In collaborazione con la Fonoteca Nazionale Svizzera e con il supporto di altre istituzioni specializzate come la Radiotelevisione Svizzera SRF e la Biblioteca Centrale e Universitaria di Lucerna, sono state elaborate professionalmente oltre 3000 biografie di artisti, 2500 ore di registrazioni sonore, servizi e immagini dei media, video e tutto il materiale promozionale.

L'archivio documenta il jazz e la musica improvvisata in Svizzera dall'inizio degli anni Novanta. La collezione audiovisiva è costituita principalmente da concerti, registrazioni audio e video registrate dal vivo dalla SRF e registrazioni presentate dai gruppi al comitato di programma.

L'archivio online sarà lanciato in occasione dell'apertura del festival di quest'anno, mercoledì 22 maggio 2019, presso il Kulturzentrum Kammgarn. All'inizio saranno accessibili alcuni anni selezionati e altri saranno aggiunti gradualmente.

Cosa collega la città di Berna sull'Aare con la metropoli di Odessa sul Mar Nero? Nulla, a meno che non si consideri il concerto "Odessa Classics in Bern" che si è tenuto al Forum Yehudi Menuhin nell'ambito delle Giornate della cultura ucraina. Accanto al violinista Michael Guttmann e al violoncellista Samuel Justitz, il pianista ucraino Alexey Botvinov siede al pianoforte a coda e suona in modo tale che è subito chiaro: Qualcuno ha una missione qui - Odessa Classics. Il pianista, che è spesso ospite in Svizzera ed è stato un pilastro indispensabile di molti balletti del coreografo Heinz Spoerli (Variazioni Goldberg) era ed è instancabilmente impegnato nel festival della sua città natale.

Foto: Odessa Classics

Il direttore del festival Alexey Botvinov

Il musicista, oggi 54enne, l'ha fondata in un momento in cui si stava intensificando il conflitto armato nell'Ucraina orientale, che continua tuttora. "Improvvisamente la guerra era lì. Nessuno poteva immaginarlo", racconta Botvinov, parlando della sua rabbia e della sua protesta interiore, ma anche del dolore e del lutto per le molte persone morte. "In quel momento ho pensato a me stesso: Cosa posso fare per contrastare la guerra e la terribile situazione che sta sconvolgendo tutti?". Musica! "Gli amici mi hanno detto: Quello che stai immaginando con il tuo festival è completamente irrealistico". Ma Botvinov ha fatto decollare il festival Odessa Classics, finanziato principalmente da privati, ma ora anche cofinanziato dalla città di Odessa e dalla regione. È stato organizzato con successo per la prima volta nel 2015. I quattro giorni iniziali del festival sono ora diventati nove. "Ma voglio espandermi ancora di più, fino a due o forse anche tre settimane", sottolinea Botvinov e sogna "una Salisburgo per l'Europa orientale". Questo non sembra irrealistico se si considera il crescente numero di visitatori che viaggiano da Kiev, Kharkiv, Lviv (Lemberg) e, sempre più spesso, dall'estero.

Chi si reca a Odessa dall'Europa occidentale potrebbe essere sorpreso di trovare nella giocosa città portuale del Mediterraneo gli stessi artisti e gli stessi ensemble del proprio Paese. Nel recente passato sono stati Vadim Repin, Maxim Vengorov, Dimitri Ashkenazy, Antonio Meneses e Matthias Goerne; quest'anno si incontreranno i pianisti Cyprien Katsaris e Pietro De Maria, il violinista Daniel Hope, l'Orchestra da Camera di Zurigo e il Mischa Maisky Trio. Uno sguardo al programma mostra che saranno eseguite numerose opere di Mozart, Beethoven, Rachmaninov, Chopin, Tchaikovsky, Grieg, Vivaldi e Gershwin. Sensazioni di tango ma anche composizioni di Piazzolla, Lipesker e Bernstein. Roby Lakatos e il suo ensemble rafforzano l'impressione di un festival che offre qualcosa per tutti. Quindi solo repertorio standard? "No", dice Alexey Botvinov, "dedichiamo anche un'intera serata alla compositrice georgiana contemporanea Gija Kantscheli. Ora vive ad Anversa, ma desidera venire a Odessa".

Foto: Odessa Classics

Daniel Hope (a destra) è artista in residenza

Se si vuole capire il significato di Odessa Classics, sottolinea sempre il pianista, non bisogna mai dimenticare una cosa: "L'Ucraina è diventata indipendente nel 1991. Da allora, però, nessun grande artista straniero è venuto nel nostro Paese. Artisti e compositori che sono stati a lungo conosciuti dagli europei occidentali spesso non sono familiari agli ucraini, il che vale anche per un compositore come Erwin Schulhoff, ad esempio. Per questo motivo devo cercare di mantenere un equilibrio tra il noto e lo sconosciuto. Le star sono molto importanti per il nostro pubblico. Nel recente passato sono mancate; ora dovrebbero poterle conoscere". Una di queste è Daniel Hope, che sarà Artista in Residenza a Odessa Classics per tre anni.

Nell'ambito di una serie extra con giovani musicisti ucraini di grande talento sotto il motto "Pilgrims", verranno coltivate specialità come il concerto "Spiegel im Spiegel" con opere di Arvo Pärt e Max Richter. Verrà inoltre organizzato un concorso musicale per giovani. Oltre a un premio in denaro, il vincitore avrà anche l'opportunità di esibirsi all'evento gratuito all'aperto ai piedi della Scala Potemkin, che il regista Sergei Eisenstein ha raffigurato nel suo film Corazzata Potemkin di fama mondiale. In breve: Alexey Botvinov sta tentando un gioco di equilibri con Odessa Classics. Da un lato, vuole rivolgersi al "pubblico locale, che ama e capisce la musica", e dall'altro a un pubblico dell'Europa occidentale.

Foto: Odessa Classics

Concerto alla Scala Potemkin

Oltre ai concerti principali nel teatro dell'opera magnificamente ristrutturato e nella sala filarmonica, l'attrazione principale è Odessa, la città portuale fondata da Caterina la Grande nel 1794, con il suo fascino orientale e il suo fascino meridionale. La storia dell'odierna metropoli di milioni di abitanti è tradizionalmente caratterizzata da molti popoli, religioni e arte. Alexander Pushkin disse una volta: "A Odessa si respira l'Europa". Senza l'effetto ispiratore di questa città, il poeta non avrebbe mai scritto il suo romanzo in versi. Eugene Onegin avrebbe scritto? Ma Odessa è anche la patria di violinisti leggendari come David Oistrakh, Nathan Milstein e Zakhar Bron, e di pianisti non meno leggendari come Emil Gilels, Svyatoslav Richter e Shura Cherkassky.

Sì, Odessa è irresistibile, dice Alexey Botvinov. Anche lui è costantemente sorpreso dall'atmosfera speciale della sua città natale. Durante il periodo del festival, soprattutto in occasione del concerto all'aperto: "Quando guardo i 10.000 spettatori sui gradini della Scalinata Potemkin, ogni volta è un'esperienza impareggiabile".
 

Gli abbonati alla Biblioteca cantonale della Turgovia possono ora utilizzare il servizio di streaming musicale "Freegal Music" per scoprire i brani di una collezione di oltre 15 milioni di canzoni, video musicali e audiolibri di più di 40.000 etichette musicali in tutto il mondo, tra cui Sony Music, Epic, RCA e Columbia. È possibile sfogliare le playlist o creare la propria lista dei desideri.

Con questa offerta, gli utenti possono ascoltare tre ore di musica, video musicali o audiolibri in streaming ogni giorno. Inoltre, ogni settimana è possibile scaricare gratuitamente tre brani musicali o video musicali. Il servizio può essere utilizzato direttamente tramite il sito web o un'applicazione gratuita senza alcun software aggiuntivo. Tutto ciò che serve è una tessera della Biblioteca cantonale di Turgovia.

"Come vogliamo vivere?" è il motto della Primavera di Heidelberg di quest'anno (16 marzo-14 aprile). Si tratta della parte finale della trilogia dell'Illuminismo, che negli anni precedenti si è occupata dello "straniero" e della "propria specie". Oltre ai concerti orchestrali, alla musica da camera e ai recital, il festival include anche le proprie masterclass, come l'Accademia di Musica da Camera guidata da Igor Levit e l'Accademia del Lied di Thomas Hampson, i cui risultati artistici possono essere ascoltati nel programma del festival. Il direttore artistico Thorsten Schmidt guarda al futuro, soprattutto nel cosiddetto LAB, che riunisce rappresentanti di diverse arti e sperimenta nuove forme di concerti e teatro musicale. Con la prima mondiale di Castore&Polluce il vecchio auditorium dell'Università di Heidelberg, dignitoso e rivestito di legno, ha presentato un "teatro musicale multimediale per ensemble, video arte e suono 4D", come viene definita la serata di 70 minuti. Almeno questo suona molto innovativo e come una nuova esperienza di ascolto. Nel vecchio auditorium è stato installato un pavimento a griglia. Alcune signore devono quindi cambiare i tacchi all'ingresso per evitare di rimanere incastrate nel sistema di diffusione sonora. Al centro della sala si trova una struttura di altoparlanti a otto colonne. Diversi monitor e un grande schermo in testa alla sala, dove è posizionato anche l'ensemble barocco The Rossetti Players diretto da Barbara Konrad, completano l'allestimento. Gli otto membri dell'ensemble vocale si sono mescolati al pubblico, alcuni dei quali seduti su travi di legno.

La serata è sulle tracce dell'eterno desiderio di immortalità e cerca di gettare un ponte tra l'antico mito di Castore e Polluce e l'intelligenza artificiale, tra le sonorità barocche dell'omonima opera di Jean-Philippe Rameau e il live electronics di Lukas Rehm, che ha anche girato i video della serata. Purtroppo, la produzione (Lisa Charlotte Friederich: libretto e regia; Jim Igor Kallenberg: drammaturgia) non mantiene le sue promesse. Si ingarbuglia nei numerosi riferimenti che tenta di far passare. Soprattutto, crea troppa poca presenza musicale-teatrale. Persino l'inizio è sprecato, quando Natalie Pérez racconta l'intera storia dei gemelli umano-divini Castore e Polluce in modo elementare. Il dramma musicale avrebbe potuto essere sviluppato da singole scene, come quando Castore viene ferito mortalmente e deve andare negli inferi, quando Polluce è lacerato dal desiderio e segue il fratello nell'Ade per un giorno. L'ouverture di Rameau si sente solo in un secondo momento, inizialmente suonata in maniera saltellante e maestosa dall'ensemble barocco di nove elementi, poi elaborata digitalmente e inviata attraverso gli altoparlanti. La macchina sostituisce l'uomo. Sui monitor scorrono video del massiccio di Castore e Polluce nelle Alpi vallesane, seguiti da dichiarazioni di scienziati e paesaggi puramente digitali. Gli otto cantanti si aggirano per la sala, si presentano come Castore o Polluce e parlano del Progetto Cervello Umano di Heidelberg, per il quale si sta ricreando un cervello umano come un computer gigante in un edificio di quattro piani. Le arie cantate, i duetti e i cori di Rameau possono creare singoli momenti toccanti, ma rimangono incoerenti nella sala. Nel mezzo, la musica elettronica di Lukas Rehm modella ripetutamente l'azione con paesaggi sonori svolazzanti, rumori multicolori e creazioni sonore assolutamente affascinanti con una qualità audio eccellente. Tuttavia, non c'è un contatto convincente tra i vari elementi della serata. Castore&Polluce assomiglia a un collage, assemblato da pezzi di scena che hanno troppo poco a che fare l'uno con l'altro. I personaggi di questo esperimento di laboratorio rimangono tali fino al coro finale. Che i cieux, che la terra senza volto e intercambiabili.

David Philip Heftis Media nox per flauto e orchestra da camera, invece, ha un tono molto particolare. L'opera commissionata dall'Heidelberger Frühling è il terzo lavoro del ciclo in quattro parti del compositore svizzero. Vigilanza notturna. Fin dall'inizio si dispiega un'atmosfera particolare tra calma e inquietudine, contorni sfumati e chiari, centri tonali e ambiguità di quarti di tono. Per la parte del flauto, che Tatjana Ruhland, flautista principale dell'Orchestra Sinfonica della SWR, modella con la massima arte di differenziazione, Hefti richiede tecniche esecutive moderne come i multifonici, gli slap toung percussivi e i glissandi che tirano ripetutamente il tappeto da sotto i piedi. Hefti gioca con i colori tonali quando lo stesso tono viene ripetutamente rimescolato dai diversi registri. Anche la Deutsche Radio-Philharmonie Saarbrücken-Kaiserslautern, sotto la sensibile direzione di Jamie Phillips, si lascia coinvolgere da questa musica fragile, che si arricchisce di molte sfumature e che di tanto in tanto emerge per un attimo dallo stato crepuscolare alla luce scintillante e fa smorfie da incubo.

Insieme a Simone Escher e Kaspar Pankow, Julia van der Waerden apre nuovamente il suo laboratorio nella Hunzikerareal di Zurigo a esperti di liuteria, musicisti attivi e altri interessati. Saranno ospiti alcuni dei migliori archettai europei. Oltre a Kaspar Pankow da Zurigo, arriveranno Doriane Bodart, Josephine Thomachot e Pierre Nehr da Parigi, Verena Schauer da Londra, Jutta Walcher da Oxford e Andrea Proietti da Cesena.

Oltre alla mostra, è previsto un programma di supporto con concerti (Duo Gehweiler, Gadjolinos), conferenze (Kaspar Pankow, Thomastik Imfeld), prove di suono (Marc Luisoni e Ronny Spiegel) e una cena nel laboratorio con la violinista Nina Ulli.

Programma, date, orari e luogo: werkplatzgeige.ch
 

Come annunciato dalla Cancelleria di Stato del Vallese il 18 aprile, nel 2018 il Consiglio di Stato ha istituito il "Premio Vallese per la Cultura e l'Economia" sulla base di un'iniziativa congiunta del Dipartimento della Sanità, degli Affari Sociali e della Cultura e del Dipartimento dell'Economia e dell'Educazione. L'obiettivo era quello di onorare e riconoscere l'impegno di un'istituzione, un'azienda o un evento che dedica le proprie attività allo sviluppo culturale ed economico. Il premio, dotato di 20.000 franchi svizzeri, viene assegnato annualmente.

I criteri di selezione decisivi sono: "originalità, qualità e carattere esemplare delle produzioni e delle realizzazioni riconosciute dagli ambienti culturali ed economici; portata e richiamo a lungo termine a livello nazionale e internazionale; impatto culturale ed economico per il Vallese; modello di finanziamento solido e a lungo termine".

La Cancelleria di Stato continua: "Nel 1974, il musicista ungherese György Sebök fondò un festival musicale a Ernen. Per lui, il villaggio era un'oasi di cultura e musica, lontano dal caos e dalla frenesia: grande musica in un ambiente semplice. Un concetto plausibile con il quale ha riunito musicisti eccezionali. Oggi il festival musicale organizza anche una settimana di letteratura e un laboratorio di scrittura. Anche se la morte del fondatore (1999) può essere un momento difficile per un festival di questo calibro, l'associazione Musikdorf Ernen ha saputo portare avanti il suo lavoro. L'associazione continua quindi a dare un importante contributo all'immagine musicale del Vallese. Inoltre, contribuisce in modo significativo all'attrattiva del comune di Ernen e della regione. Come forte segno di riconoscimento, l'associazione ha ricevuto il Prix Montagne nel 2013.

L'associazione copre circa tre quarti del suo budget di 770.000 franchi attraverso la vendita delle sue produzioni, le sponsorizzazioni, i mecenati privati e i contributi diretti dei suoi 470 membri. I comuni di Ernen e Briga, il Cantone e la Loterie Romande contribuiscono per poco più di un quarto, per un totale di 200.000 franchi (2018). Queste quattro fonti di finanziamento garantiscono al villaggio musicale stabilità e longevità. L'associazione finanzia così mezzo milione di franchi di salari e servizi in Vallese. Gli organizzatori stimano il valore aggiunto diretto per l'economia regionale a circa 2 milioni di franchi."
 

Tradizionalmente, il campione svizzero in carica può partecipare al concorso annuale come rappresentante della Svizzera e competere per il titolo di Campione Europeo di Brass Band. La Valaisia Brass Band, campione europeo in carica, ha vinto il Concorso svizzero per ottoni lo scorso autunno. Tuttavia, era già pre-qualificata per il Concorso europeo per bande d'ottoni del 2019, il che significa che anche la BML, in qualità di seconda banda svizzera, ha diritto a un posto di partenza. 

Il Concorso europeo per bande di ottoni si svolge ogni anno in un Paese diverso e quest'anno si tiene a Montreux, in Svizzera. La BML è stata la prima banda svizzera a vincere il concorso a Perth (Scozia) nel 2014.

Il compito principale della posizione è quello di attuare il mandato strategico del Consiglio comunale di posizionare Winterthur come città della cultura. Secondo il comunicato stampa, "il primo passo sarà la compilazione di una panoramica delle attività di marketing degli attori culturali di Winterthur, al fine di dare priorità alle misure nel settore del marketing culturale globale". Allo stesso tempo, come misura iniziale, verrà lanciato un pass digitale per i musei di Winterthur, in sostituzione dell'attuale pass analogico.

Laura Bösiger, 32 anni, vive a Winterthur da 13 anni. Ha studiato giornalismo e comunicazione organizzativa e ha una vasta esperienza di progetti nei settori della cultura, della comunicazione, della gastronomia, degli eventi e del marketing. Laura Bösiger è stata co-direttrice del Festival musicale di Winterthur per tre anni e lo sarà fino alla fine del festival di quest'anno.
 

Più di 60 candidati si sono presentati per succedere al direttore artistico di Lucerna Benedikt von Peter, che si trasferisce al Teatro di Basilea. Il Consiglio di Fondazione del Teatro di Lucerna ha eletto all'unanimità il futuro direttore artistico. Il suo contratto copre inizialmente le stagioni dal 2021/22 al 2025/26.

Nonostante il gran numero di candidature, il comitato di selezione ha deciso di nominare direttamente il futuro direttore artistico. Karr è nata a Stoccarda nel luglio 1968 e ha studiato musica, musicologia e storia della letteratura tedesca moderna. Drammaturga e project manager per la musica contemporanea e il teatro musicale, ha lavorato al Nationaltheater Mannheim prima di passare al Teatro di Stato di Oldenburg come direttrice d'opera e infine al Teatro di Stato di Magonza come capo drammaturgo per l'opera.

Nel 2018, Ina Karr è stata anche drammaturga di produzione al Festival di Salisburgo per l'opera di Mozart "Il flauto magico". Sviluppa nuovi lavori nel campo del teatro musicale per il pubblico giovane, pubblica su riviste specializzate ed è regolarmente membro di giuria.

La violoncellista e direttrice d'orchestra Anita Jehli viene premiata in particolare per il suo grande impegno nell'Orchestrina Chur. Ha studiato violoncello all'Università di Musica di Zurigo con Markus Stocker e Claude Starck ed è vincitrice del Premio Kiwanis per la Musica, del Premio per la Musica da Camera dell'Associazione Cooperativa Migros e del Premio Koeckert per il Violoncello dell'Università di Musica di Zurigo.

Oggi Anita Jehli è la violoncellista solista della Camerata Schweiz. È sempre più attiva anche come direttrice d'orchestra. Dal 2005 è direttrice musicale dell'Orchestra della Chiesa della Città Vecchia di Zurigo e dal 2013 dell'Orchestrina Chur.

I premi di riconoscimento di Coira premiano almeno dieci anni di lavoro culturale importante per la città e la sua regione. Il Consiglio comunale della città di Coira ha inoltre approvato una revisione parziale dell'art. 10 dell'ordinanza sulla legge per la promozione della cultura. La revisione consente di assegnare un totale di sei premi nel 2019, ovvero un premio in più rispetto al passato.

Per coprire i costi aggiuntivi è necessario un contributo una tantum di 3,7 milioni di franchi alla Società Tonhalle. Oltre al capitale di dotazione assegnato alla Kongresshaus-Stiftung nel 2016 (165 milioni di franchi), è necessario un contributo di investimento alla Kongresshaus-Stiftung di 9,4 milioni di franchi per coprire i costi di costruzione aggiuntivi.

Inoltre, la Società Tonhalle richiede un contributo una tantum di 3,7 milioni di franchi svizzeri per coprire i costi derivanti dal rinvio. Le ragioni principali dei costi aggiuntivi e del rinvio sono il deterioramento del tessuto dell'edificio, gli obiettivi contrastanti e la pianificazione imprecisa.

Non ero mai stato nella Hall 12 prima d'ora. La prima cosa che faccio qui è entrare in un mondo alla Indiana Jones. Una giungla sovrasta rovine in rovina, si sentono i suoni degli animali e dell'acqua, la nebbia attraversa lo scenario: un'azienda specializzata in proiezioni ed effetti mostra le sue capacità su larga scala. Anche dopo aver attraversato la natura selvaggia, l'intero padiglione è dedicato alle tecnologie per eventi e media, dalla pavimentazione per la danza al controllo laser. Fa parte della fiera partner prolight + sound, che si svolge contemporaneamente alla Musikmesse.

Mentre qui si affollano molti visitatori (almeno 90 uomini %), nei padiglioni della Musikmesse la situazione è più tranquilla. Almeno nel padiglione 3.1, dove ho un appuntamento con i rappresentanti degli editori musicali. L'anno scorso, i loro stand si trovavano in una sala rumorosa, in mezzo a una banda di ottoni della Bundeswehr, tra gli altri. Gli strumenti a corda e le fisarmoniche con cui condividono lo spazio quest'anno sono molto più adatti a discussioni sulle ultime edizioni di spartiti e libri musicali. Tuttavia, la sala ha ora un angolo vuoto.

Gli espositori delle case editrici sono in effetti meno numerosi, gli editori più piccoli sono spesso presenti solo in stand collettivi e i rappresentanti nazionali delle rispettive industrie musicali sono ormai pochissimi. È una conseguenza della digitalizzazione? Un programma editoriale può essere facilmente visualizzato e consultato online. Gli strumenti musicali, invece, vogliono ancora essere visti e suonati in forma analogica, anche se molti di essi sono stati da tempo dotati di funzioni digitali. Ad esempio, i pianoforti che possono essere trasformati in pianoforti digitali con la semplice pressione di un tasto, con il suono proveniente dalle cuffie, o le batterie compatibili con la casa. Verranno presentati materiali per la costruzione di strumenti, modellati sul legno ma migliorati, come si suol dire; e violini dalla stampante 3D. Un'innovazione che ha già ottenuto diversi riconoscimenti è il lettore musicale Gvido, che si apre come un taccuino ed è composto da due pagine o schermi in formato verticale su cui si possono scrivere e salvare appunti. Inoltre, gli stand che offrono legno sonoro coltivato o strumenti terapeutici, come la culla sonora per adulti in cui ci si può sdraiare e lasciarsi trasportare dai suoni delle corde, sembrano allontanarsi deliberatamente dalla tecnica.

La crescente popolarità della Fiera del Libro di Lipsia gioca probabilmente anche un ruolo nella riduzione dell'elenco degli espositori per quanto riguarda gli editori musicali. Si tratta di una fiera per il grande pubblico. A Francoforte, l'attenzione è rivolta alla tendenza opposta. Nel catalogo ufficiale della fiera, Detlef Braun, CEO di Messe Frankfurt, spiega il nuovo concetto, secondo il quale la fiera vera e propria non dura più fino al sabato: "Prima gli affari! (...) Per la prima volta, l'evento si aprirà in quattro giorni lavorativi (...), enfatizzando l'attenzione per i visitatori professionali". Il pubblico in generale e gli abitanti della città sono invitati al Musikmesse Festival, con concerti nell'area espositiva e nei locali cittadini, e al Plaza Saturday, un misto di mercato musicale e festa popolare. Le scolaresche sono invitate al Centro Congressi, dove possono provare strumenti musicali di ogni tipo.

La fiera per gli esperti, lo spettacolo per il pubblico: tutto ciò ha senso. Tuttavia, gli editori, i cui contatti professionali, cioè i commercianti di musica, sono sempre meno, probabilmente non sono serviti da questo. È quindi comprensibile che guardino a Lipsia. Si pensa addirittura di organizzare una propria fiera musicale in autunno. Per il momento, tuttavia, si trovano a Francoforte e stanno anche chiarendo su cosa si concentrerà l'industria della musica classica l'anno prossimo: Beethoven! Il 250° anniversario della sua nascita si svolge giustamente già qui, perché ciò che verrà suonato e discusso nel 2020 è già disponibile in edizioni di spartiti e libri.

L'Ascona Jazz Award 2019 sarà consegnato a Leroy Jones martedì 25 giugno, in occasione del suo concerto sul palco di New Orleans. L'artista sarà premiato "per l'eccezionale qualità dei suoi risultati musicali". Nato nel 1955, Leroy Jones è uno dei più importanti trombettisti (e cantanti) di New Orleans degli ultimi decenni, rappresentante di spicco di un movimento musicale che mantiene la tradizione jazzistica di New Orleans e al tempo stesso la ringiovanisce.

Nel caso di Leroy Jones, scrive Jazz Ascona, questo porta a un "suono riconoscibile fin dalla prima nota" grazie alla sua forte personalità di solista e alla chiara tendenza a integrare nella sua musica elementi espressivi del bebop (in particolare).

Il Festival internazionale del jazz di Berna è stato fondato nel 1976 dall'imprenditore alberghiero Hans Zurbrügg. Oggi è gestito dal figlio Benny Zurbrügg. La 44ª edizione è in pieno svolgimento da metà marzo e ancora una volta non offre esperimenti, ma piuttosto suoni coltivati. "Fondamentalmente, ci atteniamo a rimanere un festival jazz genuino e a non stipare tutto ciò che ha un potenziale di vendita in termini di stile", spiega Benny Zurbrügg. Ciò che è cambiato rispetto agli inizi è la sede principale, che nel 2003 è stata spostata dal Kursaal di Berna alla molto più intima Marians Jazzroom nel seminterrato dell'Hotel Innere Enge. Il motto è stato "back to the roots" (ritorno alle origini); dopo tutto, sia il jazz che il blues sono nati nei club. "Da allora, ogni band suona uno o due concerti a sera, il che dà al pubblico la possibilità di vedere la propria band preferita più volte."

IJFB 2019

Bettye LaVette

Il concetto sembra funzionare, come dimostra l'esempio di quest'anno di Bettye LaVette: Quattro dei suoi cinque concerti hanno registrato il tutto esaurito in anticipo. E non a caso, come suggerisce la sua terza apparizione: Accompagnata dalla sua band di quattro elementi, la 73enne cantante R'n'B e soul ci fa ripercorrere i momenti salienti della sua carriera dal 1962. A volte è autoironica ("Alla mia età non si dovrebbe voler imparare dodici nuove canzoni di Dylan"), a volte è orgogliosa: cita più volte di essere già stata nominata cinque volte per il più ambito dei premi musicali, il Grammy. La voce di Bettye LaVette, vero nome Betty Jo Haskins, mostra forse qualche segno dell'età, ma è ancora in grado di affascinare il pubblico con la sua passione, il suo temperamento e la sua grande sicurezza di sé. Mentre la statunitense canta il brano di Dylan Le cose sono cambiatecon verve, blues e la sua esperienza di vita accumulata, propone con Il mio uomo - È un uomo amorevole un pezzo che ha eseguito all'età di 16 anni - è tanto nitido quanto schietto R'n'B. La performance di 80 minuti, durante la quale LaVette si è anche esibita allo Swamp Rock (Ha fatto di me una donna) e il Vangelo (Il più vicino possibile al paradiso) è denso e così carico di tensione che il pubblico si sente ispirato a fare una standing ovation alla fine del concerto.

IJFB 2019

Jerron Paxton

Un'ora dopo, Jerron "Blind Boy" Paxton inizia a prepararsi sul palco della Marian's Jazzroom. Il trentenne indossa una salopette di jeans e sembra un po' un contadino di altri tempi. La sua musica, che si orienta principalmente verso il folk blues acustico dei primi anni Venti, si adatta a questo aspetto. Il pubblico di circa 50 ascoltatori può sentire come Paxton - che ha perso quasi completamente la vista da adolescente - ricalchi il suono dei suoi antenati della Louisiana e cerchi di essere il più autentico possibile. Particolarmente impressionante Ole Dog Bluin cui l'artista racconta gli anni di carestia successivi alla Guerra Civile Americana, durante i quali perirono un milione di persone di colore. L'interazione organica tra i suoni del banjo e la voce ammaliante di Paxton costituisce un punto di forza. Il fatto che l'evento non abbia registrato il tutto esaurito è dovuto al fatto che la musicista non è purtroppo ancora così conosciuta come Bettye LaVette, afferma il direttore del festival Benny Zurbrügg. Tuttavia, è convinto che i doppi concerti serali siano perfetti per promuovere la popolarità di artisti come Paxton.

Dopo tre settimane di festival, è ancora presto per trarre conclusioni, spiega Zurbrügg. "Ma i concerti finora sono stati un completo successo, sia dal punto di vista artistico sia per quanto riguarda il numero di visitatori". Anche l'apparizione della leggenda della musica Eddie Palmieri depone a favore di questa visione delle cose. L'ottantaduenne, che non si è mai considerato un musicista jazz ma un rappresentante della danza latina, ha bisogno di un po' di aiuto per raggiungere il suo pianoforte a coda, ma il newyorkese di origini portoricane guida il suo sestetto di jazz afro-caraibico con la stessa mano ferma. Tuttavia, lascia la maggior parte dei riflettori e degli assoli al trombettista Jonathan Powell e al sassofonista Louis Fouché, che forniscono un'abbondante spinta e pressione. Sebbene Palmieri sia in grado di suonare brani come Mambo Picadillo dalla penna di Tito Puente o Samba Do Suenho La musica di Cal Tjader è ora sostenuta piuttosto che guidata, e il risultato colpisce per la sua leggerezza. Ciò è dovuto non da ultimo alla sua abile sezione ritmica, composta da Vincente Rivero alle congas, Luques Cortes al contrabbasso e dal percussionista Camilo Molina. Il trio sa variare senza sosta tra l'intricato e l'elegante, dando vita a uno spettacolo pirotecnico di momenti accattivanti.

IJFB 2019

Eddie Palmieri e il sestetto jazz afrocaraibico

Secondo il comunicato stampa della HKB, la giuria composta da quattro membri ha selezionato cinque opere tra le 44 pervenute; il primo premio di 1500 euro è stato assegnato a "...Sommerzeit?" di Samuel Cosandey. Le cinque opere saranno eseguite in anteprima al concerto dei vincitori dagli studenti della classe di organo dell'Università di Musica di Stoccarda sull'organo Mühleisen.

Samuel Cosandey ha studiato Nuova Musica alla HKB con Daniel Glaus e Xavier Dayer nel programma di Master Specialised Music Performance e si è laureato con lode nel giugno 2018.