Il musicista ginevrino Christophe Sturzenegger è davvero un talento versatile! Le sue precedenti registrazioni come suonatore di corno e pianista con opere di Strauss, Glière e Schumann testimoniano la sua eccezionale abilità su entrambi gli strumenti. Il suo ultimo CD di musica d'accompagnamento lo presenta ora come compositore e direttore d'orchestra.

Le Colibrì

La musica per Le Colibrì è stata creata come produzione congiunta con la scrittrice di successo della Svizzera francese Elisa Shua Dusapin, vincitrice del Premio svizzero di letteratura 2019. La storia di due giovani in cammino verso l'età adulta è stata commissionata dall'Orchestre de la Suisse Romande (OSR) e dal Théâtre Am Stram Gram di Ginevra, uno dei più importanti teatri europei per bambini e ragazzi. La musica di Sturzenegger è neoromantica, ottimamente orchestrata e piacevole da ascoltare anche se non si conosce la trama. Un romanzo grafico dell'opera di Dusapin creato in collaborazione con l'illustratrice Hélène Becquelin, insieme alla musica di Sturzenegger come audiolibro, ha ricevuto il Premio svizzero del libro per bambini e ragazzi nel 2023.

La Reine des Neiges

Dalla seconda opera del CD, La Reine des Neiges dopo la fiaba La regina delle nevi di Hans Christian Andersen, scritta due anni prima del kolossal Disney, può essere ascoltata sia in una suite da concerto che in una versione di mezz'ora con testo parlato (interpretato in modo convincente da Joan Mompart). La fiaba di Andersen, etichettata come «inadatta ai bambini» all'epoca della sua stesura ma oggi spesso musicata, racconta la storia dei bambini Kay e Gerda, che vengono separati l'uno dall'altra da un malefico sortilegio ma si ritrovano nel castello della Regina delle Nevi a Spitsbergen e si riscattano.

L'idea musicale alla base del pezzo era quella di creare un'opera di teatro musicale con il cast dell'opera di Stravinskij. Storia del soldato con l'accompagnamento di un piccolo ensemble. La performance del Théâtre Am Stram Gram è stata eseguita innumerevoli volte in Svizzera e in Francia e ha ricevuto molti apprezzamenti. Sebbene questa registrazione non sostituisca l'esperienza teatrale, ne dà un'impressione vivida. La musica ricorda le composizioni del «Groupe des Six» o di Stravinsky ed è ancora una volta molto strumentale ed efficacemente scritta. È suonata dai membri dell'OSR sotto la direzione di Christophe Sturzenegger con verve e bel suono. Con una versione testuale appropriata, il brano potrebbe fare scalpore anche nei Paesi di lingua tedesca.

Musiche di scena: Le Colibri, La Reine des Neiges. Orchestra della Svizzera Romanda. Musica e regia di Christophe Sturzenegger. Klarthe Records

In qualità di presidente del Consiglio svizzero della musica ospitante e di membro del Consiglio nazionale, Stefan Müller-Altermatt ha aperto lo scambio tra politici e rappresentanti di varie organizzazioni musicali citando la dicotomia tra «realtà della politica finanziaria e responsabilità della politica culturale».

Poiché si prevede che nei prossimi anni le spese federali aumenteranno più rapidamente delle entrate, il Consiglio federale, sotto la guida della Consigliera federale del PLR Karin Keller-Sutter, ha presentato il «Pacchetto di sgravi 27» (PE 27) con 59 misure di riduzione dei costi. Durante l'incontro, Raphael Capaul della Segreteria generale del PLR ha presentato le barre del deficit che rischiavano di precipitare in rosso e ha messo in guardia da aumenti delle tasse come ultima risorsa. I relatori del settore hanno spiegato cosa potrebbero significare i risparmi per i redditi dei musicisti, già fortemente sotto pressione.

Il pacchetto di aiuti grava sui professionisti della musica

Alex Meszmer di Suisseculture ha spiegato che il settore culturale è stato colpito da almeno 22 misure di austerità, ma che è difficile individuarne l'impatto specifico. Ad esempio, un minor numero di progetti internazionali di Pro Helvetia genera anche un minor compenso per i diritti d'autore, il che significa che il danno per i creatori di musica è molto più grande di quanto non risulti dal pacchetto di austerità. Meszmer ha parlato scherzosamente di una «caccia alle uova di Pasqua dopo la KKS». Ha ricordato che quando il Consiglio federale ha presentato il messaggio culturale 2025-28, ha sottolineato di voler garantire un compenso adeguato ai professionisti della cultura e migliorare le loro condizioni di lavoro. Il Parlamento aveva anche adottato come obiettivo legislativo il miglioramento della sicurezza sociale. Tuttavia, finora non è successo nulla di concreto. Il reddito dei professionisti della cultura è in calo dal 2016 e ulteriori tagli o anche solo il congelamento dei fondi rafforzeranno ulteriormente questa tendenza.

Per Pro Helvetia, il PE 27 prevede un risparmio di 1,5 milioni di franchi. Come hanno spiegato il direttore Michael Kinzer e il responsabile del dipartimento di musica Dominique Rovini, non è pensabile che l'Arts Council si ritiri da piattaforme importanti come il Centre culturel suisse. Ciò significherebbe che verrebbero sostenuti circa 150 progetti in meno con 500 partecipanti e che l'attuale tasso di approvazione, pari a circa il 34%, diminuirebbe ulteriormente, con un impatto diretto sul reddito dei creatori di musica. Albane Dunand, della Fondation romande pour la chanson et les musiques actuelles, ha sottolineato che i tagli colpiscono maggiormente coloro che già vivono in condizioni precarie. Allo stesso modo, in tempi di austerità, i programmi che mirano a una maggiore uguaglianza e diversità sono i primi a scomparire.

Rico Gubler della Conferenza svizzera delle università musicali ha sottolineato che i tagli o il congelamento dei finanziamenti porteranno a campi professionali più piccoli e meno attraenti. Anche il panorama della ricerca ne risente. Gli effetti dell'aumento delle tasse universitarie non sono stati considerati fino in fondo e in alcuni casi erano difficilmente prevedibili. (Una dichiarazione della KMHS sull'aumento delle tasse universitarie sarà pubblicata nell'edizione del Giornale musicale svizzero che sarà pubblicato il 26 marzo).

Grande fretta, conseguenze poco chiare

Durante la discussione, Michael Kaufmann di Sonart ha fatto notare che il pacchetto di austerità invierebbe un segnale negativo anche ai cantoni e ai comuni, che dovrebbero poi seguire l'esempio dei tagli, con una perdita di diverse volte superiore a quella indicata nel PE 27. L'intera questione è incredibilmente diffusa, ha confermato Müller-Altermatt: «Abbiamo diversi livelli federali che sono responsabili della promozione della cultura e della musica. Abbiamo flussi finanziari molto indiretti attraverso questi livelli, abbiamo uffici federali, enti finanziatori e abbiamo effetti molto ampi. Se si tagliano i fondi per il turismo, ad esempio, questo si ripercuote anche sugli artisti creativi».»

Nel frattempo, le discussioni sul PE 27 sono proseguite in Consiglio nazionale subito dopo la riunione dell'industria. Le divergenze tra le due camere saranno appianate prima della fine di questa sessione, in modo da poter rispettare la scadenza per un eventuale referendum, già annunciata dai Verdi. Ciò significa che il referendum potrà svolgersi ancora in autunno. L'organizzazione mantello Suisseculture sta ancora discutendo se appoggiare un eventuale referendum, perché se il PE 27 viene respinto, il PE 29 è già in programma con risparmi forse ancora più drastici.

Di fronte a un referendum, tutti gli elettori dovranno chiedersi se, come ha giustamente detto Müller-Altermatt, vogliono semplicemente descrivere la promozione culturale come espressione di uno Stato nobile che fa per la sua popolazione più di quanto sia assolutamente necessario. Oppure se considerano la cultura come un'infrastruttura strategica e vitale.

La prossima riunione del PGM si terrà il 3 giugno sul tema «Sicurezza sociale, salari minimi e rischi professionali».

Nessuno probabilmente sosterrebbe che la musica possa evitare la catastrofe climatica. Ma cosa può fare per risolvere il problema che l'umanità sta vivendo (sempre più) al di sopra delle proprie possibilità?

La cosa più ovvia da fare: affrontare attivamente l'argomento. È quello che ha fatto l'Orchestra da Camera di Basilea il 5 febbraio 2026 al Museo Tinguely con il progetto di teatro musicale «Unter Strom», creato e interpretato dalla violinista Eva Miribung, dal violinista Mathias Weibel e dalla regista e attrice Salomé Im Hof. Sono venuti da «lontano» e hanno sentito che ci sono problemi sulla terra. Il loro spettacolo non è un lamento, ma «vuole offendervi, colpirvi alla testa». Questo è stato l'annuncio dopo che i tre astronauti sono saliti sul palco attraverso la macchina Utopia di Tinguely per eseguire la loro «canzone energetica» autoprodotta. Lì, l'oracolo di Tinguely ha profetizzato che gli esseri umani sarebbero scomparsi a un certo punto - «prima un po» di musica".

Quello che è seguito nei 60 minuti successivi è stata una sorta di corsa veloce attraverso la storia della musica, con brani e canzoni che, abilmente collegati drammaturgicamente, si sono concentrati sulla natura, sull'energia e sui propri orizzonti. Ad esempio, il «Canone dell'acqua» svedese, Lueget, vo Bärgen e Tal, Seguirò il sole dei Beatles, Non voltate mai le spalle alla Madre Terra gli Sparks o Bob Dylan Soffiare nel vento. Il programma consisteva principalmente in canzoni popolari, ma comprendeva anche brani classici di Leclair, Liszt e Berio. Il trio ha utilizzato un violino acustico, un violino elettrico, un sintetizzatore, un mandolino e una loop station. Gli strumenti elettrici sono stati staccati alla fine dell'esibizione.

Umorismo, confronto e irritanti sferragliamenti

Tra i numeri musicali, gli intermezzi teatrali conducevano da un brano all'altro, ma allo stesso tempo avevano la funzione di coinvolgere il pubblico. Come una domanda su cosa significhi veramente la bella vita. Le risposte sono state registrate e messe in loop per formare la seconda voce della Sonata in fa maggiore di Vivaldi. Oppure in una sessione di quickfire in cui il pubblico ha dovuto rispondere a domande di tipo «o» o «o» («biologico o regionale», "carne o tofu", "treno o bicicletta", ecc.) Il programma era spiritoso, e il punto culminante in questo senso era la riscrittura di Padre nostro a una petroliera.

La natura conflittuale della performance ha fatto sì che il pubblico non potesse mai semplicemente sedersi e rilassarsi, ma dovesse rimanere mentalmente coinvolto e critico. L'atmosfera di compiacimento è stata impedita dal fatto che le macchine di Tinguely sono state ripetutamente accese nel mezzo dei pezzi. - Chiunque le conosca (un bell'esempio di re-cycling, tra l'altro) può immaginare che lo sferragliare e lo sbattere delle macchine durante un concerto possa essere molto fastidioso.

Aula trasformata per giocare

La serata è stata decisamente convincente dal punto di vista artistico. Ed è lodevole che l'orchestra da camera abbia approfondito il tema trattato. È più di quanto facciano molte altre orchestre. Tuttavia, è mancata la direzione. Un suggerimento è arrivato almeno alla fine, quando si è arrivati alla frustrazione di non poter fare nulla. Seguendo l'esempio di Georg Danzer, è stata trasformata nella libertà di non dover fare come gli altri, di non fare semplicemente nulla. Una logica di astinenza che non porterà l'umanità nel suo complesso fuori dalla sua miseria, ma che come filosofia di vita individuale non è certo male.

Il fatto che orchestre come l'Orchestra da Camera di Basilea assorbano molte risorse a causa delle loro dimensioni - e dei tour di concerti - è ovviamente un paradosso. Tuttavia, «Unter Strom», che fa parte della serie Nachtklang, brevi esibizioni di membri dell'orchestra nei musei, è un buon esempio di ridimensionamento e sinergie; il biglietto del concerto era anche un biglietto d'ingresso al museo. E poiché il trio esegue il brano anche nelle scuole, la serata è stata per così dire riciclata. Trasformare l'argomento in un programma è sicuramente importante - forse questo porterà alla fine a più risposte che domande.

Sarà istruttivo familiarizzare con l'ampio spettro musicale del direttore d'orchestra svedese Herbert Blomstedt ascoltando la sua registrazione dell'opera di Ingvar Lidholm Poesia e anche della Quarta Sinfonia di Anton Bruckner e della Messa in si minore di Johann Sebastian Bach. L'ormai 98enne direttore d'orchestra, che non ha nulla della statura di una star del podio, ma è amato dalle principali orchestre di tutto il mondo e viene quindi ripetutamente ingaggiato, è in grado di condurle ad esecuzioni di alto livello con la sua amabile correttezza, la sua autodisciplina e la sua responsabilità nei confronti dell'opera.

Argomenti di conversazione

Missione Musica è il titolo del libro che contiene nove conversazioni tra il critico musicale Julia Spinola e Blomstedt. L'ultima, condotta a Lipsia lo scorso maggio, ha dato luogo a un ampio capitolo aggiuntivo per questa terza edizione.

Vengono esaminate aree e situazioni molto diverse, in particolare quelle delle due orchestre tedesche che ha guidato come direttore principale, la Staatskapelle Dresden 1975-1985 e la Gewandhausorchester Leipzig 1998-2005. Naturalmente, si discute della posizione del direttore d'orchestra e dei problemi interni delle orchestre; Blomstedt ha ricoperto anche incarichi di direttore principale a Oslo, Copenhagen e San Francisco durante la sua lunga vita. La sua insistenza sul vecchio assetto orchestrale tedesco è stata estremamente interessante, così come il suo approccio alle opere di nuova musica e la sua attenzione al pubblico con brevi spiegazioni. Nessuna ostentazione, ma un intenso sforzo di trasmettere le intuizioni dell'esperto in modo comprensibile.

Punti focali del repertorio

L'intervistatore riesce ripetutamente a ottenere risposte penetranti sulle motivazioni che stanno alla base della sua attività mondiale, mentre il lato privato della sua vita viene rivelato in modo del tutto privo di voyeurismo. Il suo impegno per la musica nordica, in particolare per Carl Nielsen, Franz Berwald e Carl-Wilhelm Stenhammar, il suo stretto rapporto con la musica di Johann Sebastian Bach e il suo tardivo avvicinamento ad Anton Bruckner e Richard Strauss testimoniano le specialità del suo repertorio. Ha eseguito due volte le nove sinfonie di Bruckner con la Gewandhausorchester Leipzig, dal 2005 al 2012 e nel 2023. L'ampia discografia in appendice riflette il fatto che il novantenne ha anche inciso la sua terza registrazione completa delle sinfonie di Beethoven e diverse sinfonie di Brahms, Stenhammar e Voříšek.

Herbert Blomstedt: Mission Musik - Gespräche mit Julia Spinola, 199 p., € 26,00, terza edizione ampliata, Henschel/Bärenreiter, Leipzig/Kassel 2025, ISBN 978-3-7618-2417-7 (Bärenreiter)

Sol Gabetta è Lise Cristiani - almeno questo è ciò che dovrebbe suggerire la copertina sfocata del suo ultimo album. Il disco celebra il 200° compleanno della violoncellista francese con approfondimenti sul suo repertorio concertistico, opere di Offenbach, Schubert, Rossini e altri (Sony classical 12372444).

Parallelamente alla registrazione sonora è stato realizzato un documentario di 53 minuti in cui la violoncellista argentina e suo marito, il liutaio e restauratore francese Balthazar Soulier, seguono le tracce di questo misterioso musicista. Con il violoncello fino alla fine del mondo allude alla tournée concertistica di Cristiani in Siberia nel 1847. Nel 1852, all'età di 27 anni, morì per un'infezione da colera, contratta durante un viaggio nel Caucaso, dove aveva suonato per i soldati.

Il film, denso di atmosfera, racconta cronologicamente la vita della prima violoncellista donna a esibirsi in pubblico. Il violoncello era considerato immorale, addirittura scandaloso, per le donne perché doveva essere tenuto a gambe divaricate. Il giornalista Waldemar Kamer, che ha trovato l'atto di nascita in una tenuta, racconta le origini della Cristiani e come sia cresciuta come figlia illegittima presso i nonni.

Le visite a luoghi originali, abbinate a immagini storiche, offrono uno spaccato della Parigi della sua infanzia. Sol Gabetta non solo scopre i programmi dei concerti di Cristiani insieme a Balthazar Soulier, ma suona anche il suo violoncello per alcuni minuti nel Museo Stradivari di Cremona. Qui, però, il film rimane in superficie. Avremmo voluto sapere di più da Sol Gabetta sull'esatto suono dello strumento, che all'epoca costava 7.000 franchi e oggi vale circa 20 milioni di euro. Era particolarmente robusto da sopravvivere senza danni a queste condizioni climatiche estreme durante il viaggio? Balthazar Soulier avrebbe sicuramente potuto dirci qualcosa in merito. E cosa possiamo dire del modo di suonare di Cristiani in base al repertorio? Dopotutto, Felix Mendelssohn Bartholdy ha composto il suo unico Canzone senza parole op. 109 per violoncello e pianoforte è dedicato a lei. Purtroppo, a parte la citazione di alcune recensioni contemporanee, anche questa rimane nell'oscurità.

Con il violoncello fino alla fine del mondo - Sol Gabetta sulle orme di Lise Cristiani. Film di Simone Jung. Hessischer Rundfunk/Arte. Disponibile nella mediateca ARD fino a dicembre 2026.

Link al film

Theodor Kirchner, formatosi a Lipsia e a Dresda, all'età di 20 anni accettò un posto di organista a Winterthur su raccomandazione di Felix Mendelssohn. Lavorò in Svizzera per 30 anni come insegnante di musica e direttore d'orchestra e mise su famiglia. In un necrologio svizzero si legge che «per un quarto di secolo è stato al centro delle attività musicali di Zurigo e Winterthur». Negli anni difficili dopo il suo ritorno in Germania, fu sostenuto dall'amico Brahms.

Oltre a 1000 pezzi per pianoforte, ha composto molta musica da camera, tra cui alcuni con intenti pedagogici come i sette brevi quartetti per archi Solo gocce. I brani, moderatamente difficili e di carattere variabile, comprendono solo da 16 a 60 battute (veloci). Lo stile romantico ritmicamente intrecciato richiede a tutti gli strumenti di prestare attenzione all'intero evento. Le note didattiche di Anna Erdmann-Schiegnitz in appendice all'edizione contengono importanti aiuti interpretativi e tecnici.

Theodor Kirchner: Solo gocce. Piccolissimi pezzi per quartetto d'archi, a cura di Wolfgang Birtel, SE 1059, € 14,00, Schott, Mainz

Prokofiev iniziò a scrivere vocalizzi per voce e pianoforte per la sua amata cantante Nina Koshetz a New York nel 1920. Terminò questi cinque Canzoni senza parole durante una tournée in California. Nel 1925, a Parigi, Joseph Szigeti, Paweł Kochański e Cecilia Hansen gli chiesero di arrangiare le melodie per violino. Kochański contribuì alla riorganizzazione della parte per violino; la parte per pianoforte rimase invariata. I brani furono pubblicati dall'Edition russe de Musique di Berlino nel 1925. Da allora fanno parte dell'importante repertorio violinistico. L'inizio è costituito da una Barcarolle, seguita da una Ninna nanna, un Pensiero misterioso, uno Scherzando (Seguidilla) e un Notturno.

La nuova edizione contiene molte piccole correzioni, spiegate nelle note, e si presenta con una generosa notazione musicale.

Sergei Prokofiev: Cinque melodie per violino e pianoforte op. 35a, a cura di Fabian Czolbe, con una parte aggiuntiva per violino etichettata da T. A. Irnberger, HN1539, € 13,00, G. Henle, Monaco di Baviera

A differenza di aree affini come il basso continuo, non esiste praticamente alcuna letteratura sul tema della partitura. Ciò è certamente dovuto alla complessità dell'argomento, che comprende anche aree specialistiche come la lettura a vista, la strumentazione, l'armonia e la stilistica. Di conseguenza, la didattica è difficile da presentare in modo chiaro.

I due volumi, ormai fuori catalogo, rappresentano un tentativo riuscito in questo senso. Scuola di spartito di Günter Fork (pubblicato nel 1980), che però non hanno potuto dimostrare la loro validità in classe a causa delle loro dimensioni. I quattro libretti sono ancora attuali Punteggio giocando di Heinrich Creuzburg (pubblicato nel 1956), in cui però vengono proposti arrangiamenti pianistici del tutto impraticabili. Per quanto riguarda questo aspetto, l'opera di Alfred Stenger Giocare con i punteggi è facile del 2004 è un approccio interessante, anche se il «reso facile» è ingannevole, perché suonare le partiture non è facile!

Accesso completo, assistenza concreta

Ora Paul Suits presenta un nuovo libro in inglese, sapientemente strutturato, e affronta questo fatto: «Ci sono campi artistici in cui l'ispirazione supera la traspirazione. Nella lettura del punteggio è vero il contrario [...]». Le istruzioni sono concise e l'esperienza pluriennale dell'autore nell'insegnamento è evidente.

Suits insegna a leggere gli strumenti traspositori imparando le cosiddette «vecchie chiavi»: se si sostituisce una chiave marcata con un'altra, il tono di riferimento si sposta, dando luogo a una trasposizione. Se si correggono anche alcuni segni di trasposizione, è possibile leggere direttamente una parte in trasposizione. Il testo è preceduto da un utile esercizio di lettura che aiuta gli studenti a familiarizzare con il sistema di riferimento di ogni nuova chiave. Utilizzando esempi selezionati in modo eccellente dalla letteratura, si viene poi guidati attraverso tutte le chiavi e le trasposizioni presenti in orchestra.

Suits raccomanda il basso figurato e i simboli degli accordi assoluti per comprendere le relazioni armoniche. Particolarmente preziosi sono i capitoli «Arrangiare la partitura al pianoforte» e «Affrontare i pezzi non suonabili». I metodi e gli esempi suggeriti sono pratici: da un lato, la riduzione di un movimento orchestrale alla sua struttura armonica e la successiva aggiunta di parti suonabili; dall'altro, la lettura regolare e l'ascolto interiore senza strumento. Suits comprende il concetto di «suonare la partitura» in modo completo e utilizza il titolo Punteggio Lettura con uno scopo: «Nel lavoro con i miei studenti, le tecniche di suonare, cantare, immaginare e analizzare la partitura sono tutte impiegate, spesso alternate in rapida successione».»

Questo libro, ricco di utili suggerimenti, è altamente consigliato a chiunque voglia affrontare la difficile disciplina della lettura del punteggio!

Paul Suits: Lettura della partitura: principi antichi e nuovi approcci, 124 p., € 37,00, Tredition, Amburgo 2025, ISBN 978-3-384-57748-1

Ci sono film che si vedono. E ci sono film che si ascoltano. L'ultimo lavoro di Anka Schmid Melodia appartiene chiaramente alla seconda categoria. Si potrebbe anche definire «una colonna sonora con un'immagine». Proiettato per la prima volta nella categoria Sounds al Festival di Zurigo il 28 settembre 2025 e regolarmente distribuito nelle sale dal marzo 2026, è molto più di un documentario musicale: è un mosaico poetico su come il canto possa diventare un'ancora di salvezza, un rituale, una resistenza, un conforto e un'appartenenza.

I protagonisti sono diversi come le loro voci. C'è la donna nera Joanna Kora, che trasforma in canto le sue esperienze nel movimento Black Lives Matter e, come insegnante di musica e cantante del coro Go and Sing, ispira speranza ed entusiasmo a ogni nota. La casara dell'Appenzello che protegge non solo le sue mucche, ma anche se stessa, notte dopo notte con la benedizione delle Alpi. L'hip-hopper ticinese, combattuta tra la rabbia per la mancanza di sostegno alla cultura giovanile alternativa e le sue profonde radici nella sua terra d'origine. Il curdo, a cui sette anni di prigione non hanno tolto la voce e che ora canta canzoni alla sua giovane figlia in Svizzera affinché lei, curda senza patria, non resti senza cultura. E l'ultima cantante morta su un'isola greca che, dopo la perdita del marito, trova sostegno e scopo nella vita solo attraverso il lamento - e si pone l'angosciante domanda: Chi canterà il suo lamento quando lei stessa non ci sarà più?

Il canto è più che un suono

Schmid racconta queste storie senza pathos, trasportato dalla musica e dai volti dei cantanti. La macchina da presa cattura la luminosità, la stanchezza, la passione. Ma il vero fulcro è la colonna sonora. L'ingegnere del suono Reto Stamm fa ampiamente a meno della distorsione elettronica, trasmettendo le voci pure, non distorte, in tutta la loro fisicità. Si sentono le pause del respiro, gli attriti, le imperfezioni, ed è proprio questo che rende il film così reale.

Alla fine, quando le giovani donne dello sciopero femminile riempiono la piazza cantando e suonando il tamburo, il cerchio si chiude: il canto è più di un semplice suono. Supera i confini e avvicina gli estranei più di qualsiasi discussione. Il film di Schmid dimostra che possiamo incontrarci nella felicità del canto, indipendentemente dall'origine, dalla lingua o dal colore della pelle. Un film documentario che non rimane solo nell'orecchio, ma anche nel cuore.

Melodia. Anka Schmid, Scritto e diretto da. Frenetic-Films. Nei cinema dal 5 marzo 2026.

Rimorchio

La selezione di queste 17 canzoni popolari svizzere è rappresentativa: sono incluse le più popolari di tutte e quattro le regioni linguistiche. Alcune di esse sono «canzoni d'arte» che sono diventate di uso comune grazie alla loro popolarità. Il compositore e suonatore di flauto dolce di Basilea Raphael Benjamin Meyer presenta gli arrangiamenti della sua casa editrice Basilisk, che possono essere suonati da qualsiasi strumento in trio o in duo con un accompagnamento di pianoforte, che risulta dalle due voci inferiori.

L'offerta di scaricare gratuitamente le singole parti per la trasposizione degli strumenti o con una diversa chiave di violino tramite codice QR dal sito web dell'editore è molto utile. basilisco-edizione.ch da scaricare. In un'esecuzione con un trio d'archi, ad esempio, la seconda parte è in chiave di viola e nell'ottava «corretta», in modo da non sovrapporsi alla prima.

Il movimento è fatto con maestria; è più nella direzione della «musica d'arte», ma suona estremamente bene e darà ai giovani musicisti in particolare un sacco di piacere nella loro prima esperienza di musica da camera. Come di consueto nella maggior parte delle raccolte di canzoni, non ci sono marcature di tempo, solo una volta viene chiamato «Swing». Il livello di difficoltà è basso, l'esperienza nella lettura della musica è un vantaggio. I testi sono corredati di tutte le strofe di tutte le canzoni, il che consente anche di eseguirle vocalmente. Tuttavia, le canzoni devono essere trasposte per ottenere una tonalità di canto confortevole.

Canzoni popolari con e senza autore

Per quanto queste canzoni popolari possano essere familiari alle generazioni più anziane, andranno perse per i bambini e i giovani se si canterà sempre meno nelle scuole primarie. Oggi le scuole di musica si assumono il compito di preservare la nostra tradizione musicale. Canzoni come Luegid vo Bärg e Tal, Le ranz des vaches, Guggisberglied, Le vieux chalet, Aprite le porte, Dorma bain e Da Lozärn verso Weggis e molti altri ancora vengono portati alle giovani generazioni di musicisti o ricordati grazie a questi arrangiamenti.

Canzoni meno popolari ma di autore noto come Weischus dü (Eugen Meyer, *1934), Mi chiedi chi sono (Heidi Stucki, 1915-2012) e Anneli dove sei andata ieri? (Gottfried Bohnenblust, 1883-1960) hanno trovato spazio in questa collezione.

Trii svizzeri, per flauti dolci, archi o altri strumenti arrangiati da Raphael Benjamin Meyer, partitura e parti (online), RM 21, Fr.23.50, Basilisk Edition, Basilea

Clara Schumann gode giustamente della fama di musicista eccezionale del XIX secolo. La sua fama superò persino quella del marito Robert. Come virtuosa, compositrice e insegnante, ha lasciato il segno su un'intera epoca. La sua opera compositiva, non eccessivamente vasta, è stata eseguita sempre più spesso negli ultimi anni. Il Teatro dell'Opera di Zurigo sta attualmente organizzando un'intera serata di balletto basata sulla vita di questa eccezionale artista. Circa trenta compositori le dedicarono opere per pianoforte, anche se lei ne incluse solo poche nel suo repertorio.

La pianista svizzera Kathrin Schmidlin prosegue il suo lavoro con il doppio CD pubblicato da Claves Dedicato a Clara Schumann per opere di dieci compositori e una compositrice, la maggior parte dei quali non è mai stata ascoltata in una sala da concerto. Nella scelta delle opere è stata consigliata da Walter Labhart. Schmidlin ha studiato a Zurigo, Norimberga e Basilea con Karl-Andreas Kolly, Wolfgang Manz e Tobias Schabenberger. I suoi precedenti CD sono stati dedicati a opere di compositrici donne e sono stati recensiti molto positivamente.

Da Bargiel a Smetana

Questa registrazione offre uno spaccato straordinariamente interessante della musica per pianoforte dell'epoca romantica. Tra i compositori figurano Alexander Dreyschock e Stephen Heller, famosi virtuosi del pianoforte, Felix Mendelssohn Bartholdy e Vinzenz Lachner, stimati direttori d'orchestra, Woldemar Bargiel, fratellastro di Clara Schumann, e Johann Peter Emilius Hartmann, importanti insegnanti universitari, ed Eduard Bernsdorf, uno dei più importanti scrittori di musica.

In tutte le sue opere si avverte una grande familiarità con il pianoforte. Naturalmente, lo stesso vale per Johannes Brahms, che ha scritto un'opera che è stata arrangiata per vari strumenti da numerosi altri compositori. Gavotte di Christoph Willibald Gluck, e per Robert Schumann, il cui cosiddetto Variazioni fantasma, scritte poco prima della sua morte, sono un pezzo molto particolare che non si rivela necessariamente al primo ascolto. Elisabeth von Herzogenberg Allegro appassionato è stata dedicata a Clara Schumann dal marito dopo la sua morte. Bedřich Smetana 4 schizzi dimostrano che la sua musica per pianoforte è stata ingiustamente dimenticata. Inoltre, i brani di Bargiel e Bernsdorf, quest'ultimo in prima registrazione, meritano un ascolto particolare.

Kathrin Schmidlin suona con passione e grande abilità tecnica. I pezzi virtuosi sono particolarmente stimolanti. Purtroppo, il suono del pianoforte è molto diretto, come se fosse registrato da troppo vicino, e si sentono anche i rumori della pedalata. Oltre che per la sua qualità artistica, questa registrazione impegnata può essere raccomandata anche per il suo valore di repertorio.

Dedicato a Clara Schumann. Opere di Bargiel, Lachner, Dreyschock, Heller, R. Schumann, E. von Herzogenberg, Brahms, Hartmann, Mendelssohn, Bernsdorf, Smetana. Kathrin Schmidlin, pianoforte. Claves Records 3122/23

Per evitare che le inevitabili lunghe spiegazioni introduttive possano rovinare il piacere dell'ascolto: Antitopèia offre una miscela incredibilmente dinamica e atmosferica di influenze globali e prestazioni locali che ci porta la sua audacia sperimentale con molto calore.

Il gruppo The Sea Around Us è composto dal batterista, polistrumentista e compositore zurighese Mario Marchisella e dal clarinettista, bassista e synth specialist italo-sudafricano João Orecchia, che attualmente vive a Marsiglia. I due si sono incontrati a Johannesburg nel 2008, quando Marchisella vi soggiornava nell'ambito di una residenza Pro Helvetia con la sua compagna di vita e di lavoro Marianne Halter - i due sono impegnati in video e altre installazioni artistiche. Hanno subito riconosciuto uno «spirito affine», che in seguito ha portato ad altri progetti di ogni tipo in Sudafrica e in Svizzera.

Ora lo scambio creativo ha finalmente trovato espressione in un album. Il lavoro è iniziato con una settimana di incontri nello studio di Marchisella a Zurigo. Le «jam» quotidiane, della durata di un'ora, sono state tutte registrate e poi - a casa - passate al setaccio separatamente per trovare i passaggi più promettenti.

In un secondo incontro, hanno integrato le registrazioni originali selezionate con parti strumentali aggiuntive e arrangiamenti elettronici. Ora sentivano il bisogno di altri ingredienti. L'artista vocale Saadet Türköz, l'artista della parola Gilles Furtwängler e la violinista/musicista elettronica Magda Drozd hanno trascorso mezza giornata in studio e hanno risposto al materiale sonoro presentato loro con i propri contributi.

Anche grazie a un sottofondo di basso di influenza sudafricana, a una batteria decisa e a pads di synth atmosferici, questi pezzi sono quasi carnali nella loro sensuale ricchezza.

Il mare intorno a noi: Antitopèia. Mario Marchisella, batteria, chitarra, pianoforte, basso; João Orecchia, clarinetto basso, sintetizzatore, basso. Ospiti: Magda Drozd, Violino, Elettronica (1, 2, 3), Saadet Türköz, Testi e Voce (2, 4), Gilles Furtwängler, Testi e Voce (1, 6). Digitale e vinile. Audioscope/Irascibile

Tra gli organisti si può trovare una razza speciale di musicisti completi: quasi universalmente istruiti, ugualmente abili nell'interpretazione, nell'improvvisazione e nella composizione (dove quest'ultima è spesso un po' trascurata), ben versati nella letteratura e nella teologia, attivi nel confronto diretto con la rete sociale e liturgica del servizio ecclesiastico; inoltre, c'è la conoscenza della costruzione e dell'insegnamento dell'organo. Artigianato e sovrastruttura spirituale vanno davvero di pari passo.

Daniel Glaus combina tutto questo nel suo lavoro. Nato a Berna nel 1957, ha lavorato come organista presso la Stadtkirche Biel dal 1985 al 2006 e dal 2007 come organista presso la cattedrale di Berna, dove era responsabile della musica da chiesa e della musica serale. A ciò si è aggiunta una cattedra di organo e composizione presso la HKB. Ha insegnato composizione e strumentazione alla ZHdK. Si è ritirato da queste posizioni alla fine del 2022. Ma Glaus non è mai stato solo un musicista di chiesa: l'incontro con il suo maestro Klaus Huber e in seguito soprattutto con Luigi Nono lo ha portato a pensare al di là dell'aspetto puramente musicale delle sue opere. La storia è presente nella sua musica tanto quanto il presente immediato.

Questo si riflette nelle sue opere per quartetto d'archi, che segnano la sua evoluzione. Il primo quartetto, composto nel 1980 durante gli studi al Conservatorio di Berna, è già pienamente formato e riflette la sua precoce esplorazione delle forme classiche (fuga, scherzo, corale) e della tecnica dodecafonica in modo indipendente. Il terzo titolo Naezach del 2001 è una versione per quartetto del primo movimento della terza delle quattro opere orchestrali Sinfonie di Sephiroth e fa riferimento al misticismo ebraico, la Cabala. Il quarto, presentato in anteprima al Festival di Musica di Berna nel 2023, dispiega una ricchezza sonora ancora maggiore. Suoni spettrali sono inseriti in ampi campi sonori, spesso grezzi, persino indomiti, ma poi ancora belli come in un canto gregoriano, persino alpino, simile a una benedizione.

Il confronto drammatico con il bel suono, in un modo tanto affascinante quanto autocritico, appare sempre di nuovo nel lavoro di Daniel Glaus: È un segno di resistenza, di ascolto. La musica non si sottomette completamente, ma sfida sempre. Questo vale anche per la cantata poetica Chammawet Ahawah per soprano, arpa e quartetto d'archi. Una canzone d'amore poliglotta, basata sul Cantico dei Cantici dell'Antico Testamento, ma tanto intima quanto a volte impetuosa. Per tutto questo Glaus ha a disposizione i migliori interpreti: Christina Daletska e Consuelo Giulianelli nella cantata e il fenomenale Quartetto Arditti nell'intero CD.

Daniel Glaus: Opere per e con quartetto d'archi. Quartetto Arditti; Christina Daletska, soprano; Consuelo Giulianelli, arpa. Neos 12508

Suite di Grieg Dal tempo di Holberg è uno dei pilastri del repertorio per orchestra d'archi. Tuttavia, affinché il ritmo incalzante del primo movimento, le belle cantilene nelle parti multiple divise dei movimenti centrali e il rigaudon virtuoso degli assoli siano adeguatamente enfatizzati, sono necessari interpreti di alto livello. Per me, questa suite è un pezzo per orchestre da camera professionali, o al massimo semi-professionali. E una meravigliosa introduzione alla musica per giovani ambiziosi suonatori d'archi!

A maggior ragione mi rallegro della pubblicazione di questa nuova edizione di Henle, che offre tutti i comfort oggi indispensabili: Numeri di battuta nella partitura e in tutte le parti, carta di grande formato in qualità spessa, parti in 3/3/2/2/1, notazione musicale chiara e una paginazione adatta all'esecuzione. Se viaggiate in digitale, potete acquistare la partitura e le parti anche nell'app Henle.

Prima per pianoforte, poi per orchestra d'archi

Edvard Grieg compose la suite nel 1884 in occasione del 200° compleanno del polimatico e poeta norvegese Ludvig Holberg (1684-1754), che egli definì anche il "Molière del Nord". La versione per orchestra d'archi è stata preceduta da quella per pianoforte a due mani (anch'essa disponibile presso Henle, HN 432). Oggi è meno conosciuta dell'arrangiamento per orchestra d'archi completato dal compositore nel febbraio 1885. Sembra che Edvard Grieg avesse già in mente il suono degli archi quando compose l'opera per pianoforte. Il quarto movimento "Aria" è uno dei più bei pezzi per archi, musica per l'isola deserta!

L'editore Ernst-Günter Heinemann cita come fonti essenziali le prime edizioni della partitura e delle parti pubblicate da Peters a Lipsia (1886) con le annotazioni autografe del compositore. Grieg stesso diresse la prima a Bergen il 13 marzo 1885 (da parti manoscritte). L'autografo, che in seguito servì come modello di incisione per l'editore, è purtroppo andato perduto. Le arcate e le diteggiature occasionali, inserite nelle parti, erano probabilmente già presenti e corrispondono interamente alle idee dell'autore. Sono stati inclusi in questa edizione Henle. Ma - non preoccupatevi - sono poche e tutte buone!

Grieg non può negare se stesso

Se il Suite Holberg Anche se si tratta di un barocco "romantico", che ha poco in comune con la conoscenza odierna della pratica musicale storicamente informata, è comunque un prezioso documento contemporaneo della ricezione della musica barocca ai tempi di Grieg. L'opera ci permette di prendere atto con un sorriso di come il suo creatore romantico rimanga sempre riconoscibile attraverso l'idioma barocco, nonostante la sua osservazione in una lettera a Julius Röntgen del 1884: "In realtà è un buon esercizio, come eccezione, nascondere la propria personalità".

Edvard Grieg: Dal tempo di Holberg. Suite nel vecchio stile op. 40, versione per orchestra d'archi, a cura di Ernst-Günter Heinemann; partitura, HN 3320, € 22,00; set di parti, HN 3322, € 45,00; partitura di studio, HN 7012, € 10,00; G. Henle, Monaco di Baviera