Una regola recita che, proprio nel caso delle edizioni complete, la prefazione è talvolta più interessante di molte opere stesse. Ciò presuppone tuttavia che non vengano semplicemente illustrati i principi editoriali alla base dell’opera, ma che, per quanto possibile, vengano approfonditi anche ulteriori contesti biografici, relativi alla pratica esecutiva, al genere e alla storia della ricezione. Chiunque abbia mai sfogliato volumi di questo tipo in una biblioteca conosce bene i tesori nascosti nelle prime pagine. Ma anche nelle edizioni Urtext destinate alla pratica musicale è ormai diventato normale fornire approfondimenti sostanziali sulle opere pubblicate.

La novità consiste nel pubblicare queste prefazioni anche separatamente. La casa editrice Breitkopf & Härtel si avventura così, per così dire, in un territorio inesplorato – in questo caso con le introduzioni di Jean-François Monnard alle sue edizioni di Ravel, apparse tra il 2007 e il 2023. Poiché alle edizioni sono sempre allegate relazioni dettagliate sulle revisioni, le prefazioni possono essere lette con profitto anche senza le partiture come introduzioni all’opera estremamente approfondite e ricche di riferimenti documentali, che non si trovano né nelle guide ai concerti basate su vecchie edizioni né su Wikipedia ecc. Un’iniziativa di tutto rispetto per l’anno dedicato a Ravel (e oltre), con cui quest’anno viene reso omaggio anche allo stesso Monnard in occasione del suo 85° compleanno.

Il carattere trilingue delle edizioni si concretizza in tre fascicoli pubblicati separatamente (D / E / F). Chissà se questo bell’esempio farà scuola?

Jean-François Monnard: Dietro le note, saggi sulle edizioni Ravel di Breitkopf, in tedesco, 104 pagine, € 19,90, Breitkopf & Härtel, Wiesbaden 2025, ISBN 978-3-7651-0514-2

In occasione della 20ª edizione del festival sono state eseguite opere di 95 compositori provenienti da oltre 40 paesi, 16 dei quali originari del Vallese. 40 opere sono state eseguite per la prima volta in Svizzera, mentre 13 hanno avuto la loro prima assoluta. Il 95% dei brani non aveva più di 4 anni.

I concerti hanno registrato un’affluenza superiore alle aspettative, considerando le dimensioni e la distanza delle sedi. Il pubblico si è dimostrato soddisfatto e grato per la qualità, la cura, l’originalità e l’intransigenza, ma anche per l’intensità emotiva e la freschezza del programma. La pianificazione dell’edizione 2027 del festival è già iniziata.

Il Forum Wallis è un festival internazionale di musica contemporanea fondato nel 2006 e diretto dall’IGNM-VS, la sezione locale della Società Internazionale di Musica Contemporanea (ISCM, International Society of Contemporary Music). Nel suo comitato direttivo siedono i musicisti e compositori vallesani attivi a livello internazionale Manuel Mengis, Hans-Peter Pfammatter, Ulrike Mayer-Spohn e Javier Hagen.

Sin dalla sua fondazione, il Forum Wallis ha coprodotto oltre 350 prime assolute e presentato opere di oltre 500 compositori e compositrici provenienti da tutto il mondo, tra cui quelle di Stockhausen Quartetto d'archi in elicottero insieme all’Arditti Quartet, ad André Richard e agli Air Glaciers, di Holliger Alb-Chehr e Cod.Atti Coro Pendulum.

Cinque ore di quartetto d'archi

L’edizione 2026 del festival ha preso il via nel pomeriggio del Corpus Domini nella chiesa di Münstiger, nel Goms. Il quartetto tedesco Minguet ha eseguito il Secondo quartetto d’archi di Morton Feldman, l’opera più lunga mai composta in questo genere – un inno al rallentamento, alla pazienza e alla perseveranza.

Con una durata di circa 5 ore, i Minguets hanno optato per un’interpretazione a ritmo moderato. Il brano si è snodato con delicatezza attraverso il tempo, dissolvendo la percezione convenzionale dello stesso. È degno di nota il fatto che, per l’intera durata dell’evento, più di 60 persone abbiano assistito al concerto in un villaggio di 300 anime.

Due formazioni improvvisano

Il 5 e il 6 giugno, sempre a Münster, sono state ospiti due formazioni di spicco della scena dell’improvvisazione svizzera ed europea: Voutchkova/Strahl/Mengis/Pfammatter ed Erb/Mayas/Läng. Entrambe le serate hanno incantato il pubblico grazie all’intimità tipica della musica da camera e alla palpabile intesa tra le musiciste e i musicisti.

Poesia trasformata

Domenica 7 giugno, per tutta la giornata, sono stati letti tutti i cicli contenuti nella raccolta di poesie Nel primo piano ci scateniamo di Rolf Hermann, in programma al «Münster Earport» MEbU, lo spazio artistico dedicato alla musica contemporanea nella valle di Goms. Il duo di musica contemporanea UMS’nJIP e Luis Tabuenca, vincitore del Premio di Composizione Reina Sofia 2026, hanno trasformato i 4 cicli di poesie nel giardino delle piante infestanti, finestre rubate, neofite e uno in cicli di canzoni intime.

Adolescenti suonano brani per pianoforte con l'elettronica dal vivo

Con l’etichetta Adventurous Sounds, il Proyecto Piano Joven PPJ di Siviglia, un progetto dedicato ai giovani pianisti attivo da 20 anni, si è esibito per la prima volta in Svizzera. Adventurous Sounds è un percorso didattico del Forum Wallis che avvicina bambini e adolescenti alla musica contemporanea in modo ludico.

Il PPJ ha presentato presso i conservatori di Ginevra e Sion un totale di 9 opere scritte appositamente per loro da rinomati compositori e compositrici di lingua spagnola per pianoforte ed elettronica dal vivo. Sotto la direzione di Ignacio Torner, i ragazzi hanno eseguito un programma completo che, dal punto di vista compositivo e interpretativo, non ha avuto nulla da invidiare a quello di un ensemble di professionisti.

Musica popolare dell'Alto Vallese e boliviana

Dal 26 al 28 giugno il coro di canti popolari dell’Alto Vallese si è esibito a Saas, nel Lötschental e nel Goms insieme al musicista folk boliviano Juan Arnez. Anche in questa occasione, oltre ai brani popolari in dialetto cantati insieme al pubblico, è stata data spazio alla novità: nuove canzoni in stile popolare di Stefan Ruppen, Manuela Lehner-Mutter e Valentin Bregy, oltre a cinque prime assolute in stile popolare boliviano di Juan Arnez.

Ars Electronica

Il 3 e il 4 luglio il festival al MEbU si è concluso con gli ultimi due concerti della serie «Ars Electronica Forum Wallis 2026 Selection Concerts». I primi due concerti della serie si erano tenuti nella stessa sede all’inizio del festival. Il programma prevedeva 32 brani, mentre altri 17 figuravano nella lista «Highly Commended». Sono state eseguite 29 prime svizzere e 3 prime assolute (Lund-Jensen, Duchenne, Otani).

Più di una dozzina di compositori e compositrici sono giunti ai concerti dalla Cina, dagli Stati Uniti, dalla Germania, dalla Francia e dall’Irlanda. I quattro concerti hanno offerto una gradita occasione per un vivace scambio, non solo all’interno della comunità musicale, ma anche con la popolazione locale, che ha seguito con grande interesse gli eventi.

Particolarmente degno di nota — e oggetto di discussione rilevante per gli addetti ai lavori — è stato l’approccio interpretativo adottato all’Akusmonium del MEbU: la diffusione dal vivo. La disposizione dell’Akusmonium del MEbU non è una configurazione standard, bensì una struttura volutamente asimmetrica, progettata appositamente da Simone Conforti dell’Ircam di Parigi per questo spazio e pensata per essere utilizzata dal vivo.

Dalla preparazione dei concerti ai momenti di crisi psicologica, fino alle routine che funzionano davvero: questi sono gli argomenti che il conduttore Patrick Hinsberger affronta in modo approfondito con i suoi ospiti ogni due settimane. Al centro dell’attenzione non ci sono ricette miracolose, ma conversazioni sincere sulle battute d’arresto, sui metodi di studio e su ciò che si nasconde, giorno dopo giorno, dietro una carriera musicale pluridecennale.

Il podcast è nato nel 2021 dal blog what-is-practice.de, basato a sua volta sulla tesi di laurea triennale di Hinsberger in tromba jazz presso l’Accademia delle Arti di Berna. Da allora, il programma si è conquistato un pubblico fedele. Ad oggi sono disponibili 51 puntate su tutte le principali piattaforme di streaming, tra cui numerose con musicisti svizzeri: Viviane Chassot, Lukas Thoeni, Nik Bärtsch, Nicole Johänntgen e Marc Stucki.

Hinsberger consiglia questi contenuti in particolare a:

• Studenti di musica alla ricerca di modelli di riferimento
• Docenti che desiderano introdurre nuove prospettive nelle loro lezioni
• tutti coloro che amano dare un'occhiata dietro le quinte
• Musicisti amatoriali alla ricerca di consigli per esercitarsi

Panoramica dei podcast e delle versioni scritte delle interviste:
what-is-practice.de/categoria/come-si-allena-in-realtà

Si canta sempre meno. Che sia a casa, a scuola, al lavoro o nel tempo libero. Si possono avanzare molte ipotesi sulle ragioni di questa megatendenza mondiale (?): i moderni ambienti di lavoro, gli stili di vita personalizzati, il diluvio mediatico. Ma il presente libro non si sofferma su questi aspetti nei dettagli. Al contrario: offre approcci concreti e pratici al canto. Accessibili e coinvolgenti. Canzoni circolari orecchiabili, ma per nulla banali, e brani corali a più voci stimolano a «cantare semplicemente». Ma, appunto, non è poi così semplice: anche il canto senza spartito vuole essere stimolato.

È qui che entrano in gioco le strategie di canto corale, accompagnate da molto movimento: mimare le melodie, imparare collettivamente dalla persona accanto («qualcuno conosce proprio il punto che ci manca ancora»), muovere le labbra e cantare in silenzio, per poi recitare semplicemente il testo della canzone. Questi giochi e questi espedienti sono divertenti e creano un'atmosfera rilassata – lontani dal concetto di giusto o sbagliato, da «troppo basso!», «troppo tardi!».

Non si tratta di un apprendimento musicale efficiente e lineare, bensì di una ripetizione circolare e variabile basata sull’ascolto. Questo approccio pedagogico-musicale attinge consapevolmente alle forme musicali tradizionali, ma mira a integrarle nella nostra quotidianità odierna e a svilupparle ulteriormente.

Il repertorio presentato, per lo più composto dall’autore del libro, è variegato sia dal punto di vista linguistico che stilistico. Gli jodel ispirati alla natura si affiancano a brani orecchiabili e canoni. Le canzoni sono disponibili in forma scritta (per gli istruttori) e possono essere ascoltate nei download audio, eseguite da un piccolo ensemble vocale con percussioni e pianoforte. Sono adatte per il riscaldamento vocale in coro o semplicemente per cantare insieme a proprio piacimento. All'insegna del motto: cantiamo di più!

Thomas-Maria Reck: singalongsongs II, 23 nuovi brani ritmati e canti, materiale didattico per il canto corale senza spartiti con set di carte strategiche e audio scaricabile, Fr. 30.00, stimmlände.com

La Fondazione considera questo riconoscimento un importante tributo al progetto a lungo termine che porta avanti dal 2006, nell’ambito del quale esegue e documenta l’intera opera vocale di Johann Sebastian Bach.

La Medaglia Bach della città di Lipsia viene conferita per meriti eccezionali nel campo dell’opera di Johann Sebastian Bach ed è considerata uno dei riconoscimenti più prestigiosi nell’ambito della divulgazione di Bach. La giuria è composta dal maestro di cappella del Gewandhaus, dal rettore dell’Accademia di musica e teatro «Felix Mendelssohn Bartholdy» di Lipsia, dal cantore della Thomaskirche, dal presidente e dal direttore dell’Archivio Bach. Ha motivato la propria decisione a favore della Fondazione J. S. Bach come segue:

«Dal 2006 la Fondazione J. S. Bach di San Gallo porta avanti l’ambizioso progetto di eseguire, nell’ambito di concerti mensili, l’intera opera vocale di Johann Sebastian Bach (1685–1750). Da vent’anni il coro e l’orchestra della Fondazione, sotto la direzione di Rudolf Lutz, stabiliscono standard artistici di altissimo livello. Grazie al sostegno dell’imprenditore Dr. Konrad Hummler, l’opera di Bach – con le introduzioni alle opere e le riflessioni sul testo e sulla musica del brano di volta in volta eseguito, nonché la pubblicazione dei concerti in video e su CD – è stata e continua ad essere resa accessibile a un vasto pubblico in modo innovativo e duraturo.»

A sinistra:

Il tesoro di San Gallo
Recensione e omaggio al Progetto Bach di San Gallo in occasione del 50° album (2025)

Parte convincente di un quadro generale
Recensione del CD n. 20 (2018)

Già nel 2019 Helene Schulthess aveva pubblicato 26 danze popolari svizzere provenienti da 26 cantoni dalla collezione della musicologa Hanny Christen, che tra il 1940 e il 1960 viaggiò per la Svizzera per registrare o trascrivere melodie, adattandole poi per due flauti traversi e pianoforte (Recensione). 12 danze popolari in stile svizzero Si tratta ora di un ciclo di musica da camera composto dallo stesso Schulthess per la stessa formazione, che si ispira alle caratteristiche tipiche della musica popolare svizzera.

Al centro vi sono linee melodiche popolari chiaramente definite, che attingono ritmicamente a tipici motivi di danza, richiamando alla mente forme tradizionali come il Ländler o semplici tempi in tre tempi. Ciascuno dei dodici movimenti è associato a un mese, creando così un ciclo musicale annuale. Ogni movimento è preceduto da un haiku di Stefan Blankertz, che riflette l’atmosfera del momento in una forma concisa e linguisticamente essenziale. In questo modo si crea un'interazione tra il suono dei flauti traversi che si alternano e la parola, che fa apparire il ciclo come un'unità chiusa e allo stesso tempo aperta all'interpretazione.

Mese dopo mese

Il brano dedicato a gennaio, intitolato «Allegro», inizia ad esempio in chiave minore per poi passare alla maggiore; è accompagnato dall’haiku «inverno senza neve, i topi si trascinano dietro i gatti». L’aprile, un allegro pulsante con veloci terzine di ottavi, ricorda una tarantella. Il maggio si caratterizza per una melodia simile allo jodel nella voce superiore ed è strutturato in tre parti nella forma classica della canzone, chiaramente contrassegnate con simboli come A e A‘.

Il pianoforte funge innanzitutto da base armonica e ritmica, ma di tanto in tanto arricchisce il tessuto musicale con figurazioni autonome e intensificazioni sonore. Il Giugno ricorda stilisticamente lo Scherzo di Mendelssohn Sogno di una notte di mezza estate in sol minore, nelle prime due battute ricorda l’originale e porta giustamente il titolo: «Dormire in piena veglia in una notte d’estate senza presunzione».

Grazie a queste combinazioni di voce e musica, questi brani offrono una variegazione interessante rispetto al repertorio per flauto, piuttosto raro nella musica popolare. Sono particolarmente adatti a musicisti di livello avanzato.

Helene Schulthess: 12 danze popolari in stile svizzero per due flauti traversi e pianoforte, con haiku di Stefan Blankertz, Fr. 30.00 + spese di spedizione, autopubblicato, helene-schulthess.ch (Fonte e tutti i brani da ascoltare)

Da decenni l'Edition Kunzelmann, già Edition Eulenburg, con sede ad Adliswil, rende servizi eccellenti alla coltivazione del repertorio per fiati, in particolare di quello per corno. La nuova, imponente edizione del Sei mélodies di Charles Gounod testimonia questa impressionante diligenza.

Questi brani orecchiabili e non troppo difficili da suonare erano già stati pubblicati nel 1982 dalle Editions Billaudot Paris, a cura del corno solista dell'Orchestre de la Suisse Romande Edmond Leloir, in un'edizione in tre volumi. È da accogliere con favore il fatto che tutti Sei mélodies ora disponibile in un libretto. Il dedicatario di queste opere è il suonatore e costruttore di corni Marcel-Auguste Raoux, della famosa dinastia Raoux.

Il curatore della presente edizione, Simon Scheiwiller, presenta un rapporto di revisione meticolosamente preparato. La sua prefazione fornisce interessanti informazioni sul contesto storico che circonda il passaggio esitante e controverso dal corno naturale ai primi strumenti con valvole a pistone, avvenuto a Parigi intorno al 1840.

Da vecchio amico dell'arte della stampa tipografica, il recensore è lieto di tenere tra le mani un libro di musica progettato con tanto amore.

Charles Gounod: Sei mélodies pour le cor à pistons, a cura di Simon Scheiwiller, GM-1981, fr. 29.30, Edition Kunzelmann, Adliswil

Al compositore e chitarrista Wolfgang Muthspiel (*1965), che dirige il Focusyear del Jazzcampus di Basilea, piacciono le cose creative, diverse e stupende. Per questo ama utilizzare un'ampia varietà di formati. Di conseguenza, il ricercato musicista jazz è talvolta in viaggio come leader di una big band, talvolta come solista e soprattutto in una formazione a tre. L'ultima fatica musicale dell'austriaco è anche una pubblicazione del Wolfgang Muthspiel Chamber Trio, la prima, anche se la prima dal vivo della formazione risale a otto anni fa. Oltre all'omonimo alla chitarra, la formazione comprende anche il connazionale Mario Rom alla tromba e Colin Vallon, della Svizzera occidentale, al pianoforte. L'obiettivo dichiarato dei tre è quello di tessere insieme una rete musicale interattiva e polifonica, che abbracci l'intimità e la trasparenza delle formazioni di musica da camera senza mai perdere la potenza ritmica e la giocosità.

Già il primo brano, Guacho Schubert, Il nome del trio chiarisce che si tratta di musica da camera libera dalla formalità e dallo splendore convenzionale. Il trio preferisce invece concentrarsi sull'improvvisazione, sul suono e, soprattutto, sul qui e ora. Fanno a meno di basso e batteria, il che diventa evidente solo a un ascolto più attento. Anche perché Muthspiel si appropria di tanto in tanto del corpo della sua chitarra per una percussione simile a un battito cardiaco e Vallon mette in sordina le corde del suo pianoforte. Mentre nella title track Atlante i tre strumenti confluiscono perfettamente l'uno nell'altro e fanno pulsare la musica tra classica, jazz e world music. Potrebbe essere la fine tranquillo e completamente rivolto verso l'interno. Il risultato è un suono che sembra un balsamo per l'anima. Altri pezzi come Lionel, che sembra un ricordo di viaggio africano, il dondolo elegantemente Il Blues del Duca o il giocoso e insidioso Cani un'esperienza musicale fantasiosa e sensuale. E più ci si lascia coinvolgere, più si viene ricompensati.

Trio da camera Wolfgang Muthspiel: Atlas. Clap Your Hands Records

Il 30 nuovi studi per clarinetto solo del noto compositore inglese James Rae sono una serie di brani brevi e variegati in stili che vanno dallo swing, al blues, alla bossa nova e al valzer. I titoli sono tratti da Un altro pianeta fino a quando Molecole renderli accessibili come pezzi di carattere e quindi promuovere l'espressione musicale.

I primi «studi» sono esclusivamente nel registro basso e possono essere utilizzati come supplemento a una scuola di clarinetto. In questo modo gli allievi più giovani o meno avanzati hanno l'opportunità di sperimentare la varietà stilistica e di creare immagini musicali in una fase iniziale.

I brani diventano poi tecnicamente più impegnativi a piccoli passi, mentre le chiavi e le firme temporali rimangono gestibili. Ciò consente una struttura chiaramente strutturata e favorisce un apprendimento continuo senza eccessive richieste. Allo stesso tempo, vengono affrontati in modo specifico aspetti tecnici importanti come l'articolazione, il ritmo e il fraseggio. I segni del metronomo per tutti i brani possono essere accettati come una sfida e sono un complemento ideale per l'esecuzione caratteristica. I tempi incoraggiano a impegnarsi consapevolmente con gli stilemi e le pulsazioni.

Il libretto è pratico e può essere utilizzato direttamente nelle lezioni ed è ideale per creare un ponte con i libretti di esercizi classici. Motiva attraverso la varietà musicale e allo stesso tempo offre una solida base per un ulteriore sviluppo del clarinetto.

James Rae: 30 nuovi studi per clarinetto solo, UE 21 850, € 18,95, Universal Edition, Vienna

Le prestazioni di alto livello di solito vanno di pari passo con la specializzazione. Ma il violinista Sini Simonen e il violoncellista Alexandre Foster hanno scelto un approccio diverso. Hanno optato per una combinazione di suoni neoclassici, mottetti a due voci di Orlando di Lasso e suoni contemporanei provenienti da diversi Paesi, ognuno con il proprio stile.

La varietà è quindi assicurata. Ma Foster e Simonen ottengono molto di più. Nel loro viaggio attraverso il tempo, scoprono diverse gemme che presentano in modo più che lucido. L'opera di Maurice Ravel Sonata per violino e violoncello è al centro della scena. Roman Brotbeck sottolinea giustamente nel libretto che «a volte sembra un quartetto d'archi». Oltre alla sorprendente ricchezza sonora, il brillante omaggio in quattro movimenti a Claude Debussy, morto nel 1918, colpisce per l'eleganza, la densità polifonica e la finezza ritmica, che suonano come un moderno Béla Bartók.

Moser e Winkelman

La Svizzera risuona nel sottotesto: Alexandre Foster insegna come professore di violoncello all'Accademia di Musica di Basilea. Bohuslav Martinůs Duo II è stato scritto nei pressi di Basilea, quando il compositore era ospite di Maja e Paul Sacher. Anche le opere di Roland Moser e Helena Winkelman contribuiscono a questa produzione meravigliosamente divertente: l'opera di Moser Tre dediche sono studi altamente concentrati in cui semitoni, mondi flageolet e toni naturali lasciano impressioni sonore particolari. Nei suoi primi lavori Rondo con testa di Giano già preannuncia ciò che caratterizza la basilese Helena Winkelman fino ad oggi: un'apertura polistilistica con una vivace musica folk e alcuni ritmi jazz. La vivacità di Winkelman Rondo è giustamente scritto alla fine di un CD in cui Simonen e Foster hanno centrato in ogni punto il tono di una musica molto diversa. Non possiamo che consigliarlo: Ascoltatelo tutto d'un fiato!

Bicinia. Opere di Orlandi di Lasso, Bohuslav Martinů, Maurice Ravel, Helena Winkelman, Roland Moser, György Ligeti, Kaija Saariaho. Sini Simonen, violino; Alexandre Foster, violoncello. Claves Records CD 3134

«Nous ne savons rien sur l'origine de cette pièce qui constitue la première composition de Ravel pour le piano». Così scriveva Arbie Orenstein nella prefazione alla prima edizione dell'opera Sérénade grotesque, pubblicato da Salabert nel 1975 in occasione del centenario della nascita di Ravel. L'eminente studioso di Ravel, la cui monografia sul grande compositore è ancora probabilmente la misura di tutte le cose, non fu solo lo scopritore dell'autografo, che era stato a lungo considerato perduto. Ne organizzò anche la prima nello stesso anno.

Cinquant'anni dopo, Andreas Pernpeintner ha ripubblicato il breve pezzo per pianoforte con Henle. Le differenze rispetto alla prima edizione francese sono minime. Nella prefazione di Pernpeintner, tuttavia, apprendiamo alcuni dettagli affascinanti su come Ravel stesso giudicò questo lavoro, che aveva scritto quasi da adolescente. Pare che non l'abbia mai tenuta completamente sotto chiave.

Il Sérénade grotesque è caratterizzato da forti contrasti tra passaggi percussivi («très rude, pizzicatissimo») da un lato e cantilene più lunghe («très sentimental») dall'altro. I numerosi echi della musica chitarristica spagnola non sono l'unico elemento che rende il ben più famoso Alborada del gracioso dal Miroirs (Arbie Orenstein si è sentita come se stesse Scarbo ricorda). Come in questi capolavori successivi, anche qui la scrittura pianistica è caratterizzata da associazioni orchestrali. Sebbene non sia eccessivamente impegnativo, il Sérénade ha le sue insidie pianistiche. Per superare questi ostacoli nel modo più elegante possibile, il pianista francese Cédric Tiberghien ha contribuito con alcune diteggiature davvero molto pratiche.

Nel complesso, una nuova edizione degna di nota! Per i fan di Ravel, in ogni caso. Ma anche per tutti coloro che desiderano guardare alle spalle di un giovane genio mentre si sviluppa.

Maurice Ravel: Sérénade grotesque, a cura di Andreas Pernpeintner, HN 1590, € 8,00, G. Henle, Monaco di Baviera

Nato nel 1987 nel Canton Turgovia, Andreas Häberlin insegna oggi alla Nova Southeastern University in Florida, USA. Ha vinto numerosi premi in Svizzera, dove ha studiato composizione e teoria alla ZHdK, e a livello internazionale, tra cui un premio di sponsorizzazione del Canton Turgovia nel 2016. Negli Stati Uniti, Häberlin ha lavorato con grandi artisti come Michael Bublé e Barbra Streisand e si è fatto un nome come produttore di musica per film.

Ora sta pubblicando il suo primo libro dal titolo promettente A Metodo di trascrizione musicale - Annotare a orecchio la musica registrata prima. Il titolo mantiene solo in parte la sua promessa. Nelle quattro parti «Preparazione - Processo - Interpretazione - Risorse», l'autore tratta in modo meticoloso e scientifico l'approccio prevalentemente digitale alla trascrizione musicale, con un gran numero di riferimenti alla letteratura in materia. Online, l'autore fornisce un'ampia raccolta di esempi di musica autoregistrata e di partiture per il libro - ma l'assegnazione ai singoli capitoli non è immediatamente evidente.

Si può dire che la scrittura di musica esistente richieda una notevole abilità nell'ear training, nella comprensione del ritmo e dell'armonia. Tuttavia, i metodi proposti non approfondiscono, ma presuppongono le suddette competenze. Il capitolo sull«»Orchestrazione" rimane molto generico; Häberlin presenta il Creative Software Sampler Cube e cita almeno gli insegnamenti sulla strumentazione di Berlioz e Rimsky-Korsakov nella bibliografia corrispondente. Vengono presentati numerosi ausili tecnici, da dispositivi midi e software di notazione a workstation audio digitali. Inoltre, ci sono istruzioni piuttosto banali per rispettare la scadenza fissata dal cliente - e per assicurarsi che i vicini non vengano disturbati durante la riproduzione della musica.

Andreas Häberlin: A Music Transcription Method - Notating Recorded Music by Ear, 178 p., € 50,99, Routledge, New York e Londra 2025, ISBN 978-1-032-84254-7

Sembra un argomento strano per chi sta iniziando. Ma il trattino in «auf-hören» indica già che non si tratta semplicemente di concludere, di chiudere la giornata. Reto Bieri, clarinettista, direttore d'orchestra, docente di musica da camera a Monaco, direttore di lunga data del Festival di Davos e appassionato ideatore di programmi, dirige per la prima volta i concerti di Pentecoste alla Certosa di Ittingen. Heinz Holliger e András Schiff hanno iniziato questa tradizione esattamente trent'anni fa; dopo venti edizioni, si sono succeduti Graziella Contratto, Oliver Schnyder, Maurice Steger, Nicolas Altstaedt, Isabelle Faust e Kristian Bezuidenhout.

Come si interrompe l'udito?

E ora Reto Bieri «si ferma». Nel libretto del programma, spiega come lo intende: «Quasi nessun'altra parola dice »no« in modo così deciso e allo stesso tempo offre un'apertura. Una dice: »Fermati« e significa fermati. Ma c'è qualcos'altro nascosto nella parola: un ascolto...». Quindi fermarsi è come ascoltare. Questa interpretazione ha senso per chi si interessa di musica. Ma è corretta? Il Dizionario Etimologico di Kluge conferma che «aufhören» era sinonimo di «hören» nel Medioevo e deduce: "Quando qualcuno concentra la propria attenzione su qualcosa, cessa contemporaneamente la propria attività". Cessare come essere pronti per il nuovo che sta per arrivare.

Reto Bieri spiega questa scelta con la prima impressione che gli ha fatto la Certosa: «Attraversando questo portale ci si trova in un mondo nuovo e chiuso. Lo spazio più aperto è il paradiso». Così è stato anche per i certosini, che si sono ritirati dietro queste mura e hanno creato un paradiso". Da qui si apre l'intero programma del festival.

Lasciarsi radicalmente alle spalle

Si inizia con la forma estrema della fine: la morte. Venerdì sera, in apertura, va in scena un «ultimo saluto» in tre parti che mette in scena proprio questo arrivo, questo addio e questa rinascita. A poche centinaia di metri dalla Certosa si schiera un distaccamento della banda musicale di Weinfelden, che poi si mette in marcia con passo misurato, suonando la marcia funebre «Teure Mutter». Poi si ferma, silenzio. Si riparte, stessa musica, stessa lentezza. Di nuovo silenzio. In fondo al corteo funebre dei partecipanti al festival si diffonde un certo fermento. Qualcuno si lamenta che l’altoparlante, trasportato su un carretto, sia posizionato male, perché non si sente nulla. Non c’è nulla da sentire, lo si capisce poco a poco. Si procede lentamente al ritmo della marcia funebre – a passo mezzo! – per poi fermarsi in silenzio. Non è affatto facile da sopportare. Alla terza sosta mi accorgo che i miei occhi si chiudono, che mi sto arrendendo alla situazione. Bieri confermerà in seguito «che è quasi insopportabile, queste ripetizioni, questo marciare sul posto». E racconterà quale esperienza unica sia stata per gli studenti di musica coinvolti sfilare insieme a musicisti con un background musicale completamente diverso. Come il tamburo maggiore ha dovuto spiegare loro come stare in fila, talloni uniti, piedi ad angolo di 45 gradi. Anche Bieri si è messo in fila nel registro dei clarinetti e rende omaggio alla «cara madre». La marcia deve essere suonata cinque volte prima di raggiungere la Certosa, e nella lentezza del cammino la menta lungo il sentiero comincia a diffondere il suo profumo.

Festa del cadavere, recitata e completamente vera

Nel giardino barocco, Vox Clamantis si è posizionato intorno al bacino d'acqua rotondo e accoglie gli ospiti con canti gregoriani, tra cui la sequenza di Pentecoste. Nel successivo concerto nella Remise, questo ensemble vocale estone canta con la sua sonnambolica omogeneità Il grido del cervo di Arvo Pärt, il compositore a cui è molto legato e che ha quasi abbandonato, per poi trovare una nuova voce anni dopo. Infine, il brano di Henryk Górecki Piccolo requiem per una polka, Anche in questo caso, ripetizioni, passi sul posto e improvvise esplosioni di esuberanza nostalgica ed esagerata. Anche l'attore Jürg Kienberger, che aveva già tenuto un discorso un po« disparato all'esterno nei panni del »prete«, tra citazioni di Gotthelf e annunci telefonici automatici, ha regalato divertimento. Lì, questi intermezzi tragicomico-parodici mi hanno un po» alienato; sul palcoscenico, mi piacciono. È bello ridere tra questa musica concentrata. Quando gli si chiede se questo "teatro" non incontri opposizione, Bieri racconta di un sacerdote che gli ha scritto arrabbiato. Nel frattempo, è diventato uno scambio molto stimolante.

La serata si conclude, come si conviene a un servizio funebre, con il pranzo funebre. Tutti sono seduti nel ristorante della Charterhouse: zuppa, le persone iniziano a chiacchierare esitanti, piatto principale, Mark Padmore accompagnato da Anthony Romaniuk canta il brano di Schubert Addio alla terra, Dessert, valzer sul ghiaccio. I musicisti del festival si posizionano tra i tavoli dove c'è spazio e suonano, gli ospiti cantano-hum-mumble insieme a diverse ripetizioni fino a quando la tristezza si è sciolta e tutti sono sicuri che qualcosa ricomincerà dopo la fine. «... la fine è l'inizio dall'altra parte», dice Karl Valentin nel programma del festival.

Non correlati in orizzontale

Si sta diffondendo un sentimento di aggregazione. I frequentatori di lunga data del festival si accorgono che in passato mancava loro qualcosa di simile. Una comunità? La musica sta assumendo il ruolo della chiesa? Per Bieri, la vicinanza al liturgico e al religioso è, da un lato, fortemente autobiografica: «Da bambino partecipavo naturalmente alla processione del Venerdì Santo, camminando assetato per quattro ore lungo la salita. Al centro di formazione per insegnanti cattolici cantavamo ogni mattina i corali gregoriani. D'altra parte, mi sembra che si stiano perdendo le radici di molte cose che ci hanno formato. Oggi soffriamo di una gigantesca amnesia culturale. Anche nella musica, spesso non siamo più in grado di stabilire dei riferimenti e non sappiamo più da dove viene qualcosa o dove sta andando. Qui incontriamo lo sfondo di questo stile di vita monastico, una cura globale, una verticalità. Nella vita di tutti i giorni, spesso ci muoviamo solo in orizzontale e dimentichiamo che c'è anche qualcosa sopra e sotto di noi».»

Fermarsi e sbocciare

Il programma di quest'anno comprende sette concerti. Essi mescolano musica dal Medioevo ai giorni nostri, non tanto come sequenza quanto come conseguenza. Nel processo, la processione, il fare, viene sempre più omesso per lasciare spazio all'essenza. Il programma si conclude con il Quintetto per clarinetto op. 115 di Brahms, scritto dopo aver effettivamente finito di comporre. Da ascoltare, ancora e ancora! Nella matinée del sabato di Pentecoste, Vox Clamantis canta dapprima l'antifona gregoriana Ubi caritas et amor e poi, dopo un unico respiro, passa al mottetto di Maurice Duruflé su questo tema, dando l'impressione che la melodia monofonica si spezzi in un'insostenibile coloritura polifonica. Fioriture successive I giusti allo stesso modo al mottetto di Bruckner. Ascoltate! L'anno prossimo si parlerà di «ritorno».

Questa Pentecoste, la formazione spazia dai solisti a un ensemble di 14 elementi: oltre a Vox Clamantis, saranno presenti in Certosa il Trio Gaspard, il quartetto d'archi Meta4 e molti altri. Bieri dice di aver insistito perché gli artisti fossero presenti per tutto il tempo. Molti non escono mai. Inoltre, non c'è nessuna città nelle vicinanze. Ma le rose antiche - la Certosa è famosa per la sua vasta collezione - stanno sbocciando in questi giorni. Queste varietà storiche fioriscono solo una volta all'anno, dopo poche settimane sono finite, ma hanno un profumo unico.

Si sono riuniti grazie alla comune inclinazione per il k-punk di Mark Fisher, critico musicale e teorico culturale inglese scomparso nel 2017. E cosa ne hanno fatto il pianista Stefan Kägi e il compositore Michael Emanuel Bauer? Hanno preso il tardo ciclo di canzoni di Othmar Schoeck Riverbero, Kägi e Robert Koller, che lo hanno considerato «nello spirito della hauntologia di Derrida» e lo hanno rielaborato. Il punto di partenza è insolito quanto il mix che ne deriva: Kägi interpreta il ciclo insieme al basso-baritono Robert Koller; all'originale si affianca un aggiornamento testuale e musicale, «Afterimages» di Bauer. Infine, il musicista sperimentale tedesco Gunnar Geisse ne remixa alcuni brani. Il tutto ha un titolo in inglese: Schoeck vs. Bauer O quale futuro desiderate? Dove siamo?

Lo stato emotivo è sentimentale: un ritorno, una contemplazione è centrale, come il titolo Riverbero chiarito. Schoeck era consapevole della sua posizione di tardo post-romantico, persino in una certa misura di epigono. E l'ha riscoperta nelle poesie di Nikolaus Lenau e Matthias Claudius. La rassegnazione risuona - e poi si riversa su Bauer, che la spezza in molti modi diversi. Stilisticamente sorprendente, ci sono echi dalla storia della musica. Ci sono sempre echi. Questa rifrazione è assolutamente necessaria, poiché il tono di Koller, che sa essere un abile mediatore, scivola a volte nel sentimentale e nel melenso con Schoeck. Ma forse è proprio questo il senso di un simile assemblaggio. In seguito, però, sembrano artificiosi e non integrati i remix di Geisse, che probabilmente vogliono rappresentare un'eco del futuro agognato.

Schoeck vs. Bauer O quale futuro desiderate? Othmar Schoeck: Nachhall; Michael Emanuel Bauer: Afterimages; remix di Gunnar Geisse. Robert Koller, basso-baritono; Stefan Kägi, pianoforte. aDevantgarde records, solo online