L'edificio è progettato come una costruzione in legno. Il programma spaziale prevede quattro sale sonore che possono essere accordate come uno strumento. Ci sono anche due palchi all'aperto per esperimenti musicali all'aperto. La Casa del Suono sarà costruita sull'attuale sito dell'Hotel Seegüetli, sul lago Schwendi, sopra Unterwasser. Rispetto all'hotel, la Klanghaus sarà costruita più lontano dal lago. La demolizione dell'hotel e l'architettura speciale valorizzeranno l'area di conservazione del paesaggio sul lago Schwendi.

Per ogni giorno di corso possono utilizzare la casa del suono da 60 a 80 partecipanti. Tre gruppi possono lavorare indisturbati allo stesso tempo. Il pubblico potrà visitare la Klanghaus nell'ambito di visite guidate. Sono previsti anche concerti di laboratorio e sarà possibile utilizzare le sale per eventi didattici, di club e aziendali incentrati sul tema del suono.

Il Cantone prevede come committente il Klanghaus. Il Klangwelt Toggenburg gestirà il centro a proprie spese. Il costo totale del progetto è di 23,3 milioni di franchi. Di questi, Klangwelt Toggenburg finanzierà 1 milione di franchi. Rimane un fabbisogno di credito di 22,3 milioni di franchi per il Cantone. Nel 2016, il primo progetto per la costruzione del Klanghaus Toggenburg è stato bocciato nella votazione finale del Parlamento cantonale di San Gallo.

La ZKN è stata fondata dall'avvocato Florian Schmidt-Gabain e dallo studioso di letteratura Thomas Strässle, che la guidano in qualità di presidente e vicepresidente, coadiuvati da un comitato consultivo composto da Lionel V. Baldenweg, Michael Haefliger, Beatrix Ruf e Julia Voss. Lo ZKN è organizzato come associazione con sede a Zurigo, in Svizzera.

La conferenza di apertura della ZKN si terrà il 21 novembre 2019 presso la Kunsthaus Zürich. Tra i temi trattati figurano i patrimoni di Hilma af Klint, Emil Bührle e Max Frisch. Verrà presentato anche il patrimonio di Charlie Chaplin, che componeva la propria musica da film - un aspetto spesso poco conosciuto. Kate Guyonvarch, direttrice del Chaplin Office Paris, terrà una conferenza sull'argomento.

Più informazioni: www.zkn.ch

A differenza di altri Paesi europei, la Gran Bretagna si è attenuta in modo pressoché deciso alla tradizionale sinfonia tonale, per lo più in quattro movimenti, anche dopo la seconda guerra mondiale. Del gran numero di opere britanniche in questo genere, tuttavia, quasi solo quelle di Ralph Vaughan Williams e William Walton riuscirono ad affermarsi sul continente. Le sinfonie di compositori di spicco come Arnold Bax, York Bowen e Michael Tippett sono difficilmente riconosciute, e tanto meno eseguite, in questo Paese. Il fatto che una compositrice donna - Ruth Gipps - abbia raggiunto risultati notevoli in questo campo è probabilmente sfuggito anche alla maggior parte dei conoscitori della musica britannica. Chandos ha ora pubblicato un CD con la sua seconda e quarta sinfonia e due brevi opere orchestrali, che è molto lodevole perché colma una vera e propria lacuna nel repertorio.

Ruth Gipps (1921-1999), la cui musica si colloca interamente nella tradizione inglese in termini di forma, armonia e suono, è per metà svizzera. Sua madre Hélène Johner ha studiato come pianista in erba a Francoforte, dove ha incontrato il suo futuro marito Bryan Gipps. Era originaria di Basilea e sua madre era Caroline von Weissenfluh di Meiringen. Ruth dimostrò fin da bambina un talento eccezionale per la musica: il suo primo pezzo per pianoforte pubblicato, Il calzolaio delle fateHa iniziato a comporre all'età di otto anni. Da giovane ha studiato composizione con Ralph Vaughan Williams e Gordon Jacob, oltre che oboe con Léon Goossens. Era così versatile che nel 1945 non solo suonò nell'orchestra alla prima della sua prima sinfonia della City of Birmingham Orchestra, di cui era allora membro come oboista e suonatore di cor anglais, ma eseguì anche il primo concerto per pianoforte di Alexander Glazunov come solista. In seguito ha fondato la London Repertoire Orchestra, che ha diretto per decenni, un ensemble progettato per dare ai giovani musicisti professionisti l'opportunità di familiarizzare con il repertorio sinfonico. È stata anche un'apprezzata insegnante di composizione in tre accademie musicali.

Tutte le opere del CD meritano di essere ascoltate e sono interpretate con virtuosismo, colore e potenza dalla BBC National Orchestra of Wales sotto la direzione di Rumon Gamba. La musica di Gipps è tradizionale, ma non è affatto superata: la profondità emotiva si combina con la gioia di un suono orchestrale opulento, oltre a un'eccellente conoscenza di tutti gli strumenti orchestrali, con assoli espressivi affidati in particolare al concertmaster, all'oboe, al cor anglais e al corno. Il dedicatario della Quarta Sinfonia del 1972, Sir Arthur Bliss, scrisse al compositore: "Ho studiato la sinfonia, e più la studio più mi piace". Non si può che essere d'accordo.

Dare l'esempio è un libro importante, pubblicato in un momento in cui l'antisemitismo minaccia di diffondersi nuovamente. Werner Schmitt, iniziatore e coautore del libro, documenta il concerto che ha organizzato al Memoriale dell'Olocausto di Bergen-Belsen nel 2016. È stato organizzato per commemorare il leggendario tour di concerti del luglio 1945, che Yehudi Menuhin intraprese con il compositore Benjamin Britten attraverso città e villaggi della Germania settentrionale. Si esibirono anche in una sala cinematografica nelle baracche del campo di concentramento di Bergen-Belsen. Il campo era stato liberato dalle truppe alleate il 15 aprile dello stesso anno.

Il concerto si svolse alla presenza dei sopravvissuti del campo. Insieme a Britten, Menuhin eseguì un programma che comprendeva opere di Johann Sebastian Bach, Ludwig van Beethoven e Claude Debussy, ma che non può essere completamente ricostruito a causa delle fonti. Il concerto commemorativo con il duo Aleksey Semenenko (violino) e Inna Firsova (pianoforte) comprendeva la Ciaccona di J. S. Bach, il primo movimento della Sonata Kreutzer, la sonata di Edvard Grieg, opere di Chausson, Debussy e Tchaikovsky e la Kaddish di Maurice Ravel è stato eseguito come bis.

La registrazione su due CD è inclusa nel libro, che riassume in parole e immagini le impressioni dello storico tour di concerti in cui i due grandi musicisti hanno suonato a favore delle vittime sopravvissute. Gli autori, Werner Schmitt, violoncellista e a lungo direttore del Conservatorio di Berna, e Hendrick Feindt, storico della letteratura e studioso dei media, con questo libro hanno creato più di una semplice documentazione: hanno dato un esempio che deve essere riconosciuto oggi più che mai.

Zeichen setzen/ Prendere posizione. Yehudi Menuhin / Benjamin Britten / Bergen-Belsen 1945, a cura di Werner Schmitt, 100 p., 2 CD, fr. 57.00, Müller & Schade, Berna 2018, ISBN 978-3-905760-19-4

Un tempo gli spartiti stampati erano costosi. Non tutti potevano permetterseli. Per questo motivo un musicista di campagna, ad esempio, avrebbe acquistato un'edizione stampata della Sacrificio musicale acquistò una copia e pagò solo otto groschen invece di un reichstaler. (E quanto ne ricavò il compositore in un'epoca priva di Suisa e Pro Litteris?). Sarebbe stato ancora più economico (circa cinque groschen) copiare la musica da sé. Ne valeva la pena se si considera che un musicista stipendiato aveva a disposizione circa otto talleri al mese per sé e la sua famiglia.

Dettagli illuminanti come questi della vita quotidiana dei musicisti si trovano sempre in questa storia sociale della musica barocca. Ci porta nei bassifondi della pratica in un modo incredibilmente emozionante. Sono coinvolti diversi autori, ma i due curatori Peter Hersche e Siegbert Rampe hanno dato il contributo principale: la situazione economica e l'ordine sociale dell'epoca, che non è facile da riassumere e ancor meno da generalizzare per un'epoca così eterogenea e in evoluzione. La situazione era in continuo mutamento. Dove si svolgeva la musica e chi la eseguiva? Che status avevano i musicisti e che status avevano i loro strumenti? Chi li costruiva? Chi li addestrava? Cosa poteva permettersi un musicista con il suo stipendio: un piccolo giardino, una biblioteca, una cameriera per la moglie? Le domande sono tante.

E poiché non si tratta affatto di arte, ma piuttosto delle circostanze in cui viene creata, e in particolare del denaro, l'argomento è presentato in modo sobrio e chiaro. L'attenzione si concentra principalmente sulle condizioni nei Paesi di lingua tedesca e risulta quindi un po' sfocata verso il mondo esterno. Non viene inoltre nascosto che in realtà sappiamo troppo poco. Per molto tempo la musicologia non ha praticamente prestato attenzione a questa storia sociale. Bach è stato compatito quando ha chiesto un aumento di stipendio, ma è stato trascurato il fatto che questo ha riguardato quasi tutta la professione musicale. Forse è anche per questo che gli autori non si avventurano in aneddoti o speculazioni. Nel complesso, il libro è estremamente informativo e illustrato con molti esempi, ma non è veramente pieno di vita. Questo è forse anche un vantaggio, perché non nasconde nulla. Ci mostra i nudi fatti della vita quotidiana.

Sozialgeschichte der Musik des Barock, a cura di Peter Hersche e Siegbert Rampe, (Handbuch der Musik des Barock 6), 400 p., ill., copertina rigida, € 108,00, Laaber-Verlag, Laaber 2017, ISBN 978-3-89007-875-5

La seconda Sonata per pianoforte op. 36 di Rachmaninov è una delle opere del compositore russo oggi più frequentemente eseguite. Soprattutto le giovani generazioni, e in particolare quelle provenienti dall'Estremo Oriente, studiano questo pezzo impegnativo e altamente virtuoso con passione e dedizione.

Non è sempre stato così. Questa sonata ha dovuto lottare in passato contro una cattiva reputazione, soprattutto nell'area culturale di lingua tedesca. Nella sua Manuale di letteratura pianistica All'epoca Klaus Wolters affermò sinteticamente che l'Opus 36 aveva ricevuto in generale quasi solo recensioni negative. In un'edizione successiva (1977) non la menziona più. Walter Georgii era infastidito dalla "monotona ripetizione di motivi". L'ampia opera è quindi "nel complesso poco gradevole" (Musica per pianoforteAtlantis Verlag).

Lo stesso Rachmaninov non era evidentemente soddisfatto della concezione originale della sua Seconda Sonata del 1913 e la sottopose a un'accurata revisione 18 anni dopo. Rese la scrittura pianistica un po' più trasparente e cancellò un totale di circa 120 battute. Si tratta di più di 10 pagine di musica!

Il fatto che abbia modificato l'opera a suo favore è oggetto di un costante dibattito. Vladimir Horowitz risolse il problema a modo suo e creò la sua versione mista di entrambe le versioni con il consenso di Rachmaninov.

Dominik Rahmer ha pubblicato entrambe le versioni del compositore in un unico volume con Henle-Verlag, in modo da poter studiare facilmente le differenze battuta per battuta. Come di consueto con Henle, la musica è impaginata in modo chiaro e di facile lettura, anche nella prima versione sovraccarica. Le diteggiature rivelano l'abilità dell'esecutore e sono opera di Marc-André Hamelin, che non solo conosce a fondo questo repertorio.

Dell'opera 36 di Rachmaninov si può avere un'opinione a piacere. Come nel geniale Concerto per pianoforte e orchestra n. 3, anche qui si può ammirare la coerenza del lavoro motivico del compositore. Tutte le sezioni formali si sviluppano a partire da pochissimi elementi musicali e sono abilmente e logicamente collegate tra loro. Una volta in una veste un po' più stretta (versione del 1931), un'altra volta in una versione un po' più espansiva, ma forse più sensuale (1913).

Sergei Rachmaninov: Sonata per pianoforte n. 2 in si bemolle minore op. 36, versioni 1913 e 1931, a cura di Dominik Rahmer, HN 1256, € 19,50, G. Henle, Monaco di Baviera

La letteratura per violoncello contiene diverse opere incomplete di importanti compositori: l'unica opera per violoncello e pianoforte di Mozart, il Andantino cantabile KV 374 g (Anh. 46), è rimasto un frammento ed esiste in diverse aggiunte estranee; solo la parte solista e la riduzione per pianoforte del primo Concerto per violoncello in la maggiore di Antonín Dvořák sono sopravvissute, e Othmar Schoeck ha lasciato incompiuto l'ultimo movimento della sua Sonata per violoncello.

A questo elenco (incompleto) si aggiunge ora un'importante scoperta: Nell'ambito dell'edizione completa Bärenreiter delle opere di Camille Saint-Saëns, è stata pubblicata per la prima volta una sonata per violoncello finora sconosciuta. Una lettera del compositore del 1919 dimostra che l'opera è stata eseguita integralmente durante la sua vita. Nonostante ciò, sono sopravvissuti solo i primi due dei quattro movimenti che si suppone siano stati composti, mentre il manoscritto superstite del secondo movimento si interrompe dopo 82 battute.

La concezione della sonata risale al 1913 e Saint-Saëns sembra aver lottato con la stesura definitiva, come scrive in una lettera al suo editore Durand nel 1914: "Sto lavorando al mio duo, che procede solo a fatica. Che genere difficile da affrontare!".

Come nelle due sonate op. 32 e op. 123, Saint-Saëns gioca abilmente con passaggi ritmicamente concisi e lirici. Gli audaci cambiamenti armonici ricordano anche il linguaggio tonale dell'opera del 1919. Prière op. 158 per violoncello e organo.

L'opera per violoncello di Saint-Saëns è stata ampliata in modo gratificante da questa prima edizione.

Camille Saint-Saëns: Sonata per violoncello e pianoforte in re maggiore (incompleta), prima edizione, a cura di Denis Herlin, BA 10910, € 17,95, Bärenreiter, Kassel

Il manuale dell'insegnante per il nuovo sussidio didattico della casa editrice Helbling Guida alla classe del vento si presenta con un volume pesante di oltre 450 pagine densamente stampate. Il libro di testo è ricco di materiale estremamente vario e stimolante. Oltre al libro dell'insegnante, comprende libretti per tutti gli strumenti dell'orchestra di fiati, play-along e sussidi online accessibili tramite un codice, nonché un CD-ROM con una grande quantità di materiale aggiuntivo.

Il Guida alla classe del vento è stato sviluppato congiuntamente da cinque autori, tutti insegnanti di musica a livello di scuola secondaria e con esperienza di lavoro con classi di fiati e di musica scolastica. L'obiettivo del nuovo sussidio didattico è quello di combinare la pratica esecutiva che oggi domina le classi di bande a fiato con i contenuti delle lezioni di musica a scuola (teoria musicale, ear training, creazione e invenzione di musica). Il materiale didattico non è rivolto a un gruppo di età specifico. È adatto per l'uso dal livello intermedio in su. Il concetto, le idee di base, gli obiettivi e i metodi utilizzati nel lavoro con le classi sono spiegati in dettaglio nel libro dell'insegnante.

La parte didattica inizia con un corso preliminare, che si svolge senza strumenti e si estende su 3 unità, cioè circa 6 lezioni. Seguono i Fondamenti di metodologia strumentale e poi le lezioni con lo strumento, suddivise in due volumi con 23 e 18 lezioni rispettivamente (1°/2° volume). Ogni lezione offre materiale e schemi didattici completamente preparati per 2 lezioni.

Questo concetto si basa su 3 lezioni settimanali di musica estesa, suddivise in 2 lezioni di musica normale con l'intera classe e 1 lezione di lezioni strumentali in piccoli gruppi. Se il tempo a disposizione per l'insegnamento è ridotto, può essere difficile completare i due volumi in due anni scolastici.

In termini di contenuti, il materiale didattico pone grande enfasi sull'insegnamento della teoria musicale. Le basi sono introdotte in modo approfondito, ma anche in modo estremamente vario e giocoso, con molti suggerimenti per il lavoro in coppia o in gruppo. Allo stesso tempo, i contenuti teorici sono collegati alla pratica dello strumento e utilizzati per compiti creativi. Gli studenti sono sempre incoraggiati a impegnarsi in attività pratiche. In media, ci sono uno o due brevi brani musicali per lezione (capitolo), che sono piuttosto pochi. I brani sono solitamente accompagnati da suggerimenti aggiuntivi per l'interpretazione, la presentazione o la riflessione, nonché da collegamenti alla teoria. Per molti brani, sul CD-ROM allegato sono disponibili arrangiamenti aggiuntivi per la classe a quattro parti, con una seconda parte, una parte di basso e una parte superiore "per esecutori esperti", che consentono di individualizzare i requisiti attraverso la differenziazione interna.

Utilizzando cassette degli attrezzi appositamente etichettate, agli alunni vengono insegnati metodi specifici come l'artigianato, il modo in cui possono lavorare sulla musica in modo indipendente, esercitarsi sui brani o acquisire materiale musicale. I libretti degli studenti sono progettati in modo attraente con colori e simboli e contengono immagini e grafici stimolanti. Tuttavia, le pagine nel complesso appaiono piuttosto sovraccariche e molto pesanti dal punto di vista del testo, il che rende l'accessibilità un po' più difficile.

Guida alla classe del vento stabilisce nuovi standard in termini di ampiezza tematica, di insegnamento della teoria e di comprensione generale della musica, nonché di presentazione metodologica e didattica.

Sommer/Ernst/Holzinger/Jandl/Scheider: Leitfaden Bläserklasse. Un concetto per un insegnamento di successo con gli strumenti a fiato, volume 1 e 2 per l'insegnante con CD-ROM e libretti di soluzioni per gli allievi, S7770, Fr. 84.50, Helbling, Belp et al.

Quando un'opera del repertorio viene pubblicata in una nuova edizione, soprattutto se etichettata come "Urtext", ci sono due possibilità nel (solo percepito) 95% dei casi: O le decisioni editoriali rispetto alle edizioni precedenti devono essere esaminate con la lente d'ingrandimento (nel qual caso dietro l'edizione ci sono di solito considerazioni di mercato - e sì: esiste Musik.biz, e questo è indiscutibilmente un bene), oppure c'è davvero qualcosa di nuovo, a volte persino spettacolare, da scoprire. Può trattarsi solo di una singola nota o di un accidente (da Beethoven a Berg), ma a volte ci sono interi passaggi che un tempo erano andati persi nella fretta della produzione o nel vortice della tradizione.

A questo proposito, anche la presente nuova edizione della Serenata per archi di Dvořák suscita curiosità: oltre alle consuete piccole correzioni e aggiunte, presenta nuove battute: Sono 34 nello scherzo e ben 79 nel finale, che si trovano nell'autografo ma non erano incluse nella partitura stampata pubblicata da Bote & Bock nel 1879. Certo, sono stati inclusi nel volume del 1955 dell'edizione completa (anche se in appendice, e quindi sono stati ancora una volta persi nell'IMSLP, un gravis defectus ripetuto). Robin Tait ha fatto tesoro di questa necessità e ha scelto l'autografo come fonte principale per la nuova edizione, integrando così nel testo principale anche i passaggi caduti in disuso durante la stampa (e tuttavia, come concessione alla prassi moderna, li ha corredati di una nota in calce). Ciò significa che l'opera può essere esplorata liberamente, anche se Dvořák stesso, in quanto maestro riconosciuto, non ha mai richiesto una nuova edizione. Ho utilizzato la registrazione con l'Orchestre d'Auvergne diretta da Roberto Forés Veses - e sì, gli editori dell'epoca potrebbero (?!) aver preso una buona decisione. Ma la discussione è aperta.

Antonín Dvořák: Serenata in mi maggiore op. 22 per orchestra d'archi, a cura di Robin Tait, partitura, BA 10423, € 22,95, Bärenreiter, Praga 

Il compositore Christian Gottlieb Müller (1800-1863) è probabilmente sconosciuto a molti musicisti. Forse il fatto che sia stato insegnante di Richard Wagner può dargli un po' più di lustro. E questo non è certo senza motivo: la partitura del concerto per trombone basso, della durata di 15 minuti, del 1832 (già stampata all'epoca da Breitkopf & Härtel) testimonia la buona maestria che Müller aveva acquisito attraverso lo studio intensivo delle opere di Beethoven. L'orchestrazione (2 legni, 2 ottoni, 2 trombe, timpani, archi), la tonalità (mi bemolle maggiore), l'inizio cadenzato dello strumento solista, il virtuosismo del terzo movimento e molte altre caratteristiche (ad esempio la linea melodica in ottave tra flauto e clarinetto nel secondo movimento) ricordano il quinto concerto per pianoforte del suo idolo Ludwig van Beethoven, scritto circa 20 anni prima.

Il Concertino è stato a lungo considerato perduto, soprattutto la versione orchestrale. Solo una riduzione per pianoforte piuttosto lacunosa e manoscritta degli anni Cinquanta ha mantenuto viva la memoria dell'opera. Solo nel 2004 è emerso sorprendentemente un set completo di parti orchestrali, che costituisce la base della presente partitura. Le singole parti sono disponibili come materiale a noleggio, mentre la partitura e la riduzione per pianoforte sono disponibili per l'acquisto. Un'alternativa davvero piacevole al Concertino per trombone basso di Ernst Sachse, non da ultimo per le audizioni orchestrali.

Christian Gottlieb Müller: Concertino per trombone basso e orchestra in Mi bemolle maggiore, a cura di Nick Pfefferkorn, partitura PB 33001, € 36,00, Breitkopf & Härtel, Wiesbaden 2012/2018

César Franck compose il suo monumentale Quintetto per pianoforte in fa minore tra l'autunno del 1878 e l'estate del 1879, senza aver scritto musica da camera per 25 anni. I concerti della Société nationale de musique, fondata nel 1871, durante i quali furono eseguite in prima assoluta opere di musica da camera di Gabriel Fauré, Édouard Lalo e Camille Saint-Saëns, tra gli altri, avevano probabilmente spinto Franck a tornare a questo genere. Il Quintetto per pianoforte precede la Sonata per violino in la maggiore (1886) e la Sinfonia in re minore (1887/88). Alla prima del 17 gennaio 1880, al pianoforte sedeva Camille Saint-Saëns, al quale il brano è anche dedicato. Dopo l'accoglienza fredda dell'opera, essa fu suonata solo poche altre volte durante la vita del compositore. Solo nel XX secolo il pubblico e la critica hanno riconosciuto il vero significato del Quintetto per pianoforte di César Franck.

I tre movimenti, della durata di circa 40 minuti, sono collegati tra loro da leitmotiv. Come testimonianza contemporanea, questo quintetto per pianoforte incarna la musica romantica francese nel suo confronto tra la forma classica, l'influenza di Richard Wagner e la partenza verso nuovi mondi sonori. Ma il quintetto per pianoforte di Franck è anche una delle pietre miliari del repertorio cameristico come musica assoluta. Nella sua struttura ciclica e nel suo ricco spettro sonoro, ha il carattere di una sinfonia.

Questa edizione Urtext, supervisionata da Ernst-Günter Heinemann, non prevede aggiunte tecniche nelle parti degli archi. La parte del pianoforte è stata fornita con diteggiature di Klaus Schilde. I passaggi di ribaltamento sono collocati in modo ottimale in tutte le parti, e il violoncello può affiancare le ultime tre pagine senza riposo sul leggio e suonarle per intero. La relazione critica di questa edizione è disponibile al seguente indirizzo henle.de può essere consultato qui.

César Franck: Quintetto per pianoforte in fa minore per pianoforte, due violini, viola e violoncello, a cura di Ernst-Günter Heinemann, HN 1142, € 45,00, G. Henle, Monaco di Baviera 

I dodici divertenti brani di un minuto di Non date da mangiare agli animaliOuverüre, dieci quadri di animali ed Epilogo per orchestra di bambini, sono adatti come intermezzi per una storia recitata. Il riccio che sgambetta e si ferma timidamente sulle fermate, il gracchiare della rana che sfrega i piccoli secondi, le crome impegnate delle formiche, i trilli e i glissandi in tremolo delle api indaffarate, il cigno che si libra in un tempo alternato di tre quarti e quattro quarti, i quattro scoiattoli che sgambettano in salti pizzicati e scale di sedicesimi... È tutto abilmente concepito, ben distribuito tra le voci e - con una certa dose di prove - facile da suonare.

I 14 canoni e i 6 trii d'archi che Egon Sassmannshaus ha composto per il Inizio anticipato nello Steicherensemble I brani, che vanno da un si bemolle a due diesis, offrono una varietà di tonalità. Anche un minuetto in la minore si unisce alle piccole danze barocche.

Nell'edizione natalizia della stessa collana, 10 danze barocche festive in tonalità semplici - maggiore e minore - fanno da cornice a 17 dei più noti canti natalizi tedeschi in impostazioni a quattro parti volutamente semplici per i gruppi d'archi più giovani.

George A. Speckert: Don't Feed the Animals. 12 pezzi per orchestra d'archi, partitura e set di parti (1°, 2°, 3° violino, quest'ultimo anche per viola, violoncello), BA 10648, € 13,95, Bärenreiter, Kassel

Egon Sassmannshaus: Früher Anfang im Streicherensemble, partitura per violino, viola (o secondo violino) e violoncello, BA 10688, € 12,95, Bärenreiter, Kassel

id., Natale, partitura per due violini (un pezzo per tre violini), viola (un pezzo per due viole) e violoncello, BA 10689, € 12,95

È un punto di partenza emozionante e attraente per tutti i partecipanti: la grande orchestra sinfonica è composta da circa 100 musicisti dilettanti di tutte le età e capacità. Sul podio c'è nientemeno che il famoso direttore d'orchestra Vladimir Jurowski. L'obiettivo comune dei 90 minuti di incontro è quello di provare tre movimenti della Suite per orchestra di varietà di Dmitri Shostakovich.

Questo incontro unico tra musicisti dilettanti e direttori d'orchestra stellari si chiama "prova aperta" e si svolgerà nell'ambito del Berlin Orchestra Meeting presso la Landesmusikakademie di Berlino alla fine di maggio 2019. In questo caso, "aperta" non significa solo che la prova è aperta al pubblico, ma anche che saranno ammessi tutti i musicisti dilettanti interessati che si sono registrati per partecipare all'incontro orchestrale del Consiglio Musicale di Stato di Berlino. Il termine "prova" va inteso anche in senso letterale, poiché il lavoro orchestrale non culmina in un concerto o in un'audizione per un concorso, come avviene di solito, ma è a sé stante.

A Vladimir Jurowski non sembra dispiacere, anzi. "In quest'epoca in cui tutti comunicano solo con i loro schermi, fare musica insieme è più importante che mai", dice il direttore d'orchestra e direttore artistico della Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin prima di iniziare le prove. Per lui non fa differenza se la musica viene eseguita da musicisti professionisti, in formazioni amatoriali o - come è consuetudine nella famiglia Jurowski - con i parenti. "I musicisti amatoriali sono letteralmente 'amanti' della musica", riflette. "Ed è proprio questo il senso di questo tipo di incontri orchestrali: riunirsi, ascoltarsi, fare musica insieme". Non nasconde che per lavorare con i musicisti dilettanti avrebbe scelto un brano classico piuttosto che un'opera del suo compatriota Shostakovich. Ma poiché il desiderio c'è, accetta la sfida e rivela: "Per me, il fascino di questa prova aperta sta soprattutto nel percorrere un cammino comune dalla prima esecuzione alla prova finale dell'opera". Come sarebbe questo percorso e dove finirebbe, beh, anche questo è letteralmente "aperto".

La prima esecuzione della nota marcia della Suite per orchestra di varietà ha fatto capire subito che il direttore musicale generale designato dell'Opera di Stato bavarese non si sarebbe trovato di fronte al massimo livello di perfezione. Alcuni aspetti, come il ritmo o l'intonazione, hanno fatto capire che la maggior parte dei musicisti presenti nel foyer del Centro ricreativo e di svago Wuhlheide di Berlino erano dilettanti, ad eccezione dei singoli suonatori di archi della Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin.

Per i musicisti partecipanti è estremamente affascinante sperimentare i dettagli decisivi su cui il direttore d'orchestra berlinese lavora brevemente ma in modo mirato per riunire l'opera in un insieme: A volte Vladimir Jurowski prova per diversi minuti solo con gli archi, poi chiede ai tromboni di costruire singoli accordi prima di smontare singoli passaggi nei sassofoni contralti o istruire le trombe sulle dinamiche. Sa come affascinare anche i musicisti che non stanno suonando. Di tanto in tanto, inserisce affascinanti nozioni di base sulla situazione di Shostakovich come "compositore ostracizzato" nell'Unione Sovietica o esprime i suoi obiettivi tonali con un linguaggio vivace o con gesti stimolanti.

Mentre alcuni dei musicisti partecipano alle prove principalmente per suonare parti della Jazz Suite di Shostakovich, altri orchestrali si sono recati a Berlino appositamente per fare musica sotto la guida del famoso direttore. Ma per quanto diverse possano sembrare le richieste e le intenzioni di tutti i partecipanti all'inizio delle prove, alla fine tutti i componenti dell'orchestra ad hoc accettano con entusiasmo le istruzioni di Vladimir Jurowski e sembrano apprezzare molto il suo approccio chiaro e il suo preciso lavoro di prova.

L'esecuzione finale della Marcia, della Piccola Polka e del Valzer n. 2 lascia dietro di sé un folto gruppo di musicisti dilettanti euforici che, nell'ora di prove sotto la guida di Vladimir Jurowski, hanno percorso insieme non solo un'indimenticabile strada, ma soprattutto un indimenticabile viaggio musicale e interpersonale.