Dalla preparazione dei concerti ai momenti di crisi psicologica, fino alle routine che funzionano davvero: questi sono gli argomenti che il conduttore Patrick Hinsberger affronta in modo approfondito con i suoi ospiti ogni due settimane. Al centro dell’attenzione non ci sono ricette miracolose, ma conversazioni sincere sulle battute d’arresto, sui metodi di studio e su ciò che si nasconde, giorno dopo giorno, dietro una carriera musicale pluridecennale.

Il podcast è nato nel 2021 dal blog what-is-practice.de, basato a sua volta sulla tesi di laurea triennale di Hinsberger in tromba jazz presso l’Accademia delle Arti di Berna. Da allora, il programma si è conquistato un pubblico fedele. Ad oggi sono disponibili 51 puntate su tutte le principali piattaforme di streaming, tra cui numerose con musicisti svizzeri: Viviane Chassot, Lukas Thoeni, Nik Bärtsch, Nicole Johänntgen e Marc Stucki.

Hinsberger consiglia questi contenuti in particolare a:

• Studenti di musica alla ricerca di modelli di riferimento
• Docenti che desiderano introdurre nuove prospettive nelle loro lezioni
• tutti coloro che amano dare un'occhiata dietro le quinte
• Musicisti amatoriali alla ricerca di consigli per esercitarsi

Panoramica dei podcast e delle versioni scritte delle interviste:
what-is-practice.de/categoria/come-si-allena-in-realtà

Si canta sempre meno. Che sia a casa, a scuola, al lavoro o nel tempo libero. Si possono avanzare molte ipotesi sulle ragioni di questa megatendenza mondiale (?): i moderni ambienti di lavoro, gli stili di vita personalizzati, il diluvio mediatico. Ma il presente libro non si sofferma su questi aspetti nei dettagli. Al contrario: offre approcci concreti e pratici al canto. Accessibili e coinvolgenti. Canzoni circolari orecchiabili, ma per nulla banali, e brani corali a più voci stimolano a «cantare semplicemente». Ma, appunto, non è poi così semplice: anche il canto senza spartito vuole essere stimolato.

È qui che entrano in gioco le strategie di canto corale, accompagnate da molto movimento: mimare le melodie, imparare collettivamente dalla persona accanto («qualcuno conosce proprio il punto che ci manca ancora»), muovere le labbra e cantare in silenzio, per poi recitare semplicemente il testo della canzone. Questi giochi e questi espedienti sono divertenti e creano un'atmosfera rilassata – lontani dal concetto di giusto o sbagliato, da «troppo basso!», «troppo tardi!».

Non si tratta di un apprendimento musicale efficiente e lineare, bensì di una ripetizione circolare e variabile basata sull’ascolto. Questo approccio pedagogico-musicale attinge consapevolmente alle forme musicali tradizionali, ma mira a integrarle nella nostra quotidianità odierna e a svilupparle ulteriormente.

Il repertorio presentato, per lo più composto dall’autore del libro, è variegato sia dal punto di vista linguistico che stilistico. Gli jodel ispirati alla natura si affiancano a brani orecchiabili e canoni. Le canzoni sono disponibili in forma scritta (per gli istruttori) e possono essere ascoltate nei download audio, eseguite da un piccolo ensemble vocale con percussioni e pianoforte. Sono adatte per il riscaldamento vocale in coro o semplicemente per cantare insieme a proprio piacimento. All'insegna del motto: cantiamo di più!

Thomas-Maria Reck: singalongsongs II, 23 nuovi brani ritmati e canti, materiale didattico per il canto corale senza spartiti con set di carte strategiche e audio scaricabile, Fr. 30.00, stimmlände.com

La Fondazione considera questo riconoscimento un importante tributo al progetto a lungo termine che porta avanti dal 2006, nell’ambito del quale esegue e documenta l’intera opera vocale di Johann Sebastian Bach.

La Medaglia Bach della città di Lipsia viene conferita per meriti eccezionali nel campo dell’opera di Johann Sebastian Bach ed è considerata uno dei riconoscimenti più prestigiosi nell’ambito della divulgazione di Bach. La giuria è composta dal maestro di cappella del Gewandhaus, dal rettore dell’Accademia di musica e teatro «Felix Mendelssohn Bartholdy» di Lipsia, dal cantore della Thomaskirche, dal presidente e dal direttore dell’Archivio Bach. Ha motivato la propria decisione a favore della Fondazione J. S. Bach come segue:

«Dal 2006 la Fondazione J. S. Bach di San Gallo porta avanti l’ambizioso progetto di eseguire, nell’ambito di concerti mensili, l’intera opera vocale di Johann Sebastian Bach (1685–1750). Da vent’anni il coro e l’orchestra della Fondazione, sotto la direzione di Rudolf Lutz, stabiliscono standard artistici di altissimo livello. Grazie al sostegno dell’imprenditore Dr. Konrad Hummler, l’opera di Bach – con le introduzioni alle opere e le riflessioni sul testo e sulla musica del brano di volta in volta eseguito, nonché la pubblicazione dei concerti in video e su CD – è stata e continua ad essere resa accessibile a un vasto pubblico in modo innovativo e duraturo.»

A sinistra:

Il tesoro di San Gallo
Recensione e omaggio al Progetto Bach di San Gallo in occasione del 50° album (2025)

Parte convincente di un quadro generale
Recensione del CD n. 20 (2018)

Già nel 2019 Helene Schulthess aveva pubblicato 26 danze popolari svizzere provenienti da 26 cantoni dalla collezione della musicologa Hanny Christen, che tra il 1940 e il 1960 viaggiò per la Svizzera per registrare o trascrivere melodie, adattandole poi per due flauti traversi e pianoforte (Recensione). 12 danze popolari in stile svizzero Si tratta ora di un ciclo di musica da camera composto dallo stesso Schulthess per la stessa formazione, che si ispira alle caratteristiche tipiche della musica popolare svizzera.

Al centro vi sono linee melodiche popolari chiaramente definite, che attingono ritmicamente a tipici motivi di danza, richiamando alla mente forme tradizionali come il Ländler o semplici tempi in tre tempi. Ciascuno dei dodici movimenti è associato a un mese, creando così un ciclo musicale annuale. Ogni movimento è preceduto da un haiku di Stefan Blankertz, che riflette l’atmosfera del momento in una forma concisa e linguisticamente essenziale. In questo modo si crea un'interazione tra il suono dei flauti traversi che si alternano e la parola, che fa apparire il ciclo come un'unità chiusa e allo stesso tempo aperta all'interpretazione.

Mese dopo mese

Il brano dedicato a gennaio, intitolato «Allegro», inizia ad esempio in chiave minore per poi passare alla maggiore; è accompagnato dall’haiku «inverno senza neve, i topi si trascinano dietro i gatti». L’aprile, un allegro pulsante con veloci terzine di ottavi, ricorda una tarantella. Il maggio si caratterizza per una melodia simile allo jodel nella voce superiore ed è strutturato in tre parti nella forma classica della canzone, chiaramente contrassegnate con simboli come A e A‘.

Il pianoforte funge innanzitutto da base armonica e ritmica, ma di tanto in tanto arricchisce il tessuto musicale con figurazioni autonome e intensificazioni sonore. Il Giugno ricorda stilisticamente lo Scherzo di Mendelssohn Sogno di una notte di mezza estate in sol minore, nelle prime due battute ricorda l’originale e porta giustamente il titolo: «Dormire in piena veglia in una notte d’estate senza presunzione».

Grazie a queste combinazioni di voce e musica, questi brani offrono una variegazione interessante rispetto al repertorio per flauto, piuttosto raro nella musica popolare. Sono particolarmente adatti a musicisti di livello avanzato.

Helene Schulthess: 12 danze popolari in stile svizzero per due flauti traversi e pianoforte, con haiku di Stefan Blankertz, Fr. 30.00 + spese di spedizione, autopubblicato, helene-schulthess.ch (Fonte e tutti i brani da ascoltare)

Da decenni l'Edition Kunzelmann, già Edition Eulenburg, con sede ad Adliswil, rende servizi eccellenti alla coltivazione del repertorio per fiati, in particolare di quello per corno. La nuova, imponente edizione del Sei mélodies di Charles Gounod testimonia questa impressionante diligenza.

Questi brani orecchiabili e non troppo difficili da suonare erano già stati pubblicati nel 1982 dalle Editions Billaudot Paris, a cura del corno solista dell'Orchestre de la Suisse Romande Edmond Leloir, in un'edizione in tre volumi. È da accogliere con favore il fatto che tutti Sei mélodies ora disponibile in un libretto. Il dedicatario di queste opere è il suonatore e costruttore di corni Marcel-Auguste Raoux, della famosa dinastia Raoux.

Il curatore della presente edizione, Simon Scheiwiller, presenta un rapporto di revisione meticolosamente preparato. La sua prefazione fornisce interessanti informazioni sul contesto storico che circonda il passaggio esitante e controverso dal corno naturale ai primi strumenti con valvole a pistone, avvenuto a Parigi intorno al 1840.

Da vecchio amico dell'arte della stampa tipografica, il recensore è lieto di tenere tra le mani un libro di musica progettato con tanto amore.

Charles Gounod: Sei mélodies pour le cor à pistons, a cura di Simon Scheiwiller, GM-1981, fr. 29.30, Edition Kunzelmann, Adliswil

Al compositore e chitarrista Wolfgang Muthspiel (*1965), che dirige il Focusyear del Jazzcampus di Basilea, piacciono le cose creative, diverse e stupende. Per questo ama utilizzare un'ampia varietà di formati. Di conseguenza, il ricercato musicista jazz è talvolta in viaggio come leader di una big band, talvolta come solista e soprattutto in una formazione a tre. L'ultima fatica musicale dell'austriaco è anche una pubblicazione del Wolfgang Muthspiel Chamber Trio, la prima, anche se la prima dal vivo della formazione risale a otto anni fa. Oltre all'omonimo alla chitarra, la formazione comprende anche il connazionale Mario Rom alla tromba e Colin Vallon, della Svizzera occidentale, al pianoforte. L'obiettivo dichiarato dei tre è quello di tessere insieme una rete musicale interattiva e polifonica, che abbracci l'intimità e la trasparenza delle formazioni di musica da camera senza mai perdere la potenza ritmica e la giocosità.

Già il primo brano, Guacho Schubert, Il nome del trio chiarisce che si tratta di musica da camera libera dalla formalità e dallo splendore convenzionale. Il trio preferisce invece concentrarsi sull'improvvisazione, sul suono e, soprattutto, sul qui e ora. Fanno a meno di basso e batteria, il che diventa evidente solo a un ascolto più attento. Anche perché Muthspiel si appropria di tanto in tanto del corpo della sua chitarra per una percussione simile a un battito cardiaco e Vallon mette in sordina le corde del suo pianoforte. Mentre nella title track Atlante i tre strumenti confluiscono perfettamente l'uno nell'altro e fanno pulsare la musica tra classica, jazz e world music. Potrebbe essere la fine tranquillo e completamente rivolto verso l'interno. Il risultato è un suono che sembra un balsamo per l'anima. Altri pezzi come Lionel, che sembra un ricordo di viaggio africano, il dondolo elegantemente Il Blues del Duca o il giocoso e insidioso Cani un'esperienza musicale fantasiosa e sensuale. E più ci si lascia coinvolgere, più si viene ricompensati.

Trio da camera Wolfgang Muthspiel: Atlas. Clap Your Hands Records

Il 30 nuovi studi per clarinetto solo del noto compositore inglese James Rae sono una serie di brani brevi e variegati in stili che vanno dallo swing, al blues, alla bossa nova e al valzer. I titoli sono tratti da Un altro pianeta fino a quando Molecole renderli accessibili come pezzi di carattere e quindi promuovere l'espressione musicale.

I primi «studi» sono esclusivamente nel registro basso e possono essere utilizzati come supplemento a una scuola di clarinetto. In questo modo gli allievi più giovani o meno avanzati hanno l'opportunità di sperimentare la varietà stilistica e di creare immagini musicali in una fase iniziale.

I brani diventano poi tecnicamente più impegnativi a piccoli passi, mentre le chiavi e le firme temporali rimangono gestibili. Ciò consente una struttura chiaramente strutturata e favorisce un apprendimento continuo senza eccessive richieste. Allo stesso tempo, vengono affrontati in modo specifico aspetti tecnici importanti come l'articolazione, il ritmo e il fraseggio. I segni del metronomo per tutti i brani possono essere accettati come una sfida e sono un complemento ideale per l'esecuzione caratteristica. I tempi incoraggiano a impegnarsi consapevolmente con gli stilemi e le pulsazioni.

Il libretto è pratico e può essere utilizzato direttamente nelle lezioni ed è ideale per creare un ponte con i libretti di esercizi classici. Motiva attraverso la varietà musicale e allo stesso tempo offre una solida base per un ulteriore sviluppo del clarinetto.

James Rae: 30 nuovi studi per clarinetto solo, UE 21 850, € 18,95, Universal Edition, Vienna

Le prestazioni di alto livello di solito vanno di pari passo con la specializzazione. Ma il violinista Sini Simonen e il violoncellista Alexandre Foster hanno scelto un approccio diverso. Hanno optato per una combinazione di suoni neoclassici, mottetti a due voci di Orlando di Lasso e suoni contemporanei provenienti da diversi Paesi, ognuno con il proprio stile.

La varietà è quindi assicurata. Ma Foster e Simonen ottengono molto di più. Nel loro viaggio attraverso il tempo, scoprono diverse gemme che presentano in modo più che lucido. L'opera di Maurice Ravel Sonata per violino e violoncello è al centro della scena. Roman Brotbeck sottolinea giustamente nel libretto che «a volte sembra un quartetto d'archi». Oltre alla sorprendente ricchezza sonora, il brillante omaggio in quattro movimenti a Claude Debussy, morto nel 1918, colpisce per l'eleganza, la densità polifonica e la finezza ritmica, che suonano come un moderno Béla Bartók.

Moser e Winkelman

La Svizzera risuona nel sottotesto: Alexandre Foster insegna come professore di violoncello all'Accademia di Musica di Basilea. Bohuslav Martinůs Duo II è stato scritto nei pressi di Basilea, quando il compositore era ospite di Maja e Paul Sacher. Anche le opere di Roland Moser e Helena Winkelman contribuiscono a questa produzione meravigliosamente divertente: l'opera di Moser Tre dediche sono studi altamente concentrati in cui semitoni, mondi flageolet e toni naturali lasciano impressioni sonore particolari. Nei suoi primi lavori Rondo con testa di Giano già preannuncia ciò che caratterizza la basilese Helena Winkelman fino ad oggi: un'apertura polistilistica con una vivace musica folk e alcuni ritmi jazz. La vivacità di Winkelman Rondo è giustamente scritto alla fine di un CD in cui Simonen e Foster hanno centrato in ogni punto il tono di una musica molto diversa. Non possiamo che consigliarlo: Ascoltatelo tutto d'un fiato!

Bicinia. Opere di Orlandi di Lasso, Bohuslav Martinů, Maurice Ravel, Helena Winkelman, Roland Moser, György Ligeti, Kaija Saariaho. Sini Simonen, violino; Alexandre Foster, violoncello. Claves Records CD 3134

«Nous ne savons rien sur l'origine de cette pièce qui constitue la première composition de Ravel pour le piano». Così scriveva Arbie Orenstein nella prefazione alla prima edizione dell'opera Sérénade grotesque, pubblicato da Salabert nel 1975 in occasione del centenario della nascita di Ravel. L'eminente studioso di Ravel, la cui monografia sul grande compositore è ancora probabilmente la misura di tutte le cose, non fu solo lo scopritore dell'autografo, che era stato a lungo considerato perduto. Ne organizzò anche la prima nello stesso anno.

Cinquant'anni dopo, Andreas Pernpeintner ha ripubblicato il breve pezzo per pianoforte con Henle. Le differenze rispetto alla prima edizione francese sono minime. Nella prefazione di Pernpeintner, tuttavia, apprendiamo alcuni dettagli affascinanti su come Ravel stesso giudicò questo lavoro, che aveva scritto quasi da adolescente. Pare che non l'abbia mai tenuta completamente sotto chiave.

Il Sérénade grotesque è caratterizzato da forti contrasti tra passaggi percussivi («très rude, pizzicatissimo») da un lato e cantilene più lunghe («très sentimental») dall'altro. I numerosi echi della musica chitarristica spagnola non sono l'unico elemento che rende il ben più famoso Alborada del gracioso dal Miroirs (Arbie Orenstein si è sentita come se stesse Scarbo ricorda). Come in questi capolavori successivi, anche qui la scrittura pianistica è caratterizzata da associazioni orchestrali. Sebbene non sia eccessivamente impegnativo, il Sérénade ha le sue insidie pianistiche. Per superare questi ostacoli nel modo più elegante possibile, il pianista francese Cédric Tiberghien ha contribuito con alcune diteggiature davvero molto pratiche.

Nel complesso, una nuova edizione degna di nota! Per i fan di Ravel, in ogni caso. Ma anche per tutti coloro che desiderano guardare alle spalle di un giovane genio mentre si sviluppa.

Maurice Ravel: Sérénade grotesque, a cura di Andreas Pernpeintner, HN 1590, € 8,00, G. Henle, Monaco di Baviera

Nato nel 1987 nel Canton Turgovia, Andreas Häberlin insegna oggi alla Nova Southeastern University in Florida, USA. Ha vinto numerosi premi in Svizzera, dove ha studiato composizione e teoria alla ZHdK, e a livello internazionale, tra cui un premio di sponsorizzazione del Canton Turgovia nel 2016. Negli Stati Uniti, Häberlin ha lavorato con grandi artisti come Michael Bublé e Barbra Streisand e si è fatto un nome come produttore di musica per film.

Ora sta pubblicando il suo primo libro dal titolo promettente A Metodo di trascrizione musicale - Annotare a orecchio la musica registrata prima. Il titolo mantiene solo in parte la sua promessa. Nelle quattro parti «Preparazione - Processo - Interpretazione - Risorse», l'autore tratta in modo meticoloso e scientifico l'approccio prevalentemente digitale alla trascrizione musicale, con un gran numero di riferimenti alla letteratura in materia. Online, l'autore fornisce un'ampia raccolta di esempi di musica autoregistrata e di partiture per il libro - ma l'assegnazione ai singoli capitoli non è immediatamente evidente.

Si può dire che la scrittura di musica esistente richieda una notevole abilità nell'ear training, nella comprensione del ritmo e dell'armonia. Tuttavia, i metodi proposti non approfondiscono, ma presuppongono le suddette competenze. Il capitolo sull«»Orchestrazione" rimane molto generico; Häberlin presenta il Creative Software Sampler Cube e cita almeno gli insegnamenti sulla strumentazione di Berlioz e Rimsky-Korsakov nella bibliografia corrispondente. Vengono presentati numerosi ausili tecnici, da dispositivi midi e software di notazione a workstation audio digitali. Inoltre, ci sono istruzioni piuttosto banali per rispettare la scadenza fissata dal cliente - e per assicurarsi che i vicini non vengano disturbati durante la riproduzione della musica.

Andreas Häberlin: A Music Transcription Method - Notating Recorded Music by Ear, 178 p., € 50,99, Routledge, New York e Londra 2025, ISBN 978-1-032-84254-7

Sembra un argomento strano per chi sta iniziando. Ma il trattino in «auf-hören» indica già che non si tratta semplicemente di concludere, di chiudere la giornata. Reto Bieri, clarinettista, direttore d'orchestra, docente di musica da camera a Monaco, direttore di lunga data del Festival di Davos e appassionato ideatore di programmi, dirige per la prima volta i concerti di Pentecoste alla Certosa di Ittingen. Heinz Holliger e András Schiff hanno iniziato questa tradizione esattamente trent'anni fa; dopo venti edizioni, si sono succeduti Graziella Contratto, Oliver Schnyder, Maurice Steger, Nicolas Altstaedt, Isabelle Faust e Kristian Bezuidenhout.

Come si interrompe l'udito?

E ora Reto Bieri «si ferma». Nel libretto del programma, spiega come lo intende: «Quasi nessun'altra parola dice »no« in modo così deciso e allo stesso tempo offre un'apertura. Una dice: »Fermati« e significa fermati. Ma c'è qualcos'altro nascosto nella parola: un ascolto...». Quindi fermarsi è come ascoltare. Questa interpretazione ha senso per chi si interessa di musica. Ma è corretta? Il Dizionario Etimologico di Kluge conferma che «aufhören» era sinonimo di «hören» nel Medioevo e deduce: "Quando qualcuno concentra la propria attenzione su qualcosa, cessa contemporaneamente la propria attività". Cessare come essere pronti per il nuovo che sta per arrivare.

Reto Bieri spiega questa scelta con la prima impressione che gli ha fatto la Certosa: «Attraversando questo portale ci si trova in un mondo nuovo e chiuso. Lo spazio più aperto è il paradiso». Così è stato anche per i certosini, che si sono ritirati dietro queste mura e hanno creato un paradiso". Da qui si apre l'intero programma del festival.

Lasciarsi radicalmente alle spalle

Inizia con la forma estrema di cessazione, la morte. A dare il via alla manifestazione, venerdì sera, è un «Ultimo convoglio» in tre parti, che mette in scena proprio questo arrivo, addio e resurrezione. A poche centinaia di metri dalla Certosa, si forma un distaccamento della Società musicale di Weinfelden, che si allontana lentamente suonando la marcia funebre «Cara madre». Poi si ferma, silenzio. Si continua, stessa musica, stessa lentezza. Di nuovo silenzio. In fondo al corteo funebre dei visitatori del festival si diffonde l'agitazione. Qualcuno si arrabbia perché l'altoparlante, trasportato su un carrello, è nel posto sbagliato, perché non si sente nulla. Non c'è niente da sentire, si capisce a poco a poco. Si cammina lentamente verso la marcia funebre - verso la metà! - e stare fermi. Non è così facile da sopportare. La terza volta che rimango fermo, mi rendo conto che i miei occhi si stanno chiudendo e mi arrendo alla situazione«. Bieri mi confermerà in seguito »che quasi non si riesce a sopportare queste ripetizioni, questo stare sul posto". E mi racconterà di come sia stata un'esperienza unica per gli studenti di musica coinvolti marciare insieme a suonatori con un background musicale completamente diverso. Come il capo tamburo abbia dovuto spiegare loro come dovevano stare in fila, con i talloni uniti e i piedi con un angolo di 45 gradi". Anche Bieri si è unito alla sezione dei clarinetti e ha reso omaggio alla sua cara madre. La marcia deve essere suonata cinque volte prima di raggiungere la Certosa e, mentre camminano lentamente, la menta lungo la strada inizia a puzzare.

Festa del cadavere, recitata e completamente vera

Nel giardino barocco, Vox Clamantis si è posizionato intorno al bacino d'acqua rotondo e accoglie gli ospiti con canti gregoriani, tra cui la sequenza di Pentecoste. Nel successivo concerto nella Remise, questo ensemble vocale estone canta con la sua sonnambolica omogeneità Il grido del cervo di Arvo Pärt, il compositore a cui è molto legato e che ha quasi abbandonato, per poi trovare una nuova voce anni dopo. Infine, il brano di Henryk Górecki Piccolo requiem per una polka, Anche in questo caso, ripetizioni, passi sul posto e improvvise esplosioni di esuberanza nostalgica ed esagerata. Anche l'attore Jürg Kienberger, che aveva già tenuto un discorso un po« disparato all'esterno nei panni del »prete«, tra citazioni di Gotthelf e annunci telefonici automatici, ha regalato divertimento. Lì, questi intermezzi tragicomico-parodici mi hanno un po» alienato; sul palcoscenico, mi piacciono. È bello ridere tra questa musica concentrata. Quando gli si chiede se questo "teatro" non incontri opposizione, Bieri racconta di un sacerdote che gli ha scritto arrabbiato. Nel frattempo, è diventato uno scambio molto stimolante.

La serata si conclude, come si conviene a un servizio funebre, con il pranzo funebre. Tutti sono seduti nel ristorante della Charterhouse: zuppa, le persone iniziano a chiacchierare esitanti, piatto principale, Mark Padmore accompagnato da Anthony Romaniuk canta il brano di Schubert Addio alla terra, Dessert, valzer sul ghiaccio. I musicisti del festival si posizionano tra i tavoli dove c'è spazio e suonano, gli ospiti cantano-hum-mumble insieme a diverse ripetizioni fino a quando la tristezza si è sciolta e tutti sono sicuri che qualcosa ricomincerà dopo la fine. «... la fine è l'inizio dall'altra parte», dice Karl Valentin nel programma del festival.

Non correlati in orizzontale

Si sta diffondendo un sentimento di aggregazione. I frequentatori di lunga data del festival si accorgono che in passato mancava loro qualcosa di simile. Una comunità? La musica sta assumendo il ruolo della chiesa? Per Bieri, la vicinanza al liturgico e al religioso è, da un lato, fortemente autobiografica: «Da bambino partecipavo naturalmente alla processione del Venerdì Santo, camminando assetato per quattro ore lungo la salita. Al centro di formazione per insegnanti cattolici cantavamo ogni mattina i corali gregoriani. D'altra parte, mi sembra che si stiano perdendo le radici di molte cose che ci hanno formato. Oggi soffriamo di una gigantesca amnesia culturale. Anche nella musica, spesso non siamo più in grado di stabilire dei riferimenti e non sappiamo più da dove viene qualcosa o dove sta andando. Qui incontriamo lo sfondo di questo stile di vita monastico, una cura globale, una verticalità. Nella vita di tutti i giorni, spesso ci muoviamo solo in orizzontale e dimentichiamo che c'è anche qualcosa sopra e sotto di noi».»

Fermarsi e sbocciare

Il programma di quest'anno comprende sette concerti. Essi mescolano musica dal Medioevo ai giorni nostri, non tanto come sequenza quanto come conseguenza. Nel processo, la processione, il fare, viene sempre più omesso per lasciare spazio all'essenza. Il programma si conclude con il Quintetto per clarinetto op. 115 di Brahms, scritto dopo aver effettivamente finito di comporre. Da ascoltare, ancora e ancora! Nella matinée del sabato di Pentecoste, Vox Clamantis canta dapprima l'antifona gregoriana Ubi caritas et amor e poi, dopo un unico respiro, passa al mottetto di Maurice Duruflé su questo tema, dando l'impressione che la melodia monofonica si spezzi in un'insostenibile coloritura polifonica. Fioriture successive Os justis allo stesso modo al mottetto di Bruckner. Ascoltate! L'anno prossimo si parlerà di «ritorno».

Questa Pentecoste, la formazione spazia dai solisti a un ensemble di 14 elementi: oltre a Vox Clamantis, saranno presenti in Certosa il Trio Gaspard, il quartetto d'archi Meta4 e molti altri. Bieri dice di aver insistito perché gli artisti fossero presenti per tutto il tempo. Molti non escono mai. Inoltre, non c'è nessuna città nelle vicinanze. Ma le rose antiche - la Certosa è famosa per la sua vasta collezione - stanno sbocciando in questi giorni. Queste varietà storiche fioriscono solo una volta all'anno, dopo poche settimane sono finite, ma hanno un profumo unico.

Si sono riuniti grazie alla comune inclinazione per il k-punk di Mark Fisher, critico musicale e teorico culturale inglese scomparso nel 2017. E cosa ne hanno fatto il pianista Stefan Kägi e il compositore Michael Emanuel Bauer? Hanno preso il tardo ciclo di canzoni di Othmar Schoeck Riverbero, Kägi e Robert Koller, che lo hanno considerato «nello spirito della hauntologia di Derrida» e lo hanno rielaborato. Il punto di partenza è insolito quanto il mix che ne deriva: Kägi interpreta il ciclo insieme al basso-baritono Robert Koller; all'originale si affianca un aggiornamento testuale e musicale, «Afterimages» di Bauer. Infine, il musicista sperimentale tedesco Gunnar Geisse ne remixa alcuni brani. Il tutto ha un titolo in inglese: Schoeck vs. Bauer O quale futuro desiderate? Dove siamo?

Lo stato emotivo è sentimentale: un ritorno, una contemplazione è centrale, come il titolo Riverbero chiarito. Schoeck era consapevole della sua posizione di tardo post-romantico, persino in una certa misura di epigono. E l'ha riscoperta nelle poesie di Nikolaus Lenau e Matthias Claudius. La rassegnazione risuona - e poi si riversa su Bauer, che la spezza in molti modi diversi. Stilisticamente sorprendente, ci sono echi dalla storia della musica. Ci sono sempre echi. Questa rifrazione è assolutamente necessaria, poiché il tono di Koller, che sa essere un abile mediatore, scivola a volte nel sentimentale e nel melenso con Schoeck. Ma forse è proprio questo il senso di un simile assemblaggio. In seguito, però, sembrano artificiosi e non integrati i remix di Geisse, che probabilmente vogliono rappresentare un'eco del futuro agognato.

Schoeck vs. Bauer O quale futuro desiderate? Othmar Schoeck: Nachhall; Michael Emanuel Bauer: Afterimages; remix di Gunnar Geisse. Robert Koller, basso-baritono; Stefan Kägi, pianoforte. aDevantgarde records, solo online

Thomas Fortmann è un compositore molto particolare e la sua carriera è altrettanto particolare. Nato nel 1951 nel cantone di Berna, figlio del soprano Greta Saar e dell'imprenditore Rudolf Fortmann, all'età di 17 anni scrive il suo primo successo pop/rock, che viene pubblicato in molti paesi. Negli anni successivi sono stati pubblicati oltre 100 titoli su varie etichette internazionali. Ha anche composto le musiche per il musical Racconta!, in cui Udo Lindenberg interpretava il ruolo di protagonista. Sembra che in seguito abbia sentito il desiderio di reinventarsi. In ogni caso, all'età di 26 anni si dedicò allo studio della musica classica e continuò a comporre soprattutto musica da camera, ma anche due sinfonie, un oratorio, canzoni e diverse opere teatrali.

Da vivace a profondamente scuro

Una delle sue composizioni più recenti è il Tre Mazurche‚ che sono stati recentemente pubblicati da Edition Kunzelmann. Il primo con il titolo polacco Mazurek dla Anny è un brano vivace, in cui c'è molta allegria e che suona come uno sviluppo in tonalità libera delle Mazurche di Karol Szymanowski. Nel Mazurek dla Arii‚, il secondo brano del trittico, alterna passaggi meditativi ad altri leggermente in levare. Nel complesso, domina una nota lirica. Colpiscono i registri pianissimo, a volte estremamente bassi, che fanno sembrare il pianoforte un mormorio proveniente da un mondo sotterraneo e nascosto. La terza Mazurka, Mazurek dla Arianki, inizialmente ci riporta alla gioia di suonare della prima. Con il procedere dell'opera, tuttavia, i colori scuri riappaiono e conducono a un climax tonale sorprendentemente chiaro (Allargando). Nelle ultime pagine vengono citate anche le altre due mazurche, in parte in modo letterale. Il finale, che sfuma in un delicatissimo pianissimo, è impressionante!

I tre pezzi si adattano abbastanza bene alle dita. Solo nell'ultimo ci sono alcuni passaggi virtuosistici. Non è l'armonia che richiede un po« di tempo per abituarsi, ma a volte il modo in cui Fortmann annota gli accordi. Ad esempio, nella terza mazurka alla battuta 23: è evidente che si tratta di un accordo puro di la bemolle maggiore. Perché il »sol diesis" nel basso? Sono sicuro che Thomas Fortmann avrebbe una risposta originale...

Il Tre Mazurche sono stati registrati su CD dalla cliente Anna Kijanowska (21° Mazurca, Dux Recording Producers), con brillantezza e grande empatia.

Thomas Fortmann: Tre Mazurche, MS-2631, Fr. 24.00, Müller & Schade/Edition Kunzelmann, Adliswil

Frank Martin è uno dei più importanti compositori svizzeri. Figlio di un pastore calvinista di Ginevra, fu influenzato precocemente dalle Passioni di Bach, dalle canzoni di Schumann e dalle armonie modali di César Franck. Sotto l'influenza di Debussy, Stravinsky e Schoenberg, si staccò dalla tonalità funzionale e sviluppò un proprio linguaggio tonale, caratterizzato da cantabilità e trasparenza.

La sua Messa per doppio coro contiene molte di queste influenze ed è una delle opere a cappella più popolari del XX secolo. Fu composta nel 1922 (Roma) e nel 1926 (Zurigo). I manoscritti di Martin degli anni Venti (oggi conservati presso la Fondazione Paul Sacher di Basilea) sono poi scomparsi in un cassetto per 40 anni. Come lui stesso sottolineava, non erano mai stati destinati alla pubblicazione, ma erano «una questione tra Dio e me».

Il compositore tedesco Michael Ostrzyga ha pubblicato un'esemplare edizione Urtext con Bärenreiter-Verlag. Il testo riesamina la storia della composizione e dell'esecuzione della messa e per la prima volta tiene conto di tutte le fonti, compresa una registrazione radiofonica del 1970, finora sconosciuta, con la presenza del compositore. Era da molto tempo che aspettavamo un'edizione così scientifica e pratica. Altamente raccomandata!

Frank Martin: Messe pour double Chœur a cappella, a cura di Michael Ostrzyga, partitura, BA 11315, € 16,50, Bärenreiter, Kassel