Die meisten dieser Einrichtungen folgen unter der Federführung der Herzog August Bibliothek Wolfenbüttel einem Masterplan zur Gesamtdigitalisierung der Drucke des 17. Jahrhunderts. Er sorgt dafür, dass flächendeckend und ausgewogen digitalisiert wird, dass Doppeldigitalisierungen vermieden werden und dass alle teilnehmenden Einrichtungen je nach Leistungsfähigkeit und Bestandsumfang Titel beitragen können.

Die Transformation der in deutschen Bibliotheken aufbewahrten Drucke in digitale Form schaffe die Grundlage für neue Forschungsfragen, schreiben die Verantwortlichen. Die systematische Digitalisierung der schriftlichen Quellen sei eine zentrale Voraussetzung nicht nur für den ungehinderten Zugang zu Werken der kulturellen Überlieferung für jedermann, sondern auch für die Weiterentwicklung der Digital Humanities beziehungsweise der digitalen Geisteswissenschaften.

Mehr Infos: www.vd17.de

Wer auf Reisen geht, orientiert sich oft an einem Fahrplan, muss aber immer wieder improvisieren können und sich auf Neues einlassen. – Und genau dies ist das Anliegen von Andreas Hirche in Ein Klavier geht auf Reisen, erschienen bei Breitkopf Pädagogik. Die sorgfältig ausgesuchten Beispiele sind mit Schwierigkeitsgraden versehen und geben dem Spieler eine Art Fahrplan zu vielen kleinen Improvisier-Inseln, auf denen es dann zu verweilen gilt. Die Auswahl richtet sich an alle, die sich angesprochen fühlen von Weltmusik und die offen sind, Neues zu entdecken und auszuprobieren. Ob eher meditativ in sich gekehrt wie in der japanischen Musik oder lebhaft und extravertiert wie in der Musik des Balkans oder Südamerikas, für jeden Geschmack gibt es etwas zu finden.

Der Autor versteht das Heft als eine Art Klavierschule und gibt mit diesem Ansinnen eine Fülle von sehr hilfreichen Hinweisen. Einerseits Hintergrundwissen zu den verschiedenen Stilen, aber auch spieltechnische Hilfen und Überlegungen zu Aspekten wie «Balance zwischen Üben und Spielen», «Flow», ,«Technik» oder «Problem mit der Unabhängigkeit». Darüber hinaus findet man im Anhang ein ausführliches Glossar der wichtigen Fachbegriffe, und eine beigelegte CD gibt die Möglichkeit, die Stücke zu hören und zu Play-alongs im mp3-Format das Improvisieren zu üben.

Andreas Hirche, Ein Klavier geht auf Reisen. Weltmusik, Rhythmus, Improvisation, EB 8819, mit CD, € 24.90, Breitkopf & Härtel, Wiesbaden 2014

Neue Vermarktungswege, insbesondere im Online-Bereich, spielten eine immer wichtigere Rolle, schreiben die Verantwortlichen. Die Qualität sei entscheidend, aber Marketing- und Vertriebsinstrumente aus der kommerziellen Wirtschaft müssten auch beim klassischen Konzert angewendet werden. Als exemplarisch wurde die erfolgreiche Marketingstrategie des Konzerthauses Dortmund und seines Intendanten Benedikt Stampa gezeigt. Ihm zufolge könne der Anteil von 3 Prozent aller Haushalte, die sich aktiv am Konzertleben in Deutschland beteiligen, durch entsprechende Veränderungen um das Doppelte gesteigert werden.

Dieter Haselbach, Professor am Zentrum für Kulturforschung in Berlin und Mitautor des Buches «Der Kulturinfarkt», stellte die behauptete Marktverdoppelung in Frage. Die Generation Pop gehe den Konzerthäusern verloren, auch durch entsprechende Marketing-Massnahmen und Emotionalisierungsstrategien könne dieser Verlust nicht aufgefangen werden. Er fordert eine entsprechende planvolle Gestaltung des Orchesterrückbaus.

Als Beispiel aus der Praxis für neue Vermarktungswege in Hinblick auf ein optimales Kundenbindungsmanagement gaben Experten für Software-Lösungen fundierte Einblicke in ihre Verkaufssysteme: Lutz Rosteck von der Firma eventim.Inhouse aus Hamburg, europäischer Marktführer im Vertrieb für Eintrittskarten, setzt einen besonderen Fokus auf eine erfolgreiche Besucherbindung. Sebastian Preuss berichtete über das Vertriebssystem der ROC GmbH, die bereits 90 Prozent des Publikums über den Onlineverkauf erreicht.

Mehr Infos: www.deutscher-orchestertag.de
 

Es sind rare Ereignisse, wenn Orchesterwerke von Schweizer Komponisten angekündigt werden, zu sehr hängt diesen der Geruch des Epigonentums, des Romantischen und Klassizistischen zur Unzeit, nach. Beheben kann diesen «Makel» die Einspielung von Werken Othmar Schoecks, Ernst Widmers und Adolf Brunners nicht, die das Royal Scottish National Orchestra unter Leitung des Schweizer Dirigenten Rainer Held bei Guild vorlegt. Aber ein Hörvergnügen ist sie trotzdem.

Was man bei Schoeck (1886–1957) zu erwarten hat, weiss man schon vor dem Anhören des Festlichen Hymnus op. 64 und der Ouvertüre zu William Ratcliff op. 29, die als Weltersteinspielungen präsentiert werden. Die 1950 und 1908 entstandenen Werke leben von einem spätromantischen Duktus, von zum Teil geradezu «süffigen» Momenten, pathetischen Gesten und einer Behandlung des Orchesters, die – besonders bei der Ouvertüre – stark an Liszt orientiert ist. Trotzdem, hörenswert ist das allemal, vor allem auch weil die Interpreten engagiert für diese Musik einstehen.

Rainer Held, der sich als Orchester- wie Chordirigent einen Namen gemacht hat, scheint geradezu prädestiniert für diese Musik voller Dramatik und hymnischer Melodik. Im Gegensatz dazu ist das Concerto für Piano, Percussion und Orchester op. 160 des nach Brasilien ausgewanderten Ernst Widmer (1927-1990) stark rhythmisch aufgeladen. Das Werk wurde 1988 in Zürich durch Emmy Henz-Diémand am Flügel und Michel Tabachnik uraufgeführt. In der vorliegenden Einspielung hat es allerdings nicht den Drive von damals. Das mag am Pianisten Fali Pavri liegen, der den perkussiven Zugriff von Emmy Henz, der grossen Fürsprecherin Widmers, nicht erreicht. Neben mitreissenden Momenten wirkt das Werk zuweilen auch etwas heterogen und langatmig.

Adolf Brunner (1901–1992) gehörte zu einer Generation von Schweizer Komponisten, die stark zum Neoklassizismus tendierten und regelmässig für die damals aufkommenden Kammerorchester komponierten. Umso erstaunlicher ist die hier eingespielte Partita für Klavier und Orchester (1938/1939), die, der Tonalität verpflichtet, neben typisch klassizistischen Passagen immer wieder zu grossen Gesten findet. Wie Chris Walton in einem aufschlussreichen Booklettext festhält, erinnert sie darin zuweilen an Brahms.

Alles in allem liegt hier eine spannende, mitreissend interpretierte Trouvaille vor.

Orchestral Masterworks from Switzerland: Schoeck, Widmer, Brunner. Royal Scottish National Orchestra; Rainer Held, Leitung; Fali Pavri, Klavier. Guild GMCD 7403

Beim gutturalen Gesang handelt es sich um Kehlgesang, der mit den Taschenfalten («falschen Stimmlippen») gebildet wird. Die Taschenfalten sind zwei waagrecht übereinander liegende Faltenpaare im Kehlkopf, direkt oberhalb der tatsächlichen Stimmbänder. Sie werden normalerweise zum Luftanhalten oder Räuspern gebraucht.


Der Kehlgesang wird in vielen Kulturen verwendet um den normalen Stimmumfang eine Oktave nach oben oder unten zu erweitern. Die Stimme wird durch die Vibrationen der Taschenfalten rau und etwas verzerrt und erinnert an den Klang eines Didgeridoos. Ein ähnlicher Effekt kann durch den Einsatz des sogenannten Strohbass-Registers (auch Puls- oder Schnarr-Register) erreicht werden, das tiefste Stimmregister, in dem die Stimmbänder so locker sind, dass die einzelnen Schwingungen als eine Art Knattern oder eben einzelne Pulse wahrgenommen werden.


Gutturaler Gesang wird aber auch in moderner Musik, vorwiegend im extremen Metal, eingesetzt. Die Stimmtechniken werden vorwiegend als «Growling», «Screaming» oder «Shouting» bezeichnet, je nach Tonhöhe und Anteil an «Stimme», dem Verhältnis von Stimmbändern zu Taschenfalten. Es werden also meistens sowohl Taschenfalten als auch Stimmbänder benutzt. Je nachdem, ob der Ton beim Ein- oder Ausatmen erzeugt wird, spricht man zwischen «Inhale-» und «Exhale-Screams». Es gibt noch zahlreiche weitere Bezeichnungen und Varianten von gutturalem Gesang im Metal.


Growling (dt. Knurren) erinnert an das Knurren eines Tieres und wird vor allem im Death Metal und im Grindcore eingesetzt. Der Anteil der Stimmbänder variiert stark, vor allem beim Grunting (Grunzen), der tiefsten Variante, kommen sie kaum zum Einsatz. Screaming (dt. Schreien, Kreischen) ist meistens hochfrequent, benutzt fast ausschliesslich die Taschenfalten und wird hauptsächlich im Black Metal verwendet. Shouting kommt bevorzugt im Thrash Metal und Hardcore vor und zeichnet sich durch einen hohen Anteil Stimmbänder aus. Bei dieser Form des gutturalen Gesangs ist die Gefahr, die Stimme zu schädigen, am höchsten, denn die Stimmbänder werden stark beansprucht.


Es kann bei der hohen Intensität und Lautstärke und den extremen Tonlagen in diesem Musikgenre schnell zu einer Überbelastung der Stimme kommen, die sich in Heiserkeit – temporär oder dauerhaft ‒, Halsschmerzen oder im schlimmsten Fall Blut im Mund äussern kann. Kommt dies mehrfach vor, können langfristige Schäden an den Stimmbändern nicht ausgeschlossen werden. Sie können zu einer Dysphonie oder schlimmstenfalls gar zu einer Aphonie führen.


Für typische «Sängerkrankheiten» ist auch der Metal-Gesang anfällig. Es sind dies Rhinitis (Schnupfen), Pharyngitis (Rachenentzündung), Laryngitis (Kehlkopfentzündung), Tonsilitis (Mandelentzündung), Tracheitis (Luftröhrenentzündung), Bronchitis, Sinusitis (Kieferhöhlenentzündung), Knötchen oder Ödeme auf Stimmbändern sowie vergrösserte Mandeln infolge mehrfacher Tonsilitis. Diese Erkrankungen können, auch wenn sie nicht aufgrund falscher Stimmanwendung entstanden sind, die Stimme beeinträchtigen. Es ist daher wichtig, diese bis zur vollständigen Ausheilung zu schonen.


Das grosse Problem bei der Anwendung gutturaler Gesangstechniken: Es fehlt an Aus- und Weiterbildungsmöglichkeiten und einer einheitlichen Theorie, was daran liegt, dass er zum einen selten verwendet, zum anderen auch oftmals nicht wirklich als Kunstform anerkannt, sondern als «Lärm» verlacht wird. Es empfiehlt sich also, auch wenn man «nur» Growlen oder Screamen möchte, Gesangsstunden zu besuchen, um die Grundlagen von Atmung und Gesangstechnik zu erlernen. Ausserdem ist es ratsam, präventiv die Grundsätze der Stimmhygiene zu befolgen, genauso wie beim klassischen Gesang oder bei anderen Berufen, welche die Stimme stark beanspruchen. Gänzlich ohne Stimmbänder kommen nämlich auch Metal-Sänger und -Sängerinnen nicht aus.


Das Tram ist voll besetzt bei der Sonderfahrt zur Pyramidale. Das Festival für Neue Musik und interdisziplinäre Kunstaktionen findet seit 2001 im Berliner Stadtbezirk Marzahn-Hellersdorf statt, in der mit rund einer Viertelmillion Einwohnern grössten Plattenbausiedlung Europas.

Mit von der Partie ist hier ein Aerofon: Ein Gewirr aus Schläuchen durchzieht den Wagen, ein Generator pumpt Luft durch Orgelpfeifen. Es brummt und fiept und haucht im Duett mit dem Strassenbahnklang. Dazu improvisiert die Violinistin Biliana Voutchkova, imitiert das Quietschen, setzt staccato-artige Akzente. Der Experimentalmusiker Thomas Noll im weissen Arbeitsoverall zieht die Register seines Instruments, spielt auf einzelnen Orgelpfeifen und setzt auch bunte kleine Plastikspielzeuge zur kontrastierenden Klangerzeugung ein. Die Musiker bewegen sich durch den Wagen, verändern so den Klangraum. Und auch draussen verändert sich alles: Von der Mitte Berlins über den Alexanderplatz fährt das Tram eine Stunde lang immer weiter hinaus durch Industriegebiete bis mitten hinein in die Plattenbauten Marzahns. Aus dieser Tramophonie steigt das Publikum und ist in einer anderen Welt angekommen.

Überfliessende Möglichkeiten
Bei der 13. Pyramidale war wie schon 2010 die Schweiz mit einigen Interpretinnen und Interpreten sowie Komponisten zu Gast, und als Hauptthema stand über allem: Durst. Am ersten Abend gelangte das durstthema mit variationen mit Texten der Thüringer Autorin Kathrin Schmidt zur Uraufführung. völkisch lampedusisch fügsam ländlich greinend dunkel impulsiv, so waren die sieben Teile überschrieben, die von sieben Komponisten in Kammerbesetzung vertont wurden. Besonders ragte das Stück Stundlos von Katia Guedes heraus, ein Duett für Saxofon (Meriel Price) und Sopran (Franziska Welti). «Als ich dich lieben wollte», heisst es da im Text, und das Hauchen des Saxofons verschmilzt mit dem Hauchen der Stimme wie in einer Umarmung. Die Klappen des Saxofons nehmen den Sprachrhythmus auf, Instrumenten- und Stimmklang schmiegen sich umeinander und durchdringen sich, so dass ein geradezu erotisches Stück Musik entsteht.

Präsentiert werden die sieben Stücke in einer minimalistischen Inszenierung. Der Regisseur Holger Müller-Brandes beschränkt sich darauf, im kargen Glasraum des Ausstellungszentrums Pyramide verschiedene Spielorte für die einzelnen Teile einzurichten und damit den räumlichen Eindruck zu verändern. Franziska Welti und der Sprecher Christian Bormann tauschen spannungsreiche Blicke aus, stossen mit Wein an, am Ende zerbricht ein Glas. Seltsamerweise wirken diese Spielszenen trotz der Kürze etwas aufgesetzt und bemüht. Da wäre das Vertrauen auf Text, Musik, Raum, Stimmung und Stimme doch mehr gewesen.

Auch nach der Pause wird noch ein umfangreiches Programm geboten, bei dem sich die Musiker des Ensembles JungeMusik Berlin auch solistisch beweisen können. In Interludium von Sarah Nemtsov für Oboe und Elektronik, in dem die elektronisch vervielfältigten Oboenstimmen geisterhaft durch den Raum schweben, stellt die Oboistin Antje Thierbach ihr Können vor. In Albedo von Helmut Zapf aus dem Jahr 2001 glänzt Martin Glück an den Flöten. Der Einsatz der Elektronik wirkt in diesem Stück jedoch leider etwas plump und zu laut.

Die Uraufführung Irrwege von Johannes K. Hildebrandt lässt an das nervöse Eilen durch ein Labyrinth denken. Albtraumhaft, flatterhaft, zitternd, wechseln sich hektische Impulse mit gespannten Pausen und nervösen Läufen ab, um am Ende langsamer zu werden, wie der erschöpfte Herzschlag eines ewig Verirrten, wie ein Aufgeben, Ausatmen.

Einen beeindruckenden Abschluss bildet das Stück Aus der Wand die Rinne von Juliane Klein. Violoncello, Oboe, Klarinette, Saxofon und Flöte sind einzeln im Raum verteilt und spielen parallel mehrere Solostücke. Jeder Solist spielt im jeweils eigenen Tempo. Der Klang der verschiedenen Instrumente, mischt sich gut in dem kargen Glasraum. Am Ende bleibt allein das Cello (Vladimir Reshetko) übrig. Die freie Zusammensetzung des Stückes ermöglicht, dass das Spiel an einem anderen Tag ganz anders klingen, ganz anders ausgehen könnte. Das Wissen darum legt sich über das Gehörte wie eine leicht verschobene Möglichkeits-Schicht.

Das Modell Fair Trade Music soll neben Offenheit des Marktzugangs für alle eine faire Abgeltung und Transparenz der Marktstrukturen sicherstellen. Insbesondere sollen die Produzenten selber an den Markt-Verhandlungen beteiligt werden, und sie sollen an Angeboten auf Streaming-Plattformen angemessen mitverdienen.

Die 1966 gegründete CIAM (Conseil International des Créateurs de Musique) ist eine ursprünglich europäische Organisation, die im Rahmen internationaler Urheberrechtsorganisationen die Interessen der Musikschaffenden vertritt. Der derzeitige Präsident ist der italienische Komponist Lorenzo Ferraro.

Mehr Infos: ciamcreators.org.gridhosted.co.uk/ciam2014/

Im Beisein von Vertretern der Deutschen Botschaft in Kabul ist dazu durch die Kanzlerin der Weimarer Musikhochschule, Christine Gurk, und den Kanzler der Universität Kabul, Habibullah Habib, eine Vereinbarung unterzeichnet worden. Bereits seit drei Jahren ermöglicht das Projekt Safar des Studienprofils am Institut für Musikwissenschaft Weimar-Jena einen Austausch zwischen afghanischen und deutschen Musikern wie Wissenschaftlern.

Die ersten Punkte der neuen Vereinbarung erfahren bereits ihre praktische Umsetzung: An der Universität Kabul werden zur Zeit verschiedene Workshops und ein wissenschaftliches Symposiums durchgeführt. Zudem sind die Übergabe des Archivs und ein gemeinsames Konzert von deutschen und afghanischen Musikern geplant.

In einem ersten gemeinsamen Fernseminar wird darüber hinaus mittels einer speziell gestalteten E-Learning-Plattform bis zum Mai 2015 ein Austausch zwischen Studierenden beider Hochschulen stattfinden. Neben einem Einblick in die Vielfalt der afghanischen Musikkulturen werden vor allem durch das kollektive Erarbeiten von Papers und Präsentationen der Weimarer und Kabuler Studierenden Soft Skills im Bereich des Transcultural Music Research vermittelt. 

Das Studienprofil Transcultural Music Studies am Institut für Musikwissenschaft Weimar-Jena unter der Leitung von Tiago de Oliveira Pinto kooperiert im Projekt Safar eng mit verschiedenen Partnern in Afghanistan. Ziel der gemeinsamen Arbeit ist die Revitalisierung der traditionellen afghanischen Musikkulturen sowie die Stärkung der musikalischen Zivilgesellschaft. Das Projekt wird vollständig aus Mitteln des Auswärtigen Amtes finanziert.