Fanny Hünerwadel nacque nel 1826 nella ricca famiglia Hünerwadel di Lenzburg. Per una donna dell'epoca non era scontato dedicare la propria vita alla musica, ma la sua famiglia culturalmente interessata glielo rese possibile. Il suo talento fu riconosciuto fin da giovane, soprattutto come cantante e pianista, e continuò la sua formazione a Zurigo con il virtuoso del pianoforte Alexander Müller. In questo periodo entrò in contatto con Richard Wagner e con altri personaggi noti del mondo della musica come Franz Liszt, che compose anche il breve brano à Fanny H. si dedicò ad essa. Viaggiò a Parigi e a Londra e trascorse lunghi periodi in Italia, dove iniziò anche a comporre.

Fanny si muoveva nelle sfere più alte della società, ma rimase sempre con i piedi per terra e senza pretese. Ammalatasi di febbre tifoidea a Roma, morì il 27 aprile 1854 a soli 28 anni. Al suo funerale le diedero l'ultimo saluto da due a trecento persone.

Hanna Siegel, Tabea Furrer e Jessica Berger hanno lavorato intensamente sulla cantante, pianista e compositrice Fanny Hünerwadel nell'ambito della loro tesi di maturità alla Alte Kantonsschule di Aarau. Il risultato è un breve film documentario che ritrae la biografia della musicista, le sue opere e il suo ambiente. Sebbene Fanny Hünerwadel abbia avuto un successo internazionale nella sua breve vita, oggi quasi nessuno conosce il suo nome. I tre erano determinati a cambiare questa situazione. Durante la loro ricerca, gli studenti del livello A non solo hanno imparato molto su Fanny Hünerwadel stessa, ma anche sulla storia di Lenzburg. Come estensione del loro progetto, hanno organizzato un concerto con brani composti da Fanny Hünerwadel e la proiezione del documentario.

Link al film (durata 12'19")

Contattare Jessica Berger: jessi.berger@outlook.com

Con il Premio editoriale tedesco Gli "editori indipendenti per il loro impegno a favore della cultura e della democrazia" sono stati premiati con questo riconoscimento. Lo ha sottolineato il ministro della Cultura Claudia Roth durante la cerimonia di premiazione della 76a Fiera del Libro di Francoforte. 84 editori sono stati premiati per il loro eccezionale lavoro programmatico, la loro creatività e il loro impegno culturale. Il premio in denaro, pari a 18.000 euro, è stato assegnato a Fidula-Verlag.

Casa editrice Fidula

Da oltre 75 anni, l'editore musicale di terza generazione dà forma all'educazione musicale di bambini, giovani e adulti. Con un'ampia gamma di canzoni, danze, libri di educazione musicale e musical scolastici, è un importante punto di contatto per insegnanti di musica e cori.

Il credo della casa editrice "semplice ma sofisticato" si riflette, ad esempio, nel musical per bambini di successo internazionale Tuishi Pamojache può essere visto più di 120 volte all'anno sui palcoscenici di tutto il mondo. In totale, i musical scolastici Fidula vengono rappresentati oltre 1000 volte all'anno, con più di 25.000 bambini che cantano, recitano e si portano via un ricordo indimenticabile. I brani corrispondono alla gamma vocale sana dei bambini e vengono testati prima della pubblicazione.

Da quasi 50 anni, la casa editrice pubblica la rivista trimestrale pratica musicale con contributi per tutti coloro che vogliono incorporare attivamente la musica nel loro lavoro con i bambini. La conferenza annuale Fidula offre agli insegnanti di musica un'ulteriore formazione e nuove idee.

L'editrice Katharina Holzmeister, nipote del fondatore della casa editrice, è una sostenitrice delle giovani imprenditrici e della compatibilità tra carriera e famiglia. È anche presidente del gruppo di lavoro "Piccoli editori musicali" dell'Associazione tedesca degli editori musicali.

Fidula - Editore specializzato in educazione musicale, musica corale e musical

Da oltre 160 anni, il catalogo Köchel offre una visione precisa delle opere di Wolfgang Amadé Mozart. La prima edizione di questo catalogo delle opere fu pubblicata da Ludwig Ritter von Köchel presso Breitkopf & Härtel nel 1862. Al fine di riflettere la rapida crescita della conoscenza dell'opera di Mozart, sono state successivamente pubblicate diverse nuove edizioni.

Originariamente, il catalogo Köchel conteneva 626 opere disposte cronologicamente. Fin dall'inizio, il catalogo è stato integrato e ampliato da varie appendici. Nuovi approfondimenti sulla cronologia delle opere autentiche si sono riflessi in nuovi numeri di opere nelle edizioni successive del 1905, 1937 e 1964. La costruzione numerica risultante, con innumerevoli riferimenti incrociati, divenne sempre più complicata.

626 "vecchi" e più di 90 "nuovi" numeri

Una decisione fondamentale della nuova edizione è stata quella di semplificare la numerazione. La confusa numerazione multipla è stata cancellata. 95 composizioni che non avevano ricevuto una propria voce in nessuna delle edizioni precedenti sono ora numerate a partire da KV 627. Una panoramica tematica per gruppi di lavoro, una concordanza e una panoramica cronologica facilitano l'accesso. Le nuove appendici forniscono una panoramica degli arrangiamenti di Mozart di altre opere, delle cadenze per le proprie opere e per quelle di altri, nonché degli studi, del materiale didattico e di tutte le altre note musicali.

Scoperti nuovi pezzi di Mozart

Durante il lavoro sulla nuova edizione sono state scoperte anche nuove opere. A partire dall'Anno mozartiano 2006, sono stati ritrovati per la prima volta o identificati come opere del giovane Mozart diversi brani per pianoforte. Tra questi, il primo movimento del concerto di Mozart, che è elencato senza nome dell'autore nel cosiddetto Nannerl-Notenbuch, il libro per pianoforte della sorella Maria Anna, e che ora è registrato come K. 636. Inoltre, un Serenata ex C della biblioteca musicale delle Biblioteche municipali di Lipsia può essere verificato come opera giovanile di Mozart.

Elenco delle faretre online

In concomitanza con il lancio del catalogo cartaceo di Breitkopf & Härtel, la Fondazione Mozarteum presenta la prima fase di un nuovo servizio digitale che consente un accesso facile e gratuito alle opere di Mozart e al nuovo catalogo Köchel: Köchel digitale

Ludwig Ritter von Köchel: Catalogo Köchel (KV). Catalogo tematico delle opere musicali di W. A. Mozart, a cura di Neal Zaslaw, commissionato dalla Fondazione Internazionale Mozarteum, presentato da Ulrich Leisinger, BV 300, 1.392 pagine; prezzo di lancio fino al 31 dicembre 2024: € 459,00, successivamente € 499,00, Breitkopf & Härtel, Wiesbaden 2024, ISBN 978-3-7651-0300-1

Podcast di Breitkopf & Härtel sul nuovo catalogo Köchel

La sua musica per il lungometraggio Nel paese dei santi e dei peccatori (diretto da Robert Lorenz, con Liam Neeson) è un omaggio all'Irlanda, alla musica western e all'orchestrazione romantica. Gioca con i codici tipici di un western e incorpora strumenti tradizionali irlandesi. Un'orchestra sinfonica e un coro creano una misteriosa atmosfera anni '70. Un elemento importante e riconoscibile è l'armonica, suonata da "Pfuri" Baldenweg.

Il film è stato presentato in anteprima mondiale a Venezia lo scorso autunno. All'inizio dell'anno, i fratelli sono stati nominati per la categoria "Score of the Year" ai Movie Music UK Awards. Ai World Soundtrack Awards, considerati il "fratello minore degli Oscar", la musica è ora nominata nell'ambita categoria "Scoperta dell'anno" e nella categoria "Scelta del pubblico", insieme a concorrenti come Hans Zimmer (Dune 2), Anthony Willis (Saltburn) e Jerskin Fendrix (Povere cose), nominato.

Il comitato consultivo della World Soundtrack Academy, composto da importanti agenti di musica da film, pubblicisti e dirigenti di studio internazionali, seleziona ogni anno cinque compositori come "Scoperta dell'anno". I Baldenweg sono stati i primi compositori svizzeri a partecipare a questa selezione.

La selezione delle migliori colonne sonore per la categoria "Public Choice" è co-determinata dall'International Film Music Critics Association (IFMCA), votata a livello globale dai fan e dagli amanti della musica da film. Anche loro sono entrati nella rosa dei cinque nominati.

Il film è stato presentato al Festival di Zurigo nel 2023 ed è disponibile su varie piattaforme di streaming. Le musiche del film sono state pubblicate in digitale nell'aprile 2024 (Sony Music Masterworks). Il CD fisico uscirà il 1° ottobre (Caldera Records).

Clip su You-Tube sulla creazione delle musiche del film

L'Università per la formazione degli insegnanti della Svizzera nordoccidentale (PH FHNW) intende ridurre il numero di lezioni strumentali per i futuri insegnanti da 1.021 a 615 equivalenti a tempo pieno a partire dal semestre autunnale del 2025. Le lezioni in tandem prenderanno il posto delle lezioni individuali, molto apprezzate dagli studenti. Ciò ridurrà ulteriormente il già limitato tempo di formazione nella materia musicale.

Gli insegnanti hanno bisogno di una solida formazione per poter offrire lezioni di musica di alta qualità nella scuola materna ed elementare, come previsto dall'articolo 67a della Costituzione federale. Tuttavia, molti futuri insegnanti hanno ricevuto solo lezioni di musica inadeguate e, in alcuni casi, nessuna lezione di musica alla scuola secondaria superiore e al ginnasio. La differenziazione delle lezioni di musica al PH è quindi essenziale per soddisfare le esigenze e i bisogni individuali degli studenti. Tuttavia, i tagli previsti comprometteranno proprio questo aspetto.

In una petizione, il VPOD Argovia/Soletta chiede ai responsabili politici dei cantoni di Basilea Città, Basilea Campagna, Soletta e Argovia, nonché alla direzione della PH FHNW, di revocare queste misure di riduzione dei costi e di rendere nuovamente disponibili tutte le risorse finanziarie:

vpod.ch/campa/petizione-lezioni-strumentali/

Nel XIX secolo, il pittore paesaggista Alexandre Calame descrisse la zona di Brunnen, nel cantone di Svitto, e la vista sul lago di Uri come "Le plus beau pays du monde". E questo ricorda il detto del violinista tedesco Wolfgang Schneiderhan su Dreilinden a Lucerna: "Il posto più bello mai dato a un conservatorio". Musica e paesaggio sembrano interagire, sia a Brunnen che a Lucerna. Tuttavia, Othmar Schoeck non ha mai studiato a Lucerna - il conservatorio è stato fondato solo nel 1952 - ma a Zurigo e Lipsia (con Max Reger).

Suo padre, il pittore Alfred Schoeck, anch'egli figlio di un ricco commerciante di seta di Basilea, visitò Brunnen nel 1870, vi sposò la figlia dell'albergatore Agathe Fassbind e si fece costruire uno studio e una casa sul "Gütsch" con il significativo nome di "Villa Ruhheim". Con Agathe ebbe quattro figli: Paul (architetto e drammaturgo), Ralph (professore di ingegneria meccanica e ufficiale), Walter (albergatore a Brunnen e talentuoso violoncellista dilettante) e il compositore e direttore d'orchestra Othmar (1886-1957), il piccolo della famiglia.

Othmar e i suoi fratelli: "quattro elementi".

Il regista teatrale Alvaro Schoeck - pronipote del già citato Alfred - e il musicologo Chris Walton, autore di una tesi di laurea su Othmar Schoeck, hanno pubblicato un libro di accompagnamento per il quinto Festival Othmar Schoeck di Brunnen, in programma dall'inizio di settembre 2023, che fa luce sugli aspetti familiari degli Schoeck e fornisce quindi informazioni sull'ambiente e sulla casa di Othmar. Si va dalle note spiritose della tata, che si riferisce ai figli degli Schoeck come "i quattro elementi", al who's who di Brunnen e Ingenbohl del 1900, con il titolo Othmar è qui! da Katrin Spelinova al frammento di novella Di notte con i fratelli Schoeck dello scrittore svittese Meinrad Inglin del 1968.

I suggestivi paesaggi dipinti a olio sulla copertina e nel libro sono tutti di Alfred Schoeck e sono completati da molte foto contemporanee in bianco e nero della famiglia Schoeck.

Il più bel paese del mondo? L'ambiente di Othmar Schoeck nella Svizzera centrale, libro che accompagna il Festival Othmar Schoeck 2023, a cura di Alvaro Schoeck e Chris Walton, 180 p., Fr. 20.00 (+ spese postali), Müsigricht, Steinen 2023, ISBN 978-3-9525658-2-7

Quelli erano tempi. Raramente questa frase è stata più appropriata che per il mondo che prende vita leggendo l'antologia curata da Mathias Gredig, Matthias Schmidt e Cordula Seger sulla storia delle orchestre da salotto nelle Alpi. Nel corso del primo boom del turismo e dei centri benessere, a partire dagli anni Sessanta dell'Ottocento, le formazioni musicali - dai trii di pianoforti alle grandi orchestre da camera - furono ingaggiate in innumerevoli alberghi per intrattenere gli ospiti internazionali durante i loro costosi soggiorni nelle Alpi. Questo capitolo della storia musicale locale, altrettanto avventuroso e divertente, è stato scoperto dai ricercatori musicali solo negli ultimi anni.

Questo volume esamina l'argomento da diverse prospettive in 14 brevi saggi: L'arco è costituito dall'esame dei documenti d'archivio degli alberghi engadinesi Val Sinestra e Maloja Palace; nel mezzo si trovano testi sulla storia dell'emigrazione (ad esempio sui musicisti itineranti), trattati di teoria musicale sugli arrangiamenti d'opera, critica turistica, brevi biografie, relazioni di progetto su arrangiamenti di orchestre da salotto di nuova stesura, nonché discussioni tra esperti con un alto valore di intrattenimento. Nella maggior parte dei casi, due saggi sono disposti in piccoli blocchi, in modo da non lasciare quasi mai spazio alla lettura.

I capitoli sono scritti in modo vivace, la varietà delle fonti e delle illustrazioni e la marcata narratività rendono i testi accattivanti e fedeli alla realtà. La struttura antologica complessiva è arricchita da figure di spicco come Fräulein Schubert o Cesare Galli, che compaiono nel corso dei capitoli e assemblano così gradualmente il contenuto in un'impressione complessiva - seppur molto frammentaria. Dal punto di vista geografico, l'escursione in Alto Adige è un po' fuori luogo, poiché i restanti contributi sono quasi esclusivamente ambientati in Engadina. I numerosi esempi concreti di musica sono un vantaggio, da cui si può ricavare una bella playlist del libro.

Il volume vale sicuramente la pena di essere letto. Combina con successo informazione e intrattenimento, rendendo così giustizia all'argomento trattato.

Salonorchester in den Alpen, a cura di Mathias Gredig, Matthias Schmidt, Cordula Seger, 232 p., Fr. 38.00, Chronos, Zurigo 2024, ISBN 978-3-0340-1733-6

I concerti per clavicembalo di Johann Sebastian Bach sono famosi e possono essere suonati bene anche senza l'accompagnamento degli archi. Inoltre, sono tutti arrangiamenti di concerti conosciuti anche con altri strumenti solisti: il Concerto in re maggiore è più noto come Concerto per violino in mi maggiore.

La nuova edizione della partitura di studio e della riduzione per pianoforte non si basa, nel testo musicale e nella prefazione, sulla partitura autografa di Bach, ma sul suo facsimile, curato da Christoph Wolff (Bärenreiter), che a sua volta si basa, in modo più o meno esplicito, sulle precedenti ricerche di Werner Breig (Bärenreiter), che aveva curato i concerti nella New Bach Edition (Bärenreiter). Anche i curatori della nuova edizione Henle devono ammettere nelle "Osservazioni" - in modo piuttosto nascosto - che in realtà devono le loro conoscenze a Breig.

La loro lettura si differenzia dalle edizioni precedenti soprattutto per la pretesa di essere più precisi dei loro predecessori con la notazione flippante delle legature di Bach, ma tuttavia devono ammettere di non sapere esattamente come fare. Considerando l'uso sommario e incoerente che Bach fa delle legature, non possono fare nemmeno questo. Pertanto, come interprete, è sufficiente sapere che le legature lanciate in modo non sistematico qui illustrano solo un raggruppamento che è già insito nella notazione in fasci di quattro, e che le differenze tra gli intervalli al tempo di Bach determinavano in ultima analisi la loro articolazione - basandosi vagamente su Leopold Mozart (1756, 4° pezzo principale, § 29): Gli intervalli piccoli devono essere generalmente legati. Più sono grandi, più devono essere "eseguiti separatamente". Sono importanti le differenziazioni fini, la "piacevole alternanza".

Johann Sebastian Bach: Concerto per clavicembalo n. 3 in re maggiore BWV 1054, a cura di Maren Minuth e Norbert Müllemann; riduzione per pianoforte di Johannes Umbreit: HN 1382, € 17,50; partitura di studio: HN 7382, € 11,50; G. Henle, Monaco di Baviera

"La pratica è un grande, eterno e fantasioso parco giochi". Sì, l'insegnante di musica Christoph Richter ha ragione. Esercitarsi con il proprio strumento o la propria voce è un processo infinito, a volte difficile. La continuità è particolarmente importante. Ma è più facile a dirsi che a farsi: la gestione del tempo è un problema per gli adulti. Per i bambini è importante mantenere la gioia di suonare, in modo che non entrino in sala prove solo dopo le ammonizioni dei genitori.

Corina Nastoll presenta nel numero speciale della rivista esercitarsi e fare musica una panoramica completa. Fornisce suggerimenti molto specifici per l'organizzazione di lezioni strumentali o di canto. Vengono presentati bellissimi esercizi di riscaldamento e vari stimoli per la motivazione intrinseca. E non dimenticate: Anche l'allievo che non ha avuto modo di esercitarsi può imparare durante le lezioni. Improvvisare qualcosa, ad esempio ritmare una semplice melodia o esercitarsi nella lettura a vista. In questo modo, i 40-60 minuti non solo si esauriscono rapidamente, ma vengono anche sfruttati al meglio.

La pratica è d'obbligo! è divertente. E questo anche perché la Nastoll non è una che si arrende. Come insegnante di musica di formazione, conosce i più grandi errori del passato. Al desiderio obsoleto di perfezione risponde con una cultura dell'errore, alle fissazioni stilistiche esagerate con un insegnamento flessibile e infine, cosa probabilmente più importante, sostiene l'autodeterminazione dello studente: dove voglio andare? Quale pezzo mi piace? Quanto tempo voglio impiegare? Cosa ne penso dell'ultima lezione?

Il libretto, di facile lettura e dal bel design, è certamente di grande utilità per gli insegnanti di strumento. Ma anche i genitori o gli allievi dovrebbero prendersi il tempo di leggere le 44 pagine in due serate. In ogni caso, dopo la lettura viene voglia di sedersi di nuovo al pianoforte per provare alcune cose. Per esempio, l'esercizio chiamato "gufo", che scioglie e fa scorrere il sangue già prima della sessione di pratica. Oppure l'alternanza degli esercizi per evitare la monotonia: imparare due battute a memoria, poi suonare un accordo libero, e magari continuare a lavorare sul pezzo forte alla fine.

Con tutti i consigli e gli esercizi gioiosamente descritti, Nastoll riesce en passant a creare la consapevolezza dei vantaggi del fare e praticare musica. Peter Röbke lo riassume in modo impressionante alla fine del libretto. Secondo il meritevole insegnante di musica, dall'apprendimento efficace otteniamo quanto segue: "Momenti di felicità, essere immersi nel suono e ascoltare davvero, dialogo e devozione, essere assorbiti nel suonare dimenticando se stessi, svolta emotiva e creazione, incarnazione ed essere fisico, esperienze quasi spirituali, come dire, trasformazioni". Sì, se questi non sono argomenti!

Corina Nastoll: Esercitarsi è facile! Esercitarsi in modo efficiente e con gioia, 44 p., € 18,50, Schott, Mainz 2023, ISBN 978-3-7957-3094-9

Qui Johann Nepomuk Hummel, là Franz Schubert. I due compositori sono contemporanei, ma stilisticamente distanti. Hummel, ex allievo di Mozart, scrisse in un elegante stile post-classico, condito da un virtuosismo che era in voga nelle sale da concerto e nei salotti musicali viennesi intorno al 1800. La musica di Schubert è relativamente più sottile ed enigmatica, e anche armonicamente più ricca. Ascolto del CD La Contemplazione del pianista spagnolo Eloy Orzaiz, è facile capire perché Schubert sia stato il precursore o il pioniere del XIX secolo.

Orzaiz è specializzato nella prassi esecutiva storica e si è formato, tra l'altro, presso la Schola cantorum di Basilea. Suona le opere pianistiche di Hummel e Schubert su un fortepiano proveniente dalla bottega di Conrad Graf, un costruttore di pianoforti molto popolare a Vienna. Il suono è molto più sottile e delicato di quello di un moderno pianoforte a coda. Orzaiz riesce a ottenere dallo strumento, costruito nel 1826 o 1827, ricchi colori tonali che si sarebbero sviluppati ancora di più se non avesse sforzato così tanto i tempi. Nell'opera di Hummel Grande Sonata Brillante op. 106, enfatizza troppo gli aspetti virtuosistici. Ed è proprio all'enigmatica opera tarda di Schubert che appartengono i lavori qui registrati. Tre pezzi per pianoforte D 946, il tempo è un punto nevralgico. Il primo pezzo per pianoforte in mi bemolle minore sembra un po' affrettato. E nel secondo, in mi bemolle maggiore, la musica manca di un leggero slancio e quindi anche della variazione di tempo.

Ciononostante, questo CD dal design accattivante è un piacere da ascoltare con la sua musica variegata e anche con le sue qualità storiche, che permettono di immergersi direttamente nel "suono viennese" degli anni Venti dell'Ottocento.

La Contemplazione. Hummel, Schubert. Eloy Orzaiz, Fortepiano Graf. lbs classical 182023

Un gioiello della letteratura arpistica sono le Danses (con le due parti "Danse sacrée" e "Danse profane") di Claude Debussy per arpa e orchestra d'archi. I colori, le sfumature e le dinamiche uniche create dalla fusione di corde pizzicate e ad arco sono insuperabili.

L'opera fu commissionata dalla ditta Pleyel nel 1903 per la sua arpa cromatica costruita all'epoca. L'idea - in concorrenza con la meccanica in costante espansione dell'arpa a doppio pedale Erard - nacque dal crescente cromatismo della musica dell'epoca, che rendeva il lavoro sui pedali sempre più esteso e difficile da eseguire. Pleyel cercò di risolvere il problema costruendo un'arpa a corde incrociate (file di corde diatoniche e cromatiche) e di pubblicizzare questo strumento commissionando opere a compositori famosi. Le strategie pubblicitarie si spinsero fino alla creazione di un corso di arpa cromatica presso il Conservatorio di Bruxelles intorno al 1900 e successivamente a Parigi.

Debussy accettò la commissione, ma passò un altro anno prima che la questione si concretizzasse. I fattori decisivi furono probabilmente l'insistenza del committente e la concorrenza del Rivista musicale. Debussy presiedeva la giuria. Una delle opere nominate era del compositore Lacerda. Portava il titolo Danse du voile come parte di una suite di Danses sacrées.

A metà maggio 1904 l'opera di Debussy Danses poi terminato. Egli aveva avuto qualche difficoltà con lo strumento e con l'intera composizione, come si apprende dalle sue lettere. La prima esecuzione ebbe luogo a Parigi nel novembre 1904, lodata dal pubblico, ma accolta piuttosto criticamente dalla critica, soprattutto da Fauré, per il quale l'opera "...non rivelava nulla del talento proprio del signor Debusy che non fosse già noto".

L'arpa a pedali diventa standard

L'arpa cromatica, anche a causa del suo suono più sottile e secco, non riuscì ad affermarsi. Già nella ristampa della Danses Nel 1910 fu aggiunta l'espressione "arpa cromatica o a pedali". Henriette Renié, virtuosa dell'arpa e compositrice, eseguì l'opera quell'anno sull'arpa a doppio pedale, il che era giusto per Debussy, poiché questo strumento aveva più sonorità e possibilità espressive. Quando nel 1915 compose la Sonata per flauto, viola e arpa, l'arpa cromatica non era quasi più in uso. Il Danses è stata una delle opere più eseguite di Debussy durante la sua vita.

La nuova edizione Henle, curata da Peter Jost, sarà certamente in grado di sostituire la prima edizione di Durand sotto molti aspetti. La parte per arpa cromatica annotata può essere trasferita direttamente alla moderna arpa a doppio pedale, la leggibilità è esemplare e molti errori di stampa di vecchia data sono stati corretti. La prefazione (dt/fr/it) riassume bene come è nato questo lavoro e il significato dell'arpa cromatica. Le note (dt/fr/it) sono molto dettagliate e informative.

Ho la partitura di studio; è disponibile anche una riduzione per pianoforte (HN 1584). È piacevole che la parte dell'arpa sia priva di suggerimenti per la diteggiatura o il pedale, poiché questi sono realizzati individualmente dagli arpisti.

Claude Debussy: Danses, per arpa e orchestra sinfonica, a cura di Peter Jost, partitura di studio, HN 7584, € 11,50, G. Henle, Monaco di Baviera

Il 21 aprile 1914, al Teatro Dal Verme di Milano, furono presentati gli avveniristici Intonarumori. Tuttavia, queste macchine sonore di Luigi Russolo riscuotono scarsa simpatia da parte del pubblico. Il secondo pezzo, Si pranza sulla terrazza del Kursaalche, dal titolo, è una scena piuttosto idilliaca, portò a una tumultuosa sommossa. Anche l'Italia ha avuto il suo scandalo, ma è rimasto molto meno conosciuto di quello di Stravinskij. Sacro o al Watschenkonzert di Vienna del 1913 - sì, ha qualcosa di pittoresco.

L'argomento è stato una scelta naturale per un musicologo che ha scritto la sua tesi di dottorato sulla musica degli animali e che da tempo si occupa dell'ambiente musicale degli hotel e dei centri benessere: Mathias Gredig. Partendo da questo scandalo, egli esplora il contesto contrastante in cui il Futurismo deve essere inteso, non solo come un'arte che si spinge oltre i confini, ma anche come un'arte che si considera parte della tradizione. Russolo, ad esempio, si oppose con veemenza all'idea che i suoi suoni dovessero essere intesi in modo naturalistico. Il critico Agostino Cameroni ha ricevuto uno schiaffo per questo.

In diciassette capitoli, Gredig riesce a classificare l'opera di Russolo tra gli estremi, tra una tranquilla hall d'albergo e l'entusiasmo bellico di Marinetti, il fondatore del Futurismo, tra una piacevole sonorità e un'orgia di rumore, tra l'isolamento e la provocazione. Il radicalismo di Russolo forse non era poi così radicale, ma anche una biografia, come non era del tutto insolito all'epoca.

Per apprezzare appieno questo piccolo libro bisogna amare l'arte della digressione. A Gredig piace divagare, ad esempio sulla cottura del risotto o sul lancio di bombe. A volte si lascia andare a speculazioni, altre volte è un po' frettoloso e si vorrebbe qualche spiegazione in più, altre ancora è un po' troppo disinvolto, ad esempio quando scrive di musicisti uccisi e finiti in una bara. Un'ironia di fondo si avverte quasi ovunque, ad esempio nei confronti di Toscanini, inizialmente non così antifascista.

Alla fine c'è un idillio distrutto: gli strumenti musicali in frantumi dell'Hotel Kursaal Diana di Milano dopo l'esplosione del 23 marzo 1921.

Mathias Gredig: Grandhotels, Risotto und Bomben, Geschichte der futuristischen Geräuschkunst, Fröhliche Wissenschaft 232, 173 p., € 15,00, Matthes & Seitz, Berlino 2024, ISBN 978-3-7518-3012-6

Negli ultimi anni, la casa editrice Bärenreiter ha dedicato grande attenzione anche al repertorio pianistico francese. Sono apparse in rapida successione numerose nuove edizioni di opere di Debussy, Ravel, Satie, Fauré, Chabrier, Vierne e Camille Saint-Saëns. Di quest'ultimo sono state pubblicate recentemente anche le due raccolte di studi op. 52 e op. 111.

Ogni libretto comprende sei numeri completamente diversi, il che forse rimanda al modello di Bach, che amava raggruppare le sue suite in serie di sei. Tuttavia, con il numero totale di dodici, Saint-Saëns avrebbe potuto orientarsi anche sugli Studi op. 10 o op. 25 di Chopin.

In ogni caso, alcuni compiti pianistici ricordano Chopin. Nell'op. 111 ci sono due studi che trattano ampiamente le terze (diatoniche e cromatiche, grandi e piccole, destra e sinistra). Anche gli arpeggi, le scale cromatiche e i doppi stop di vario tipo sono onnipresenti.

Ma anche Bach viene onorato. Dopo tutto, tre numeri portano il titolo di "Prélude et fugue". L'allenamento alla polifonia era ovviamente centrale anche per il virtuoso del pianoforte Saint-Saëns.

L'étude conclusivo di ogni volume è un po' più esteso e combina varie formule esecutive in un pezzo da concerto più lungo. Nell'op. 52 si tratta di un valzer brillante, mentre l'op. 111 si conclude con una toccata basata sul finale del Quinto Concerto per pianoforte e orchestra (la cosiddetta "egiziana").

Le due raccolte di studi sono raramente o mai ascoltate sui palcoscenici dei concerti. Le ragioni sono probabilmente da ricercare in questa situazione. Con l'eccezione dei due numeri finali sopra citati, i brani non sono davvero musicalmente accattivanti nella loro lunghezza. L'attenzione è troppo concentrata sull'aspetto puramente pianistico. Anche le fughe non convincono per il loro tono accademico. Come materiale di esercitazione per alcune sfide tecniche, tuttavia, gli studi di Saint-Saëns sono un ricco tesoro. Soprattutto il n. 2 del primo volume (Per l'indipendenza delle dita dei piedi) offre compiti originali e difficili ...

In questo contesto vanno menzionati anche i suoi Etudes op. 135, che riguardano esclusivamente la mano sinistra. L'editore Catherine Massip ha scritto introduzioni dettagliate e leggibili a tutte e tre le raccolte. Esse trattano la storia della composizione, i dedicatari, l'interpretazione e la ricezione delle opere.

Tuttavia, se volete avvicinarvi al compositore Saint-Saëns dal punto di vista musicale, dovreste forse dare un'occhiata più da vicino alla sua musica da camera.
Il suo Violino. e le sonate per violoncello, ma soprattutto i due trii per pianoforte op. 18 e op. 92, veri e propri capolavori ancora poco apprezzati dalle nostre parti.

Camille Saint-Saens: Six Etudes pour piano, Premier livre op. 52, a cura di Catherine Massip, BA 11854, € 21,95, Bärenreiter, Kassel

Id.: Deuxième livre op. 111, BA 11855

Le ultime sonate per violino di Camille Saint-Saëns sono entrate nel repertorio dei migliori musicisti subito dopo la loro composizione. La prima, scritta nel 1895 e presentata per la prima volta dal compositore con il violinista Otto Peiniger in Inghilterra nello stesso anno, è straordinariamente virtuosistica. È stato ovviamente creato per la sala da concerto, ha molti momenti sognanti ed è leggero con i suoi quattro movimenti variegati.

La seconda sonata, scritta nel 1896 durante un lungo viaggio in Egitto, è più profonda ed è adatta come musica da camera. Saint-Saëns la eseguì per la prima volta insieme all'amico Pablo de Sarasate in occasione del suo cinquantesimo anniversario di palcoscenico alla Salle Pleyel. (Vi si era esibito per la prima volta nel 1846, all'età di 10 anni).

Entrambe le sonate si basano ancora sulla tradizionale forma in quattro movimenti e lo schema classico si può sentire chiaramente anche all'interno dei movimenti, sebbene qui sia ampliato in modo fantasioso. Dal punto di vista armonico, colpiscono le audaci modulazioni, che si manifestano nella musica con molti cambi di accidenti. Dal punto di vista ritmico, Saint-Saëns ama ispirarsi agli antichi metri del parlato e il dialogo tra le due parti è alternativamente canoro e frizzante.

Ecco una breve descrizione della seconda sonata: il tema principale maschile punteggiato è seguito da un controtema femminile ondeggiante e da un tema finale sospirato e poi ribelle. Nella breve sezione di sviluppo, Saint-Saëns intreccia i tre temi e li costruisce virtuosisticamente fino a un climax da cui tuona la ricapitolazione, le cui nuove sorprese conducono a una brillante coda. L'arguto scherzo sincopato ha un tranquillo trio fugato bachiano. L'Andante in tre parti con il suo canto mistico allungato, accompagnato da un raffinato accompagnamento melismatico, si scioglie con una sezione centrale di 3/8 allegretto. Un grazioso rondò finale inizia in modo innocuo, si sviluppa fino a richiami ascendenti di uccelli, che chiudono allegramente la sonata, e richiama un motivo del primo movimento nella sezione centrale.

L'ampio apparato di note è completamente libero da aggiunte editoriali ed è facile da consultare. Le prefazioni dei curatori (francese, inglese, tedesco), da cui ho tratto le informazioni, sono preziose in quanto citano molte lettere di Saint-Saëns, che contengono anche consigli per gli esecutori.

Camille Saint-Saëns: Sonata n. 1 per violino e pianoforte in re minore op. 75, a cura di Fabien Guilloux e François de Médicis, BA 10957, € 31,95, Bärenreiter, Kassel

Id.: Sonata n. 2 in mi bemolle maggiore op. 102, BA 10958, € 28,95

Luzia von Wyl, nata nel 1985, ha studiato pianoforte e composizione a Zurigo, Berna e nella sua città natale, Lucerna, e preferisce mettere in scena da sola i suoi progetti. L'artista è particolarmente legata alla cosiddetta Terza Via, uno stile che combina il jazz con la nuova musica.

Già il suo debutto Gelo (2014) è stato pubblicato insieme alla sua formazione, il Luzia-von-Wyl-Ensemble. Da allora si sono aggiunti altri album, il più recente 2024 Frakmont. Il titolo allude al nome popolare di Pilatus. I sette brani sono stati registrati nel 2021, nel bel mezzo della pandemia di coronavirus. Il lavoro è stato pubblicato dall'etichetta LU-Records, fondata di recente dalla von Wyl, che garantisce alla musicista, che vive tra Lucerna e New York, il controllo artistico e le permette di pubblicare sia registrazioni che partiture.

Impegnativo e impressionante

Fin dalla prima traccia, TuonoIl suo talento per il ritmo, i tempi dispari e l'emotività traspaiono: Ciò che inizia con alcuni jingle che sembrano spezzoni di un telegiornale, prende rapidamente velocità e segue percorsi a più livelli - dal tuono dell'orchestra e dai sognanti passaggi di pianoforte al furioso finale con la batteria di Lionel Friedli.

Ulteriori composizioni come Mulinoin cui archi, fisarmonica e marimba si sentono a vicenda con attenzione, o il capriccioso Ronkche combina ritmi rock incalzanti con intermezzi pianistici di forma libera, conduce l'ascoltatore in un viaggio nel blu, attraversando paesaggi sonori mutevoli. È un'opera impegnativa e impressionante allo stesso tempo.

L'elemento unificante sono i ritmi, sempre accattivanti, innovativi e che potrebbero essere utilizzati anche per una sceneggiatura cinematografica ambientata in montagna. Frakmont è un'esperienza di ascolto estremamente dinamica che testimonia l'inestinguibile curiosità di Luzia von Wyl e mostra la sua ininterrotta passione.

Luzia von Wyl Ensemble: Frakmont. Luzia von Wyl, composizioni e pianoforte; Gary Versace, fisarmonica; Amin Mokdad, flauto; Nocola Katz, clarinetto; Marcel Lüscher, clarinetto basso; Maurus Conte, trombone; Vincent Millioud, violino; Karolina Öhman, violoncello; Christoph Utzinger, contrabbasso; Fabian Ziegler, marimba e saetta; Lionel Friedli, percussioni. Etichetta LU LU01