Per un secolo e mezzo, la rivista Musica e liturgia come organo più importante della musica sacra cattolica nella Svizzera tedesca, riferisce sulla musica sacra e sui suoi sviluppi. Fa luce sulla pratica musicale quotidiana nella liturgia e nei concerti sacri da diverse prospettive.

Quello che è iniziato nel 1876 come un giornale chiamato Guardia del coro iniziò anni dopo con il titolo Musica da chiesa cattolica e successivamente Cantare e fare musica nelle funzioni religiose infine a Musica e liturgiauna rivista che copre un ampio spettro della vita musicale della chiesa e della creatività al di là del mondo corale. Dall'inizio di quest'anno non è più in formato cartaceo, ma come piattaforma online.

Il 14 marzo 2026, alle 13.30, nella chiesa abbaziale di Einsiedeln, si terrà una cerimonia festosa con tre cori e musica strumentale. Contemporaneamente, tre importanti figure della musica sacra in Svizzera, Padre Theo Flury, l'Abate Urban Federer e Martin Hobi, saranno premiati per il loro eccezionale impegno nella musica sacra rispettivamente con una Medaglia Orlando di Lasso e una Medaglia Ambrosiana. Anche il pubblico è cordialmente invitato a questa cerimonia.

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Da Stefan Muhmenthaler a Jakob Steiner: per ogni anno, Ueli Steingruber ha ritratto una personalità che ha ottenuto il primo premio al Concorso svizzero di musica per la gioventù (SJMW) tra il 1976 e il 2025. Le fotografie a colori o in bianco e nero li ritraggono in una situazione quotidiana di oggi. L'obiettivo è quello di dare uno sguardo al quadro generale, alla coerenza del concorso da 50 anni: "Come un fiume che si nutre in modo affidabile, attraversa le biografie del mondo musicale svizzero e lo alimenta con giovani talenti motivati". Così Michael Eidenbenz onora la SJMW nel testo introduttivo.

Il volume, splendidamente progettato sotto la direzione di Valérie Probst, invita a guardare, leggere e riflettere sulla natura della musica ancora e ancora.

50 - Concorso svizzero di musica per la gioventù 1975-2025, edito dalla Fondazione Concorso svizzero di musica per la gioventù, 120 p., Fr. 35.00, ISBN 978-3-033-11409-8, info@sjmw.ch

Il noto chitarrista David Russell ha descritto José Tomás (1934-2001) della città costiera spagnola di Alicante come il più influente insegnante di chitarra della fine del XX secolo. Tomás non era solo un chitarrista e un insegnante di talento, ma anche un diligente arrangiatore di musica rinascimentale, barocca e di altro genere. Pedro Jesús Gómez, come Russell ex allievo di Tomás, ha ora pubblicato una raccolta accuratamente compilata di trascrizioni del maestro iberico con le Editions Chanterelle.

La prima parte è dedicata alla musica per liuto del XVI e XVII secolo, con John Dowland in particolare. Con Couperin e Purcell si passa poi al clavicembalo, con la suite in mi minore BWV 996 di Bach al leggendario pianoforte per liuto, che viene suonato sulle corde della chitarra. Da Haydn al XX secolo, vengono arrangiate musiche per pianoforte di "classici" del repertorio chitarristico come Albéniz e Granados, ma anche di altri grandi del (tardo) Romanticismo come Tchaikovsky e Ravel.

Tomás suonava principalmente con una chitarra Ramirez a otto corde costruita appositamente per lui, con la quale poteva anche suonare le note basse di un liuto policorale rinascimentale o barocco. Anche i suoi arrangiamenti erano adattati a questo strumento. L'editore Gómez documenta meticolosamente le deviazioni dai manoscritti di Tomás. Nella maggior parte dei brani, una corda è riaccordata (fa diesis invece di sol, re invece di mi, persino sol invece di la). Non ci sono praticamente lacune nelle diteggiature. Il commento è in inglese e spagnolo. Chiunque si diverta a interpretare la musica per liuto e pianoforte con la chitarra sarà ben servito da questa antologia.

L'antologia chitarristica di José Tomás, Arrangiamenti per chitarra sola di José Tomás, a cura di Pedro Jesús Gómez, ECH 2725, € 22,50, Editions Chanterelle (Schott), Mainz

Ingo Bredenbach, l'organista della Stiftskirche di Tubinga, rende possibile Le lezioni di pianoforte di Johann Sebastian Bach profondi approfondimenti sul suo sviluppo compositivo. Al centro ci sono le opere per strumenti a tastiera che hanno accompagnato l'intero sviluppo della creatività di Bach, dallo studio autonomo all'attività principale di insegnante d'organo più importante della sua epoca. Il punto di partenza di Bredenbach sono le copie di due opere per organo di Jan Adam Reincken e Dieterich Buxtehude, che egli studiò per acquisire la conoscenza dell'armonia e alcune licenze contrappuntistiche. Nella prima metà della sua vita, Bach arricchì queste conoscenze di base, influenzate dalla Germania settentrionale, con lo studio della musica italiana, in particolare del concerto italiano, per poter poi trasmettere le sue esperienze ai suoi numerosi apprendisti. Lo studio di Bredenbach ripercorre in dettaglio la carriera musicale di Bach come una lezione che dura tutta la vita, dall'apprendimento all'insegnamento.

I punti di forza di questo studio basato sulla pratica risiedono nei dettagli analitici che un organista che voglia improvvisare nello stile di Bach deve "cogliere". Più problematica è la considerazione talvolta selettiva della letteratura esistente. A volte vengono proclamate intuizioni che sono già state pubblicate da tempo altrove. All'autore è mancata la mano organizzatrice di un maestro come Bach, che lo avrebbe aiutato a implementare in modo coerente un concetto chiaro dalla ricchezza di informazioni complesse presenti nel libro, in modo da separare il fondamentale dal particolare e l'importante dal banale. Tuttavia, se volete imparare qualcosa di essenziale sulla musica di Bach, fareste bene a prendere il libro di Bredenbach, che vale la pena di leggere, e gli spartiti di tutte le opere trattate.

Ingo Bredenbach: Le lezioni di pianoforte di Johann Sebastian Bach. Bach come allievo e insegnante, 519 p., € 59,00, Bärenreiter, Kassel 2024, ISBN 978- 3-7618- 2617-1

Il compositore ginevrino Gasparo Fritz (1716-1783) divenne particolarmente noto per la sua musica da camera. Proveniva da una dinastia musicale, ricevette una profonda educazione musicale e studiò violino in Italia con Giovanni Battista Somis, allievo di Arcangelo Corelli. Si può dire che l'influenza italiana dell'autore è chiaramente percepibile anche nel suo stile e si nota nel disegno melodico e nella chiarezza strutturale delle sue opere.

Pubblicato da Michael Biehl e Claire Genewein in collaborazione con Peter Schmid, il libro VI Sonata a Violino o Flauto Traversiere solo col Basso op. 2 sono tra le opere più importanti del compositore. Gli esecutori possono scegliere tra violino e flauto come strumenti solisti. In alcuni passaggi vengono fornite versioni alternative a seconda dello strumento.

Carattere

Nicola Schneider spiega nella prefazione che il concetto di rococò musicale si applica senza dubbio a queste sonate. Esse manifestano spesso una forma di eleganza che è considerata caratteristica della fase di transizione verso il periodo classico. Il rigore formale barocco si combina con linee galanti, melodie chiare e interazioni dialogiche. Il flauto è spesso condotto in un vivace dialogo musicale con la voce di basso, con una spiccata sensibilità per le linee cantabili, ad esempio nell'Andante della prima sonata.

Tutte le sonate di Gasparo Fritz presentano elementi galanti, ad esempio nell'ornamentazione, nella leggerezza, nei ritmi di danza e in una certa grazia. Inoltre, la coloritura è creata dai numerosi ornamenti scritti e da una cadenza composta più lunga nell'Adagio della seconda sonata. I rapidi cambi di effetto e la varia articolazione hanno spesso l'effetto narrativo di una storia con molte sfaccettature. I modelli di movimento sono per lo più in tre movimenti e talvolta conducono a un movimento finale giocoso con variazioni virtuosistiche, come nella quarta sonata.

Echi

Due significativi parallelismi con altre sonate per flauto, che durano per diverse battute, sono sorprendenti: Le prime battute dell'Andante della quarta sonata sono simili al tema iniziale della Sonata in si minore BWV 1030 di Johann Sebastian Bach e nel Largo cantabile della seconda sonata è udibile l'eco del Siciliano della Sonata per flauto in mi bemolle maggiore BWV 1031 attribuita a Carl Philipp Emanuel Bach.

Situazione di partenza

La prima pubblicazione di queste sonate a presentare un continuo sospeso è stata l'opera di Frank Martin. L'intenzione di Michael Biehl con la sua realizzazione del continuo è quella di dare a un pubblico più ampio l'opportunità di interpretare l'opera e sottolinea che questa è solo una possibilità e che le figure non possono essere state scritte da Gaspard Fritz, ma dal suo editore, poiché non esiste alcun autografo delle sonate.

La ricca edizione pubblicata da Schmid & Genewein a Zurigo si basa sulla stampa originale con parte superiore e basso figurato, conservata presso la Zentralbibliothek Zürich, e ne adotta anche le indicazioni dinamiche. Include come partiture la parte superiore con la parte continua stabilita da Michael Biehl e, in accordo con l'originale, la parte superiore con il basso figurato, anche in due copie per la comodità degli interpreti. Un dettagliato rapporto critico con numerose note sulle sonate completa questa nuova edizione, che è riuscita sotto ogni aspetto.

Gasparo Fritz: VI Sonate a Violino o Flauto Traversiere solo col Basso, a cura di Michael Biehl e Claire Genewein, SG010, Fr. 54.00, Schmid & Genewein, Zurigo

Alcuni sostengono che l'heavy metal sia vicino alla musica classica. Probabilmente questo varia da caso a caso. In ogni caso, il virtuosismo sullo strumento o nella voce si ritrova in molti gruppi metal. Inoltre, molti dei musicisti di questa scena a volte divertente hanno seguito una formazione professionale.

Il tastierista Thomas Hiebaum si considera il compositore della band symphonic metal argoviese Deep Sun, che esiste ormai da quasi 20 anni. Nel loro nuovo album, il quintetto mescola Cantastorie tutti i tipi di cose insieme. Qui la chitarra tipicamente metal distorta con i suoi riff ritmici duri e la batteria con i suoi veloci attacchi di basso. Poi ci sono i suoni densi delle tastiere, che spesso ricordano un'orchestra d'archi, e la voce alta da soprano di Debora Lavagnolo, che si muove sempre in melodie sostenute.

Lavagnolo scrive i testi da solo. Si tratta di misticismo, del "trionfo della rinascita", di "storie di foreste o di laghi" o della "forza inconfutabile delle donne". Si sospetta che un certo pathos, che probabilmente è inscritto nel metal sinfonico, non sia lontano e si realizza anche sotto forma di densi ammassi sonori, che sono anche pesantemente costruiti con molto riverbero e compressione. Quindi: ci sono molti intermezzi virtuosi da parte del chitarrista e del batterista; anche molti episodi per cantare insieme e inviti a ondeggiare con un "fattore di benessere". Ma a un certo punto si pensa: un po' meno di tutto avrebbe probabilmente fatto bene alla fine.

Deep Sun: Storyteller. Disco Power Blasts

Gli accordi che si susseguono con tanta regolarità sembrano familiari eppure non lo sono, soprattutto nella loro sequenza. Passano attraverso i minuti, cambiando costantemente, a volte di più, a volte di meno, ma non per compiacere le sfumature. A volte i suoni si bloccano nel tempo, altre volte ci sorprendono con colpi di scena, poi tornano a essere costanti; il serpeggiare e il progredire non sono più opposti. Eccetera. Qualcosa di simile si potrebbe dire di molti brani del compositore di Aarau Jürg Frey, come il secondo album di musica per pianoforte registrato dal pianista olandese Reinier van Houdt (Compositore, da solo; Elsewhere Music, 3 CD).

Ma la voce umana aggiunge una qualità diversa: qualcosa di caldo, leggermente instabile e più vivace. Il brillante ensemble vocale londinese Exaudi, fondato nel 2002 e specializzato in nuova musica, ha ora registrato sei opere di Frey. La maggior parte di esse risale all'ultimo decennio e tuttavia, nonostante la loro uniformità stilistica, mostrano una certa diversità. Per esempio nella scelta dei testi, che vanno da una sua poesia a poesie dell'Estremo Oriente e a Emily Dickinson. Il colore armonico e vocale cambia in ogni brano. Alcuni movimenti sono luminosi come il giorno, altri sono ombreggiati, persino con una certa penombra. A volte si tratta di suoni che penetrano solo debolmente nell'orecchio, ma che lì dispiegano il loro dolce splendore. Un minimo di enfasi, che si presenta raramente, ha già un grande effetto. Sì, a volte si avverte anche una certa spiritualità, come una focalizzazione su un punto esterno. E tra l'altro, diventa chiaro quanto lontano abbiano viaggiato questi suoni esteriormente poco appariscenti: Non si sentono solo a Londra, ma anche a Montreal, New York, Tokyo e ovunque: l'umile, il solitario, il solitario diventa - ancora una volta - cosmopolita.

Jürg Frey: Voci. Exaudi Vocal Ensemble; diretto da James Weeks. Nuovi dischi

È davvero giunto il momento di guardare nuovamente a Sofia Gubaidulina, scomparsa a marzo. La Gubaidulina ha trovato un posto fisso nel museo immaginario della storia della musica. Ma troppo spesso la biografia e l'estetica della Gubaidulina sono state ridotte a denominatori piuttosto semplici: la compositrice che ha sofferto sotto la censura russa, la religiosa che ha covato e - dal punto di vista dei partiti progressisti - la compositrice tradizionale che non ha abbracciato le tecniche compositive progressive dal 1950 in poi.

Il nuovo CD Naxos Figure del tempo dipinge un quadro diverso. L'omonima opera orchestrale di Gubaidulina, della durata di 30 minuti, affascina con la sua enorme tensione e la sua progressività quanto il successivo concerto per pianoforte e orchestra. Introito con una brillante Alice Di Piazza ai tasti. Non ci sono ornamenti o espedienti inutili. La musica da camera o i passaggi solistici, sottili e silenziosi, sono seguiti da scariche orchestrali brusche ed espressive, senza dare l'impressione che il filo si sia perso. Le parole che la stessa Gubaidulina ha trovato sono sempre comprensibili: "Ci sono compositori che costruiscono le loro opere in modo molto consapevole, mentre io mi annovero tra coloro che tendono ad "allevare" le loro opere. Ed è per questo che l'intero mondo che ho registrato forma le radici di un albero, per così dire, e l'opera che ne scaturisce i suoi rami e le sue foglie".

Ritmi jazz accattivanti, compreso il walking bass, caratterizzano la divertente canzone, creata originariamente nel 1976. Musica da rivista per orchestra e banda jazz. C'è molta ironia, quindi non si tratta affatto dell'opera di un "ponderatore religioso", ma di un compositore inaspettatamente aperto e profondamente umoristico. È vero che l'ammiccamento di Gubaidulina con il jazz sovversivo dell'Occidente non fu affatto ben accolto in Unione Sovietica - e l'empatia del sensibile direttore d'orchestra Titus Engel, che guida un'eccellente Basel Sinfonietta con la partecipazione della NDR Big Band, è sempre in sintonia. In breve: una produzione che vale la pena di ascoltare. E con molti spunti di riflessione!

Figure del tempo. Opere di Sofia Gubaidulina. Basel Sinfonietta; NDR Big Band; Alice Di Piazza, pianoforte; Titus Engel, direttore. Naxos 8.551487

Dal 1778 al 1790, il violoncellista boemo Anton (o Antonín) Kraft fu primo violoncellista nella cappella della corte del principe Nikolaus Esterházy (1714-1790), dove lavorava anche Joseph Haydn. Kraft prendeva saltuariamente lezioni di composizione da lui e si può supporre che Haydn abbia composto il suo grande secondo concerto per violoncello in re maggiore per Kraft. A volte è stato persino erroneamente attribuito a lui.

Il violoncello svolge un ruolo centrale nell'opera compositiva di Kraft. L'Edition Walhall ha ora ripubblicato i suoi due concerti per violoncello superstiti. Entrambi sono nella tonalità di do maggiore e durano all'incirca lo stesso tempo, tra i 20 e i 23 minuti.

Il primo concerto segue l'orchestrazione di Haydn nei concerti solistici con 2 oboi, 2 corni e archi. La parte solistica è impegnativa, ma è scritta in modo grato ed equilibrato (gamma C-g2). Il secondo concerto op. 4 ha una dimensione orchestrale quasi beethoveniana: 2 flauti, 2 oboi, 2 fagotti, 2 corni, 2 trombe, timpani e archi. La parte del violoncello è virtuosistica e costellata di difficoltà tecniche elevatissime (gamma C-h2), paragonabile alla parte del violoncello solista nel Triplo Concerto di Beethoven.

In entrambe le edizioni, l'ampia prefazione fornisce informazioni sulle fonti e contestualizza i concerti nel campo musicale della tensione tra Haydn e Beethoven. È auspicabile che queste edizioni portino entrambe le opere a essere studiate più spesso nei conservatori di musica e quindi eseguite con maggiore frequenza.

Anton Kraft: Concerto n. 1 in do maggiore "Seydl", a cura di Max Möllenbeck; partitura, EW 996, € 43,50; riduzione per pianoforte, EW 1157, € 24,80; Edition Walhall, Magdeburg

Id.: Concerto n. 2 in do maggiore op. 4; partitura, EW 1031, € 49,80; riduzione per pianoforte, EW 1273, € 28,50

La serie "Leichtbauten" di Beat Gysin e Studio-klangraum entra nel vivo. Dopo Crono (2015), Griglia (2017), Mulino per tubi (2019-2021) e Casa (2022-23) è Movimenti I è già il quinto progetto che si occupa del rapporto tra musica e architettura.

E mentre il lavoro precedente ha fatto scalpore con alcuni edifici spettacolariQuesta volta si tratta di una visione a occhio di rana, cioè di come percepiamo i suoni e i rumori in uno spazio mutevole quando non possiamo vedere nulla. Il principio è tanto semplice quanto efficace: ci si siede su pedane mobili simili a sedie a rotelle, si indossa una benda e ci si lascia spingere da un'altra persona del pubblico. A metà dello spettacolo, i ruoli cambiano: si passa da passeggero cieco a guida e viceversa. Durante il viaggio si sentono rumori casuali provenienti dall'ambiente circostante e interventi musicali e tonali nelle varie stazioni. Questi ultimi sono stati composti dallo stesso Gysin e dalla compositrice spagnola Teresa Carrasco.

Stanze piene di suoni e musica

Il fine settimana del 5 e 6 settembre 2025, il Movimenti I nel Gundeldinger Feld di Basilea. Il centro del quartiere, all'estremità meridionale della città, si estende per circa 12.000 metri.² ed è stata sviluppata in modo significativo dall'architetto Barbara Buser: da ex fabbrica di ingegneria a vivace luogo di incontro di quartiere con un'ampia gamma di strutture culturali. Oggi ci sono birrerie, ristoranti, studi, uffici edili, studi di terapia, scuole di musica, laboratori di liuteria e palestre di arrampicata. Ideale per un viaggio sonoro.

Si parte dalla scuola di circo, dove due membri del Collegium Novum di Zurigo ci aspettano e preparano l'atmosfera per l'esperienza acustica con violino, clarinetto e parole: "Io sono qui - tu sei lì - vieni da me - vengo da te?" si sente da entrambi i lati per attivare l'udito spaziale. Poi inizia il viaggio, dapprima più breve, poi più lungo: attraverso un ufficio edile, i vivaci cortili interni, lo studio di registrazione, il bar, la tromba delle scale, l'officina o la palestra di roccia. Le guide sono istruite da segnali manuali del team di Gysin su dove svoltare e dove fermare le piattaforme mobili nelle singole stazioni.

L'orientamento si perde rapidamente

La maggior parte degli spintori è molto attenta e premurosa nei confronti dei passeggeri, avvertendoli quando si avvicina una soglia o un dosso e cercando di ridurre al minimo il numero di sbandate. Ci sono anche alcuni capricci da parte dei partecipanti più giovani, ma vengono presto fermati. E questo è un bene, perché come passeggero non vedente si diventa presto disorientati: È sorprendentemente facile perdere di vista se ci si sta muovendo o meno, quanto tempo è passato e dove ci si trova nell'area, anche se lo si sa.

È anche difficile classificare se i vari rumori e suoni siano o meno parte attiva della performance. Mentre in alcune stazioni vengono eseguiti assoli di strumenti più o meno comuni, il che si avvicina a un'esperienza di ascolto attivo della musica, per la maggior parte del tempo ci si muove in una sala di missaggio sonoro: a volte si combinano conversazioni in ufficio e suoni simili a quelli del vibrafono, a volte si temperano matite o si dipingono scatole mentre un musicista tromba attraverso un tubo. A volte ci si immerge brevemente nei suoni atmosferici dello studio di registrazione, per poi riemergere. E a volte il percussionista batte sulle ringhiere o sulle travi d'acciaio mentre qualcuno nel laboratorio accanto scalpella una scultura.

Ascoltare, annusare e avere fiducia

"Confuso al massimo", riassumono alcuni, mentre altri riferiscono di una "impressione di un lungo viaggio" o di una "esperienza folle" dopo il viaggio. La maggioranza riconosce che la perdita della vista significa che l'udito è completamente diverso. Migliore? È difficile dirlo, probabilmente la "formazione" è stata troppo breve per poterlo dire. Ma certamente più completo, più concreto, perché meno viene filtrato e più viene esplorato attivamente attraverso l'udito. Un altro aspetto interessante è la combinazione con l'intensificazione della percezione degli odori, come ad esempio il suono e l'odore del legno o del metallo nelle officine, o semplicemente l'odore di caffè e birra nell'aria. - In un concerto di musica classica, questo è normalmente qualcosa che riguarda al massimo l'intervallo.

Movimenti I non è solo un'esperienza spaziale, musicale e sensoriale, ma anche un evento sociale. La divisione in squadre di due persone (all'interno di un piccolo gruppo), che manovrano attraverso la giostra cieca invertendo i ruoli, crea una situazione di fiducia - il che è giusto, dato che si perde molto controllo e sicurezza attraverso il senso della vista. E questo ci porta al titolo del progetto, che allude a una possibile Parte II. Studio-klangraum e Gysin stanno pensando di motorizzare le piattaforme mobili e di farle controllare da un'intelligenza artificiale. Tuttavia, alla luce dei ritardi nello sviluppo delle auto a guida autonoma, questo potrebbe richiedere ancora del tempo. Il progetto di Gysin offre ampio spazio per ulteriori riflessioni. Movimenti I utilizza la musica principalmente come stimolo per un'esperienza olistica dell'ambiente e la intende come parte naturale e artificiale di esso.

Altre rappresentazioni di "Movements I" avranno luogo il 17 e 18 ottobre nel Campus Ost Buchs e nel parco della Lokremise di San Gallo.

Una cosa è apparsa subito chiara all'edizione di quest'anno del Bern Music Festival, dal 3 al 7 settembre: la musica è di nuovo sensuale! Sono finiti i tempi in cui il suono scarno veniva confuso con l'innovazione musicale. Il concerto di apertura Stanza liquida n. 11: Canzoni sparse nella grande sala della Reitschule è stata una festa per i sensi. Per tre ore, undici musicisti, divisi in ensemble in tutta la sala, si sono concentrati sul genere della canzone, con musiche da John Dowland (1562/63-1626) a Leonie Strecker (*1995). Al centro di tutto questo: la compositrice in residenza di quest'anno, Svetlana Maraš (*1985), che ha creato intermezzi rilassanti con improvvisazioni elettroniche. Le circa 30 opere eseguite sono state perfettamente curate da Eva Reiter, violista da gamba dell'ensemble in residenza Ictus.

Suoni fragorosi sparsi per la stanza

C'era solo qualcosa? Il pezzo dura solo pochi secondi Cadillac per chitarra sola del talentuoso compositore svizzero Jürg Frey (*1953). Ma anche questo breve momento dimostra la sua competenza musicale. Jürg Frey è stato rappresentato con diverse composizioni in questa serata inaugurale. Che dono! Con un'incredibile sensibilità per i suoni tranquilli e fragili, Frey tesse una raffinata architettura di bellezza mozzafiato. Il programma comprendeva anche alcune sue canzoni, interpretate con grande flessibilità dalla cantante Mimi Doulton, una delle grandi scoperte del festival di quest'anno.

Alcuni di essi esistono ancora: i suoni orientati verso l'ideale dell'avanguardia di Darmstadt degli anni Cinquanta. Erano presenti anche nel concerto di apertura, ad esempio nella composizione Mutazione del compositore greco Panayiotis Kokoras (*1974) per clarinetto ed elettronica. Sebbene la composizione, scritta nel 2015, sia stata brillantemente eseguita dal clarinettista Dirk Descheemaeker, è apparsa un po' come un tentativo maldestro di uno studio di registrazione degli anni Sessanta ed è già antica nel suo linguaggio tonale, più vecchio di secoli del Lied di Franz Schubert. L'uomo della lirache ha dimostrato la sua indistruttibile freschezza e attualità come pezzo di apertura.

Gioielli

Un giorno dopo, il teatro Schlachthaus di Berna scintillava e brillava. Il Festival musicale di Berna è noto per i suoi eventi straordinari. All'insegna del motto "Catena", l'edizione di quest'anno ha dato la possibilità anche al mondo accademico di dire la sua. La storica dell'arte Annette Kniep ha presentato un panorama rivelatore sul tema dei gioielli che abbraccia diversi millenni. Nella sua presentazione, i gioielli di diverse epoche sono entrati in dialogo: Fino alla fine del XVIII secolo, le donne bernesi del patriziato mostravano la loro capacità matrimoniale attraverso gioielli dignitosi, mentre gli uomini usavano medaglie per mostrare il loro livello di potere. E anche 300 anni dopo, i gioielli restano un mezzo di comunicazione. Nella scena hip-hop, le catene d'oro sono la prova visibile del successo. In breve: adornarsi è un bisogno umano fondamentale e una costante universale.

Béla Rothenbühler ha contribuito con testi stratificati, che sono stati congenialmente musicati dalla cantante e performance artist Corina Schranz (*1987): a volte minimalisti, ma sempre sensuali e belli nel suono.

Incatenato

L'ansia è il grande tema del mondo occidentale, rappresentato nelle sue più raffinate ramificazioni in scritti che vanno da Søren Kierkegaard a Jacques Lacan. Il percorso di ricerca performativa Guarisci presto!che ci ha portato attraverso varie sale del Progr in modo affascinante e visivamente sorprendente, purtroppo ha penetrato solo raramente la superficie nel suo esame della questione ed è rimasto intrappolato in cliché relativamente banali. Ciononostante, durante la visita di un'ora ci sono stati alcuni momenti musicali molto suggestivi, in particolare nell'interazione tra il flauto (Luca Höhmann) e il violoncello (Richard Ander-Donath).

Il Festival musicale di Berna non vuole essere solo "L'art pour l'art". Il programma trasmette sempre un messaggio politico. Il motto del festival "Catena" significava che il programma doveva trattare il tema della schiavitù. Sotto la direzione di Moritz Achermann, l'ensemble vocale Tempo d'affetto ha accostato la musica del compositore e trombettista jazz statunitense Jalalu-Kalvert Nelson (*1951) a opere del Rinascimento spagnolo. È stata raggiunta una sottile oscillazione tra lo splendore coloniale e la sofferenza dei colonizzati. Durante il concerto, il compositore di pelle nera, che vive a Bienne, ha recitato in modo molto toccante termini, nomi e invocazioni in varie lingue africane e caraibiche, ricordando i suoi antenati.

La cattedrale di Berna rimane un luogo indispensabile durante il festival musicale. In tarda serata, la compositrice in residenza Svetlana Maraš ha presentato una performance dal vivo in stato di trance nella sala del coro dell'edificio sacro. Il cantante Andreas Schaerer ha interagito con l'elettronica in una virtuosa esibizione di acrobazie vocali e vocali, esplorando l'intero spettro della voce umana. - Quanto può essere sensuale la nuova musica!

"Merci Michael!" è scritto sul grande striscione srotolato al termine della festa di addio di Michael Haefliger al KKL, intitolata "Les Adieux". L'Orchestra del Festival di Lucerna, che ha co-fondato con Claudio Abbado nel 2003, con Johanna Malangré sul podio, intraprende quindi un viaggio musicale attraverso la vita del direttore artistico uscente, che ha guidato il Festival di Lucerna per 26 anni, come regalo di addio. Può capitare che Notazione 1 di Pierre Boulez, con il quale ha fondato l'Accademia del Festival di Lucerna per la musica contemporanea nel 2004, nonché l'inizio e la fine della Settima di Bruckner e della Terza di Mahler - i momenti più belli di Abbado nella storia del Festival. Le canzoni svizzere Z'Basel an mym Rhy e Da Lucerna a Wäggis sono riprodotti in un suono sinfonico ad alta brillantezza (arrangiamento: Simon Nathan), così come l'inno del FC Bayern Sempre in avanti. Dopo il suo brillante discorso elogiativo, Graziella Contratto aveva già tradotto in sillabe le lettere di "Michael Merci" e le aveva cantate insieme al pubblico.

Ispirato all'opera di Ludwig van Beethoven TempestaIl direttore d'orchestra e produttore svizzero Michael Haefliger paragona la Sonata di Lucerna, che Igor Levit ha collocato a metà strada tra l'immersione e l'ebbrezza, al mago Prospero dell'omonimo dramma di Shakespeare. Ha trasformato il Festival di Lucerna in un'isola magica e, con il suo slogan magico "giovane, eccellente, innovativo", non solo ha attirato sponsor (92% di autofinanziamento), ma ha anche portato una ventata di aria fresca dal punto di vista artistico con oltre 400 prime mondiali e nuovi formati. I motti del festival, come "Diversity", "Diva" e "Crazy", che ha letteralmente pensato, hanno ancorato il festival ai giorni nostri. "Open End" è il motto per il 2025: il passaggio di consegne al suo successore Sebastian Nordmann è già in fase di preparazione.

Cose familiari e ripetute

Un finale aperto è percepibile anche nel programma di concerti dell'Orchestra Filarmonica di Monaco di Baviera negli ultimi giorni del festival, che sarà diretta da Lahav Shani nell'opera di Franz Schubert Incompiuto sviluppare un suono caldo. Il disinvito dell'orchestra e del suo direttore principale israeliano designato dal Festival delle Fiandre di Gand è stato accolto con molte critiche nella scena culturale, per Igor Levit un caso di "classico, disgustoso antisemitismo e codardia". A Lucerna non c'è traccia di queste tensioni. Lahav Shani dirige senza bacchetta e con movimenti fluidi, che nel Concerto per violino di Ludwig van Beethoven portano talvolta a piccole imprecisioni nell'interazione con la sovrana Lisa Batiashvili. Le cadenze solistiche di Alfred Schnittke danno un nuovo colore all'opera tanto ascoltata.

Il concertante di Richard Wagner Siegfried su strumenti d'epoca diretto da Kent Nagano, un progetto del Festival di Musica di Dresda, combina il familiare con il nuovo. La parte orchestrale è dotata di una trasparenza raramente ascoltata che permette ai cantanti di agire più liberamente e senza alcuna forzatura. Solo nel terzo atto l'orchestra, composta dalla Dresden Festival Orchestra e da Concerto Köln, perde un po' di qualità nell'interazione e nell'intonazione. Nell'insieme ben equilibrato dei solisti, Thomas Blondelle come Siegfried quasi lirico, Derek Welton, che canta a memoria, come Wanderer duttile e flessuoso, Asa Jäger (Brünnhilde) con il suo ampio soprano e Hanno Müller-Brachmann come il pungente Fafner (con campana) pongono accenti particolari.

26 anni in un pomeriggio

Lo spirito innovativo di Michael Haefliger è visibile. Un UFO viola è atterrato sul prato del Lido, vicino al Museo Svizzero dei Trasporti. Haefliger ha sviluppato l'Ark Nova, una sala da concerto gonfiabile, insieme all'artista Anish Kapoor e all'architetto Arata Isozaki per Fukushima nel 2013, per offrire alla popolazione giapponese, profondamente turbata, uno spazio sicuro per la musica in seguito al disastro nucleare. Questa "scultura sonora" può ora essere sperimentata per la prima e ultima volta a Lucerna. Il programma di dieci giorni, musicalmente vario, dell'Ark Nova si rivolge a un vasto pubblico; 30 dei 35 concerti sono esauriti. Nei due concerti a cui abbiamo assistito, tuttavia, il guscio di plastica acusticamente spugnoso e tradizionalmente seduto fa sudare. Il ventilatore non raffredda, ma si limita a mantenere il guscio in forma. La performance sperimentale di Charlotte Hug (viola e voce) e Lucas Niggli (batteria) presenta lunghezze e picchi dinamici eccessivi.

Lo spettacolo digitale-vocale di Winnie Huang (visuals: Andreas Huck e Roland Nebe), che crea un virtuosismo umoristico da denti che battono e occhi che ammiccano, è molto più originale durante le quattro ore e mezza di addio di Michael Haefliger. L'intenso pomeriggio sembra un distillato del suo lavoro, che tuttavia perde di concentrazione a causa della sua lunghezza. Riccardo Chailly, che il giorno prima ha celebrato ouverture e cori d'opera italiani con l'orchestra e il coro della Scala di Milano, torna con un'ouverture rossiniana. Non mancherà la nuova musica con la prima mondiale di Stefan Dohr dell'opera di Jüri Reinvere. Immagine notturna con stelle blu per corno solo, Dieter Ammans Violazione (ottimo con violoncello solo: Maximilian Hornung) e di Pierre Boulez Iniziale per sette ottoni (ensemble della Lucerne Festival Contemporary Orchestra). I membri del West-Eastern Divan Ensemble eseguono il Quartetto per archi in mi bemolle maggiore di Fanny Mendelssohn con strani glissandi nel primo violino. Patricia Kopatchinskaja e Sol Gabetta, entrambe vincitrici del Credit Suisse Young Artist Award a Lucerna in giovane età, porteranno una nuova dimensione al programma con il brillantemente eseguito Valse bavaroise e Toccatina all'inglese eseguono anche due opere di Jörg Widmann, che nel 2026 assumerà la direzione dell'Accademia del Festival di Lucerna come successore di Wolfgang Rihm. Open End a Lucerna ...

La strumentazione di questo "house concerto" si rivela fin dall'inizio: quartetto d'archi, soprano, pianoforte, ma mai tutti insieme, bensì in varie combinazioni o da soli. Si tratta di un ciclo di dodici brevi pezzi che furono composti indipendentemente l'uno dall'altro alla fine degli anni Trenta. Erich Schmid li riassunse sotto questo titolo nel 1941 come Opus 13. La prima dell'opera Piccolo concerto in casa il 25 giugno 1959 a Radio Beromünster. Un'altra esibizione ha avuto luogo a Zurigo nel 1985, in occasione del cinquantesimo anniversario di Pro Musica. Si tratta del capitolo zurighese dell'IGNM, di cui Erich Schmid è stato presidente negli anni Sessanta.

Condurre invece di comporre

I successi di questo pioniere della musica svizzera sono molti e vari! Come direttore d'orchestra, ha guidato l'Orchestra della Tonhalle di Zurigo (1949-1956) e l'Orchestra della Radio di Beromünster (1956-1970), nonché il Coro misto di Zurigo (1954-1975) e il Coro maschile di Zurigo (1961-1964). Molte opere svizzere contemporanee furono eseguite in prima assoluta sotto la sua direzione. La sua attività di compositore passò sempre più in secondo piano. Erich Schmid fu allievo di Arnold Schönberg a Berlino, un corso di studi che si concluse prematuramente nel 1933 per motivi politici. Schmid si trasferì inizialmente a Glarona, dove fu direttore musicale di due cori e dell'Harmoniemusik. Tramite Werner Reinhart, è stato più volte ospite del Musikkollegium Winterthur, con esecuzioni di opere della Nuova Scuola Viennese.

Insieme o individualmente

Torna a questo Piccolo concerto in casaI brani sono scritti in dodecafonia o in tecniche affini. La musica è delicata e intima, l'ordine criptico delle note può essere solo ipotizzato. Gli esecutori non sono spinti ai loro limiti tecnici; tutto ciò che è richiesto è l'esperienza nel suonare in ensemble non tonali. Data la loro genesi, questi brani aforistici possono essere eseguiti anche separatamente in un contesto di programma diverso, ad esempio come "sorbetto" tra opere più grandi di qualsiasi periodo. Il numero VIII per violino e pianoforte è particolarmente bello!

La prima edizione pubblicata da Boosey & Hawkes/Bote & Bock contiene una relazione critica e molte informazioni sull'opera e sul compositore, oltre alle file dodecafoniche dei pezzi dodecafonici.

È possibile ascoltare il Piccolo concerto in casa nella registrazione del 1959 nell'archivio della Radio Svizzera SRG SSR su Neo.Mx3. La registrazione del concerto del 1985 è disponibile anche nell'archivio della SRF con il numero MG 47126.

Erich Schmid: Kleines Hauskonzert, Zwölf Stücke für verschiedene Instrumente und Gesang op. 13, testi da "Des Knaben Wunderhorn", a cura di Iris Eggenschwiler, partitura, BB 3554, € 55,00, Boosey & Hawkes/Bote & Bock, Berlino (Schott)

È forse nostalgia il fatto che oggi appaiano così tante pubblicazioni che si occupano del passato (eroico) della radio, degli studi elettronici, dei radiodrammi o, in questo caso, dei fondamenti del mezzo? Forse è anche una forma di autostima in tempi di crisi e di ridimensionamento, perché la radio è cambiata molto, in termini tecnici e artistici, ma anche nelle nostre abitudini di ascolto.

Ciò emerge chiaramente in questa raccolta di 42 testi di origine, che spazia dagli inizi fino ai giorni nostri. È il secondo volume di Radiofonicocurato dagli studiosi dei media di Basilea Ute Holl e Jan Philip Müller e Tobias Gerber; il primo volume ha presentato lo stato attuale del dibattito sul medium nel 2019. A questo segue ora il materiale storico: Il risultato è un importante compendio.

Attraverso i secoli

All'inizio si addentra, per così dire, nell'archeologia dei media, fino agli esperimenti di Nikola Tesla, che nel 1893 descrisse la telegrafia senza fili. Segue subito la riflessione puntuale di Robert Walser, che già nel 1926 affermava che sarebbe stato "scortese non ammettere apertamente il trionfo dell'inventiva tecnica", pur obiettando che "l'arte di fare società" veniva di conseguenza un po' trascurata. Nella sua diversità a volte contraddittoria, la radio è anche un simbolo della modernità.

Seguono i manifesti artistici degli inizi (da Brecht e Marinetti ad Adorno): La radio è intesa anche come forma d'arte, come arte dell'ascolto. Pierre Schaeffer, John Cage e Karlheinz Stockhausen, ad esempio, raccontano di esperimenti con nastro e microfono. E Hans Werner Henze fa riferimento a forme quasi dimenticate con le sue opere radiofoniche. I testi più recenti ci dicono cosa ne è rimasto e come è stato usato in modo creativo negli ultimi decenni: Tuttavia, il discorso sembra meno utopico e più a pezzi, guidato dalla sfida in tempi difficili. Ciononostante, il mezzo è rimasto rilevante e racchiude ancora un potenziale. Come verrà utilizzato nel XXI secolo?

Radiofonica, Materiali, vol. 2, a cura di Ute Holl, Jan Philip Müller e Tobias Gerber, 448 p., € 29,80, Kehrer-Verlag, Heidelberg 2024, ISBN 978-3-86828-863-6

La pianista svittese Marion Suter proviene da una "famiglia di musicisti di campagna". Ha studiato pianoforte classico all'Università di Scienze Applicate e Arti di Lucerna, specializzandosi in musica popolare, e si è laureata con un Master in educazione musicale per pianoforte. Con la sua ultima pubblicazione, l'autrice intende colmare una "lacuna della letteratura pianistica" nel campo della musica popolare svizzera. Presenta 30 composizioni originali (22 assoli e 8 lavori a due parti con accompagnamento separato), adatte sia al pianoforte che alla fisarmonica, nel suo Libro di spartiti. (Ne ha registrato una parte nel CD La pianista Marion Suter Vol. 2 registrato).

L'opera offre un'ampia gamma di caratteri, versatilità armonico-melodica e ritmica. Contiene ballate romantiche e rotonde, pezzi groovy, swing e jazz, ma anche danze radicate nella musica popolare svizzera. Il livello di difficoltà è "molto avanzato".

Come fisarmonicista, mi piace pensare fuori dagli schemi, ed è per questo che mi sono avventurato a scrivere questa recensione. Per quanto riguarda il trasferimento dei brani sul mio strumento, sono un po' riluttante, o meglio mi sono reso conto che l'uno o l'altro dovranno essere adattati di conseguenza. Vorrei menzionare i numerosi accordi ravvicinati, che non suonano in modo ideale sulla fisarmonica, in quanto il tono rimane fermo e non svanisce automaticamente come nel pianoforte. Inoltre, alcune opere richiedono una gamma molto ampia, ad esempio registri molto alti per la mano destra, ma anche per la mano sinistra (bassi standard), a causa della scelta di tasti talvolta poco familiari. I fisarmonicisti sono quindi chiamati a trovare una versione ottimale per il loro strumento, utilizzando registri appropriati, assottigliando gli accordi o addirittura ottavando singole parti, senza perdere di vista (e di vista) il rispetto per queste composizioni di successo.

Gli 8 tesori musicali con accompagnamento separato meritano un'attenzione particolare. Essi forniscono una ricchezza di variazioni di punteggio. Entrambe le parti individuali possono essere facilmente suonate da strumenti a corda o a fiato. Tuttavia, è concepibile anche una versione con fisarmonica con basso melodico e pianoforte per la parte di accompagnamento.

Marion Suter: Libro di spartiti, 30 composizioni originali per pianoforte o fisarmonica, Fr. 40.00, autoprodotto marionsuter.ch