Perché un altro libro sulla musica e il cervello? è la prima domanda che si pone Eckart Altenmüller. Si differenzia dagli altri, risponde, perché pone anche domande sul dove, sul come e sul perché. L'autore copre un'ampia gamma di argomenti, con approfondimenti sulla ricerca della preistoria del fare musica, sulla questione se anche gli animali facciano musica, sulla ricerca sulle emozioni e sulla musicoterapia. Tutto questo in uno stile piacevolmente senza pretese, chiaro e ben fondato. Le spiegazioni nel testo continuo sono integrate da esempi musicali che possono essere richiamati con l'aiuto di codici QR.

Altenmüller è un neurologo e, come flautista, un allievo di Aurèle Nicolet, il che significa che ha un grande talento sia come musicista che come scienziato. È giustamente riconosciuto in tutto il mondo come uno dei più importanti rappresentanti della neuromusicologia. Il fatto che la lettura del libro sia un grande piacere è dovuto anche al fatto che egli rimane presente come persona. Egli illustra le sue tesi e le sue teorie soprattutto a partire dalla sua esperienza personale di flautista. Ha anche suonato personalmente numerosi esempi sul suo strumento. Si nota anche il suo radicamento nella tradizione medica della classe media colta dell'Europa occidentale. Per spezzare le spiegazioni scientifiche, cita personaggi come Grimmelshausen, Proust, Ingeborg Bachmann, Ovidio e così via.

I passaggi più forti del libro sono le spiegazioni degli aspetti fisiologici del fare musica. Altenmüller non solo sa spiegare le ultime scoperte sulla fisiologia del cervello e sugli aspetti sensoriali del fare musica. Si occupa anche delle tecniche di pratica e delle malattie dei musicisti, in particolare del "crampo del musicista", in modo illuminante. È un po' più scivoloso quando si tratta delle aree più umanistiche delle teorie emozionali e della musicoterapia. Molto spazio è dedicato alla ricerca più fisiologica sulla pelle d'oca nella musica. Come ammette lo stesso Altenmüller, questa viene prodotta in modo più affidabile da cose piuttosto banali come grattare una lavagna. Ci si può quindi chiedere quanto sia grande il suo potenziale di conoscenza per la ricerca sulle emozioni nella musica.

Tuttavia, importanti modelli attuali di ricerca sulle emozioni nella musica non vengono menzionati o vengono solo accennati di sfuggita. Ad esempio, è probabile che non si faccia riferimento al modello etologico di David Huron o al modello dei processi componenti di Klaus R. Scherer e alle teorie sulle emozioni di Nico Frijda, che sono il punto di partenza per i più importanti modelli più recenti. Anche Altenmüller riflette sulla musicoterapia soprattutto come fisiologo. Alcuni esempi di ricerca musicoterapica attuale sembrano poco rappresentativi o superati.

Eckart Altenmüller: Dal Neandertal alla Philharmonie - Perché gli esseri umani non possono vivere senza musica, 511 p., € 24,99, Springer, Berlino 2018, ISBN 978-3-8274-1681-0

Mi sono divertito molto a suonare i dieci valzer per due violini dell'impegnato violinista-conduttore-imprenditore Aleksey Igudesman. Il Valzer semplice all'inizio è facile da suonare, ma ben formato. Gli altri nove sono invenzioni sofisticate in vari stati d'animo. Richiedono un'esecuzione familiare e una grande flessibilità dinamica e agogica. Gli effetti umoristici sono creati da pause generali incorporate, figure di accompagnamento frenetiche, note graffianti o pause di svolta teatralmente affannose. Gli arrangiamenti di Chopin, Brahms e Johann Strauss portano il loro contenuto all'estremo. Le due voci si alternano democraticamente al comando; è un piacere per i professionisti e per i dilettanti... e anche per gli ascoltatori.

Aleksey Igudesman: Valzer e altro per 2 violini, UE 33657, € 17,95, Universal Edition, Vienna

Il pastore solitario sulla spiaggia, in attesa della sua amata, che soffia sull'ancia doppia, che chiama, che si lamenta: associazioni bucoliche di questo tipo attraversano la mente fin dalla prima nota. Lettera da lontanoche György Kurtág scrisse in memoria dell'arpista Ursula Holliger, scomparsa nel 2014. Il marito, Heinz Holliger, intona questo brano all'oboe in modo straziante ed elegiaco. Non è un caso che tra le 37 tracce di questo CD si ritrovi più volte uno stato d'animo simile, nel brano di Kurtág ...un frammento di Saffo per esempio, o in ...(Omaggio a Tristano) - Il cor anglais compare nel terzo atto dell'opera. Holliger, da parte sua, riprende il tono intenso e caldo. Si tratta spesso di ricordi del defunto, di omaggi agli amici, di reminiscenze della storia della musica, molto toccanti, che chiamano, che inseguono, che implorano, che lamentano, a volte con colori delicati, a volte con colori scuri, nell'esecuzione di Holliger e di Marie-Lise Schüpbach all'oboe e/o al cor anglais, e soprattutto quando si unisce il clarinetto contrabbasso di Ernesto Molinari. Ci sono anche dialoghi e accoppiamenti strumentali, splendidamente eseguiti, con carattere, disegnati con precisione.

Dialoghi è il titolo del CD che l'etichetta ECM dedica a Holliger in occasione del suo 80° compleanno. Sulla copertina compaiono i nomi di Holliger e di Kurtág. È la testimonianza di una lunga amicizia artistica. All'inizio può sorprendere che Holliger dica che i loro stili compositivi sono simili. Molte delle opere più vecchie sembrano completamente diverse, eppure i due si sono avvicinati negli ultimi decenni. Dopo tutto, hanno avuto lo stesso maestro in Sándor Veress. Questo CD molto armonioso racconta la storia. E quando si pensa che il tutto suoni molto omogeneo, si scoprono sfumature, misteriose. I riferimenti si arricchiscono e si avvicinano. A volte, i brani vanno avanti e indietro tra i due. La Svizzera messa in musica Il Ros di Angelus Silesius, e l'ungherese risponde con un altro allestimento cantato da Sarah Wegener.

Infine, un altro artista si unisce alla conversazione. Il poeta Philippe Jaccottet recita sette delle sue poesie, che Holliger riprende in una "Lecture pour hautbois et cor anglais". In essa, egli segue le parole, ma con ogni Aria un po' più in là, nel microtonale e nell'ultimo pezzo Oiseaux ... È una musica che si protende verso la distanza e cerca un orizzonte lontano.

I brani brevi sono pratici. Sia per integrare o strutturare un programma di concerti, sia per un lavoro didattico nel settore universitario, sia per guardare un po' più da vicino le spalle dei compositori mentre lavorano. Due raccolte con numerosi brani prevalentemente brevi di György Kurtág e Heinz Holliger, scritti in un arco di tempo piuttosto lungo, dovrebbero quindi suscitare grande attenzione.

Con il titolo Segni, giochi e messaggi (Signs, Games and Messages), raccolte per violino, violoncello e clarinetto, ad esempio, sono già state pubblicate. Ora sono disponibili le opere di musica solista e da camera di György Kurtág per oboe e cor anglais, che meritano un approfondimento. La sua scrittura si muove in un interessante campo di tensione tra una notazione molto precisa e un'intenzione molto libera. Indicazioni dettagliate sull'articolazione, come le varie legature (concepite in modo gerarchico o alternativo), contrastano con un'ampia rinuncia alle linee di battuta o a indicazioni di tempo o di ritmo troppo precise. Alcuni passaggi dell'ossia offrono all'esecutore delle opzioni. Nella musica di Kurtág, la caratterizzazione più precisa possibile è sempre centrale: qui, un'ampia varietà di indicazioni verbali aiuta, come ad esempio più sonore, raddolcendo, con slancio, disperato, pochissimo. più intenso o ancora e ancora rubato e parlando.

L'opera più estesa e più conosciuta della collezione è In Nomine - all'onghereseuna magnifica monodia che esiste in una forma leggermente diversa per numerosi strumenti. Ma anche alcuni brani più brevi meritano uno studio approfondito, come la Frammento di Saffo o le due parti Omaggio a Elliott Carter. Nelle opere di musica da camera, spesso viene aggiunto uno strumento a clarinetto (in ben tre casi si tratta del clarinetto contrabbasso). Un brevissimo duo che spicca sicuramente in questo caso è l'agguerrito Versetto per cor anglais e clarinetto basso, ma anche l'infinitamente lento e (tranne che per un breve scoppio) infinitamente silenzioso Rozsnyai Ilona in memoriam per cor anglais e clarinetto contrabbasso. Anche i due duetti per soprano e oboe e cor anglais sono estremamente poetici, Lorand Gaspar: Désert e Angelus Silesius: Il Ros. Tutte le opere di questa straordinaria e magnifica raccolta sono dedicate a Heinz Holliger, autore dell'altra edizione, di cui si parlerà qui.

La sua raccolta consiste in dieci duetti per oboe e arpa, originariamente composti per uso personale. Si tratta di opere giocose, a volte molto brevi, regali di compleanno per Robert Suter, Elliott Carter o Peter-Lukas Graf, ad esempio, alcune delle quali sono state arrangiate anche per altri strumenti melodici (flauto, carinette, sassofono). Due pezzi più lunghi e molto impegnativi spiccano a prima vista dall'"Albumblätter-Miniaturen": in primo luogo, l'opera che dà il titolo al lavoro Un bouquet di pensieridedicato al suo stimato maestro Émile Castagnaud in occasione del suo 90° compleanno, un brano ampio e dialogico del 1999 per oboe d'amore e arpa; dall'altra parte Surrogò, all'ongheresededicato a György Kurtág nel 2006, una composizione ronzante e scintillante (queste espressioni si trovano nel sottotitolo!) di carattere fortemente energetico per cor anglais e arpa, che alla fine si dissolve in un nulla tonale.

Oltre a questa raccolta estremamente utile, la pubblicazione precedente di Mobile per oboe e arpa. Da un lato, la nuova edizione è indispensabile, poiché sono state apportate modifiche significative sia alle parti per arpa che a quelle per oboe. Dall'altro lato, l'opera perde una caratteristica decisiva: nella prima edizione le dodici parti brevi erano stampate su un'unica grande pagina e potevano essere suonate in tre diverse sequenze. Se ora, con la nuova edizione, si esegue un intero libretto (in cui le tre versioni sono stampate una dopo l'altra) e, inoltre, si devono sfogliare continuamente le fermate di transizione, il carattere quasi improvvisativo dell'esecuzione, per il quale il titolo Mobile sta. Il recensore si permette di consigliare di ridurre leggermente le dimensioni delle singole parti e di incollarle su un grande cartone come nella prima edizione. Se ben posizionati, i due musicisti potrebbero anche suonare da un carillon, il che permetterebbe interazioni ancora più vivaci e spontanee.

György Kurtàg: Segni, giochi e messaggi, assoli e opere di musica da camera per oboe e cor anglais, Z. 15 074, ca. Fr. 52.00, Editio Musica Budapest 2018

Heinz Holliger: Un bouquet de pensées, 10 pezzi per oboe (oboe d'amore, cor anglais) e arpa (singoli pezzi anche per flauto/ flauto contralto, clarinetto, sassofono soprano/alto/tenore e arpa), partitura e parti ED 9467, € 55,00, Schott, Mainz

id., Mobile, per oboe e arpa, partitura ED 5384, € 28,00, Schott, Mainz

Questo primo degli otto volumi previsti della raccolta di musica per organo e harmonium di César Franck presenta quattro opere giovanili e due frammenti. Per molti organisti si tratta certamente di nuove scoperte, poiché le opere non fanno parte del canone delle dodici "grandi" opere per organo del compositore.

Il Fantaisie (Pièce) in la maggiore è stato pubblicato nel 1990 da Joël-Marie Fauquet (Editions musicales du Marais) e nel 2008 in un'edizione corretta da alcuni errori di stampa da Bernhard Haas (Butz-Verlag). Fantaisie en ut majeur (fasi iniziali della successiva fantasia in do maggiore della Sei pièces) e un Pièce en mi bémol majeur è stato pubblicato nel 1973 dalla Schola Cantorum in un'edizione a cura di Norbert Dufourcq. L'affascinante Andantino in sol minore fu pubblicato in un'antologia durante la vita di Franck, in seguito anche in edizione singola, ma non gli fu attribuito un numero d'opera. A questo proposito, solo le opere frammentarie che sono sopravvissute e che purtroppo non sono abbastanza "complete" per un'esecuzione - un pezzo in mi bemolle maggiore, di cui sono sopravvissute solo le ultime cinque pagine e mezzo, e l'inizio di un'opera in mi bemolle maggiore. Prière (senza conclusione) - sono vere e proprie nuove scoperte. Tuttavia, si tratta di testimonianze molto interessanti del compositore, il cui background biografico (ad esempio, il suo "inizio di carriera" come bambino prodigio che suonava il pianoforte fino a una frattura fondamentale con il padre) e lo sviluppo compositivo da sofisticato musicista da salotto a mistico sono ancora troppo poco riconosciuti. È chiaramente riconoscibile che Franck concepì queste opere per strumenti del primo romanticismo (Saint-Roch 1842, Saint-Eustache 1853) e faticò visibilmente a formulare le sue intenzioni tonali perché non corrispondevano ancora allo standard successivo di Cavaillé-Coll e agli "scenari di registrazione" più o meno schematici possibili con esso. Anche il linguaggio tonale del compositore appare talvolta ancora un po' goffo e (ad esempio, nelle figure di accompagnamento) fortemente ispirato al pianoforte, ma qua e là traspaiono già alcune frasi "tipiche" di Franck.

L'eccellente prefazione del curatore rende ora queste connessioni accessibili a un pubblico di lingua tedesca e inglese, dato che l'autorevole biografia di Joël-Marie Fauquet (Fayard 1999) è disponibile solo in francese. L'esemplare testo musicale e il dettagliato resoconto critico forniscono una grande quantità di dettagli sulle opere, sulla loro genesi e realizzazione, e documentano le decisioni editoriali alla luce delle edizioni già note. Sarà quindi interessante vedere se dai prossimi volumi si potranno trarre nuovi spunti di riflessione sulle opere "canoniche" di Franck già disponibili in edizioni originali (editori francesi, ristampate da Butz) e nuove edizioni critiche (Wiener Urtext, Henle).

César Franck: Complete Organ and Harmonium Works, Volume I: Early Organ Works / Fragments, a cura di Christiane Strucken-Paland, BA 9291, € 29,95, Bärenreiter, Kassel

Wiener ha ricevuto anche il premio speciale per la musica da camera per la migliore interpretazione del primo movimento del Trio n. 1 in re minore op. 49 di Felix Mendelssohn-Bartholdy. La giuria di critici ha elogiato in particolare l'intelligenza musicale ed espressiva di Wiener e il suo approccio unico alle composizioni.

Simon Wiener ha ricevuto lezioni di violino dall'età di quattro anni e mezzo. È stato allievo di Zakhar Bron dal 2010 al 2014. Ha poi proseguito gli studi di perfezionamento con Renaud Capuçon all'Università di Losanna, dove ha conseguito il diploma di solista con lode nel 2018. Attualmente è allievo di Ilya Gringolts presso la ZHdK di Zurigo.

Il Concorso Leopold Mozart di Augusta, che si tiene ogni tre anni, è uno dei più prestigiosi concorsi di violino. È membro della World Federation of International Music Competitions (WFIMC), Ginevra.

Gli organizzatori ne sono stati entusiasti: il 5 giugno, all'Allresto di Berna, circa 35 rappresentanti di varie associazioni musicali e del Parlamento hanno ascoltato David Vitali, responsabile della sezione "Cultura e società" dell'Ufficio federale della cultura (UFC). L'incontro è stato organizzato dal Gruppo parlamentare per la musica (PGM) e dal suo presidente, il consigliere nazionale Stefan Müller-Altermatt. L'invito con il titolo Il nuovo messaggio culturale in uscita: le proposte del governo federale e le richieste del settore musicale: armonia o dissonanza? in allegato sono stati i Commenti e domande del Consiglio svizzero della musica sul messaggio culturale 2021 e seguenti.

Il Consiglio svizzero della musica (SMR) aveva già sviluppato le basi per questo documento insieme ai suoi membri nell'estate 2018 e ha discusso le sette preoccupazioni principali del settore musicale emerse da queste consultazioni con il BAK e Pro Helvetia il 6 settembre 2018. In sintesi, si trattava di: 1. apprezzamento della musica in generale, 2. dibattito sull'equo compenso per i diritti degli autori e degli esecutori rispetto alla libertà di internet, 3. facilitazione dei progetti intersettoriali, 4. finanziamento delle start-up, 5. strategie di sviluppo a lungo termine per i tre generi della musica popolare, della musica contemporanea e della musica classica, 6. promozione della musica svizzera all'estero e 7. attuazione dell'articolo 67a "Educazione musicale" della Costituzione federale.

Vitali ha iniziato spiegando il contesto del messaggio culturale pubblicato il 29 maggio e ha fatto riferimento alla continuità delle linee di sviluppo strategico "Partecipazione culturale", "Coesione sociale" e "Creazione e innovazione", prima di passare alle innovazioni. Ha concentrato le sue osservazioni sull'attuazione dell'articolo sulla musica, di cui è responsabile la sua sezione. Ad esempio, il programma Gioventù e Musica sarà ulteriormente ampliato e sarà istituito un programma di promozione dei talenti in collaborazione con le scuole di musica e le accademie musicali. È prevista l'introduzione di una talent card sul modello del programma Gioventù + Sport. A tal fine, il BAK richiede 25,6 milioni di franchi svizzeri per l'intero periodo di finanziamento, circa 8 milioni in più rispetto al periodo precedente. Inoltre, è prevista l'aggiunta di un quarto paragrafo all'articolo 67a della Costituzione federale, che attualmente recita: "Essa [la Confederazione] può promuovere individui di talento musicale attraverso misure specifiche". Christine Bouvard, presidente dell'Associazione svizzera delle scuole di musica, ha sottolineato la mancanza di carattere vincolante di questa formulazione opzionale nella successiva sessione di domande e risposte.

Tutti gli altri aspetti della bozza relativi alla musica sono stati solo sfiorati, poiché non erano presenti né un rappresentante della sezione "Creazione culturale" del BAK né di Pro Helvetia. I delegati di Sonart - Music Creators Switzerland hanno formulato l'aspettativa che le organizzazioni di artisti creativi professionisti non si limitino al loro ruolo di fornitori di servizi sindacali nel messaggio culturale. Come le loro organizzazioni partner all'estero, devono essere percepite anche come gli unici mediatori attivi a livello nazionale e quindi indispensabili per la creazione di reti, il discorso e lo scambio di contenuti, anche se i fondi per questi ultimi non provengono più dall'erario federale.

È il momento di cogliere l'opportunità del processo di consultazione e di formulare le preoccupazioni specifiche in modo chiaro e inequivocabile. Il Consiglio svizzero della musica elaborerà un modello per i suoi membri. I membri sono liberi di modificare il modello come desiderano o di scrivere la propria dichiarazione. Le dichiarazioni possono essere inviate entro il 20 settembre 2019 al seguente indirizzo StabsstelleDirektion@bak.admin.ch essere inviato. L'adozione del Messaggio culturale è prevista per febbraio 2020, dopodiché passerà al Parlamento ed entrerà in vigore il 1° gennaio 2021.

Gli alunni di quinta sono concentrati sul palco. Alcuni suonano strumenti a percussione, una ragazza ha messo una chitarra sulle ginocchia e la sta pizzicando. Un gruppo di bambini fischia ed emette suoni con la bocca: ronzio, cigolio, schiocco, clic. Un bambino fa scorrere l'acqua in un contenitore, il suono è amplificato da microfoni.

Il brano che si può ascoltare qui è stato creato dai bambini nell'ambito del progetto Klangradar. Il concetto: i compositori visitano una scuola per tre mesi e intraprendono una spedizione sonora insieme agli alunni. Klangradar e i risultati della fase del progetto di quest'anno sul tema "Felicità. Una ricerca di tracce sonore" sono stati presentati alla conferenza In viaggio verso nuovi mondi di ascolto. Scuola e ricerca sonora il 23 maggio 2019 a Berlino. L'evento è stato organizzato e ospitato dalla rete Young Ears Network.

Come ha spiegato la compositrice Cathy Milliken nel suo discorso introduttivo, chi vuole guidare un tale processo di composizione collaborativa deve avere la capacità paradossale di guidare e seguire allo stesso tempo. Perché solo chi si impegna davvero con i paesaggi sonori che gli altri partecipanti portano con sé può creare musica "nuova" e superare i limiti della propria idea di suono.

Anche l'educatrice musicale Barbara Balba Weber dell'Università delle Arti di Berna ha sottolineato che l'apertura è una delle qualità necessarie per questi progetti di educazione musicale. Nell'incontro tra studenti, insegnanti e musicisti professionisti si incontrano idee molto diverse di cosa sia la musica e, nel migliore dei casi, si fondono in un insieme nuovo e inaudito. Ogni timbro, ogni idea di suono ha il suo posto, e così la composizione collaborativa diventa un esercizio di democrazia, diversità e uguaglianza.

Il modo in cui gli esperimenti sonori possono essere incorporati nella vita scolastica quotidiana è stato presentato in un tour di "Ricerca sonora nella pratica scolastica". Ad esempio, la "passeggiata sonora". Guidato dal musicista e scienziato culturale Manuel Schwiers, un gruppo ha attraversato il pomeriggio estivo di Kreuzberg ascoltando. Che suono ha il passaggio dal cortile alla strada? Quali ambienti sonori incontro mentre mi muovo per la città? E quale influenza esercito concentrando la mia attenzione su diversi aspetti del suono della città? Si tratta forse già di una sorta di composizione? Dopo diverse fasi di ascolto intensivo, queste domande sono state discusse ovunque ed è diventato chiaro che il semplice ascolto dell'ambiente, per il quale non sono necessari altri materiali, può offrire molti approcci possibili per lavorare con gli studenti, almeno se riescono a impegnarsi in questo tipo di percezione elevata.

La compositrice Steffi Weismann fa risuonare l'ambiente circostante agli alunni in un modo un po' diverso, cioè facendo costruire loro degli strumenti con oggetti di uso quotidiano. Una delle sue scoperte: il cigolio che produce il polistirolo quando viene inumidito e sfregato contro le lastre di vetro. Weismann costruisce anche strumenti con i bambini a partire da secchi, imballaggi di plastica ed elastici, che vengono utilizzati nei progetti di composizione.

Il musicista Matthias Krebs, che sta esplorando le possibilità sonore dell'edificio della Elbphilharmonie di Amburgo insieme agli studenti, ha illustrato come le app possano essere utilizzate per il lavoro didattico sul suono. I ragazzi usano i tablet per creare brevi sequenze video che possono essere modificate digitalmente, combinate e messe in loop, dando vita a sequenze sonore autoprodotte.

Il sound artist e gallerista Knut Remond amplia le dimensioni di ciò che il suono è in realtà, includendo la scultura. Il suo esperimento presentato alla conferenza: uscire, ascoltare l'ambiente circostante e poi trasformare ciò che si sente in una "scultura sonora" con l'aiuto di creta da modellare o argilla. Quali suoni potrebbero nascere quando queste sculture vengono a loro volta interpretate da musicisti?

La conferenza ha dimostrato che le idee per gli esperimenti sonori non mancano. E nella tavola rotonda "Che suono ha la scuola del futuro?" è emerso chiaramente che sempre più scuole si stanno impegnando in progetti di questo tipo, anche se le strutture fisse della vita scolastica quotidiana non lo rendono esattamente facile. I partecipanti alla conferenza hanno sicuramente portato a casa qualche ispirazione su come contribuire in futuro a far sì che la scuola suoni come diversità, comunità e nuovo inizio.

Labhart, nato sul Lago di Costanza nel 1944 e residente da molti anni a Endingen, nel Canton Argovia, ha lavorato come redattore e giornalista per radio, televisione e stampa. Da oltre 40 anni lavora come ricercatore musicale, drammaturgo e curatore freelance. In questo periodo ha ideato e progettato decine di mostre, organizzato serie di concerti di compositori argoviesi e internazionali e scritto monografie su artisti argoviesi come Peter Mieg, Martin Ruf e Werner Wehrli. Con il supporto della moglie Dora, nel corso dei decenni ha anche accumulato un grande archivio di letteratura specializzata, partiture, autografi, registrazioni, programmi di concerti e molto altro.

Con il nuovo premio di riconoscimento creato nel 2017, il Consiglio di fondazione del Canton Argovia premia i risultati speciali nel campo della mediazione culturale. Come per il Premio d'arte del Cantone di Argovia, il Cantone di Argovia scrive che l'obiettivo non è solo quello di attirare l'attenzione di un pubblico più ampio su lavori che spesso sono meno sotto i riflettori.

Florian Scholz inizierà la prossima stagione come direttore artistico designato e assumerà la responsabilità artistica generale del Konzert Theater Bern dal 2021. Anche il regista teatrale svizzero Roger Vontobel si unirà al KTB a partire da questa stagione.

La KTB scrive che il lavoro di Scholz in un teatro multigenere è stato un fattore chiave per la sua selezione: come direttore del teatro della provincia della Carinzia e della città di Klagenfurt, ha portato in scena ogni stagione circa 15 nuove produzioni con oltre 250 dipendenti fissi nei settori dell'opera e del teatro musicale, del dramma, della danza e del teatro per bambini e ragazzi in circa 200 spettacoli. È responsabile di tutti i settori del teatro e, in qualità di direttore dell'Orchestra Sinfonica della Carinzia, è anche responsabile del programma di concerti.

Prima di dirigere lo Stadttheater Klagenfurt, Florian Scholz, che ha conseguito un diploma post-laurea in gestione teatrale presso l'Università di Zurigo, ha lavorato come direttore delle relazioni internazionali e dei progetti speciali presso l'Opera di Stato Bavarese sotto la guida di Nikolaus Bachler a Monaco (2006-2012). Tra le altre cose, è stato responsabile della cura del programma speciale del Festival dell'Opera di Monaco. In precedenza, ha lavorato all'Opéra National de Paris come assistente di Gerard Mortier, al Deutsches Nationaltheater Weimar come direttore di sala e alla Schaubühne di Berlino come assistente di Thomas Ostermeier. Tra il 1995 e il 2000, dopo aver studiato all'Accademia d'Arte Drammatica Ernst Busch di Berlino, il nativo di Heidelberg ha lavorato come attore in diversi teatri di lingua tedesca.

Al team di Florian Scholz si aggiungerà il regista teatrale Roger Vontobel. Nato a Zurigo nel 1977, Vontobel ha studiato regia teatrale all'Università di Musica e Teatro di Amburgo. Ha diretto allo Schauspiel Essen e al Deutsches Schauspielhaus di Amburgo, oltre che al Münchner Kammerspiele, al Deutsches Theater Berlin, al Maxim Gorki Theater, allo Schauspiel Köln, al Royal Danish Theatre di Copenhagen e al Théâtre National de la Colline di Parigi. Dal 2011 al 2016, Vontobel è stato direttore interno dello Schauspielhaus Bochum e dal 2016 ricopre la stessa posizione allo Schauspielhaus Düsseldorf.

Il direttore è stato selezionato dal comitato di ricerca in un processo a più fasi. Il comitato era presieduto da Nadine Borter, presidente del Consiglio della Fondazione KTB. Gli altri membri del comitato di ricerca erano Anna Badora, Georges Delnon, Marcel Brülhart, Markus Hongler, Ueli Studer, Hansueli Glarner e Giulia Meier.

Se cinque anni fa il programma di ristrutturazione del bilancio era all'origine di questa misura straordinaria, oggi non sussistono più le condizioni necessarie, scrive la città. L'aumento temporaneo dell'aliquota d'imposta comunale, deciso anch'esso come misura di riorganizzazione, è stato quindi revocato dal Gran Consiglio comunale in riferimento all'alleggerimento della situazione finanziaria della città.

Di conseguenza, il Comune ha ritenuto opportuno e contrattualmente consigliabile annullare i tagli alle sovvenzioni per le due istituzioni interessate, il Musikkollegium Winterthur e lo Swiss Science Center Technorama, a partire dal 2019. Il Consiglio comunale è responsabile dell'annullamento di questa misura di riduzione dei costi. Anche il Gran Consiglio comunale ha approvato l'adeguamento del bilancio richiesto dal Comune.

Secondo la città, la cancellazione è tanto più giustificata in quanto i contributi per tutte le altre istituzioni culturali sovvenzionate sono già stati adeguati dal Gran Consiglio comunale nell'ambito della valutazione complessiva dei contratti a tempo determinato e nell'ambito del concetto di museo.