"Finalmente una scuola di batteria per principianti che si distingue dalle numerose altre scuole!". - Invece della noiosa pratica di pattern a due battute e di interminabili spiegazioni con lunghi passaggi di testo, il corso di Michael H. Lang fornisce molto materiale da suonare con una struttura chiara. Con 107 esercizi e brani e 14 assoli in vari livelli di difficoltà, l'autore combina l'apprendimento, la pratica e il fare musica in modo metodicamente sensato in oltre 140 pagine.

L'apprendimento dei blocchi ritmici è più facile e veloce con parole che gli alunni già conoscono. L'autore ha selezionato 6 figure di base e nomi adatti per iniziare, che vengono introdotti gradualmente senza bisogno di lunghe spiegazioni. Nel campo delle percussioni, cowbell, glockenspiel, cymbal bell e wood block sono comunque parole comuni e comprensibili; come oggetti sono tangibili e si possono trovare in classe. Queste parole hanno un loro ritmo e quando vengono pronunciate mentre si suona, le figure suonate sono automaticamente intonate.

"I nostri alunni sono curiosi, vogliono imparare, vogliono giocare, vogliono divertirsi. E il divertimento viene solo dal gioco. Si divertono perché possono fare qualcosa. Ecco perché non dobbiamo avere paura di insegnare molto ai bambini", scrive Michael H. Lang.

Quindi, perché i bambini dovrebbero essere afflitti, ad esempio, da 1e+e 2e+e 3e+e 4e+e, che è molto astratto e non ha alcuna importanza all'inizio? Agli alunni bastano poche basi, ma facilmente comprensibili, per poter suonare, e non idiomi astratti e complicati. I bambini imparano rapidamente i ritmi di base stabiliti da Michael H. Lang fin dalla prima lezione e su tutti gli strumenti che la batteria offre. Questo perché vogliono suonare su tutto il drumset fin dall'inizio. Una volta acquisita la padronanza di questi ritmi di base, tutto il resto è molto più semplice.

Michael H. Lang: Drumset-Schule, nuova edizione modificata, GN 114590, € 26,80, Musikeigenverlag Michael H. Lang 2022, www.michaelhlang.de

Lo Schiaccianoci è l'ultima e più riuscita opera del compositore russo Peter Tchaikovsky. Basata sulla storia Schiaccianoci e Re dei Topi di E. T. A. Hoffmann, l'opera gode ancora oggi di grande popolarità e viene regolarmente eseguita, soprattutto nel periodo che precede il Natale. Il presente arrangiamento, realizzato dalla flautista Jennifer Seubel, utilizza come base il brano Suite dello Schiaccianociin cui il compositore ha riassunto i brani più noti.

L'arrangiamento per due flauti si caratterizza per la sapiente suddivisione dell'azione tematica tra le due voci, che dà vita a dialoghi suggestivi, come già visto nella Ouverture e nel Marzo può essere ascoltato.

Poiché il flauto ha già un ruolo di primo piano nelle parti orchestrali, è stato, ad esempio, nella La danza delle canne È possibile, come scrive l'editore, "prendere alcune battute direttamente dall'originale". Il suono atmosferico del La danza della fata dello zuccherodove entrambi i flauti suonano l'assolo di celesta e condividono la cadenza. La danza veloce Trepak è suonato in terze e seste nelle sezioni esterne e raggiunge così una grande compattezza e intensità. Anche gli assoli dei fiati nelle altre danze si adattano bene a due flauti, così il noto assolo di flauto della Danza cinese possono essere ben integrati in un duetto. Nel Valzer dei fiori i familiari motivi iniziali di corno e clarinetto rimangono nella prima parte del flauto, mentre l'accompagnamento degli archi è stato in gran parte trasferito nella seconda parte.

In quasi tutti i movimenti è richiesta una certa abilità tecnica, ad esempio nelle esecuzioni in semicrome. L'intera gamma del flauto, da do' a si' (con un'ottava ad libitum fino a do'), appare anche nell'arrangiamento in duo, in relazione all'orientamento verso la partitura originale. Il Suite dello Schiaccianoci per due flauti è un arrangiamento riuscito e impegnativo delle note e orecchiabili melodie, adatto a esecutori di livello avanzato e, come scrive Jennifer Seubel nella prefazione, vale la pena "accettare le sfide".

Pyotr Ilyich Tchaikovsky: Nutcracker Suite, per due flauti arr. da Jennifer Seubel, partitura completa, BA 10951, € 19,50, Bärenreiter, Kassel

Oggi César Franck è riconosciuto soprattutto come il padre delle sinfonie per organo del Romanticismo francese e l'ispiratore dei suoi allievi Widor, Vierne, Tournemire e Debussy. Le sue opere per organo e in particolare la Sinfonia in re minore sono ancora oggi molto popolari. Tuttavia, le sue opere, le canzoni, le messe e gli oratori tendono a vivere nell'ombra. È quindi ancora più lodevole che Carus-Verlag Stuttgart abbia pubblicato la sua principale opera sinfonica corale, scritta nel 1879, nel 200° anniversario della nascita del compositore. Les Béatitudes pubblicato per la prima volta in un'edizione accademica in Urtext.

L'opera monumentale, della durata di due ore e in lingua francese, che mette in scena le Beatitudini del Discorso della Montagna di Gesù, può essere classificata tra l'opera sacra e l'oratorio e colpisce per l'alternanza contrastante di episodi simili a canzoni popolari, liriche, drammatiche e inni. Alcuni movimenti furono composti già nel 1870 durante l'assedio di Parigi nella guerra franco-prussiana. Dopo un prologo, le parole di Cristo "Beati..." sono precedute in ciascuno degli otto movimenti da cori terreni o celesti in stile antitetico e di commento.

La partitura orchestrale è opulenta in stile francese contemporaneo e richiede un coro con un buon numero di voci. Nonostante le otto parti solistiche, alcune delle quali possono essere ridotte con un'abile divisione dei ruoli come suggerito nella prefazione, la parte corale è abbastanza ampia e non troppo pesante. Un lavoro gratificante e utile per i cori d'oratorio.

César Franck: Les Béatitudes op. 25, oratorio per soli, coro e orchestra, a cura di Hans Christoph Becker-Foss e Thomas Ohlendorf; partitura CV 10.393/00, € 119,00; riduzione per pianoforte CV 10.393/30, € 29,95; Carus, Stuttgart

"La musica della Repubblica Ceca gode di un'ottima reputazione in tutto il mondo (...). La musica pianistica dei compositori cechi, invece, non è molto conosciuta oltre i confini della Repubblica Ceca (...)". Con questa affermazione, il pianista ceco Ivo Kahánek probabilmente non ha tutti i torti. Ogni tanto si ascolta un'opera di Janáček. Inoltre, raramente si ascoltano sui nostri palcoscenici brani per pianoforte di Smetana, Dvořák, Suk o Martinů, per non parlare di compositori meno noti.

Con il suo libretto da collezione Un viaggio alla scoperta della musica ceca per pianofortepubblicato da Bärenreiter Praha, Kahánek si propone di colmare questa lacuna. Contiene composizioni di quindici autori dal periodo preclassico ai giorni nostri. Tra questi, ovviamente, brani molto noti come l'indistruttibile Humoresque in sol bemolle maggiore di Dvořák o tre brani del ciclo di Janáček Su un sentiero incolto. Smetana è rappresentato da due fogli d'album e da una polka, Josef Suk da due incantevoli Idilli sono rappresentati. Inoltre, ci sono numerose miniature di Milan Dlouhý, Jiří Vřešťál, Luboš Sluka e molti altri compositori il cui nome non è molto familiare al di fuori della Repubblica Ceca.

Si segnalano in particolare Campane per la notte di Petr Eben, una poesia a toni molto semplice ma dal suono bellissimo. Anche il Preludio ostinato di Miloslav Kabeláč, con la sua costante ripetizione di un breve motivo, ha un effetto suggestivo (che ricorda Janáček). Ma non si tratta sempre di musica meditativa. L'arguto studio in seste di Jiří Vřešťál è molto divertente e dovrebbe essere apprezzato da molti. Tuttavia, il prerequisito per questo è avere i polsi sciolti...

Per rivolgersi al maggior numero possibile di pianisti, Ivo Kahánek ha cercato di includere nella raccolta composizioni "che possono essere suonate anche da principianti o da esecutori leggermente avanzati. Anche i brani più impegnativi non superano il livello di difficoltà tecnica dei gradi inferiori...", scrive nella prefazione. Si tratta probabilmente di una valutazione un po' troppo ottimistica. Perché anche i brani più facili Sonatina III di Jiří Antonín Benda o la Rondo in sol maggiore di Jan Václav Voříšek non sono ovviamente adatti ai principianti. E alcuni brani richiedono un livello virtuoso, come il grottesco Polka del diavolo di Vítězslav Novák. Nel complesso, tuttavia, l'attenzione si concentra su opere artisticamente ambiziose che richiedono un grande senso tonale e un'immaginazione creativa con un moderato sforzo tecnico. È qui che risiede lo speciale valore educativo di questo Viaggio di scoperta.

Tra l'altro, si condivide volentieri l'auspicio dell'editore che si possa essere "ispirati a rintracciare ancora più tesori della musica pianistica ceca".

Viaggio alla scoperta della musica ceca per pianoforte, brani per esecutori di livello leggermente avanzato, selezionati e rivisti da Ivo Kahánek, BA 11560, € 17,95, Bärenreiter, Praga

Il progetto prevede la produzione di 22 volumi di grande formato di spartiti per un totale di oltre 6.000 pagine. Inoltre, ci saranno circa 3000 pagine scritte a mano e circa 6000 pagine stampate di pubblicazioni letterarie - come base per un'edizione digitale dell'opera poetica e letteraria di Schumann. Il titolo ufficiale del progetto è "Il mondo poetico di Robert Schumann. Dramma - Oratorio - Sinfonia vocale - Opera letteraria. Edizione ibrida storico-critica".

I ricercatori coinvolti perseguono un approccio interdisciplinare tra musicologia, studi letterari e scienze umane digitali. Su una piattaforma ad accesso aperto con il titolo di lavoro "Robert Schumann-digitale", le sue opere giornalistiche, le opere poetiche compresi i libretti e i "Rapporti critici", compresa la loro genesi, saranno resi disponibili al pubblico. Le composizioni di Schumann appariranno in forma puramente analogica in volumi di musica classica.

Per ulteriori informazioni rivolgersi a: Prof. Dr Ulrich Konrad, Cattedra di Musicologia I,
T: +49 931 31-82828, ulrich.konrad@uni-wuerzburg.de

La conferenza del 2023 si terrà sotto il tema centrale Trasformazione - digitalizzazione e inclusione nell'educazione musicale. Per la prima volta, il nuovo presidente dell'Associazione svizzera delle scuole di musica (VMS), Philippe Krüttli, sarà in carica. Oltre ai due discorsi principali del primo giorno, il secondo giorno ci saranno diverse presentazioni su temi educativi specifici. Per la quarta volta si svolgerà anche il concorso per le migliori pratiche, un risultato che negli ultimi anni è stato accolto molto positivamente da molte scuole di musica. Di conseguenza, il VMS ha chiaramente aumentato il suo profilo a livello "di base".

La storia del Forum Musikalische Bildung (FMB) è strettamente legata a quella del VMS. Per i primi 30 anni della sua esistenza, l'associazione (fondata nel 1975) ha funzionato come organismo nazionale per le scuole associate, con un'assemblea generale annuale. All'inizio dell'era, c'è stata una richiesta di nuove strutture. In occasione della riunione di chiusura del 2005, il Consiglio direttivo ha definito per la prima volta una strategia per l'associazione. Viene decisa l'introduzione di una struttura organizzativa a ombrello e allo stesso tempo iniziano i lavori preparatori per l'iniziativa Youth+Music. Anche la fondazione della FMB va vista in questo contesto. L'associazione aveva bisogno di una piattaforma per radicare i temi dell'educazione musicale nella coscienza politica e sociale. La visione dell'allora presidente del VMS Hector Herzig era quella di istituire un forum in cui, almeno una volta all'anno, non solo l'educazione musicale, ma soprattutto i temi educativi in generale sarebbero stati ampiamente discussi. L'iniziatore immaginava un nuovo concetto educativo in cui le materie creative avrebbero avuto un posto di rilievo. Con il motto "Ripensare l'educazione", Herzig voleva "convincere la società a riposizionare l'educazione musicale nel contesto generale dell'istruzione" e fornire argomenti a favore dell'iniziativa popolare. In stretta collaborazione con Liliane Girsberger, responsabile della FMB nel Consiglio direttivo del VMS, il contenuto del forum è stato sviluppato negli anni successivi.
 

Nel 2005 si è tenuto un "Forum Burgdorf - Forum internazionale per l'educazione musicale". È stata l'unica volta. Hector Herzig, uno degli iniziatori, ha ripreso il concetto e lo ha rilanciato nel novembre 2007 come primo "Forum Musikalische Bildung FMB" presso il Kultur- und Kongresszentrum Aarau (KuK). La consigliera nazionale e presidente del comitato d'iniziativa Christine Egerszegi ha tenuto il discorso d'apertura sul tema "L'educazione musicale nel campo della tensione politica"; l'abate Martin Werlen dell'Abbazia di Einsiedeln ha tracciato una linea di demarcazione tra le regole benedettine del VI secolo e il presente digitale nel suo notevole discorso "Cosa deve rimanere perché il cambiamento sia possibile". Contemporaneamente si sono tenute quattro emozionanti presentazioni di input. Tra i relatori c'era nientemeno che Hans Günther Bastian, che nel suo noto studio a lungo termine ha analizzato l'effetto dell'aumento delle lezioni di musica sui bambini della scuola primaria, fornendo così argomenti fondamentali a favore dell'educazione musicale.

La struttura della conferenza è rimasta fondamentalmente la stessa in tutti questi anni: discorsi principali la prima e la seconda mattina, seguiti da discussioni di gruppo e interventi. All'inizio e alla fine della conferenza sono stati ascoltati contributi musicali, per lo più di giovani musicisti premiati.
Tra l'altro, Jodok Kobelt ha ospitato l'evento (tranne nel 2016) nel suo modo rilassato ma professionale fino al 2020.

Nel 2008, sempre al KuK, l'attenzione si è concentrata su "Lezioni di musica nelle scuole e scuole di musica", uno dei temi centrali dell'iniziativa. A questo tema sono state dedicate ben sei presentazioni. Christian Pfeiffer, direttore dell'Istituto di ricerca criminologica della Bassa Sassonia, ha presentato in modo accattivante i risultati delle sue ricerche sul legame tra consumo di media e rendimento scolastico. Beat Hofstetter, responsabile degli studi musicali scolastici presso la FHNW, ha messo in guardia dal declino delle competenze musicali dei futuri insegnanti, poiché la materia musicale potrebbe essere scartata dalle scuole di formazione per insegnanti - una previsione che purtroppo si è avverata. Il dettame di Gerhard Wolters "Non parlare di ciò che i bambini dovrebbero imparare, ma di ciò che fa sì che i bambini vogliano imparare" è rimasto impresso nella platea, così come la proposta radicale di Hector Herzig di "smantellare le strutture e costruire una scuola completamente nuova in un'area verde".
 

Foto: Niklaus Rüegg

Jodok Kobelt ha presieduto tutte le riunioni fino al 2020 (tranne il 2016).

Panel di discussione al FMB 2011: da sinistra Oskar Freysinger, Christine Egerszegi, Jodok Kobelt, Jean-Frédéric Jauslin

Il FMB 2009 non c'è stato. Il Consiglio direttivo del VMS ha deciso di spostare il forum dal mese di novembre, ricco di eventi, alla "pausa di gennaio" e contemporaneamente alla nuova sede di Trafo a Baden. Ciò significa che non è passato molto più di un anno dall'ultima edizione. Tra i momenti salienti dei primi anni di Trafo ci sono state le apparizioni dell'"escursionista di giornata" Daniel Fueter. Egli non solo partecipò a diversi forum come relatore e relatore, ma fornì anche inimitabili spunti di riflessione con le sue sintesi linguisticamente e contenutisticamente perfette della giornata.

Foto: Niklaus Rüegg

"L'escursionista giornaliero Daniel Fueter alla FMB 2011

La FMB 2010 è stata ancora una volta un po' più politica. Herzig voleva discussioni e punti di vista più controversi, poiché riteneva che negli anni precedenti ci fosse troppo accordo sui temi chiave. A questo proposito, è stato molto interessante l'incontro tra lo psichiatra infantile Michael Winterhoff e il pediatra Remo Largo, che si basano su principi pedagogici diversi. Anche il dibattito politico con i rappresentanti dell'Ufficio federale della cultura (BAK) è stato controverso. La formazione delle opinioni in vista della prossima votazione ha preso piede. Il filosofo Georg Kohler ha portato la discussione sull'importanza della musica a una quota più lontana. I partecipanti sono stati poi riportati a terra dallo scienziato dell'educazione Gerhard de Haan.

Nel 2011 la situazione era ancora più politica. Un amico dell'educazione musicale è stato trovato nella persona del consigliere cantonale bernese Bernhard Pulver. Il consigliere nazionale Ruedi Noser si è opposto all'iniziativa, il capo del BAK Jean-Frédéric Jauslin è stato conciliante, Christine Egerszegi si è impuntata e il populista dell'SVP Oskar Freysinger si è autopromosso. Mr Expo 02, Martin Heller, ha accusato i politici di mancanza di coraggio quando si tratta di finanziare progetti culturali.
 

Foto: Heiner Grieder/FMB/VMS

Hector Herzig ha avviato la FMB nel 2007 e ha presieduto cinque conferenze fino al 2012.

Hector Herzig si è dimesso dalla carica di Presidente del VMS nel 2012 e la quinta FMB è stata anche l'ultima sotto la sua guida. È stata logicamente caratterizzata dall'imminente voto. Era palpabile un tenue ottimismo sugli effetti a medio termine di un futuro articolo costituzionale. Il più grande successo della conferenza è stato ottenuto da un oratore che non era nemmeno presente. Il neurobiologo Gerald Hüther ha dovuto disdire con poco preavviso e ha invece mostrato un emozionante video sul tema "Cosa siamo e cosa potremmo essere".

Foto: Heiner Grieder/FMB/VMS

Christine Bouvard assume la responsabilità della conferenza da Hector Herzig al termine della FMB 2012.

Con il passaggio del testimone alla nuova Presidente della SMV, Christine Bouvard Marty, e dopo aver vinto la votazione, è stata imposta una pausa di riflessione della FMB di due anni. Da quel momento in poi, il lavoro del Comitato esecutivo della SMV si è concentrato sull'attuazione del nuovo articolo 67a della Costituzione. I forum si concentrarono sempre più sulle realtà "di base" delle scuole di musica. Sotto il tema "Le chiavi del successo", la FMB 2014 si è concentrata sulla promozione degli studenti di talento, uno dei temi ora sanciti dalla nuova Costituzione. Alcuni dei relatori sono stati ricordati in modo particolare: Graziella Contratto, con le sue analisi acute, lo psicologo musicale Stefan Kölsch sul tema della musicalità, la scienziata dell'educazione Annette Tettenborn sul processo del "diventare dotati", Hacı-Halil Uslucan, professore di studi turchi moderni, sul tema della musicalità e della migrazione. Il presidente di Swiss Olympic, Jörg Schild, ha fornito approfondimenti sulla promozione sportiva, ha permesso confronti incrociati e ha dato nuove idee ai promotori musicali. Helga Boldt ha presentato una scuola finanziata dal Gruppo Volkswagen, costruita su un "sito verde" secondo i più recenti principi pedagogici.

Per la prima volta, i progetti di buone pratiche delle scuole di musica sono stati presentati in una grande mostra di poster.

Nel 2016 l'attenzione si è concentrata su "Innovazione e cambiamento vivente". L'inventore Andreas Reinhard ha sostenuto la cultura dell'errore nell'istruzione, il ricercatore educativo Malte Petersen ha spiegato il principio dell'apprendimento intuitivo e lo psicologo e chitarrista Alan Guggenbühl si è rivelato un oppositore dell'istruzione puramente orientata ai risultati. Timo Klemettinen ha fornito un aggiornamento sul sistema educativo finlandese e, infine, Hector Herzig ha presentato il nuovo programma di sostegno ad ampio raggio del governo federale, "jugend+musik".
Vista l'esperienza positiva dei progetti di best practice, il progetto è stato ampliato e trasformato in un concorso.
 

Foto: Heiner Grieder/FMB/VMS

Andreas Weidmann, allora responsabile della comunicazione di VMS, alla FMB 2016.

Nel 2016, i partecipanti al FMB hanno potuto valutare per la prima volta i progetti di best practice.

Gli ultimi due forum - sempre al Trafo - si sono concentrati sugli scenari futuri. Con il titolo "Cambiamento: opportunità o minaccia?", il FMB 2018 ha esaminato l'influenza dei megatrend sull'educazione musicale. Lo studioso dell'età Jonathan Bennett ha sottolineato la crescente importanza degli anziani nel mercato dell'insegnamento, mentre il sociologo Ueli Mäder ha diagnosticato una ricaduta dell'istruzione in ricette meccanicistiche. Joël Luc Cachelin ha chiesto un approccio consapevole e critico alla digitalizzazione. Il mondo delle scuole di musica tedesche e austriache è stato presentato da Michaela Hahn e Ulrich Rademacher. Andreas Doerne e Stefan Goeritz hanno attirato molta attenzione con la loro presentazione di una scuola di musica come "luogo di apprendimento". Nel concorso per le migliori pratiche, i partecipanti hanno potuto partecipare alla selezione delle migliori. Lo straordinario duo Calva ha fatto da contrappunto.

L'ultimo FMB 2020 ha cercato "Percorsi verso la meta" e "Opportunità per una società che cambia". Le questioni politiche hanno assunto un'importanza maggiore, in quanto le consultazioni preliminari per il nuovo messaggio sulla cultura (2021-2024) sono entrate nella fase decisiva. Lo scienziato dell'educazione Max Fuchs ha parlato di un "diritto umano alla musica", il consigliere nazionale Markus Ritter ha svelato i trucchi per avere successo politico a Berna, David Vitali del BAK ha spiegato la prevista attuazione della promozione dei talenti (articolo costituzionale 67a, comma 3) e il fondatore della start-up Jan Rihak ha presentato la sua applicazione didattica basata sul web. Il momento clou della conferenza è stato senza dubbio la presentazione del sociologo Armin Nassehi. Egli ha posto la domanda: "Per quale problema la digitalizzazione è la soluzione?" e ha messo la digitalizzazione sullo stesso piano di conquiste epocali come la stampa o la macchina a vapore. Non resta che attendere la prossima edizione, che si terrà nel gennaio 2023 sotto l'egida del nuovo presidente del VMS Philippe Krüttli.
 

Antoine Gilliéron - La nozione di libertà all'interno dei corsi di formazione musicale superiore svizzeri è stata messa in discussione attraverso esempi concreti: questo articolo vuole essere una sintesi delle discussioni presentando i risultati di questa giornata di scambio educativo.

La conferenza di apertura, tenuta da Elisabeth Gutjahr, rettore del Mozarteum di Salisburgo e vicepresidente dell'Associazione Europea dei Conservatori, ha evidenziato le principali aree di riflessione che hanno caratterizzato i dibattiti successivi:

Visione e valori: cos'è una persona libera (a tutti i livelli)?

Didattica: qual è la nostra idea di apprendimento?

Ingegneria pedagogica: quale struttura per i curricula e l'insegnamento?

Institutionnel: quale relazione tra gli individui liberi e il collettivo che agisce altrettanto liberamente?

Valutazione e standard: quali vantaggi per l'apprendimento?

Equilibrio: quale grado di libertà insufflare nei cursus d'études?

All'inizio delle articolazioni del corpo umano con mobilità diverse (un poignet ne bougeant par exemple pas de manière similaire à une épaule ou à un cou), si è posta la questione del maleficio, e questo contestualizzando ciò che è possibile o meno realizzare nel quadro di Bologne, alla luce dei contributi filosofici di Jacques Rancière, autore del libro "Le maître ignorant, cinq leçons sur l'émancipation intellectuelle".

La cinquantina di partecipanti a questa giornata è stata poi suddivisa in due focus group. Durante la mattinata, hanno discusso le potenzialità e i benefici di una strutturazione più libera dei curricula, sia dal punto di vista accademico (da un punto di vista pedagogico o amministrativo) che sociale (in base all'impatto sociale e all'occupabilità della ricerca).

I risultati in termini di profitti hanno dimostrato questi elementi: un necessario cambio di paradigma; un rafforzamento della responsabilità amministrativa degli studenti; uno spirito di apertura diffuso in tutti i settori della comunità; relazioni più orizzontali; una riduzione del carico amministrativo istituzionale; un potenziale aumento dell'occupabilità; la facilitazione dei legami con altri partner istituzionali; il rafforzamento di progetti concreti sul territorio; l'inclusività e la diversità al centro del programma di insegnamento; la trasformazione dei crediti ECTS in un contenuto ancora più artistico e persino potenzialmente gratuito; minori problemi di risorse umane legati a missioni più significative; abbattimento del cliché di "scuole-musica" per tendere a diventare piattaforme ancora più vivaci; pedagogia che potrebbe diventare ancora più innovativa.

Dopo la presentazione dei modelli esistenti della School of Commons presso la ZHdK, di Open Creation presso l'Accademia musicale di Basilea e di Freiform presso la FHNW, l'obiettivo dei focus group della mattinata è stato questa volta quello di concentrarsi sulle implicazioni concrete e sui limiti di un curriculum più flessibile, dagli stessi due punti di vista di questa mattina (cioè pedagogia accademica/amministrazione e impatto sociale globale/occupabilità).pedagogia accademica/amministrazione e impatto sociale globale/occupabilità).

Viene quindi presentato il bilancio in termini di limitazioni: descrizione dettagliata dei moduli liberi per non perdere qualità; vigilanza a livello di mobilità internazionale (Erasmus); logica di gestione accademica non ancora sufficientemente agile; valutazione dei moduli liberi da reinventare; natura volatile e provvisoria dell'organizzazione che può destabilizzarla; logica auto-imprenditoriale a livello di società che deve essere messa in discussione; necessità di andare verso la libertà (con progressione e differenziazione); gestione delle risorse umane che potrebbe diventare più complessa; individualizzazione dei corsi più complicata della generalizzazione; competenze professionali da includere anche nelle libere professioni, in contrasto con il milieu professionale.

Infine, una sintesi della giornata è stata presentata dagli studenti e da Philippe Dinkel, ex direttore dell'HEM di Ginevra-Neuchâtel, per concludere questa giornata di insegnamento. Le conclusioni, oltre a rendere omaggio all'artigianato, alla disciplina e all'eccellenza, hanno contribuito ad allentare le tensioni che affliggono le scuole di musica del Paese: patrimonio e creazione; individuale e collettivo; istituzione e innovazione; processo di apprendistato e apprendistato spontaneo; dignità della professione del musicista e autonomia; creatività e garanzia di qualità; autorità e orizzontalità; istituzionale e non istituzionale; tradizione e nuove professioni; fissità e fluidità; mercato del lavoro e desiderio di cambiare o riparare la società.

Il concetto di libertà, che si rifà all'antica Grecia ed è presente in tutti i movimenti filosofici da allora, richiede responsabilità, maturità, fiducia, pensiero critico e rispetto, validi per tutti i segmenti della società. Le soluzioni per i licei musicali svizzeri dovrebbero quindi basarsi sulle idee di apprendimento permanente, su una migliore selezione degli studenti con una consapevolezza dei profili ricercati e delle identità delle istituzioni coinvolte, dello sviluppo di comunità artistiche allargate (fisicamente e numericamente), di un maggiore incoraggiamento delle iniziative degli studenti e - anche se "l'arte nasce da costrizioni, vite di lotta, vite di libertà" secondo André Gide - della... della flessibilizzazione del percorso di studi.

Subito dopo la pubblicazione del loro ultimo album Nella primavera del 2019 - dopo un silenzio radiofonico durato nove anni, è stato come un ritorno - gli Young Gods hanno iniziato a riunirsi con l'evergreen della musica minimale di Terry Riley In C per occupare se stessa. Pare che ciò sia avvenuto su istigazione di Benedikt Hayoz, direttore dell'orchestra tradizionale di fiati friburghese Landwehr. Ne sono scaturite diverse interpretazioni del brano insieme ad altre formazioni, ad esempio insieme al collettivo di musica contemporanea ginevrino Ensemble Batida. Il giorno prima di questo concerto, il 21 ottobre 2021, i tre dei - Franz Treichler (polistrumentista, voce), Cesare Pizzi (campionatore, computer) e Bernard Trontin (batteria) - si sono recati in uno studio di Ginevra per registrare la propria versione in trio in un'unica, intensa sessione live.

Composto nel 1964, oggi esistono decine di registrazioni di questo classico del genere da parte di ensemble diversi come Piano Circus, Shanghai Film Orchestra, Acid Mothers Temple e Africa Express. Non c'è da stupirsi: la composizione è costituita in modo specifico da 53 frasi, la cui lunghezza varia da mezzo battito a 32 battiti. Ma il modo in cui queste frasi vengono messe insieme e la frequenza con cui vengono ripetute è a discrezione dei musicisti. Terry Riley non specifica nemmeno il numero o il tipo di strumenti, né tanto meno la durata dell'esecuzione.

Molte altre interpretazioni permettono alle ripetizioni e al ritmo costante di scivolare in una serenità di tipo zen. In termini di sola strumentazione, gli Young Gods solleticano una dinamica molto più rocciosa e quindi anche nuove sfumature inaspettate del pezzo. Il trio, perfettamente in sintonia tra loro, controlla magistralmente gli alti e bassi di intensità e volume. La pienezza bulbosa dei rumori elettronici genera un massaggio sonoro di profondità, i riff percussivi di marimba lasciano balenare giocosi coni di luce attraverso il sottobosco, i molti dettagli finemente cesellati non vengono mai sbattuti in modo invadente contro le nostre orecchie, ma aspettano pazientemente di essere scoperti al terzo, quarto o addirittura cinquantesimo ascolto. L'ultimo minuto di "Part 6" vale da solo il biglietto. Conclusione: mozzafiato.

The Young Gods: Play Terry Riley In C. Two Gentlemen TWOGTL 101 (2 Vinyl-LP + 1 CD)

La Federazione Mondiale dei Concorsi Internazionali di Musica (WFIMC) terrà l'evento a Ginevra dal 13 al 21 aprile 2023 con il nome di "Concorso Horowitz Kyiv-Ginevra". La giuria, composta da nove membri, sarà presieduta dal direttore d'orchestra ucraino Kirill Karabits, che dirigerà anche l'Orchestre de la Suisse Romande nella finale del concorso alla Victoria Hall.

Il concorso è sostenuto dalla Città e dal Cantone di Ginevra, dalla Città di Kiev, dal Ministero della Cultura e della Politica dell'Informazione dell'Ucraina, dal Vere Music Fund, dalla Fondazione Art Mentor di Lucerna, nonché dal Concours de Genève, dal Concorso Pianistico Internazionale Ferruccio Busoni di Bolzano, dal Concorso Pianistico Internazionale Fryderyk Chopin di Varsavia, dal Concorso Franz Liszt di Utrecht e dal Concorso Van Cliburn di Fort Worth, Texas.

Sebbene oggi il mandolino abbia uno status piuttosto esotico tra gli strumenti, è sempre stato uno strumento che è riuscito a costruire ponti, scrivono i consigli musicali regionali. 

A prima vista, il mandolino, in quanto successore del liuto, sembra essere più uno strumento aulico, ma è sempre stato uno strumento popolare, un "violino dei lavoratori", che ha portato alle orchestre di mandolini, le orchestre sinfoniche del piccolo uomo. È stato lo strumento del movimento Wandervogel. Il ponte con la musica di altre culture può essere facilmente costruito attraverso il suo rapporto con altri strumenti a liuto come il bağlama.

Dal 2008, ogni anno viene scelto uno strumento dell'anno e ci si concentra su di esso per dodici mesi. Ogni Stato federale ha un proprio approccio per raggiungere l'obiettivo transnazionale: Attirare la curiosità e l'attenzione sulle molteplici sfaccettature dello strumento.

Con Brönnimann, la Real Filharmonía de Galicia acquisisce un direttore artistico "con un approccio sociale impegnato e una spiccata sensibilità per temi quali l'educazione e la creazione contemporanea", scrive l'orchestra. Fondata nel 1996 a Santiago de Compostela, in Spagna, l'ensemble è stato inizialmente diretto, tra gli altri, da Helmut Rilling.

Baldur Brönnimann, nato a Basilea nel 1968 e cresciuto a Pratteln, formatosi all'Accademia musicale di Basilea e al Royal Northern College of Music di Manchester, è direttore principale della Basel Sinfonietta dalla stagione 2016/17.

Fino al 2020 è stato direttore principale dell'Orquestra Sinfónica della Casa da Música di Porto e in precedenza direttore artistico dell'ensemble norvegese di musica contemporanea BIT20 e direttore principale dell'Orchestra Sinfonica Nazionale della Colombia a Bogotá. Brönnimann vive a Madrid.

Sin dagli inizi, nel 1995, il Festival Martinů si è affermata come parte integrante della vita musicale di Basilea. L'impegno principale è quello di coltivare e diffondere la vasta e variegata opera di Bohuslav Martinů, che dal 1956 visse come ospite di Paul Sacher sullo Schönenberg di Pratteln, vicino a Basilea, prima di morire a Liestal nel 1959. Sotto la direzione artistica del pianista Robert Kolinsky è riuscito ad attirare al festival artisti di fama con il suo programma variegato e fuori dai sentieri battuti. Sono probabilmente queste due qualità costantemente perseguite che hanno conferito al festival una reputazione che va ben oltre Basilea negli ultimi anni, come dimostra anche il patrocinio onorario di alto livello del Consigliere federale Alain Berset e della Presidente slovacca Zuzana Čaputová.

Un emozionante contrappunto a Martinů nel programma di quest'anno è stato il lavoro del compositore e direttore d'orchestra Miloslav Kabeláč (1908-1979), che probabilmente è poco conosciuto in questo paese al di fuori dei circoli di intenditori. Il pezzo centrale del concerto inaugurale del 23 ottobre nella Chiesa di San Paolo della Cultura è stata la sua ottava sinfonia Antifone op. 54 per soprano, coro misto, strumenti a percussione e organo. Composta tra il 1969 e il 1970 su testi dell'Antico Testamento, è una reazione accusatoria all'invasione della Cecoslovacchia da parte delle truppe del Patto di Varsavia nel 1968 e alla soppressione degli sforzi riformatori della Primavera di Praga. L'opera, divisa in cinque movimenti e quattro interludi, è caratterizzata da un linguaggio tonale aspro ed esteso, da forti impulsi ritmici e da estremi dinamici. L'esecuzione della parte del soprano, estremamente impegnativa, da parte di Afrodite Patoulidou; impressionante per precisione e presenza la realizzazione delle parti di percussione da parte dei membri del gruppo. Percussioni di Strasburgolo stesso ensemble che ha eseguito la prima mondiale a Strasburgo nel 1971. L'incontro tra l'ensemble Accademia di canto di Zurigo e il Coro della Radio Ucraina - la cui presenza conferiva al tema un'attualità opprimente - sono riusciti in questo caso ad avere la stessa brillantezza che nel film di Martinů Quattro canzoni su Maria per coro misto H 235 e La montagna delle tre luci per coro maschile e organo H 349. Anche l'organista tedesco ha brillato in questa serata Sebastian Heindl in Kabeláčs Due fantasie op. 32 e l'opera di Martinů Veglia H 382. La trasparenza e la ricchezza di colori che l'organista, nato nel 1997 e più giovane finalista del rinomato Longwood Gardens Organ Competition nel 2019, nominato a luglio musicista di chiesa della Kaiser Wilhelm Memorial Church di Berlino, ha saputo presentare e illuminare sull'organo della Pauluskirche, idealmente attrezzato per il repertorio del XIX e XX secolo, è stata a dir poco sensazionale.

Oltre a un concerto con grandi ensemble, il Festival Martinů include tradizionalmente un concerto di musica da camera, un evento cinematografico, un concerto jazz e un concerto per famiglie. Quest'ultimo, ispirato alla fiaba Bětuška e la fata del bosco (Božena Nĕmcová ), scoprire un lato diverso di Kabeláč; il programma includeva Dětem op. 22 (Piccola suite orchestrale per bambini) la suite Modré Nebe (Blauer Himmel) op. 19a per coro di bambini e orchestra, opere da camera di Martinů (Nonet n. 2 H 374 e Serenade n. 3 H 218) e i Kinderlieder H 184bis (esecutori: Ensemble le raid merveilleux, bambini della scuola elementare e orchestrale Insel; Stefano Mariani, direttore musicale). Il concerto jazz del 30 ottobre al Bird's Eye (Martina Barta, voce; Matti Klein, pianoforte; Niklas Lukassen, basso; Genius Wesley, batteria) è stato dedicato al lavoro del leggendario compositore di canzoni Burt Bacharach (nato nel 1928), che fu in tournée con Marlene Dietrich negli anni Cinquanta e studiò, tra gli altri, con Martinů. La biografia di Martinů è stata al centro del film proiettato allo Stadtkino di Basilea il 1° novembre. La mia vita con Bohuslav Martinů (Direttore: Jakub Sommer).

Infine, il concerto da camera del 6 novembre nella Hans-Huber-Saal con Steven Isserlis, violoncello, e Connie Shih, pianoforte, ha presentato due scoperte: la prima mondiale dell'opera manoscritta di Kabeláč Tre pezzi per violoncello solo e il Deux ritournelles pour violoncelle et piano op. 25 della talentuosa compositrice, direttrice d'orchestra e allieva di Martinů Vítězslava Kaprálová (1915-1940), morta giovane. Accanto all'opera di Martin Sonata per violoncello e pianoforte No. 1 H 277 ha proseguito il brano di Schumann Adagio e Allegro per violoncello e pianoforte op. 70 in programma.