Nachwuchsbands können die Proberäume der Stadt während jeweils zwei Jahren unentgeltlich nutzen. Ein Verlängerung der Nutzungszeit ist möglich. Profitiert vom Angebot haben bisher ein gutes Dutzend Bands mit insgesamt rund hundert Mitgliedern. Ihnen wird nach Möglichkeit Raum in ihrem städtischen Heimatquartier vermittelt.

Nun ermöglicht das Jugendamt der Stadt ihnen im Rahmen eines Festivals namens Locazik, das von den Jugendlichen organisatorisch selber durchgeführt wird, sich öffentlich zu präsentieren.

Am 6. und 7. März stellen sich sieben Gruppen auf der Bühne der Traverse im Quartierzentrum Pâquis vor. Die stilistische Bandbreite reicht von Rock über Ska und Punk bis zu Blues und Métal, Hip-Hop und Chanson.

Laut Bundesrat haben in den letzten drei Jahren jeweils über 2000 Kulturschaffende eine achtmonatige Bewilligung erhalten. Darüber hinaus seien jährlich rund 130 Arbeitsbewilligungen für Fachkräfte im Kulturbereich zu Lasten des Drittstaatenkontingents erteilt worden, unter anderem für Schauspieler, Musiker in Symphonieorchestern oder Lehrpersonal an Konservatorien.

Die Folgen der Kürzung der kontingentierten Bewilligungen könnten, so der Bundesrat weiter, derzeit noch nicht abgeschätzt werden. Die Zuteilung der Kontingente liege in erster Linie in der Kompetenz der Kantone. Nach dem Willen des Bundesrates soll die erfolgte Kürzung durch eine bessere Ausschöpfung des inländischen Potenzials aufgefangen werden. Für die Zulassung von hochqualifizierten Spezialisten, die in der Schweiz dringend benötigt werden und weder hierzulande noch im EU-Raum zu finden sind, bestünden weiterhin Zulassungsmöglichkeiten.

Aus Sicht des Bundesrates besteht derzeit keine grundlegende Regelungslücke. Bei Musikern könne von einem hohen wissenschaftlichen Interesse ausgegangen werden, wenn sie an einer Hochschule mit einem genügend grossen Pensum beschäftigt seien. Ein solches liegt in der Regel jedoch nicht vor, wenn sich eine Musikerin oder ein Musiker nach einem Hochschulabschluss in der Schweiz selbständig machen möchte.

Sogenannte «Schülermanager» erkunden während acht Monaten die Arbeitsbereiche einer kulturellen Institution wie der Tonhalle-Gesellschaft Zürich. Sie sind für Finanzierung, Vermarktung und Durchführung von TOZdiscover zuständig. Nach dem Motto «young to young» organisieren sie eine Veranstaltung, die auf das gleichaltrige Zielpublikum abgestimmt ist. Aber auch das junge Publikum soll auf Entdeckungsreise gehen – dazu soll das breite musikalische Programm einladen.

Im ersten, klassischen Teil des so realisierten Konzerts dirigiert Lionel Bringuier die Stücke Prélude à l’après-midi d’un faune von Claude Debussy und Mozarts Sinfonia concertante Es-Dur. Im Anschluss wird das junge britische Electronic-Duo Bondax durch die Nacht führen. Erstmals können in drei weiteren Räumlichkeiten der Tonhalle verschiedene Musikrichtungen entdeckt werden.

Info:
Das TOZdiscover-Konzert findet am 27. März in der Tonhalle Zürich statt
www.tonhalle-orchester.ch

Die bekannte Darstellung des Jazz als strammer Baum mit eher schlankem Stamm und dichter, struppiger Krone hat sich durch- und in unseren Köpfen festgesetzt. Spätestens ab den Sechzigerjahren des vergangenen Jahrhunderts setzt eine Verästelung an Strömungen und Entwicklungen ein, welche sich jeglicher linearen Darstellung widersetzt. Nur zu oft enden daher Abhandlungen über die Jazzgeschichte just kurz nach der Jahrhundertmitte oder verlieren ab da an Prägnanz und Substanz.

Peter Erskine, langjähriger Drummer des legendären Quartetts Weather Report, ist sich der Komplexität des Unterfangens, seine Zeit zu Lebzeiten – also mitten aus dem Geäst heraus – aufzuarbeiten, insofern bewusst, dass er sich zum Vornherein nicht auf die Zweige hinauswagt, was stilistische oder musikalische Beschreibungen anbelangt. Sein Zugang ist fast rein autobiografisch und sehr drum-spezifisch. So sind zum Beispiel mehrere Kapitel seinen Schlagzeugherstellern gewidmet. Als Leser stellt er sich den treuen Fan vor, der mit grossem Vergnügen Anekdoten seiner Weggefährten und aus seinem eigenen reichen Künstlerleben verschlingt. So ergibt sich ein beinahe romanhafter Erzählstil. Dass Erskine diese Schilderung gleichzeitig als Chronik der halt nun mal berühmtesten, wenn auch nicht unbedingt persönlich prägendsten Formation verpackt, sei ihm als Marketingschachzug verziehen. Auch der Schreibende wäre als Nicht-Drummer kaum am Namen Peter Erskine allein hängengeblieben, obwohl sich herausstellt, dass etliche seiner mitgestalteten 600 Alben auch dessen Tonträgersammlung schmücken. Nur schon diese Fülle und Stilvielfalt verdienen Beachtung.

Mit grossem Respekt, Bewunderung für die Mitgestalter seiner Zeit, darunter unzählige Legenden, welchen ebenfalls eine Chronik gebührte, und mit lobenswerter Bescheidenheit und Selbstironie führt uns Erskine durch sein Lebenswerk. All seinen Weggefährten widmet er sehr persönliche Mini-Biografien im Anhang. Zu seinen fünfzig wichtigsten Alben finden sich ebenfalls kurze Anekdoten und Hintergründe. Leider bleibt er musikalisch oft zu sehr an der Oberfläche. Bei all den «Genie»-Titeln, die er verleiht, wäre jeweils interessant zu erfahren, was denn genau das Geniale ausmacht an einer musikalischen Persönlichkeit. In seinem Fall erfahren wirs: Er kann süffig erzählen und natürlich «fabelhaft drummen». Er hat es geschafft, mit den meisten Jazzgrössen unserer Epoche zu jammen und somit beachtlich zum Gestrüpp des Jazzbaums beizutragen.

Die Berühmtheit seiner Aufnahmen führt übrigens dazu, dass praktisch alles auf Youtube dokumentiert ist. Unrühmlich an der eutschen Ausgabe dieses Buches ist das nachlässige Lektorat bezüglich der das/dass-Regeln.

Peter Erskine, No Beethoven, Autobiografie & Chronik von Weather Report, Deutsche Edition, 352 S., € 16.95, Fuzzymusic/Alfred Music, Köln 2014, ISBN 978-3-943638-91-2

Diese Publikation bietet eine ästhetische Überraschung, denn eher selten kommen Sammelbände mit wissenschaftlichen Aufsätzen in Druck und Ausstattung attraktiv daher. Das Grossformat (290 x 195mm) ermöglicht gut lesbare Notenbeispiele und sinnvoll in den Text eingefügte Illustrationen. Kommt dazu, dass sowohl die vielen Schwarz-Weiss- wie auch die Farbbilder gut ausgewählt und sorgfältig gedruckt sind.

Die zehn Aufsätze, sieben in deutscher, drei in englischer Sprache – «Ergebnisse einer im Rahmen des Forschungsprojekts Sänger und Schauspieler durchgeführten Tagung» –, beleuchten speziell den gestischen Bereich der Opernpraxis im 19. Jahrhundert und dies wiederum vorwiegend in Paris und Wien; sie referieren über die damalige Gebärdensprache anhand von Aufführungsberichten und Gestik-Lehrbüchern, unterstützt von instruktivem historischem Bildmaterial, und sie belegen, dass die Ausbildung von Schauspielern und Sängern zumeist identisch verlief. Theorie und Praxis kommen zur Darstellung, auch wenn das zweite im Werkstattbericht Gesten auf dem Prüfstand sowie im Interview mit einer Tanzpädagogin und Choreografin relativ wenig Raum einnimmt. Die beiden Hauptbeiträge, wie das Interview in englischer Sprache abgefasst, konzentrieren sich auf die damalige Szene in Paris: Singers as Actors untersucht die Gestik an der Grand Opéra, Staging and Acting am Théâtre Royal Italien.

Sowohl die Pantomime wie auch der Tanz werden in einem umfangreichen Aufsatz miteinbezogen. Die Grand Opéra, eines Meyerbeer etwa, wartete mit Exklusivitäten auf, von denen Zeitgenossen, auch Wagner, profitierten, sie kopierten oder zu übertreffen versuchten. Überraschend dabei, dass folkloristisch-national orientierte Tänze (auch aus dem Osten Europas) vom Land in die Stadt «verfrachtet» und dort in Operneinlagen und Ballettmusiken integriert wurden, und ausserdem, dass die «Dansomanie» in Paris vorwiegend im 2/4- oder im 6/8-Takt, in Wien und Berlin das Ballfieber aber im 3/4-Takt ausbrach und die Gesellschaft «aus den Fugen brachte».

Sänger als Schauspieler. Zur Opernpraxis des 19. Jahrhunderts in Text, Bild und Musik, Musikforschung der Hochschule der Künste Bern, Band 5, hg. von Anette Schaffer, Edith Keller, Laura Moeckli, Florian Reichert und Stefan Saborowski, 196 S., € 32.00, Edition Argus, Schliengen 2014, ISBN 978-3-931264-85-7

Wie kaum ein anderer Komponist und Lehrer hat Olivier Messiaen (1908–1992) die französische Musik in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts geprägt. Und doch ist die kritische, von seinen (umfangreichen) Selbstzeugnissen unabhängige Auseinandersetzung mit seinem Werk erst in den letzten Jahren Gegenstand musikwissenschaftlicher Arbeit geworden. Messiaen stellte sich selbst nur am Rand in den Kontext einer von seinen Lehrern vermittelten Tradition, in die Musikästhetik und die grossen geistigen Strömungen seiner Zeit, sondern unterstrich vielmehr seine Rolle als Einzelgänger.

Im vorliegenden Band, der sich auf (teils erheblich erweiterte) Beiträge eines 2008 am Institut français in München durchgeführten Symposiums stützt, wird dieses Bild revidiert. Fünf der Autoren beleuchten einerseits Messiaens Position innerhalb der französischen Orgel- und Musiktradition, andererseits sein Verhältnis zur damaligen Zeitphilosophie und seine Prägung durch die Literatur des Renouveau catholique; in sechs weiteren Beiträgen wird Messiaens Wechselbeziehung zu Debussy, Satie, Jolivet, der Groupe des Six, aber auch zu weniger bekannten Figuren wie Maurice Emmanuel und Charles Tournemire dargestellt. Gerade im letzten Fall zeigt Ko-Herausgeber Stefan Keym (Leipzig) auf faszinierende Weise den grossen Einfluss Tournemires auf Messiaen – in allen ästhetischen und kompositionstechnischen Gemeinsamkeiten der beiden Komponisten, aber auch da, wo sich Messiaen klar abzugrenzen scheint. Die deutschen, englischen oder französischen Beiträge dieses höchst lesenswerten Buchs liefern entscheidende Informationen zu einer differenzierten Betrachtung Messiaens und öffnen gleichzeitig ein weites Feld für weitere Forschungen, die in den kommenden Jahren noch zu erwarten sein dürften.

Olivier Messiaen und die «französische Tradition», hg. von Stefan Keym und Peter Jost, 246 S., € 29.80, Verlag Dohr, Köln 2013, ISBN 978-3-86846-112-1

Das Schwyzerörgeli ist, nur etwas mehr als hundert Jahre alt, bereits mit einem unverrückbaren Klischee besetzt: Ausser Ländlermusik scheint da nichts zu gehen. Kaum ein Protagonist der «Örgelerszene» will dieses Klischee sprengen oder vermag es musikalisch, um neue Akzente zu setzen. Denn bis heute herrscht in vielen Teilen der Volksmusikszene so etwas wie Prüderie. Zu den wenigen, die dennoch neue Klangsprachen auf ihrem Instrument suchen, gehören die beiden Oberaargauer Thomas Aeschbacher und sein Vater Werner Aeschbacher. Die beiden tun das freilich, ohne die Wurzeln der Volksmusik zu negieren. Wieso auch? Thomas Aeschbacher, wie sein Vater eine verdiente Örgelergrösse in der Neuen Schweizer Volksmusikszene, demonstriert dies auf seinem ersten Solo-Album «feat.» eindringlich.

Der knapp 50-Jährige, seit jungen Jahren stets auf der Suche nach neuen Tönen, Klängen und Chehrli in der traditionellen Volksmusik, holte sich für sein Album 25 hervorragende Weggefährten aus den unterschiedlichsten Sparten der Schweizer Musikszene ins Studio. So ist mit «feat.» eines jener seltenen Schwyzerörgeli-Alben entstanden, die nicht bereits ab dem dritten Stück zu langweilen beginnen. Dafür zeichnen nicht primär seine Mitstreiter verantwortlich, sondern Thomas Aeschbachers eigene, akademisch geschulte Musikalität, die sich genauso selbstverständlich in der Volksmusik wie in Jazz, Klassik und Worldmusic bewegen kann und auch glaubwürdig etwas zu sagen hat. Neugierig, zum Teil durchaus schalkhaft clownesk (etwa Balthasar Streiff in Hymne) stossen Jazzer, Bläser, Zupfinstrumentalisten oder gar ein Kirchenorganist hinzu. Gemeinsam wachsen sie über die Grenzen der traditionellen Schweizer Volksmusik hinaus, in überraschenden Instrumentenkombinationen, in teils improvisierend wirkenden Grooves, mal hypnotisch, zuweilen melancholisch, aber immer energievoll, hörend und sensibel. Sie erfinden im Prinzip nichts Neues, ergänzen das Traditionelle unserer Volksmusik aber umweit mehr als nur Nuancen, ohne dass «die gestandenen Volks- und Weltmusiker ihre Wurzeln verleugnen», wie Thomas Aeschbacher erklärt. Entstanden ist mit «feat.» eines der interessantesten und inspirierendsten Schwyzerörgeli-Alben der letzten Jahre. Selbstredend wegweisend.

John Dowland (1563–1626) ist der wohl bedeutendste englische Komponist des elisabethanischen Zeitalters. Dennoch gelang es ihm nicht, zu Lebzeiten von Königin Elisabeth den begehrten Posten als Hoflautenist zu bekommen. Sein Leben war geprägt durch rastlose Reisejahre. 1598 erhielt Dowland endlich eine Anstellung am Hof Christians IV. von Dänemark, die ihm eine hohe kompositorische Produktivität ermöglichte. Erst als berühmter Mann bekam er 1612 doch noch die ersehnte Anstellung am königlichen Hof in England.

2013 feierten Freunde Alter Musik den 450. Geburtstag Dowlands, dessen Musik von einer charakteristischen Melancholie geprägt ist. Sein First Book of Songs and Ayres wurde 1597 veröffentlicht und so begeistert aufgenommen, dass es fünf Neuauflagen erlebte. Zwei weitere Bände folgten, dazu 1604 die Consort-Sammlung Lachrimae, or Seaven Tears, ein umfangreiches Meisterwerk fünfstimmiger Instrumentalmusik. Sie ist Königin Anne von Schottland gewidmet, der Schwester Christians IV.

Diese Consort-Sammlung war der Ausgangspunkt für einen Kompositionsauftrag, den das Blockflöten-Quintett B-Five dem Schweizer Komponisten Carl Rütti zum Dowland-Jubiläum erteilte. Entstanden ist eine inspirierte und einfühlsame Dowland-Suite aus 18 Nummern, ein Ineinander von Originalsätzen aus Lachrimae, or Seaven Tears, einiger der rhythmisch-beschwingten Tänze, und fünf neuen Stücken von Carl Rütti, in welchen dieser Dowlands Consortmusik und sein rastloses Leben reflektiert.

Carl Rütti ist ein grosser Kenner britischer Vokalmusik, Dowlands First book of Songs zählt seit jeher zu seinen Lieblingswerken. In der vorliegenden Suite spielt er mit Motiven aus Dowlands Stücken, stimmt die Tonarten auf diese ab und entwickelt sie dramaturgisch vom sehr dunklen Anfangsstück über ein verspieltes Chanson avec deux oiseaux bis zum virtuos-dramatischen Schlussstück Sir John’s Jig. So entfaltet sich in dieser Suite ein subtiles Gewebe von Alt und Neu, ein anregendes Farbenspiel, das nicht nur Blockflöten-Freunde zu begeistern vermag.

Das B-Five-Blockflötenconsort hat sich vor allem mit Werken der Renaissance einen Namen gemacht. Mit seiner umfangreichen Auswahl an Flöten erweckt das international besetzte Ensemble einen verblüffend farbenreichen Klang. So auch in den fünfstimmigen Sätzen dieser Dowland-Suite, die durch den reinen und auch in den Tiefen der Bassflöte klaren Flötenklang sehr plastisch gestaltet werden.

Seit dem Solostück Danse de la chèvre (1919) von Arthur Honegger und der Ballade für Flöte und Klavier (1939) von Frank Martin wird Flötenmusik von Schweizer Komponisten fast so stark beachtet wie diejenige aus dem westlichen Nachbarland. Wie viel Interessantes und Wertvolles es aus der Zeit von 1921 (Werner Wehrli: Suite) bis 1989 (René Gerber: Valse) zu entdecken gibt, was lange im Schatten der eben genannten Pièces de résistance stand, stellen die Flötistin Franziska Badertscher und die Pianistin Anne de Dadelsen mit viel Charme, Spielwitz und Brillanz vor.

Als besondere Trouvaille erweist sich die 1937 entstandene Grande Sonate op. 53 von Joseph Lauber. Einflüsse von Debussy und Ravel hat der Rheinberger-Schüler aus dem luzernischen Ruswil zu einer farbenreichen Klangsprache verarbeitet. Den vorwiegend kantablen Kopfsatz (Patetico) und das quirlige Presto-Finale (Burlesco) gestalten die dynamisch musizierenden Interpretinnen mit virtuosem Zugriff.

Die expressive Sonata op. 68a für Altflöte und Klavier von Raffaele d’Alessandro bestätigt den Ausspruch von dessen Kontrapunktlehrerin Nadia Boulanger: «Vous portez en vous une œuvre authentique.» Lyrische Qualitäten überwiegen in Werner Wehrlis stilistisch vielschichtiger Suite op. 16 von 1921. Aus dem leichtfüssigen Marsch spricht Schalk, der ausdrucksvolle Liedsatz gibt sich verträumt. Romantizismen wechseln mehrmals mit neoklassizistischen Elementen ab.

Durch viel Transparenz und fein konturierte Linearität zeichnen sich Kaval und die Sonatine von Jean Binet aus, Noblesse erfüllt die schlichte Pavane und einen Walzer des Neuenburger Dukas-Schülers René Gerber. Von den langjährigen Erfahrungen als Jazzpianist profitierte Julien-François Zbinden in der nach französischem Modell komponierten, klaren und knappen Sonatine op. 5. Federleicht gespielte Tonrepetitionen der Flötistin tragen zur Lebendigkeit dieses spritzigen Opusculum ebenso viel bei wie die akzentreichen Synkopierungen der Pianistin.

Im Rahmen der Übergabe äusserten die Musikratsvertreter in Zusammenhang mit den Verhandlungen zu den internationalen Abkommen TTIP (Freihandelsabkommen) und TiSA (Abkommen über den Handel mit Dienstleistungen) grosse Sorgen zur Zukunft der Musiklandschaft im deutschsprachigen Raum.

Sollte es zu einer Privatisierung öffentlicher Dienstleistungen durch TiSA kommen, seien die öffentliche Kulturförderung und damit das Fundament der gesamten Kulturlandschaft in Deutschland, Österreich und der Schweiz gefährdet, schreiben die Musikräte.

Huber versicherte den Räten, für die Bereiche Kultur und Medien plane Deutschland keine neuen Marktöffnungsverpflichtungen. Dahinter stehe die Bayerische Staatsregierung uneingeschränkt. Wichtig sei ihm auch, dass die Verhandlungen der Freihandelsabkommen deutlich transparenter ablaufen müssten.

TTIP (Transatlantic Trade and Investment Partnership) ist das geplante Freihandelsabkommen zwischen den USA und der Europäischen Union. Es soll dazu dienen, den Handel von Gütern und Dienstleistungen zwischen den USA und der Europäischen Union zu verbessern, bestehende Handelshemmnisse zu beseitigen und die niedrigen Zölle zu senken. Im Kulturbereich ist neben der öffentlichen Kulturförderung vor allem die Kulturwirtschaft betroffen.
 

Ein halbes Jahr ist Michael Pelzel jetzt schon als Stipendiat des Deutschen Akademischen Austauschdienstes in Berlin. Grund genug für das Ultraschallfestival Berlin, ihm ein Porträtkonzert zu widmen. Unter der Leitung von Johannes Kalitzke präsentierte das Klangforum Wien am 23. Januar drei gross besetzte Ensemblewerke Pelzels. Und zudem soll ein Mitschnitt des Konzerts als Porträt-CD in der Edition Zeitgenössische Musik des Deutschen Musikrates erscheinen. Es läuft also gut in Berlin für den Schweizer Komponisten, der schon im Jahr 2011 den Busoni-Preis der Akademie der Künste verliehen bekam. Bei der damaligen Preisverleihung lobte der Laudator Enno Poppe die Fähigkeit Pelzels, unterschiedlichste Einflüsse in etwas Persönliches zu verwandeln. Von dieser Eigenschaft zeugte einmal mehr das Konzert im Berliner Hebbeltheater am Ufer.
Auf der offenen Black-Box-Bühne waren nicht nur Streicher und Holzbläser, sondern auch drei Perkussionisten mit verschiedenstem Gerät sowie ein präpariertes Klavier und eine Celesta aufgebaut. Mit eindrucksvoller Dynamik präsentierte das Klangforum das erste Stück, … along 101 …, aus dem Jahr 2008, in dem Michael Pelzel sich auf musikalische Weise der berühmten amerikanischen Westküstenstrasse Highway 101 widmet. Wie auf einer abwechslungsreichen Fahrt türmen sich in diesem Stück die Klänge des Ensembles auf zu dichten Wolken, Bildern, Flächen. Tatsächlich scheinen Anklänge an amerikanische Volksmusik durchzudringen – kurz tönt das vielleicht nach Country, nach Blaskapelle, doch schon ist man an dieser Stelle der Strasse vorbeigerauscht.

Auch in … sentiers tortueux … aus dem Jahr 2007, zu Deutsch etwa «verschlungene Pfade», wähnt sich der Zuhörer auf einer wechselvollen Reise. Wieder entstehen sehr dichte Klangflächen, die das gesamte Ensemble mit einbeziehen, um wieder auszudünnen und die Feinheiten der einzelnen Instrumentengruppen hervorzukehren – der im Sechsteltonabstand gestimmten zwei Klaviere oder der wie im Nichts verebbenden Holzbläser.

Pelzels Variantenreichtum und seine Fähigkeit, aus dem Ensemble ganz ohne elektronische Hilfsmittel die unterschiedlichsten Klangfarben herauszuholen, kamen auch im letzten Stück Sempiternal Lockin (2012–14) zur Geltung. Darin verarbeitet er eine weitere Reiseerfahrung, nämlich die von einem Stipendienaufenthalt in Südafrika. Dort lernte er die besondere Spieltechnik des Lock in kennen, einer speziellen Art, Perkussionsinstrumente mit mehreren Personen gleichzeitig zu spielen, so dass in den Obertönen weitere Rhythmen hörbar werden. Auch in Sempiternal Lockin bewies Michael Pelzel seine Fähigkeit, so unterschiedliche Einflüsse wie die Eindrücke aus Afrika mit seiner Liebe zur Musik des 19. Jahrhunderts zusammenzubringen. Abwechslungsreich, dicht, flächig und doch zuweilen fein entstand auch hier das Bild einer sich stetig verändernden Landschaft. Das Stück mündete in einem eindrucksvollen, geradezu pompösen Finale, das die Zuhörer sprachlos und staunend über diese ganz eigene, vielseitige Tonsprache zurückliess. Das Publikum spendete dem Porträtierten begeistert Applaus. Jetzt bleibt nur noch abzuwarten, welche Abdrücke der Stipendienaufenthalt in Berlin in der Musik Pelzels hinterlässt, in diesem Schmelztiegel, der so Unterschiedliches miteinander zu verbinden vermag.
 

Mit One Hand Piano ist es der Klavierpädagogin Barbara Arens gelungen, 40 Stücke vorzulegen, die mehr sind als eine Verlegenheitslösung für den Unterricht mit verletzten Schülerinnen und Schülern. Sicher sind sie auch in diesem Fall sehr willkommen und helfen, die Zeit sinnvoll zu überbrücken. Darüber hinaus ermöglichen sie jedoch grundsätzlich eine differenzierte musikalisch/technische Arbeit. Ob verschiedene Artikulation oder Dynamik in einer Hand, grosse Handverschiebungen, Doppelgriffspiel oder polyfone Stimmführungen, für viele typisch pianistische Herausforderungen gibt es fantasievolle Stücke, von leicht bis mittelschwer. Spielschwierigkeiten, welche üblicherweise mit trockenen Spezialübungen angegangen werden, lassen sich so in musikalischem Kontext bearbeiten, was sich auf die Übemotivation und den Lernerfolg positiv auswirkt.

Die stilistische Palette reicht von Klassik über Filmmusik zum Folk und viele Stücke lassen sich sowohl von der linken oder der rechten Hand gut spielen. Warum nicht auch mal an einem Schülerkonzert ein Stück der besonderen Art darbieten, quasi mit links!

Barbara Arens, One Hand Piano, 40 Stücke für links oder rechts, EB 8646, € 16.00, Edition Breitkopf, Wiesbaden

Die Idee zu diesem Spielheft mit Schweizer Volksmusik entstand 2012 im Rahmen des Eidgenössischen Jungmusikanten-Treffens in Zug. Dieses Festival besteht seit 1978 und findet alle vier Jahre statt. Der Verband Schweizer Volksmusik, gegründet 1963, schenkte es der spielfreudigen Jugend und sich selber zum 50. Geburtstag. Es soll ein Beitrag sein, die überlieferte Schweizer Volksmusik aus dem Alpenraum zu erhalten und zu verbreiten.

Die 15 Kompositionen von Albert Betschart, Hans Moser, Peter Berchtold, René Armbruster und Sergej Simbirev sind drei- bzw. vierstimmig gesetzt, wobei ein Duo die Melodie und eine Violine plus ein Violoncello (Bass, Posaune, Tuba etc.) oder eine Gitarre bzw. ein Klavier den Bass und den «Gegentakt» spielen. Teilweise erscheint die Melodie auch im Bass-Schlüssel, damit die «Tiefen» auch mal die Melodie spielen dürfen. Die parallelen Ausgaben in C, Bb und Eb ermöglichen ein Zusammenspiel in den verschiedensten Besetzungen. Hilfreich sind auch die Informationen über einfache Begleitmöglichkeiten mit ausgeschriebenen Akkordangaben bzw. Gitarrengriffen. Ein Kapitel über die Tanzarten und deren Rhythmikmuster ergänzt den Erklärungsteil.

Das Heft richtet sich vor allem an Musiklehrpersonen, die ihre Schülerinnen und Schüler für die Schweizer Volksmusik begeistern wollen. Die Melodien und Begleitstimmen können bereits ab dem zweiten Unterrichtsjahr gespielt werden.

Bärenstark, 15 alte und neue Tänze, Bestell-Nr. 1023-C/1023-Bb/1023-Eb, je Fr. 25.00, Mülirad-Verlag, Altdorf