin su dove svoltare e dove fermare le piattaforme mobili nelle singole stazioni.

L'orientamento si perde rapidamente

La maggior parte degli spintori è molto attenta e premurosa nei confronti dei passeggeri, avvertendoli quando si avvicina una soglia o un dosso e cercando di ridurre al minimo il numero di sbandate. Ci sono anche alcuni capricci da parte dei partecipanti più giovani, ma vengono presto fermati. E questo è un bene, perché come passeggero non vedente si diventa presto disorientati: È sorprendentemente facile perdere di vista se ci si sta muovendo o meno, quanto tempo è passato e dove ci si trova nell'area, anche se lo si sa.

È anche difficile classificare se i vari rumori e suoni siano o meno parte attiva della performance. Mentre in alcune stazioni vengono eseguiti assoli di strumenti più o meno comuni, il che si avvicina a un'esperienza di ascolto attivo della musica, per la maggior parte del tempo ci si muove in una sala di missaggio sonoro: a volte si combinano conversazioni in ufficio e suoni simili a quelli del vibrafono, a volte si temperano matite o si dipingono scatole mentre un musicista tromba attraverso un tubo. A volte ci si immerge brevemente nei suoni atmosferici dello studio di registrazione, per poi riemergere. E a volte il percussionista batte sulle ringhiere o sulle travi d'acciaio mentre qualcuno nel laboratorio accanto scalpella una scultura.

Ascoltare, annusare e avere fiducia

"Confuso al massimo", riassumono alcuni, mentre altri riferiscono di una "impressione di un lungo viaggio" o di una "esperienza folle" dopo il viaggio. La maggioranza riconosce che la perdita della vista significa che l'udito è completamente diverso. Migliore? È difficile dirlo, probabilmente la "formazione" è stata troppo breve per poterlo dire. Ma certamente più completo, più concreto, perché meno viene filtrato e più viene esplorato attivamente attraverso l'udito. Un altro aspetto interessante è la combinazione con l'intensificazione della percezione degli odori, come ad esempio il suono e l'odore del legno o del metallo nelle officine, o semplicemente l'odore di caffè e birra nell'aria. - In un concerto di musica classica, questo è normalmente qualcosa che riguarda al massimo l'intervallo.

Movimenti I non è solo un'esperienza spaziale, musicale e sensoriale, ma anche un evento sociale. La divisione in squadre di due persone (all'interno di un piccolo gruppo), che manovrano attraverso la giostra cieca invertendo i ruoli, crea una situazione di fiducia - il che è giusto, dato che si perde molto controllo e sicurezza attraverso il senso della vista. E questo ci porta al titolo del progetto, che allude a una possibile Parte II. Studio-klangraum e Gysin stanno pensando di motorizzare le piattaforme mobili e di farle controllare da un'intelligenza artificiale. Tuttavia, alla luce dei ritardi nello sviluppo delle auto a guida autonoma, questo potrebbe richiedere ancora del tempo. Il progetto di Gysin offre ampio spazio per ulteriori riflessioni. Movimenti I utilizza la musica principalmente come stimolo per un'esperienza olistica dell'ambiente e la intende come parte naturale e artificiale di esso.

Altre rappresentazioni di "Movements I" avranno luogo il 17 e 18 ottobre nel Campus Ost Buchs e nel parco della Lokremise di San Gallo.

Una cosa è apparsa subito chiara all'edizione di quest'anno del Bern Music Festival, dal 3 al 7 settembre: la musica è di nuovo sensuale! Sono finiti i tempi in cui il suono scarno veniva confuso con l'innovazione musicale. Il concerto di apertura Stanza liquida n. 11: Canzoni sparse nella grande sala della Reitschule è stata una festa per i sensi. Per tre ore, undici musicisti, divisi in ensemble in tutta la sala, si sono concentrati sul genere della canzone, con musiche da John Dowland (1562/63-1626) a Leonie Strecker (*1995). Al centro di tutto questo: la compositrice in residenza di quest'anno, Svetlana Maraš (*1985), che ha creato intermezzi rilassanti con improvvisazioni elettroniche. Le circa 30 opere eseguite sono state perfettamente curate da Eva Reiter, violista da gamba dell'ensemble in residenza Ictus.

Suoni fragorosi sparsi per la stanza

C'era solo qualcosa? Il pezzo dura solo pochi secondi Cadillac per chitarra sola del talentuoso compositore svizzero Jürg Frey (*1953). Ma anche questo breve momento dimostra la sua competenza musicale. Jürg Frey è stato rappresentato con diverse composizioni in questa serata inaugurale. Che dono! Con un'incredibile sensibilità per i suoni tranquilli e fragili, Frey tesse una raffinata architettura di bellezza mozzafiato. Il programma comprendeva anche alcune sue canzoni, interpretate con grande flessibilità dalla cantante Mimi Doulton, una delle grandi scoperte del festival di quest'anno.

Alcuni di essi esistono ancora: i suoni orientati verso l'ideale dell'avanguardia di Darmstadt degli anni Cinquanta. Erano presenti anche nel concerto di apertura, ad esempio nella composizione Mutazione del compositore greco Panayiotis Kokoras (*1974) per clarinetto ed elettronica. Sebbene la composizione, scritta nel 2015, sia stata brillantemente eseguita dal clarinettista Dirk Descheemaeker, è apparsa un po' come un tentativo maldestro di uno studio di registrazione degli anni Sessanta ed è già antica nel suo linguaggio tonale, più vecchio di secoli del Lied di Franz Schubert. L'uomo della lirache ha dimostrato la sua indistruttibile freschezza e attualità come pezzo di apertura.

Gioielli

Un giorno dopo, il teatro Schlachthaus di Berna scintillava e brillava. Il Festival musicale di Berna è noto per i suoi eventi straordinari. All'insegna del motto "Catena", l'edizione di quest'anno ha dato la possibilità anche al mondo accademico di dire la sua. La storica dell'arte Annette Kniep ha presentato un panorama rivelatore sul tema dei gioielli che abbraccia diversi millenni. Nella sua presentazione, i gioielli di diverse epoche sono entrati in dialogo: Fino alla fine del XVIII secolo, le donne bernesi del patriziato mostravano la loro capacità matrimoniale attraverso gioielli dignitosi, mentre gli uomini usavano medaglie per mostrare il loro livello di potere. E anche 300 anni dopo, i gioielli restano un mezzo di comunicazione. Nella scena hip-hop, le catene d'oro sono la prova visibile del successo. In breve: adornarsi è un bisogno umano fondamentale e una costante universale.

Béla Rothenbühler ha contribuito con testi stratificati, che sono stati congenialmente musicati dalla cantante e performance artist Corina Schranz (*1987): a volte minimalisti, ma sempre sensuali e belli nel suono.

Incatenato

L'ansia è il grande tema del mondo occidentale, rappresentato nelle sue più raffinate ramificazioni in scritti che vanno da Søren Kierkegaard a Jacques Lacan. Il percorso di ricerca performativa Guarisci presto!che ci ha portato attraverso varie sale del Progr in modo affascinante e visivamente sorprendente, purtroppo ha penetrato solo raramente la superficie nel suo esame della questione ed è rimasto intrappolato in cliché relativamente banali. Ciononostante, durante la visita di un'ora ci sono stati alcuni momenti musicali molto suggestivi, in particolare nell'interazione tra il flauto (Luca Höhmann) e il violoncello (Richard Ander-Donath).

Il Festival musicale di Berna non vuole essere solo "L'art pour l'art". Il programma trasmette sempre un messaggio politico. Il motto del festival "Catena" significava che il programma doveva trattare il tema della schiavitù. Sotto la direzione di Moritz Achermann, l'ensemble vocale Tempo d'affetto ha accostato la musica del compositore e trombettista jazz statunitense Jalalu-Kalvert Nelson (*1951) a opere del Rinascimento spagnolo. È stata raggiunta una sottile oscillazione tra lo splendore coloniale e la sofferenza dei colonizzati. Durante il concerto, il compositore di pelle nera, che vive a Bienne, ha recitato in modo molto toccante termini, nomi e invocazioni in varie lingue africane e caraibiche, ricordando i suoi antenati.

La cattedrale di Berna rimane un luogo indispensabile durante il festival musicale. In tarda serata, la compositrice in residenza Svetlana Maraš ha presentato una performance dal vivo in stato di trance nella sala del coro dell'edificio sacro. Il cantante Andreas Schaerer ha interagito con l'elettronica in una virtuosa esibizione di acrobazie vocali e vocali, esplorando l'intero spettro della voce umana. - Quanto può essere sensuale la nuova musica!

"Merci Michael!" è scritto sul grande striscione srotolato al termine della festa di addio di Michael Haefliger al KKL, intitolata "Les Adieux". L'Orchestra del Festival di Lucerna, che ha co-fondato con Claudio Abbado nel 2003, con Johanna Malangré sul podio, intraprende quindi un viaggio musicale attraverso la vita del direttore artistico uscente, che ha guidato il Festival di Lucerna per 26 anni, come regalo di addio. Può capitare che Notazione 1 di Pierre Boulez, con il quale ha fondato l'Accademia del Festival di Lucerna per la musica contemporanea nel 2004, nonché l'inizio e la fine della Settima di Bruckner e della Terza di Mahler - i momenti più belli di Abbado nella storia del Festival. Le canzoni svizzere Z'Basel an mym Rhy e Da Lucerna a Wäggis sono riprodotti in un suono sinfonico ad alta brillantezza (arrangiamento: Simon Nathan), così come l'inno del FC Bayern Sempre in avanti. Dopo il suo brillante discorso elogiativo, Graziella Contratto aveva già tradotto in sillabe le lettere di "Michael Merci" e le aveva cantate insieme al pubblico.

Ispirato all'opera di Ludwig van Beethoven TempestaIl direttore d'orchestra e produttore svizzero Michael Haefliger paragona la Sonata di Lucerna, che Igor Levit ha collocato a metà strada tra l'immersione e l'ebbrezza, al mago Prospero dell'omonimo dramma di Shakespeare. Ha trasformato il Festival di Lucerna in un'isola magica e, con il suo slogan magico "giovane, eccellente, innovativo", non solo ha attirato sponsor (92% di autofinanziamento), ma ha anche portato una ventata di aria fresca dal punto di vista artistico con oltre 400 prime mondiali e nuovi formati. I motti del festival, come "Diversity", "Diva" e "Crazy", che ha letteralmente pensato, hanno ancorato il festival ai giorni nostri. "Open End" è il motto per il 2025: il passaggio di consegne al suo successore Sebastian Nordmann è già in fase di preparazione.

Cose familiari e ripetute

Un finale aperto è percepibile anche nel programma di concerti dell'Orchestra Filarmonica di Monaco di Baviera negli ultimi giorni del festival, che sarà diretta da Lahav Shani nell'opera di Franz Schubert Incompiuto sviluppare un suono caldo. Il disinvito dell'orchestra e del suo direttore principale israeliano designato dal Festival delle Fiandre di Gand è stato accolto con molte critiche nella scena culturale, per Igor Levit un caso di "classico, disgustoso antisemitismo e codardia". A Lucerna non c'è traccia di queste tensioni. Lahav Shani dirige senza bacchetta e con movimenti fluidi, che nel Concerto per violino di Ludwig van Beethoven portano talvolta a piccole imprecisioni nell'interazione con la sovrana Lisa Batiashvili. Le cadenze solistiche di Alfred Schnittke danno un nuovo colore all'opera tanto ascoltata.

Il concertante di Richard Wagner Siegfried su strumenti d'epoca diretto da Kent Nagano, un progetto del Festival di Musica di Dresda, combina il familiare con il nuovo. La parte orchestrale è dotata di una trasparenza raramente ascoltata che permette ai cantanti di agire più liberamente e senza alcuna forzatura. Solo nel terzo atto l'orchestra, composta dalla Dresden Festival Orchestra e da Concerto Köln, perde un po' di qualità nell'interazione e nell'intonazione. Nell'insieme ben equilibrato dei solisti, Thomas Blondelle come Siegfried quasi lirico, Derek Welton, che canta a memoria, come Wanderer duttile e flessuoso, Asa Jäger (Brünnhilde) con il suo ampio soprano e Hanno Müller-Brachmann come il pungente Fafner (con campana) pongono accenti particolari.

26 anni in un pomeriggio

Lo spirito innovativo di Michael Haefliger è visibile. Un UFO viola è atterrato sul prato del Lido del Museo Svizzero dei Trasporti. Haefliger ha sviluppato l'Ark Nova, una sala da concerto gonfiabile, insieme all'artista Anish Kapoor e all'architetto Arata Isozaki per Fukushima nel 2013, per offrire alla popolazione giapponese, profondamente turbata, uno spazio sicuro per la musica dopo il disastro nucleare. Questa "scultura sonora" può ora essere sperimentata per la prima e ultima volta a Lucerna. Il programma di dieci giorni, musicalmente vario, dell'Ark Nova si rivolge a un vasto pubblico; 30 dei 35 concerti sono esauriti. Nei due concerti a cui abbiamo assistito, tuttavia, il guscio di plastica acusticamente spugnoso e tradizionalmente seduto fa sudare. Il ventilatore non raffredda, ma si limita a mantenere il guscio in forma. La performance sperimentale di Charlotte Hug (viola e voce) e Lucas Niggli (batteria) presenta lunghezze e picchi dinamici eccessivi.

Lo spettacolo digitale-vocale di Winnie Huang (visuals: Andreas Huck e Roland Nebe), che crea un virtuosismo umoristico da denti che battono e occhi che ammiccano, è molto più originale durante le quattro ore e mezza di addio di Michael Haefliger. L'intenso pomeriggio sembra un distillato del suo lavoro, che tuttavia perde di concentrazione a causa della sua lunghezza. Riccardo Chailly, che il giorno prima ha celebrato ouverture e cori d'opera italiani con l'orchestra e il coro della Scala di Milano, torna con un'ouverture rossiniana. Non mancherà la nuova musica con la prima mondiale di Stefan Dohr dell'opera di Jüri Reinvere. Immagine notturna con stelle blu per corno solo, Dieter Ammans Violazione (ottimo con violoncello solo: Maximilian Hornung) e di Pierre Boulez Iniziale per sette ottoni (ensemble della Lucerne Festival Contemporary Orchestra). I membri del West-Eastern Divan Ensemble eseguono il Quartetto per archi in mi bemolle maggiore di Fanny Mendelssohn con strani glissandi nel primo violino. Patricia Kopatchinskaja e Sol Gabetta, entrambe vincitrici del Credit Suisse Young Artist Award a Lucerna in giovane età, porteranno una nuova dimensione al programma con il brillantemente eseguito Valse bavaroise e Toccatina all'inglese eseguono anche due opere di Jörg Widmann, che nel 2026 assumerà la direzione dell'Accademia del Festival di Lucerna come successore di Wolfgang Rihm. Open End a Lucerna ...

La strumentazione di questo "house concerto" si rivela fin dall'inizio: quartetto d'archi, soprano, pianoforte, ma mai tutti insieme, bensì in varie combinazioni o da soli. Si tratta di un ciclo di dodici brevi pezzi che furono composti indipendentemente l'uno dall'altro alla fine degli anni Trenta. Erich Schmid li riassunse sotto questo titolo nel 1941 come Opus 13. La prima dell'opera Piccolo concerto in casa il 25 giugno 1959 a Radio Beromünster. Un'altra esibizione ha avuto luogo a Zurigo nel 1985, in occasione del cinquantesimo anniversario di Pro Musica. Si tratta del capitolo zurighese dell'IGNM, di cui Erich Schmid è stato presidente negli anni Sessanta.

Condurre invece di comporre

I successi di questo pioniere della musica svizzera sono molti e vari! Come direttore d'orchestra, ha guidato l'Orchestra della Tonhalle di Zurigo (1949-1956) e l'Orchestra della Radio di Beromünster (1956-1970), nonché il Coro misto di Zurigo (1954-1975) e il Coro maschile di Zurigo (1961-1964). Molte opere svizzere contemporanee furono eseguite in prima assoluta sotto la sua direzione. La sua attività di compositore passò sempre più in secondo piano. Erich Schmid fu allievo di Arnold Schönberg a Berlino, un corso di studi che si concluse prematuramente nel 1933 per motivi politici. Schmid si trasferì inizialmente a Glarona, dove fu direttore musicale di due cori e dell'Harmoniemusik. Tramite Werner Reinhart, è stato più volte ospite del Musikkollegium Winterthur, con esecuzioni di opere della Nuova Scuola Viennese.

Insieme o individualmente

Torna a questo Piccolo concerto in casaI brani sono scritti in dodecafonia o in tecniche affini. La musica è delicata e intima, l'ordine criptico delle note può essere solo ipotizzato. Gli esecutori non sono spinti ai loro limiti tecnici; tutto ciò che è richiesto è l'esperienza nel suonare in ensemble non tonali. Data la loro genesi, questi brani aforistici possono essere eseguiti anche separatamente in un contesto di programma diverso, ad esempio come "sorbetto" tra opere più grandi di qualsiasi periodo. Il numero VIII per violino e pianoforte è particolarmente bello!

La prima edizione pubblicata da Boosey & Hawkes/Bote & Bock contiene una relazione critica e molte informazioni sull'opera e sul compositore, oltre alle file dodecafoniche dei pezzi dodecafonici.

È possibile ascoltare il Piccolo concerto in casa nella registrazione del 1959 nell'archivio della Radio Svizzera SRG SSR su Neo.Mx3. La registrazione del concerto del 1985 è disponibile anche nell'archivio della SRF con il numero MG 47126.

Erich Schmid: Kleines Hauskonzert, Zwölf Stücke für verschiedene Instrumente und Gesang op. 13, testi da "Des Knaben Wunderhorn", a cura di Iris Eggenschwiler, partitura, BB 3554, € 55,00, Boosey & Hawkes/Bote & Bock, Berlino (Schott)

È forse nostalgia il fatto che oggi appaiano così tante pubblicazioni che si occupano del passato (eroico) della radio, degli studi elettronici, dei radiodrammi o, in questo caso, dei fondamenti del mezzo? Forse è anche una forma di autostima in tempi di crisi e di ridimensionamento, perché la radio è cambiata molto, in termini tecnici e artistici, ma anche nelle nostre abitudini di ascolto.

Ciò emerge chiaramente in questa raccolta di 42 testi di origine, che spazia dagli inizi fino ai giorni nostri. È il secondo volume di Radiofonicocurato dagli studiosi dei media di Basilea Ute Holl e Jan Philip Müller e Tobias Gerber; il primo volume ha presentato lo stato attuale del dibattito sul medium nel 2019. A questo segue ora il materiale storico: Il risultato è un importante compendio.

Attraverso i secoli

All'inizio si addentra, per così dire, nell'archeologia dei media, fino agli esperimenti di Nikola Tesla, che nel 1893 descrisse la telegrafia senza fili. Segue subito la riflessione puntuale di Robert Walser, che già nel 1926 affermava che sarebbe stato "scortese non ammettere apertamente il trionfo dell'inventiva tecnica", pur obiettando che "l'arte di fare società" veniva di conseguenza un po' trascurata. Nella sua diversità a volte contraddittoria, la radio è anche un simbolo della modernità.

Seguono i manifesti artistici degli inizi (da Brecht e Marinetti ad Adorno): La radio è intesa anche come forma d'arte, come arte dell'ascolto. Pierre Schaeffer, John Cage e Karlheinz Stockhausen, ad esempio, raccontano di esperimenti con nastro e microfono. E Hans Werner Henze fa riferimento a forme quasi dimenticate con le sue opere radiofoniche. I testi più recenti ci dicono cosa ne è rimasto e come è stato usato in modo creativo negli ultimi decenni: Tuttavia, il discorso sembra meno utopico e più a pezzi, guidato dalla sfida in tempi difficili. Ciononostante, il mezzo è rimasto rilevante e racchiude ancora un potenziale. Come verrà utilizzato nel XXI secolo?

Radiofonica, Materiali, vol. 2, a cura di Ute Holl, Jan Philip Müller e Tobias Gerber, 448 p., € 29,80, Kehrer-Verlag, Heidelberg 2024, ISBN 978-3-86828-863-6

La pianista svittese Marion Suter proviene da una "famiglia di musicisti di campagna". Ha studiato pianoforte classico all'Università di Scienze Applicate e Arti di Lucerna, specializzandosi in musica popolare, e si è laureata con un Master in educazione musicale per pianoforte. Con la sua ultima pubblicazione, l'autrice intende colmare una "lacuna della letteratura pianistica" nel campo della musica popolare svizzera. Presenta 30 composizioni originali (22 assoli e 8 lavori a due parti con accompagnamento separato), adatte sia al pianoforte che alla fisarmonica, nel suo Libro di spartiti. (Ne ha registrato una parte nel CD La pianista Marion Suter Vol. 2 registrato).

L'opera offre un'ampia gamma di caratteri, versatilità armonico-melodica e ritmica. Contiene ballate romantiche e rotonde, pezzi groovy, swing e jazz, ma anche danze radicate nella musica popolare svizzera. Il livello di difficoltà è "molto avanzato".

Come fisarmonicista, mi piace pensare fuori dagli schemi, ed è per questo che mi sono avventurato a scrivere questa recensione. Per quanto riguarda il trasferimento dei brani sul mio strumento, sono un po' riluttante, o meglio mi sono reso conto che l'uno o l'altro dovranno essere adattati di conseguenza. Vorrei menzionare i numerosi accordi ravvicinati, che non suonano in modo ideale sulla fisarmonica, in quanto il tono rimane fermo e non svanisce automaticamente come nel pianoforte. Inoltre, alcune opere richiedono una gamma molto ampia, ad esempio registri molto alti per la mano destra, ma anche per la mano sinistra (bassi standard), a causa della scelta di tasti talvolta poco familiari. I fisarmonicisti sono quindi chiamati a trovare una versione ottimale per il loro strumento, utilizzando registri appropriati, assottigliando gli accordi o addirittura ottavando singole parti, senza perdere di vista (e di vista) il rispetto per queste composizioni di successo.

Gli 8 tesori musicali con accompagnamento separato meritano un'attenzione particolare. Essi forniscono una ricchezza di variazioni di punteggio. Entrambe le parti individuali possono essere facilmente suonate da strumenti a corda o a fiato. Tuttavia, è concepibile anche una versione con fisarmonica con basso melodico e pianoforte per la parte di accompagnamento.

Marion Suter: Libro di spartiti, 30 composizioni originali per pianoforte o fisarmonica, Fr. 40.00, autoprodotto marionsuter.ch

Vienna, intorno al 1910: un'atmosfera affascinante caratterizzata dalla diversità, dalla tensione e da una "simultaneità estetica del non simultaneo". Nato a Neuhausen, in Svizzera, nel 1865, Robert Gund fu attratto già da giovane dalla grande metropoli musicale austriaca. Lì si fece conoscere soprattutto come compositore di canzoni - canzoni che il basso-baritono Christian Immler e il pianista Helmut Deutsch presentano ora.

Gund non si unì al "nuovo tono" di Vienna. Canzoni come Tre zingari, Tanderadei o Un sogno può essere classificato come post-romantico sia nello stile che nel contenuto; ci sono echi dei lieder di Franz Schubert, ai quali le canzoni di Gund sono certamente all'altezza. Non c'è un solo accenno di espediente da sentire. Ogni cosa è accuratamente elaborata al suo posto. Gund crea miniature enormemente dense, che a volte durano un minuto, a volte quattro. E con l'aiuto dei due interpreti, riesce soprattutto in una cosa: crea atmosfere bellissime, ma a volte anche tristi e malinconiche.

Immler e Deutsch abbinano Gund al meno noto compositore Wilhelm Grosz, di circa 30 anni più giovane. Grosz è una figura colorata. Ha avuto un ruolo inglorioso come disturbatore durante un'esecuzione dei quartetti per archi di Anton Webern. In seguito, il "camaleonte stilistico" - come viene descritto nel libretto - si dedicò ampiamente al jazz. Le sue canzoni oscillano tra quadri d'atmosfera impressionistici e volutamente divertenti. È facile immaginare che Frank Sinatra, Nat King Cole e persino i Beatles abbiano adattato alcune delle melodie di Grosz quando si ascolta il brano in lingua inglese Candele nel cielo ascolta.

Immler avrebbe potuto arricchire il suo tono accademicamente "pulito" nei pezzi di Grosz in uno o due punti con qualcosa di più vivace e jazzistico. Nel complesso, tuttavia, questa produzione è molto più di un recente scavo di cosiddetti "maestri minori". Si tratta di alta arte combinata con una visione speciale di un evento contemporaneo molto vitale.

Be Still My Heart - Canzoni di Robert Gund e Wilhelm Grosz. Christian Immler, basso-baritono; Helmut Deutsch, pianoforte. Alpha Classics ALPHA1117

La notizia ha fatto il giro del mondo. Nella primavera del 2024, la Morgan Library & Museum di New York ha fatto una scoperta straordinaria setacciando un'eredità: un valzer in la minore finora sconosciuto, scritto dallo stesso Chopin. E "molto probabilmente composto da lui stesso".

La casa editrice Henle non ha esitato a lungo e ora ha pubblicato il breve pezzo insieme a un facsimile nel formato originale. È sorprendente rendersi conto che l'autografo ha ovviamente le dimensioni di una cartolina! Un'ampia postfazione dell'editore Jeffrey Kallberg ripercorre le origini di questo sorprendente ritrovamento e giunge alla conclusione che questo manoscritto era originariamente destinato a essere regalato. Chopin occasionalmente deliziava i suoi conoscenti con tali doni.

Durante la riproduzione si notano alcune stranezze. Le prime battute suonano tutt'altro che invitanti. Le dure dissonanze portano già a uno sfogo quasi brutale in triplo forte nella settima battuta (raro in Chopin). Poi inizia il valzer vero e proprio, anche se ricorda più una mazurka. Stranamente, il compositore scrive per tre volte una terzina di sedicesimi, che in realtà dovrebbe essere annotata in crome. Una svista? E le dissonanze dell'inizio riecheggiano ancora e ancora. Questo accade anche alla fine del valzer alla battuta 24, che potrebbe quindi essere esteso in un infinito giro di danza in caso di dacapo, dato che l'inizio e la fine sono così strettamente legati.

Se il breve brano era davvero inteso come una dedica, questo dono aveva certamente un sapore agrodolce. Forse è un'indicazione della paternità di Chopin?

Una parola sulle diteggiature di cui è responsabile Lang Lang. Non è esattamente un segno di grande cura quando passaggi assolutamente identici (come le battute 2 e 4) sono segnati con numeri diversi. Anche altre indicazioni (come quella per la cadenza finale) sono sorprendenti. L'editore avrebbe dovuto tenere d'occhio il famoso virtuoso...

Frédéric Chopin: Valzer in la minore con facsimile, a cura di Jeffrey Kallberg, HN 1303, € 10,00, G. Henle, Monaco di Baviera

Il 1° agosto sono entrati in vigore i cambiamenti nella gestione del Consiglio svizzero della musica SMR. Tom Wiederkehr sostituisce Gestione Sandra Tinner. L'uomo che ha già nuovi membri eletti all'Assemblea dei delegati del 4 aprile PresidenteStefan Müller-Altermatt, Consigliere nazionale, succede alla precedente Presidente Rosmarie Quadranti.

All'assemblea dei delegati sono stati eletti anche diversi nuovi membri del Consiglio di amministrazione. Ciò significa che il Consiglio di amministrazione come segue:

Stefan Müller-Altermatt, Presidente
Yvonne Glur-Troxler Vicepresidente e co-responsabile della Divisione Laici
Luana Menoud-Baldi, co-responsabile della Divisione Laici
Rico Gubler, co-responsabile di Educazione / Ricerca / Scienza
Edith Stocker, co-responsabile di Educazione / Ricerca / Scienza
Diego Dahinden, co-responsabile della Divisione Industria musicale / Legale
Noah Martin, co-responsabile degli affari musicali/legali
Davide Jaeger, co-responsabile della Divisione Professionale
Marlon Mc Neill, co-responsabile della Divisione Professionale

Alla sua prima riunione, il nuovo Consiglio di amministrazione ha eletto all'unanimità Yvonne Glur come vicepresidente.

Nella stessa riunione, il Consiglio ha anche deciso di chiudere l'ufficio SMR presso la Haus der Musik di Aarau. Tom Wiederkehr assumerà la direzione della Ufficio da Basilea (luogo di residenza). Tuttavia, l'SMR può ancora essere contattato per posta e telefono all'indirizzo e al numero di telefono precedenti:

musikrat.ch/contatto/

Thomas U. Wiederkehr si è laureato all'Università di Basilea all'inizio degli anni 2000 con un Master in Marketing e Business Administration. Ha poi lavorato nel settore della comunicazione e della pubblicità per quasi due decenni. Nel suo lavoro di agenzia ha accompagnato diverse orchestre sinfoniche, festival di musica, teatro e danza, nonché associazioni di categoria nel panorama culturale. Nel 2009/10 ha completato un corso di laurea in gestione della tecnologia e della crescita presso l'Università di San Gallo. Lavora anche come giornalista e opinionista freelance.

Il 4 luglio, l'Accademia di Belle Arti di Varsavia ha conferito a Niklaus Troxler, "eccezionale graphic designer, educatore e promotore culturale svizzero", il titolo di dottore honoris causa.

Niklaus Troxler è nato a Willisau/LU nel 1947. Dopo aver completato gli studi a Lucerna e aver lavorato, tra l'altro, a Parigi, ha gestito uno studio di progettazione grafica nella sua città natale, ma ha anche organizzato concerti jazz. Nel 1975 ha fondato l'annuale Festival del Jazz di Willisau, orientato a livello internazionale, che è diventato presto una parte importante della scena musicale europea. Nel 2010 ha ceduto le redini al nipote Arno Troxler.

Ha disegnato manifesti per i concerti e per il festival, che hanno fatto scalpore e sono stati ampiamente riconosciuti. Nell'annuncio della Repubblica di Polonia sul conferimento della laurea honoris causa si legge: "Il lavoro di Troxler combina la precisione della scuola svizzera di design con la spontaneità dell'improvvisazione. Le sue opere visive riflettono strutture musicali. Negli ultimi anni ha sperimentato l'arte performativa - ad esempio con composizioni dal vivo utilizzando il nastro adesivo durante i concerti jazz - un esempio impressionante della sua filosofia, in cui l'arte e la musica comunicano tra loro in equilibrio".

Comunicato stampa della Repubblica di Polonia

Festival Jazz di Willisau

La torre bianca si erge sopra il piccolo villaggio di Mulegns: la più recente tecnologia 3D nel mezzo di una stretta valle di montagna, che ricorda l'antica tradizione grigionese, ovvero lo stile di un pasticcere. Innovazione e passato in un tutt'uno, creando un senso di identità - e anche completamente diverso da ciò che è altrimenti popolare nella scena culturale e musicale. La Tor alva, inaugurata in occasione del 20° anniversario del Festival Origen, è un simbolo potente.

Gli inizi di questo festival sono stati quasi dimenticati, ma erano anche spettacolari. Giovanni Netzer, iniziatore e tuttora spiritus rector di Origen, rese adatto al palcoscenico l'antico castello del villaggio di Riom, all'ingresso della Surses. Vi rappresentò opere di teatro musicale, spesso ispirate a temi biblici, ma ripensate e satireggiate con una compagnia di commedia che viaggiava per la campagna. Non si trattava del teatro urbano, spesso iperattivo, dei palcoscenici delle grandi città, ma di una rappresentazione sobria, a volte quasi statica, un po' all'antica, caratterizzata dall'ambiente dei luoghi di rappresentazione.

Le storie dei rimpatriati

Netzer ha fatto affidamento su tali peculiarità. Innanzitutto in termini di personale: attorno a lui si è presto sviluppata una famiglia artistica, ad esempio con il direttore generale Philipp Bühler, che da anni lavora dietro le quinte, con il direttore d'orchestra Clau Scherrer, che ha lasciato la sua impronta musicale in molti spettacoli grazie al suo ensemble vocale, e infine con i costumi e i tessuti colorati, dorati e fioriti: Martin Leuthold, designer di tessuti ed ex direttore artistico dell'azienda Schläpfer di San Gallo, li disegna e li rifinisce nell'atelier di Lucia Netzer a Riom.

In secondo luogo, Origen si concentrava sulle particolarità della valle e della regione: i monumenti architettonici esistenti, le vecchie chiese, le case e gli alberghi, il paesaggio, le personalità che vi hanno vissuto o che vi sono passate, e infine la storia dei Grigioni. Gradualmente, l'argomento si è spostato verso la regione. Un tema in particolare è stato al centro dell'attenzione: i grigionesi che dal XV secolo sono emigrati per cercare fortuna all'estero. In particolare, i pasticceri ebbero successo in tutto il mondo. Diventati ricchi, alcuni tornarono in patria e si fecero costruire delle ville. Giovanni Netzer, cresciuto a Savognin e tornato a casa dopo gli studi, fa rivivere queste storie, raccontandole in modi sempre nuovi, non solo con pezzi teatrali e di danza, ma anche con gli edifici.

La regione mantiene il suo volto

L'architettura ha da tempo un ruolo centrale a Origen. Dopo l'antico castello, a Riom è stata restaurata anche la villa del pasticcere parigino di successo Carisch e il fienile adiacente, la Clavadeira, è stato trasformato in un teatro adatto all'uso invernale. Sul lago di Silvaplana e sul muro della diga di Marmorera vennero costruiti degli alloggi teatrali temporanei, così come sul Passo dello Julier, dove in seguito venne costruita la spettacolare torre rossa, che venne utilizzata per sei anni. Divenne un punto di riferimento della regione.

Infine - come riportato in dettaglio dalla televisione svizzera - la villa bianca di Mulegns è stata spostata di otto metri: Il vecchio tessuto edilizio è stato così preservato, ma il traffico pesante di transito sullo Julier può ora passare senza problemi. Anche l'Hotel Löwe, costruito accanto nel 1830 e che un tempo ospitava reali, premi Nobel e scrittori, è stato ristrutturato. Il Festival Origen è diventato così un modello per molti nell'utilizzo delle risorse regionali.

La torre del pasticcere dalla stampante

Qualcuno avrà pensato che era abbastanza e che Origen aveva probabilmente raggiunto il suo apice. Ma il festival ha poi sorpreso tutti con un altro colpo: insieme all'ETH, ha annunciato la costruzione di una torre bianca alta trenta metri, iniettata pezzo per pezzo in una stampante 3D come se si trattasse di un sacchetto spray e poi assemblata in loco. Inaugurata ufficialmente a maggio, è attualmente l'edificio 3D più alto del mondo. Un vero e proprio colpo da maestro, anche dal punto di vista estetico. Dove altro si può trovare una torre di pasticceria come questa, dove si può letteralmente vedere la panna montata che fuoriesce tra gli strati? Come tutta la pasticceria, qualcuno probabilmente sospetterà che sia kitsch, ma in questo paesaggio storico la torre è assolutamente armoniosa. (Chi sale in cima non solo gode di una vista meravigliosa, ma sente anche la materialità unica dell'edificio. Fiabesco e coraggioso allo stesso tempo. Rimarrà lì per cinque anni.

"Fiabe" è anche il motto di Origen di quest'anno. Davanti alla torre si trova il pezzo di danza La Torre in cui Netzer presenta il classico di Calderón La vita è un sogno in una famiglia di pasticceri. All'imbrunire, la torre non solo fa da magnifico sfondo, ma si inserisce anche nel paesaggio. Nell'antica sala da pranzo dell'Hotel Löwe, una versione idiosincratica del Flauto magico da sperimentare. Ci sono anche diverse coreografie di balletto di alta qualità, mostre, visite guidate, canti gregoriani al mattino o a Compieta nelle antiche chiese e, naturalmente, la compagnia della Commedia, che racconta la storia del figlio di un contadino di montagna: Vaga per il mondo fino a quando non viene colto dalla nostalgia di casa. Anche in questo caso Origen rimane fedele a se stesso. Non vediamo l'ora di vedere quali sorprese ci riserverà.

origen.ch

Per più di cinquant'anni, la musica tradizionale, folkloristica e ora anche la nuova musica popolare è stata documentata in libri, libri di musica, registrazioni, film, mostre temporanee, la mostra permanente nel Museo all'aperto del Ballenberg e nei due centri di competenza di Altdorf e Gonten.

Sibylle Gerber e Laura Rompietti hanno utilizzato questo ampio materiale e le visite ai festival musicali e ai concerti di musica popolare, nonché le ricerche negli archivi televisivi e nelle collezioni fotografiche della SRF per sviluppare il concetto della mostra speciale "Musica popolare" al Forum della storia svizzera di Svitto e hanno cercato gli oggetti adatti solo dopo questo lavoro preliminare. Non sono stati selezionati principalmente strumenti e immagini di musica popolare, ma una serie impressionante di campioni sonori rappresentativi. Per motivi di spazio, i curatori hanno rinunciato a presentare l'intero fenomeno e hanno cercato di coprire alcuni aspetti della musica popolare svizzera. Tuttavia, la musica popolare svizzera può essere ascoltata in molte varianti in diverse stazioni mediatiche, durante le improvvisazioni richieste dai visitatori e nel variegato programma di supporto.

Insieme ai designer grafici e sonori, gli organizzatori della mostra sono riusciti a rievocare una parte importante della cultura popolare svizzera. Sebbene siano esposti i vari tipi di corno alpino - la forma ricurva, il Büchel, lo Stockbüchel e la Tiba - manca la gamma unica di funzioni diverse, da richiamo a strumento rock, del simbolo nazionale. Inoltre, la talentuosa suonatrice di corno di Schaffhausen Lisa Stoll parla del suo rapporto con il costume tradizionale e con il suo strumento, che dimostra in una rinfrescante registrazione presso una delle postazioni multimediali. Il fatto che il dulcimer a martelli, lo strumento più importante degli appenzellesi, fosse suonato un tempo in tutta la Svizzera e si senta ancora oggi nel Vallese, viene taciuto al visitatore, ma nel filmato Nicolas Senn colma questa lacuna spiegando con professionalità l'antico strumento a corde e il suo impegnativo stile di esecuzione. In altri video, un suonatore di Schwyzerörgel e uno jodel dimostrano la popolarità della musica popolare tra i giovani musicisti.

Formazioni e paesaggi

La mostra speciale di Svitto presenta le formazioni rappresentative della musica popolare svizzera: la Ländlerkapelle (clarinetto, Schwyzerörgeli e basso), la musica d'archi (uno o due violini, violoncello, contrabbasso e dulcimer o fisarmonica al posto del secondo violino e del violoncello), la Bandella (piccola banda di fiati dei Ticinesi) e la Fränzlimusik dell'Engadina (strumenti a corda e a fiato). Il più antico ensemble coltivato in molte tradizioni e associazioni popolari, il piffero e il tamburo, non si trova.

I cosiddetti paesaggi musicali sono ancora oggi riconoscibili in Svizzera. Queste regioni musicali comprendono la regione dell'Appenzello, i cantoni di Svitto, Ticino, Grigioni e l'ex mecca della musica country, la città di Zurigo. La Svizzera francese è rappresentata da Joseph Bovet e dal suo coro di voci bianche, ma dove sono gli "accordéons jurassiens", sul modello della musette francese, e i numerosi cori della Svizzera francese che si esibiscono alla "Fête des Vignerons" di Vevey?

Tutte le foto storiche in bianco e nero potrebbero dare al visitatore casuale l'impressione che la musica popolare svizzera sia un fenomeno del passato. Tuttavia, i numerosi concerti del programma di supporto dimostrano che lo jodel e il suono dell'alphorn, del dulcimer e dello Schwyzerörgeli sono più vivi che mai.

Risvegliare la passione per la musica

La mostra, aperta al pubblico per dieci mesi, non è faticosa, anzi: le grandi illustrazioni in stile xilografia di musicisti e paesaggi musicali stampate sulle pareti conducono in modo giocoso ai pannelli di testo di facile lettura in quattro lingue, a tutte le postazioni multimediali con i loro contenuti divertenti e infine al "palcoscenico Stubete", dove i visitatori possono provare gli strumenti messi a disposizione, ma anche dimostrare i propri strumenti che hanno portato con sé. E in effetti, vedendo e sentendo, i visitatori sono incoraggiati a suonare, ballare e cantare loro stessi o sono ispirati a scrivere sull'enorme lavagna che cosa significa per loro la musica folk, che cos'è effettivamente la musica folk.

A Svitto è stata creata una mostra letteralmente interattiva, che lascia molto a desiderare in termini di trasferimento di conoscenze qua e là, ma che fa venire voglia di integrare le conoscenze esistenti e di fare musica da soli.

Il programma di supporto offre visite guidate per over 60, visite per bambini con audioguida e visite dialogate con esperti. Sono consigliati anche alcuni concerti nella tenda di fronte al museo. Se non potete approfittarne e non potete ascoltare i vostri compagni di visita, potreste imbattervi nel macellaio che fa musica accanto al Forum della storia svizzera e che suona lo Schwyzerörgeli dietro il negozio durante le pause di lavoro.

"Musica popolare"
Forum Storia Svizzera Svitto
Fino al 3 maggio 2026
mar-dom 10-17 h
forumschwyz.ch/folkmusic

Avete Paura di volare? Non preoccupatevi: un decollo riuscito verso sfere più alte, e dopo un po' di turbolenza, un piccolo pasto e un temporaneo vuoto d'aria, il chitarrista tedesco Armin Kulla ci riporta sani e salvi sulla terra. Un piccolo viaggio è il titolo della sua raccolta di dieci pezzi facili o moderatamente difficili per ensemble di tre o quattro chitarre. Il titolo eloquente dell'arioso brano di apertura è tipico anche degli altri numeri.

Dopo un Nuovo inizio ci troviamo in Medio Oriente, tra l'altro con la melodia tradizionale orientale arrangiata in modo accattivante Nebbia El Nakhel. La visita a un ristorante vivace e animato è anche ritmicamente vivace. Città vecchia, durante il Inverno a Betlemme risulta piuttosto logoro. Üsküdar'a Gider Iken (On the way to Üsküdar) dalla Turchia - meglio conosciuto con il titolo Katibim - è la seconda canzone popolare tradizionale della raccolta. Tutti gli altri brani sono stati scritti dallo stesso Armin Kulla.

Gli arrangiamenti sono versatili, con alcune tecniche esecutive particolari. Il ruolo di ogni chitarra all'interno di un brano è sempre chiaramente definito, anche se ci sono melodie che sono distribuite su più parti. Occasionalmente, il capotasto viene utilizzato nelle singole parti, in modo che anche gli acuti siano facili da padroneggiare. Dopo una colorata incursione chitarristica, il compositore congeda i lettori e gli ascoltatori con un Valzer d'addio nella vita di tutti i giorni.

Armin Kulla: Eine kleine Reise, pezzi d'insieme da facili a moderatamente difficili per 3 e 4 chitarre, D 826, con flusso audio, € 14,80, Dux, Manching

Hans Gál (1890-1987) è stato un uomo importante come direttore dell'Accademia di Musica di Magonza e con le sue composizioni (opere, una sinfonia, canzoni, musica da camera), che venivano eseguite ovunque. Tuttavia, quando Hitler salì al potere, gli fu vietato di lavorare come ebreo in Germania e fuggì a Vienna, poi a Edimburgo quando l'Austria fu annessa nel 1938, dove lavorò come docente di musica fino alla morte. La sua musica tonale, orientata verso Brahms, cadde nell'oblio come "anacronistica".

Il suo incantevole concerto per violino, composto nel 1932 e pubblicato da Breitkopf, fu eseguito per la prima volta a Dresda nel febbraio 1933 con Georg Kulenkampff diretto da Fritz Busch. Gál aggiunse al concerto tre cadenze, tutte disponibili anche nella riduzione per pianoforte. La parte solistica è strettamente intrecciata con le parti orchestrali in uno stile cameristico e la musica è ricca di idee melodiche e armoniche. Il concerto non è stato più eseguito fino al 2005. La nuova meticolosa edizione del 2023 confronta tutte le fonti esistenti e corregge le piccole discrepanze, come spiegato nel commento critico. Il materiale esecutivo è disponibile per il noleggio. 

Hans Gál: Concerto per violino e piccola orchestra op. 39, a cura di Anthony Fox e Eva Fox-Gál, riduzione per pianoforte dell'autore e parte per violino, EB 9457, € 33,90, Breitkopf & Härtel

Se non si va al teatro dell'opera, alla Kunsthaus o alla Tonhalle da bambini o da adolescenti, sarà difficile trovarvi la strada in seguito. I mondi del suono e delle immagini rimangono lontani e inavvicinabili per molti. Una nuova applicazione dell'Orchestra della Tonhalle di Zurigo introduce ora i bambini dai 6 anni in su nel mondo dei violini celestiali e dei bassi rimbombanti in alto tedesco. Andiamo a La magica orchestra sinfonica: Selezionate il vostro avatar e attraversate l'ingresso colorato per entrare nella stanza successiva, dove Pip, Fidelia e Gustav stanno facendo capolino. Il topo, il ragno e il fantasma vivono nella Tonhalle perché amano ascoltare la musica e perché ci sono tante cose interessanti da scoprire. Una sera, quando i visitatori se ne sono andati, i tre trovano sul pavimento un piccolo libro con ogni sorta di personaggi divertenti. Un libro puzzle?

Primo rompicapo: gli strumenti sono mescolati e devono essere organizzati. Per farlo, trascinate l'immagine della tromba nell'apposito spazio dell'orchestra, seguita dagli altri strumenti musicali. Ce l'avete fatta! Imparate che ci sono archi, fiati e altre famiglie di strumenti. Ma attenzione, il gatto Carlos si sta intrufolando nella Tonhalle, in guardia dal topo Pip. Quale strumento è più adatto come nascondiglio? Pip cerca il buco giusto in vari strumenti. Vengono suonati brevi frammenti di melodia dei singoli strumenti. In quale ordine sono stati suonati? Fate clic e continuate.

Seguono lezioni di acustica con uno strumento-immagine-suono-memoria, melodie e immagini grafiche di note e ritratti di compositori. (Mozart iniziò a comporre all'età di cinque anni. Beethoven a sette. Bach suonava il clavicembalo, il violino, la viola e l'organo e cantava nel coro. Ha composto oltre 1000 opere vocali).

Il ragno Fidelia avvolge dal suo corpo cinque fili che si trasformano in pentagrammi: si crea così un piccolo spartito su cui si può seguire la musica suonata. È emozionante vedere come la musica viene scritta in notazione musicale. O forse è il contrario? Settimo e ultimo enigma: cosa fa un direttore d'orchestra? Dirige. E lo facciamo anche noi. Usiamo il cursore per disegnare sullo schermo battute in 4/4 e triple e dirigere l'Orchestra della Tonhalle di Zurigo.

Quindi, basta imparare e fare pratica (il corso dura circa 45 minuti), ora le porte della Tonhalle sono aperte. E voi siete cordialmente invitati e ben preparati.

Tonhalle-Orchester Zürich: la magica orchestra sinfonica, Agon Productions,
tonhalle-orchestra.ch/gioco

Il gioco può essere giocato anche in inglese a partire dalla stagione 2025/26.