Finora le chitarre classiche sono state realizzate con una combinazione di legni tropicali conservati a lungo, come il cedro delle Indie occidentali per il manico, il palissandro delle Indie orientali per le fasce e il fondo e l'ebano per la tastiera. Dall'inizio del 2017, tuttavia, sono state introdotte norme più severe per il commercio di legni tropicali in via di estinzione, il che significa che i costruttori di strumenti musicali devono affidarsi ad alternative.

Con il processo di trattamento della TU Dresda, i legni nativi vengono trattati termicamente a una certa temperatura e pressione per un certo periodo di tempo, al fine di accelerare i necessari processi di invecchiamento del legno. Di conseguenza, i legni nativi modificati termicamente possono essere trasformati in strumenti musicali di alta qualità già dopo un anno.

Hanika produce ora quattro nuovi modelli di chitarra (basic, middle, upper e master class) completamente privi di legno tropicale, realizzati con legni locali trattati termicamente. Il produttore di chitarre è stato premiato come "Progetto artigianale ZIM dell'anno" alla Giornata dell'innovazione per le PMI del Ministero federale per gli Affari economici e l'energia (BMWi) a Berlino.

Con un "piccolo pizzico di umorismo", Meierhans guarda a una cultura speciale: oltre al calcio, il bowling è molto importante nella regione della Ruhr. Una volta finito il lavoro, le persone si incontrano, bevono birra e grappa, parlano - e tra una cosa e l'altra tirano palle ai birilli. Il pub con i birilli sulla Ruhrstrasse a Witten sembra abbandonato da tempo. L'intonaco si stacca dalle pareti, i mobili sono usurati e i colori tenui ricordano gli anni Cinquanta. Meierhans ha voluto riferirsi a questo luogo "senza nostalgia" e con uno sguardo amichevole sulle assurdità delle "attività di club". Nata a Burgau/SG nel 1981, ha posizionato un percussionista vicino all'ex birreria. Una viola, un trombone e un sassofono suonano direttamente sulle corsie; l'ambiente sonoro è supportato da registrazioni vocali tramite altoparlanti.

Meierhans non ha giustamente composto opere rigorose. Si tratta piuttosto di sequenze tonali o sonore allentate o di piccoli studi ritmici che si fanno ascoltare. Questo lascia spazio alla libertà intellettuale e atletica. Nel mezzo, gli spettatori del festival possono lanciare un pallone, riflettere sui tempi passati, abbandonarsi ad atmosfere che alla fine sembrano belle, ma anche troppo timide e riservate. Ebbene, allora: Forse è colpa di mentalità diverse. Qui il pungente bowling westfaliano, prevalentemente maschile, lì un'artista svizzera riflessiva ma anche riservata: non è una costellazione facile.
 

Stazione di Barblina Meierhans Quei giorni sono finiti... non è l'unico. I luoghi alternativi alle sale da concerto sono diventati una tradizione a Witten. A volte - come nel caso del Festival di Rümlingen - si tratta di un'escursione sonora in campagna, a volte i brani vengono eseguiti su un traghetto o in un tram, a volte il direttore del festival Harry Vogt ordina installazioni sonore per le cantine. Quando si tratta di arte site-specific, il compositore e specialista multimediale Manos Tsangaris è l'indirizzo giusto. La ricetta collaudata di Tsangaris consiste nel giocare con l'interno e l'esterno. Quest'anno a Witten si presenta così: All'interno, in un chiosco degli anni Cinquanta quasi completamente vetrato, il pubblico è seduto, con alcuni strumentisti e altoparlanti che forniscono il suono. All'esterno, nei pressi di un incrocio stradale, passanti comuni si muovono accanto a figure oscure che possono essere reali o - chissà? - ordinate da Tsangaris. Egli descrive la sua stazione come un "gioco da camera", che potrebbe anche essere chiamato "audio cinema".

In ogni caso, dalla sfera dell'arte provengono uno speaker e un intervistatore, le cui parole raggiungono il chiosco gremito via radio. Tsangaris ha antenne sottili. Come nel caso di Meierhans, alla musica non è concesso di occupare il centro della scena. I musicisti suonano quindi piccole aggiunte atmosferiche. Nel frattempo, lo speaker che passeggia all'esterno riflette sul tema del progresso, mentre l'intervistatore chiede in modo piuttosto invadente ai passanti di Witten quali siano i loro gusti musicali. I Rolling Stones sono una "forza", dice un passante. Non conosce Karlheinz Stockhausen.
 

Ciò che accade all'interno delle sale da concerto rimane probabilmente nascosto agli abitanti di Witten. Che peccato! Perché tutto ciò che suona quest'anno vale la pena di essere ascoltato, alcuni di essi in modo sensazionale. Il concerto con le opere di Mikel Urquiza, Sasha J. Blondeau e Sara Glojnarić, tutti intorno ai trent'anni, è stato eccezionale. Urquiza mette in musica testi danesi di Inger Christensen, coinvolgendo il soprano in dialoghi incantevolmente intimi con la tromba muta, il clarinetto o le percussioni. Sasha J. Blondeau, nata a Briançon, in Francia, nel 1986, opta per uno studio sonoro granuloso e ruvido, mentre l'approccio della compositrice croata Glojnarić è di natura più ritmica. In modo spiritoso, non fa riferimento ai "potenti" Rolling Stones, ma alle introduzioni di batteria dei gruppi rock The Police, Nirvana e U2. Il fatto che questo concerto di 50 minuti funzioni così bene è dovuto in parte alla divertente eterogeneità e alla sorprendente qualità compositiva delle opere, ma anche agli interpreti. Sarah Maria Sun (soprano), Marco Blaauw (trombe), Carl Rosman (clarinetti) e Dirk Rothbrust (percussioni) suonano in modo mozzafiato. Termini come "variabilità", "perfezione" o "sensibilità sonora" difficilmente rendono giustizia all'incredibile musicalità di questo quartetto.

Il Witten Festival for New Chamber Music è chiaramente sulla strada giusta. Dopo anni di tensione, di complessità sofistica e di ricerca ossessiva di nuovi mondi sonori, sta evidentemente tornando in gioco un approccio più rilassato - non un semplice laissez faire non focalizzato, ma un aplomb piacevolmente abile. Tre giorni pieni di esperienze durature. Cosa si può desiderare di più?
 

Jossi Wieler è cresciuto a Kreuzlingen nel 1951. Ha vissuto in Turgovia fino al 1972 e poi si è trasferito a Tel Aviv, in Israele, per studiare regia. In seguito ha fatto le prime esperienze di palcoscenico presso il Teatro Nazionale Habimah e, dal 1980, presso il Düsseldorfer Schauspielhaus. Ha poi lavorato come regista teatrale a Heidelberg, Bonn, Stoccarda, Amburgo, Monaco e Berlino. È stato direttore residente del Teatro di Basilea dal 1988 al 1993. Ha poi lavorato come regista freelance, anche al Kammerspiele di Monaco e ripetutamente al Festival di Salisburgo.

Dal 1994 dirige anche opere liriche insieme a Sergio Morabito. Wieler e Morabito sono stati eletti Regia dell'anno nel 2002 e nel 2012 e hanno ricevuto il Premio tedesco per il teatro Der Faust nella categoria "Miglior regia d'opera" nel 2006 ("Doktor Faust") e nel 2012 ("Die glückliche Hand/Schicksal"). Nel 2015 Jossi Wieler è stato insignito del Premio della Cultura del Baden-Württemberg; nel 2016 ha ricevuto l'Ordine al Merito dello Stato del Baden-Württemberg.

Othella Dallas è nata a Memphis nel 1925. Prima di iniziare la sua carriera di cantante, è stata allieva della ballerina Catherine Dunham. Dallas ha debuttato come cantante all'inizio degli anni '50 nei jazz club di Parigi, dove ha condiviso il palco con Duke Ellington, Sammy Davis Jr, Nat King Cole, Quincy Jones, Sonny Stitt, King Kurtis e molti altri. Othella Dallas vive in Svizzera dagli anni Sessanta. Nel 1975 ha fondato la Othella Dallas Dance School a Basilea. Nel 2008 ha riportato in scena il suo album "I Live The Life I Love".

Lo Swiss Jazz Award è stato lanciato nel 2007 da Radio Swiss Jazz e JazzAscona con l'obiettivo di portare il jazz svizzero a un pubblico più ampio. Inizialmente organizzato come premio del pubblico, è stato assegnato direttamente nel 2017 e nel 2018. Tra i precedenti vincitori figurano Franco Ambrosetti (2018), Bruno Spoerri (2017), Cannonsoul di Patrick Bianco (2016), Raphael Jost e tanti corni (2015), Nicole Herzog & Stewy von Wattenwyl (2014), Chris Conz Trio (2013), Christina Jaccard & Dave Ruosch (2012), Alexia Gardner (2011) e Dani Felber Big Band (2010). Un "Premio alla carriera" è stato finora assegnato a Hazy Osterwald (2009) e Pepe Lienhard (2006).
 

Christine Hasler lavora come musicista teatrale e cantautrice. Ha conseguito il Master in Musica e Media Art presso la Bern University of the Arts nel 2015. Come musicista teatrale ha lavorato con Markus Heinzelmann al Theater Kanton Zürich, allo Staatstheater Nürnberg, allo Stadttheater Ingolstadt e all'Hessisches Landestheater Marburg, con Marie Bues allo Schlachthaustheater di Berna e al Rampe di Stoccarda. Con il suo progetto cantautorale Lia Sells Fish si esibisce regolarmente in concerti in tutta la Svizzera.

La violinista Simone Meyer è allieva di Bartlomiej Niziol, che insegna all'Università delle Arti di Berna. Ha vinto un premio di sponsorizzazione al Concorso del Percento culturale Migros nel 2013 e una borsa di studio Rahn nel 2014/15. Nel 2016 è stata in tournée come solista con la Junge Münchner Philharmonie sotto la direzione di Mark Mast e ha eseguito sette concerti a Monaco, Zurigo e Vienna.

La compositrice inglese Ethel Smyth (1858-1944) giunse a Lipsia nel 1877 per studiare musica al conservatorio locale. "Lipsia!!! ... QUI SONO", è il titolo di una delle prime delle oltre 50 lettere che scrisse alla madre durante questo periodo. In esse, l'autrice fornisce un resoconto impressionante delle differenze culturali rispetto al suo paese d'origine che si notano nella vita quotidiana, della sua formazione al Conservatorio di Lipsia e anche delle sue diverse attività e incontri nella vita sociale di Lipsia.

Nel 2014, l'Università di Musica e Teatro di Lipsia (HMT) è riuscita ad acquisire le 57 lettere offerte da una libreria antiquaria di Londra attraverso una campagna di sponsorizzazione. I singoli documenti sono stati poi catalogati nel portale dei manoscritti Kalliope. In tempo per il 75° anniversario della morte della compositrice, scrittrice e attivista per i diritti delle donne Ethel Smyth, le lettere sono ora disponibili anche online.

Le copie digitali si trovano insieme ad altri oggetti della collezione digitale HMT sul portale Sassonia.digitale e può essere utilizzato con licenza CC-BY-SA 4.0. La digitalizzazione, la presentazione e l'archiviazione a lungo termine della collezione sono state rese possibili dal Programma statale di digitalizzazione per la scienza e la cultura del Libero Stato di Sassonia, coordinato dallo SLUB di Dresda.

Nell'ambito della revisione periodica della strategia, il Consiglio di Fondazione del Festival di Lucerna e la direzione hanno deciso la nuova struttura del festival che si applicherà a partire dal prossimo anno. A partire dal 2020 saranno creati due nuovi fine settimana. Questi offriranno al pubblico concerti in primavera e in autunno, comprese le produzioni interne.

Oltre all'orchestra e all'Accademia, occorre dare maggiore importanza agli Alumni del Lucerne Festival. Si tratta di una rete di ex partecipanti all'Accademia le cui attività concertistiche a Lucerna e all'estero sono in costante aumento. Anche le attività nella città e nella regione di Lucerna devono essere intensificate. Tra queste, ad esempio, il concerto trasmesso su Inseli, il festival "In den Strassen", la giornata delle esperienze e il format "40min".

André e Michel Décosterd sono nati a Le Locle rispettivamente nel 1967 e nel 1969. André Décosterd, musicista, si è specializzato in informatica musicale e ha studiato i sistemi di composizione della musica elettroacustica e contemporanea. Michel Décosterd, ingegnere, ha iniziato a progettare sculture in movimento. Dal 1997, i due fratelli hanno unito i loro talenti come Cod.Act, creando forme musicali e architettoniche con un'estetica che ricorda il mondo industriale.

I seguenti 14 musicisti o ensemble saranno premiati con un Premio svizzero di musica: Bonaventure - Soraya Lutangu (Rougemont VD), d'incise - Laurent Peter (Ginevra), Pierre Favre (Le Locle), Ils Fränzlis da Tschlin (Engadina), Béatrice Graf (Nyon), Michael Jarrell (Ginevra), Kammerorchester Basel (Basilea), KT Gorique (Sion), Les Reines Prochaines (Basilea), Rudolf Lutz (St. Gallen), Björn Meyer (Berna), Andy Scherrer (Brunnadern SG), Sebb Bash (Losanna) e Marco Zappa (Locarno).

Dal jazz alla musica contemporanea, dall'hip-hop al rap e dalla musica classica al folk, tutti i generi musicali sono rappresentati dai vincitori del premio. Quest'anno, tuttavia, l'attenzione è rivolta alla musica elettronica in un'ampia varietà di forme. Per la prima volta, verrà assegnato un premio anche a un'orchestra.
 

Al contrario del Consiglio nazionale, la commissione del Consiglio degli Stati vuole che la tassa alberghiera rimanga in vigore. Se il Consiglio nazionale ha la meglio, gli alberghi, gli ospedali e le carceri non dovranno più pagare per l'uso delle opere pubbliche nei loro locali. L'uso dovrebbe essere definito come uso personale.

Tuttavia, la Commissione ha mantenuto la sua precedente decisione sul video-on-demand. Concorda sul fatto che i registi debbano ricevere una remunerazione per l'utilizzo dei video su richiesta. Il regolamento intende tenere conto del crescente utilizzo online delle opere e della scomparsa delle videoteche. Tuttavia, la WBK propone di escludere la musica dei film da tale obbligo di remunerazione.

Le società per il diritto d'autore si erano schierate a favore del mantenimento di questa possibilità. Si veda questo Articolo nella SMZ.

Cosa indossa ai suoi concerti? Si tratta di un abbigliamento professionale prestabilito o può decidere da sola? Le piace questo abbigliamento? È pratico? Cosa cambieresti?

Una studentessa dell'Istituto Tessile Svizzero si è prefissata il compito di disegnare abiti da concerto alla moda, adatti alle particolari esigenze di chi suona. È molto grata della vostra esperienza.

Partecipa a questo Sondaggio online (durata circa 5 minuti).

Lo scopo del sondaggio è quello di scoprire le vostre esigenze, ma anche le difficoltà che l'abbigliamento da concerto può causare quando si fa musica. I vostri dati rimarranno anonimi e non saranno utilizzati al di fuori di questa ricerca.

La bozza risultante dal sondaggio sarà pubblicata nel numero di dicembre 2019 della rivista Giornale musicale svizzero presentato.

Foto: Kai Pilger su unsplash

Davide Rizzitelli e Atilla Bayraktar hanno fondato la band "Vals" nell'estate 2018 per sperimentare nuovi metodi di produzione musicale. Lavorano con vecchi nastri al posto dei sequencer dei computer, con cassette e tape loop al posto dei campionatori e incorporano anche aspetti visivi. Una borsa di lavoro "riconosce il potenziale lungimirante e sostenibile di questa combinazione di elementi nostalgici e futuristici", scrive la città.

Charles Uzor sta lavorando da tempo al suo terzo progetto operistico, incentrato su Leopoldo II, re del Belgio e proprietario della colonia privata del Congo. Secondo la città, il progetto è "ancorato al presente nella sua rivalutazione del colonialismo e delle immagini di carnefici e vittime" e ha il potenziale per affascinare il pubblico attraverso l'ambivalenza, la suspense e motivi credibili.

Inoltre, la città fornirà borse di studio a Tine Edel (belle arti), GAFFA (Dario Forlin, Wanja Harb, Linus Lutz, Lucian Kunz) (arti applicate), Priska Rita Oeler (belle arti) e Juliette Uzor (danza).

"Il repertorio è una questione di vita". Eric Ericson, la leggenda svedese dei cori, ha vissuto come nessun altro questo credo sempre valido e lo ha trasmesso con convinzione ai suoi studenti (compreso l'autore di questo testo). Nella loro ricerca di un repertorio emozionante, i direttori di coro troveranno delle vere e proprie miniere di tesori nelle nuove raccolte qui presentate, con musiche del Lussemburgo e della Francia, oltre a opere di oratorio di J. S. Bach.

Le opere vocali sacre del compositore lussemburghese Laurent Menager (1835-1902), relativamente sconosciuto dalle nostre parti, sono state pubblicate in un'edizione esemplare dal Verlag Merseburger come terzo volume della grande edizione critica completa nell'ambito del progetto di ricerca "Musique luxembourgeoise" dell'Università di Lussemburgo.

Menager studiò con Chopin e con Ferdinand Hiller, amico di Mendelssohn, a Colonia a metà del XIX secolo. La sua musica da chiesa si colloca nella tradizione dei tardo-romantici tedeschi ed è caratterizzata da un trattamento semplice del testo e dalla preferenza per una scrittura omofonica-sillabica. Il volume contiene molte opere a cappella tedesche e latine (alcune anche con accompagnamento d'organo) di bella sonorità, brevi e di facile esecuzione, ideali per la liturgia cattolica come inni, inni mariani e composizioni Tantum-ergo.

In Musica corale francesepubblicato da Carus-Verlag, non solo i direttori di cori cattolici troveranno un repertorio sacro stilisticamente ampio con alcune opere note, ma soprattutto molte nuove scoperte e prime edizioni degne di nota. Le opere in latino e francese, molte delle quali con accompagnamento d'organo, sono per la maggior parte non particolarmente difficili, principalmente a quattro voci con divisioni aggiuntive in piccole parti e possono essere utilizzate sia in ambito interconfessionale che concertistico. L'editore Denis Rouger, professore di direzione corale a Stoccarda, ha potuto attingere alla sua pluriennale esperienza come direttore delle chiese parigine di Notre-Dame e La Madeleine per questa amabile compilazione e completa l'edizione con un CD di opere selezionate, splendidamente cantate dal suo coro da camera Figure Humaine.

Negli ultimi anni, le edizioni Urtext di Breitkopf & Härtel hanno fornito un eccezionale tesoro di repertorio oratoriale: sia che si tratti di nuove edizioni di "blockbuster" come l'opera di Handel, sia che si tratti di nuove edizioni di opere di grande successo. Messia (edizione critica altamente raccomandata con molte nuove prospettive, partitura PB 5560) o la Messa in do minore di Mozart (sensibile ricostruzione di Clemens Kemme, PB 5562), ma anche opere di recente scoperta incentrate su Bach che meriterebbero esecuzioni più frequenti.

Particolarmente degne di nota sono le nuove pubblicazioni del compositore barocco boemo Jan Dismas Zelenka, molto apprezzato da J. S. Bach. Entrambi i suoi Miserere Do minore (ZWV 57, PB 5594), così come il suo Missa votiva (ZWV 18, PB 5577) sono capolavori della sua musica da chiesa per la Hofkirche di Dresda. Si accontentano di un'orchestrazione poco costosa (due oboi, archi e basso continuo) e tuttavia sono ricchi di forma e colore.

Le opere di Johann Kuhnau, diretto predecessore di Bach alla chiesa di San Tommaso a Lipsia, offrono una riscoperta davvero gratificante. La sua recente pubblicazione Magnificat con intermezzi natalizi è un vero arricchimento per i concerti natalizi con solisti, coro e orchestra (EB 32108).

Tra le Passioni di Bach, la loro riscoperta e l'opera di Carl Loewe L'espiazione della nuova alleanza è l'oratorio della Passione, della durata di un'ora, che non è troppo difficile da eseguire. Getsemani e Golgota L'ambientazione, testualmente vivace e gradevole, ricorda Mendelssohn con i suoi cori opulenti, contiene solo poche arie e coinvolge la congregazione con i corali della Passione. Un interessante arricchimento per i concerti della Passione, ma anche ideale come musica del Venerdì Santo nelle funzioni religiose.

Laurent Menager: Opere vocali sacre per coro misto SATB, coro maschile TTBB, voci soliste e duo, (=Edizione critica completa Volume 3), a cura di Alain Nitschké e Damien Sagrillo, partitura, EM 2600, € 140,00, Merseburger, Kassel 2018

Musica corale francese, 45 cori e mottetti sacri dal XV al XXI secolo, a cura di Denis Rouger, volume per direttori di coro con CD, CV 2.311, € 27,90, Carus, Stoccarda 2018

Johann Kuhnau: Magnificat in do maggiore con intermezzi per l'esecuzione nel periodo natalizio, a cura di David Erler , partitura, PB 32108, € 54,00, Breitkopf & Härtel, Wiesbaden 2018

Quando si parla di trio di corni, si pensa immediatamente alla famosa opera 40 di Johannes Brahms, che negli anni Ottanta ha ispirato György Ligeti a scrivere il suo rivoluzionario trio. Omaggio a Brahms di comporre. Anche i compositori "modernisti moderati" tentarono ripetutamente di seguire le orme di Brahms. Tra questi, Charles Koechlin con il suo sognante preziosismo Quatre petites Pièces op. 32 del compositore inglese Lennox Berkeley e dell'australiano Don Banks, che hanno contribuito ad arricchire questo genere.

Edition Bim, l'editore di musica per fiati lodevolmente attivo nella Svizzera occidentale, ha pubblicato un trio per violino, corno e pianoforte dell'americano Richard Lane (1933-2004), autore di tutta una serie di opere per orchestra, orchestra di fiati e pezzi solistici per strumenti a fiato. Il trio, della durata di undici minuti, affascina per il suo vivace gioco tra i tre strumenti e per le sezioni libere e liriche nell'Adagio del secondo movimento.

L'inglese John Frith porta il suo amore per il trio di Brahms in questo nuovo lavoro per la stessa strumentazione. Ancora praticante di corno, conosce i vantaggi tonali del suo strumento, che qui colloca nel registro meglio suonante con gli altri strumenti.

Richard Lane: Trio, per violino, corno e pianoforte, partitura e parti MCX75, Fr. 25.00, Edizioni Bim, Vuarmarens

John Frith: Horn Trio, per violino, corno e pianoforte, E717, £17,95, June Emerson Wind Music, Ampleforth

La cantante inizia con un gesto che sale e scende rapidamente, il clarinetto la imita e così via, alternandosi. In breve tempo, il gesto cambia, le voci si intrecciano, si sfregano l'una contro l'altra e continuano a salire fino a bloccarsi sulla nota più alta. Seguono brevi e tranquille ripetizioni e infine una semplice canzone popolare slovacca, un canto ululante. Da ascoltare nel Canzone dei prati di Iris Szeghy. La compositrice slovacca, che vive e lavora a Zurigo dal 2001, sa come prendere un materiale così semplice - l'imitazione è in effetti la più antica arte musicale - e sviluppare una forma coerente in uno spazio ridotto. Sulla base di queste esperienze, molti anni fa l'ho definita una maestra della piccola forma, che non si è lasciata sfuggire l'occasione di creare anche grandi sequenze. E così sia. Per quanto riguarda le opere epicamente espansive, non le troverete in questo CD, che ha registrato con il trio slovacco Sen Tegmento. Il soprano Nao Higano, il clarinettista Martin Adámek e la pianista Zuzana Biščáková offrono un'esecuzione incredibilmente bella. Solo la pronuncia tedesca è a volte un po' sconnessa.

Il modo in cui Szeghy condensa e formula succintamente la musica, senza alcuna pressione ad innovare, basandosi su materiale familiare, è qui splendidamente dimostrato. A volte inizia con suoni semplici, quasi banali, per poi portarli all'estremo, in gesti teatralmente esaltati. Ad esempio, il brano per pianoforte si sviluppa da un sordo martellare Perpetuum mobile a cascate sgargianti. In Folclorico a una lenta cantilena del clarinetto si contrappongono gli orientalismi del pianoforte, che esplodono nuovamente in violente esplosioni. Questo ha le sue insidie, perché rischia di sconfessare quanto stabilito all'inizio, ad esempio quando una delle "Schegge d'Assia" (basate su frammenti di Hermann Hesse) si distorce sarcasticamente in una fragorosa risata sull'immortalità. Non tutti i pezzi sfuggono alla placidità. Questo è il pericolo di una rappresentazione non solo suggestiva, ma anche troppo esplicita.

Particolarmente suggestiva è l'ambientazione del brano di Paul Celan Salmo per la sola voce. Tra sussurri, bisbigli, discorsi e canti cupi, la poesia, così commovente e vuota, si dispiega, fiorisce per un attimo, come la centrale "Niemandsrose" - e poi sprofonda di nuovo. Il Invocazione dell'Orsa Maggiore Ingeborg Bachmann conclude il CD: Nel silenzio morto, la musica si diffonde con leggerezza e serietà.

Perché dovremmo ascoltare musica di epoche storiche? La musica di uomini bianchi per lo più morti, come si è lamentato di recente un amico. Il problema riguarda l'intera industria della musica classica, ma è ancora più acuto per un organizzatore come il Forum Alte Musik Zürich. Dopotutto, i programmi dei festival che organizza due volte l'anno risalgono spesso a epoche molto lontane.

Tuttavia, come dimostra il festival di primavera di quest'anno all'insegna delle "Metamorfosi", le soluzioni spuntano più abbondantemente laddove sono più urgenti. Consapevolmente o inconsapevolmente, il programma distribuito su due fine settimana ha offerto una serie di risposte alla domanda sul perché o sul come ci si debba confrontare con opere che provengono da un ambiente culturalmente e socialmente distante.

Si è cominciato con i piccoli concerti-aperitivo in cui Linda Alijaj e Hitomi Inoue, entrambe studentesse presso l'Università delle Arti di Zurigo, hanno eseguito il brano di Benjamin Britten Sei Metamorfosi dopo Ovidio per oboe solo. Si potrebbe definire un approccio museale al passato e di certo non sarebbe del tutto sbagliato. La scelta di questo brano e degli ulteriori estratti dal poema di Ovidio eseguiti dallo studente di teatro Morris Weckherlin sono stati un chiaro e dimostrativo riferimento alla lunga tradizione della cultura europea. Il fatto che l'opera di Britten non sia musica antica conferisce una certa freschezza e testimonia l'apertura con cui il Forum progetta i suoi programmi.

Naturalmente, nei due fine settimana si è assistito anche all'approccio più comune degli organizzatori nei confronti delle opere antiche: Non ci si pone nemmeno il problema della loro attualità, ma si confida semplicemente nella potenza della musica e si cerca di presentarla nel modo più favorevole possibile con una buona interpretazione. Al Festival Metamorphosen, per esempio, in un concerto dedicato a Josquin Desprez, per molti il più importante compositore del Rinascimento. L'ensemble vocale Alamire ha dimostrato in modo impressionante nella chiesa di San Pietro ciò per cui i piccoli ensemble inglesi sono giustamente famosi. L'intreccio delle voci è stato realizzato con grande agilità, le singole voci sono state enfatizzate e il flusso del suono è stato strutturato. Alle singole frasi è stato dato un po' più di spazio qua e là senza disturbare la delicata tessitura. Anche il primo e ancora relativamente scarno Missa d'ung aultre amer è sbocciato sensualmente sotto la direzione del direttore e musicologo David Skinner. L'unica domanda che ci si pone è perché questo concerto sia stato uno dei meno seguiti del festival, che in realtà è stato ben frequentato - perché musicalmente è stato un punto di forza. Forse può essere interpretato come un'indicazione del fatto che non è più sufficiente presentare i cosiddetti capolavori della storia della musica per attirare il pubblico. Oppure si è trattato semplicemente di una coincidenza.

D'altra parte, tre concerti in cui si è cercato di far rivivere tradizioni perdute o addirittura dimenticate hanno attirato un grande pubblico. Ad esempio, la Deutsche Hofmusik ha presentato una ricostruzione dell'opera perduta di Johann Sebastian Bach. Musica funebre di Köthen e l'Ensemble Melpomen, sotto la direzione di Conrad Steinmann, si è persino azzardato a immaginare la musica dell'antica Grecia. E, coincidenza o meno, è stato proprio in questi momenti di approccio provvisorio e speculativo che il confronto con il passato si è rivelato estremamente produttivo. Ovvero, costringendoci a riflettere sul modo in cui ci rapportiamo al passato.

Questo è apparso evidente all'Helferei durante il concerto del gruppo Hirundo Maris di Arianna Savall. La Savall ha aperto il suo viaggio europeo attraverso 200 anni di Minnesang con un invito al Medioevo, e già allora ci si chiedeva se non fosse piuttosto il contrario. Non siamo forse visitati dal Medioevo? E come un buon ospite, adattandoci alle abitudini dell'ospite? Senza portare con sé sporcizia e abitudini inquietanti? In fondo, Hirundo Maris non ha offerto un Medioevo autentico, ma uno sguardo moderno e colorato al passato. In linea di principio ciò non sarebbe problematico, poiché non c'è altra possibilità che adottare il più coscienziosamente possibile una certa visione delle melodie tradizionali, che sono state tramandate solo nel testo e nella melodia. Dal punto di vista musicale, la soluzione era eccellente e storicamente valida. Ma tutto il clamore, compreso il "costume medievale", era sconcertante. Una maggiore distanza dalle proprie azioni non avrebbe fatto male all'ensemble. Tuttavia, o forse proprio per questo, il pubblico ha lasciato il concerto musicalmente esaltato e intellettualmente stimolato. E cosa si può desiderare di più? Molti eventi di musica contemporanea non sono in grado di raggiungere questo obiettivo.

Il concerto finale con un vespro di Carlo Donato Cossoni, un compositore dell'Italia settentrionale del XVII secolo, la cui musica è in gran parte manoscritta nella biblioteca dell'Abbazia di Einsiedeln, ha fornito una visione di tutt'altro tipo. La riscoperta di maestri minori sconosciuti è oggi uno dei trucchi di marketing preferiti dal settore. In questo caso, tuttavia, si è riconosciuto ancora una volta che per molte di queste scoperte non sarebbe una grande perdita se non venissero mai fatte. Tuttavia, uno dei tanti punti di forza del festival è che anche questi concerti vengono ricordati come validi.