Othella Dallas è nata a Memphis nel 1925. Prima di iniziare la sua carriera di cantante, è stata allieva della ballerina Catherine Dunham. Dallas ha debuttato come cantante all'inizio degli anni '50 nei jazz club di Parigi, dove ha condiviso il palco con Duke Ellington, Sammy Davis Jr, Nat King Cole, Quincy Jones, Sonny Stitt, King Kurtis e molti altri. Othella Dallas vive in Svizzera dagli anni Sessanta. Nel 1975 ha fondato la Othella Dallas Dance School a Basilea. Nel 2008 ha riportato in scena il suo album "I Live The Life I Love".

Lo Swiss Jazz Award è stato lanciato nel 2007 da Radio Swiss Jazz e JazzAscona con l'obiettivo di portare il jazz svizzero a un pubblico più ampio. Inizialmente organizzato come premio del pubblico, è stato assegnato direttamente nel 2017 e nel 2018. Tra i precedenti vincitori figurano Franco Ambrosetti (2018), Bruno Spoerri (2017), Cannonsoul di Patrick Bianco (2016), Raphael Jost e tanti corni (2015), Nicole Herzog & Stewy von Wattenwyl (2014), Chris Conz Trio (2013), Christina Jaccard & Dave Ruosch (2012), Alexia Gardner (2011) e Dani Felber Big Band (2010). Un "Premio alla carriera" è stato finora assegnato a Hazy Osterwald (2009) e Pepe Lienhard (2006).
 

Christine Hasler lavora come musicista teatrale e cantautrice. Ha conseguito il Master in Musica e Media Art presso la Bern University of the Arts nel 2015. Come musicista teatrale ha lavorato con Markus Heinzelmann al Theater Kanton Zürich, allo Staatstheater Nürnberg, allo Stadttheater Ingolstadt e all'Hessisches Landestheater Marburg, con Marie Bues allo Schlachthaustheater di Berna e al Rampe di Stoccarda. Con il suo progetto cantautorale Lia Sells Fish si esibisce regolarmente in concerti in tutta la Svizzera.

La violinista Simone Meyer è allieva di Bartlomiej Niziol, che insegna all'Università delle Arti di Berna. Ha vinto un premio di sponsorizzazione al Concorso del Percento culturale Migros nel 2013 e una borsa di studio Rahn nel 2014/15. Nel 2016 è stata in tournée come solista con la Junge Münchner Philharmonie sotto la direzione di Mark Mast e ha eseguito sette concerti a Monaco, Zurigo e Vienna.

La compositrice inglese Ethel Smyth (1858-1944) giunse a Lipsia nel 1877 per studiare musica al conservatorio locale. "Lipsia!!! ... QUI SONO", è il titolo di una delle prime delle oltre 50 lettere che scrisse alla madre durante questo periodo. In esse, l'autrice fornisce un resoconto impressionante delle differenze culturali rispetto al suo paese d'origine che si notano nella vita quotidiana, della sua formazione al Conservatorio di Lipsia e anche delle sue diverse attività e incontri nella vita sociale di Lipsia.

Nel 2014, l'Università di Musica e Teatro di Lipsia (HMT) è riuscita ad acquisire le 57 lettere offerte da una libreria antiquaria di Londra attraverso una campagna di sponsorizzazione. I singoli documenti sono stati poi catalogati nel portale dei manoscritti Kalliope. In tempo per il 75° anniversario della morte della compositrice, scrittrice e attivista per i diritti delle donne Ethel Smyth, le lettere sono ora disponibili anche online.

Le copie digitali si trovano insieme ad altri oggetti della collezione digitale HMT sul portale Sassonia.digitale e può essere utilizzato con licenza CC-BY-SA 4.0. La digitalizzazione, la presentazione e l'archiviazione a lungo termine della collezione sono state rese possibili dal Programma statale di digitalizzazione per la scienza e la cultura del Libero Stato di Sassonia, coordinato dallo SLUB di Dresda.

Nell'ambito della revisione periodica della strategia, il Consiglio di Fondazione del Festival di Lucerna e la direzione hanno deciso la nuova struttura del festival che si applicherà a partire dal prossimo anno. A partire dal 2020 saranno creati due nuovi fine settimana. Questi offriranno al pubblico concerti in primavera e in autunno, comprese le produzioni interne.

Oltre all'orchestra e all'Accademia, occorre dare maggiore importanza agli Alumni del Lucerne Festival. Si tratta di una rete di ex partecipanti all'Accademia le cui attività concertistiche a Lucerna e all'estero sono in costante aumento. Anche le attività nella città e nella regione di Lucerna devono essere intensificate. Tra queste, ad esempio, il concerto trasmesso su Inseli, il festival "In den Strassen", la giornata delle esperienze e il format "40min".

André e Michel Décosterd sono nati a Le Locle rispettivamente nel 1967 e nel 1969. André Décosterd, musicista, si è specializzato in informatica musicale e ha studiato i sistemi di composizione della musica elettroacustica e contemporanea. Michel Décosterd, ingegnere, ha iniziato a progettare sculture in movimento. Dal 1997, i due fratelli hanno unito i loro talenti come Cod.Act, creando forme musicali e architettoniche con un'estetica che ricorda il mondo industriale.

I seguenti 14 musicisti o ensemble saranno premiati con un Premio svizzero di musica: Bonaventure - Soraya Lutangu (Rougemont VD), d'incise - Laurent Peter (Ginevra), Pierre Favre (Le Locle), Ils Fränzlis da Tschlin (Engadina), Béatrice Graf (Nyon), Michael Jarrell (Ginevra), Kammerorchester Basel (Basilea), KT Gorique (Sion), Les Reines Prochaines (Basilea), Rudolf Lutz (St. Gallen), Björn Meyer (Berna), Andy Scherrer (Brunnadern SG), Sebb Bash (Losanna) e Marco Zappa (Locarno).

Dal jazz alla musica contemporanea, dall'hip-hop al rap e dalla musica classica al folk, tutti i generi musicali sono rappresentati dai vincitori del premio. Quest'anno, tuttavia, l'attenzione è rivolta alla musica elettronica in un'ampia varietà di forme. Per la prima volta, verrà assegnato un premio anche a un'orchestra.
 

Al contrario del Consiglio nazionale, la commissione del Consiglio degli Stati vuole che la tassa alberghiera rimanga in vigore. Se il Consiglio nazionale ha la meglio, gli alberghi, gli ospedali e le carceri non dovranno più pagare per l'uso delle opere pubbliche nei loro locali. L'uso dovrebbe essere definito come uso personale.

Tuttavia, la Commissione ha mantenuto la sua precedente decisione sul video-on-demand. Concorda sul fatto che i registi debbano ricevere una remunerazione per l'utilizzo dei video su richiesta. Il regolamento intende tenere conto del crescente utilizzo online delle opere e della scomparsa delle videoteche. Tuttavia, la WBK propone di escludere la musica dei film da tale obbligo di remunerazione.

Le società per il diritto d'autore si erano schierate a favore del mantenimento di questa possibilità. Si veda questo Articolo nella SMZ.

Cosa indossa ai suoi concerti? Si tratta di un abbigliamento professionale prestabilito o può decidere da sola? Le piace questo abbigliamento? È pratico? Cosa cambieresti?

Una studentessa dell'Istituto Tessile Svizzero si è prefissata il compito di disegnare abiti da concerto alla moda, adatti alle particolari esigenze di chi suona. È molto grata della vostra esperienza.

Partecipa a questo Sondaggio online (durata circa 5 minuti).

Lo scopo del sondaggio è quello di scoprire le vostre esigenze, ma anche le difficoltà che l'abbigliamento da concerto può causare quando si fa musica. I vostri dati rimarranno anonimi e non saranno utilizzati al di fuori di questa ricerca.

La bozza risultante dal sondaggio sarà pubblicata nel numero di dicembre 2019 della rivista Giornale musicale svizzero presentato.

Foto: Kai Pilger su unsplash

Davide Rizzitelli e Atilla Bayraktar hanno fondato la band "Vals" nell'estate 2018 per sperimentare nuovi metodi di produzione musicale. Lavorano con vecchi nastri al posto dei sequencer dei computer, con cassette e tape loop al posto dei campionatori e incorporano anche aspetti visivi. Una borsa di lavoro "riconosce il potenziale lungimirante e sostenibile di questa combinazione di elementi nostalgici e futuristici", scrive la città.

Charles Uzor sta lavorando da tempo al suo terzo progetto operistico, incentrato su Leopoldo II, re del Belgio e proprietario della colonia privata del Congo. Secondo la città, il progetto è "ancorato al presente nella sua rivalutazione del colonialismo e delle immagini di carnefici e vittime" e ha il potenziale per affascinare il pubblico attraverso l'ambivalenza, la suspense e motivi credibili.

Inoltre, la città fornirà borse di studio a Tine Edel (belle arti), GAFFA (Dario Forlin, Wanja Harb, Linus Lutz, Lucian Kunz) (arti applicate), Priska Rita Oeler (belle arti) e Juliette Uzor (danza).

"Il repertorio è una questione di vita". Eric Ericson, la leggenda svedese dei cori, ha vissuto come nessun altro questo credo sempre valido e lo ha trasmesso con convinzione ai suoi studenti (compreso l'autore di questo testo). Nella loro ricerca di un repertorio emozionante, i direttori di coro troveranno delle vere e proprie miniere di tesori nelle nuove raccolte qui presentate, con musiche del Lussemburgo e della Francia, oltre a opere di oratorio di J. S. Bach.

Le opere vocali sacre del compositore lussemburghese Laurent Menager (1835-1902), relativamente sconosciuto dalle nostre parti, sono state pubblicate in un'edizione esemplare dal Verlag Merseburger come terzo volume della grande edizione critica completa nell'ambito del progetto di ricerca "Musique luxembourgeoise" dell'Università di Lussemburgo.

Menager studiò con Chopin e con Ferdinand Hiller, amico di Mendelssohn, a Colonia a metà del XIX secolo. La sua musica da chiesa si colloca nella tradizione dei tardo-romantici tedeschi ed è caratterizzata da un trattamento semplice del testo e dalla preferenza per una scrittura omofonica-sillabica. Il volume contiene molte opere a cappella tedesche e latine (alcune anche con accompagnamento d'organo) di bella sonorità, brevi e di facile esecuzione, ideali per la liturgia cattolica come inni, inni mariani e composizioni Tantum-ergo.

In Musica corale francesepubblicato da Carus-Verlag, non solo i direttori di cori cattolici troveranno un repertorio sacro stilisticamente ampio con alcune opere note, ma soprattutto molte nuove scoperte e prime edizioni degne di nota. Le opere in latino e francese, molte delle quali con accompagnamento d'organo, sono per la maggior parte non particolarmente difficili, principalmente a quattro voci con divisioni aggiuntive in piccole parti e possono essere utilizzate sia in ambito interconfessionale che concertistico. L'editore Denis Rouger, professore di direzione corale a Stoccarda, ha potuto attingere alla sua pluriennale esperienza come direttore delle chiese parigine di Notre-Dame e La Madeleine per questa amabile compilazione e completa l'edizione con un CD di opere selezionate, splendidamente cantate dal suo coro da camera Figure Humaine.

Negli ultimi anni, le edizioni Urtext di Breitkopf & Härtel hanno fornito un eccezionale tesoro di repertorio oratoriale: sia che si tratti di nuove edizioni di "blockbuster" come l'opera di Handel, sia che si tratti di nuove edizioni di opere di grande successo. Messia (edizione critica altamente raccomandata con molte nuove prospettive, partitura PB 5560) o la Messa in do minore di Mozart (sensibile ricostruzione di Clemens Kemme, PB 5562), ma anche opere di recente scoperta incentrate su Bach che meriterebbero esecuzioni più frequenti.

Particolarmente degne di nota sono le nuove pubblicazioni del compositore barocco boemo Jan Dismas Zelenka, molto apprezzato da J. S. Bach. Entrambi i suoi Miserere Do minore (ZWV 57, PB 5594), così come il suo Missa votiva (ZWV 18, PB 5577) sono capolavori della sua musica da chiesa per la Hofkirche di Dresda. Si accontentano di un'orchestrazione poco costosa (due oboi, archi e basso continuo) e tuttavia sono ricchi di forma e colore.

Le opere di Johann Kuhnau, diretto predecessore di Bach alla chiesa di San Tommaso a Lipsia, offrono una riscoperta davvero gratificante. La sua recente pubblicazione Magnificat con intermezzi natalizi è un vero arricchimento per i concerti natalizi con solisti, coro e orchestra (EB 32108).

Tra le Passioni di Bach, la loro riscoperta e l'opera di Carl Loewe L'espiazione della nuova alleanza è l'oratorio della Passione, della durata di un'ora, che non è troppo difficile da eseguire. Getsemani e Golgota L'ambientazione, testualmente vivace e gradevole, ricorda Mendelssohn con i suoi cori opulenti, contiene solo poche arie e coinvolge la congregazione con i corali della Passione. Un interessante arricchimento per i concerti della Passione, ma anche ideale come musica del Venerdì Santo nelle funzioni religiose.

Laurent Menager: Opere vocali sacre per coro misto SATB, coro maschile TTBB, voci soliste e duo, (=Edizione critica completa Volume 3), a cura di Alain Nitschké e Damien Sagrillo, partitura, EM 2600, € 140,00, Merseburger, Kassel 2018

Musica corale francese, 45 cori e mottetti sacri dal XV al XXI secolo, a cura di Denis Rouger, volume per direttori di coro con CD, CV 2.311, € 27,90, Carus, Stoccarda 2018

Johann Kuhnau: Magnificat in do maggiore con intermezzi per l'esecuzione nel periodo natalizio, a cura di David Erler , partitura, PB 32108, € 54,00, Breitkopf & Härtel, Wiesbaden 2018

Théodore Gouvy (1819-1898), nato a Goffontaine vicino a Saarbrücken, al confine tra Prussia e Francia, fu attivo come compositore e direttore d'orchestra in entrambi i Paesi. Fu particolarmente apprezzato in Germania per le sue opere sinfoniche e in Francia per la sua musica da camera.

Il Sérénade vénitienne per viola e pianoforte, dedicato al violinista belga Louis van Waefelghem nel 1875, è un pezzo piacevole ma ritmicamente impegnativo di quattro minuti in mi minore, che termina in un radioso e dolcemente esalante mi maggiore. La viola sospira su onde di semicrome armonicamente ricche e mutevoli del pianoforte. Canta in ampi archi, che sono accuratamente differenziati in termini di dinamica e agogica, con note di trenta secondi strascicate o in levare. La gamma tonale rimane nelle tre corde inferiori e si realizza al meglio nel registro di mezzo-terzo.

La Ponticello Edition - fondata nel 2009 e specializzata in letteratura per archi e in particolare per violoncello - merita un grande plauso per aver reso accessibile questo gioiello dimenticato.

(Louis) Théodore Gouvy: Sérénade vénitienne per viola e pianoforte, a cura di Wolfgang Birtel, PON 1034, € 10,95, Ponticello Edition, Mainz 2018

Ovunque si apra il libro, è sempre possibile una sorpresa, soprattutto se si è piuttosto prevenuti nei confronti della "grande musica classica". L'ascoltatore di musica multiculturale, autore e presentatore Roger Willemsen riesce ogni volta a "propinare" al lettore le sue "dichiarazioni d'amore per la musica" in modo eloquente e senza frivolezze da esperto, così che si diventa (giustamente) ancora più consapevoli dei decenni di unilateralità. In cinque capitoli, vengono offerti stati d'animo, ritratti, confronti tra "musica classica e jazz", oltre che con la world music e l'incidentale, focalizzati in modo diverso, ma soprattutto in una combinazione di conoscenze storiche applicate con parsimonia ed esperienza musicale personale. I suoi punti focali sono John Coltrane, che "forse ha esplorato l'universo musicale più estesamente di chiunque altro prima o dopo di lui", e il jazz in tutte le sue sfaccettature. Tuttavia, non si preoccupa principalmente di descrivere la musica, ma di "esplorare le sensazioni" che si provano ascoltando la musica; e qui ha a disposizione un vocabolario meravigliosamente ricco. Ma anche le esplorazioni più differenziate non sono nulla senza il suono corrispondente; come se il menu vi fosse stato descritto in termini fioriti, ma non aveste potuto mangiare nulla. Dopo aver letto i commenti di Willemsen, potete verificare immediatamente se si applicano a voi: Quasi tutti i titoli citati possono essere ascoltati su YouTube, peraltro (ancora) gratuitamente.

Le più grandi scoperte sono possibili. Nelle 50 combinazioni di classica e jazz, Willemsen accosta brani che rivelano interessanti somiglianze nell'esplorazione delle emozioni: lo staccato di Lennie Tristano dopo l'allegro in sol maggiore di Muzio Clementi, per esempio, o la tromba avventurosamente agile di Cherokee di Arturo Sandoval, dopo il brano di Niccolò Paganini Moto perpetuo ascoltato. Il Notturno con il Quintetto di Teddy Charles a confronto con il terzo dei cinque pezzi orchestrali di Anton Webern. Può darsi che alcuni confronti suscitino incomprensione o che si notino ripetizioni, che non ci si voglia "preparare a un attacco al centro sentimentale", che alcuni giudizi indotti dall'emozione sembrino un po' troppo disinvolti o che la "presa in giro per salutare" Rex Gildo sia superflua. Ma l'informazione sulla pianista "largamente dimenticata" Jutta Hipp arriva giusto in tempo per l'attuale discussione sulla revisione della legge sul diritto d'autore: poco prima della sua morte, qualcuno si è accorto che aveva diritto a 40.000 dollari di diritti d'autore per i dischi venduti dopo la fine della sua carriera. Anche i mezzi di distribuzione di oggi hanno una tale memoria a lungo termine?

Infine, una stranezza: Jacques Loussier, che per la nostra generazione ha avuto un'importanza non indifferente in termini di "allargamento degli orizzonti", non viene menzionato. All'inizio degli anni Settanta, nello studio radiofonico di Berna, sulla scheda "Loussier, Jacques - Play Bach" era ancora scritto che questi dischi potevano essere utilizzati nel programma solo "dopo aver consultato il responsabile del dipartimento musicale". Chiaramente, quando Willemsen (nato nel 1955) si trovò a sentire Loussier che suonava Bach, non fece più scalpore.

Roger Willemsen: Musica! Über ein Lebensgefühl, 512 p., € 24,00; S. Fischer, Francoforte 2018, ISBN 978-3-10-397383-9

Non c'è dubbio che la scuola trombettistica francese, con il suo motore Maurice André, abbia influenzato molte generazioni di trombettisti come nessun altro. Già ai tempi della mia giovinezza, il grand seigneur de la trompette era onnipresente: dominava il mondo della tromba classica quasi da solo, proprio come Miles Davis ha plasmato il jazz.

Non sorprende quindi che Jean-François Dion abbia ritenuto che i tempi fossero maturi per dedicare un omaggio agli esponenti di questa scuola trombettistica francese. In 15 piccoli pezzi individuali, egli dipinge un quadro musicale dei dedicatari (da Roger Delmotte a Bernard Soustrot e Antoine Curé). Chi conosce bene i maestri non potrà fare a meno di sorridere mentre ascolta queste gemme, a volte simili a un etude. Le citazioni barocche in Maurice André da un lato, gli elementi aleatori e i cambiamenti degli ammortizzatori per Antoine Curé d'altra parte, sono probabilmente un po' audaci - l'inizio di Guy Touvron d'altra parte, ricorda sottilmente il rumore del mulino davanti a casa sua - una bella prova della familiarità del compositore con i suoi colleghi. È anche bello che ogni maître sia brevemente presentato in appendice con una foto e una biografia - ma è un peccato che manchino grandi come Pierre Thibaud o Eric Aubier, che avrebbero meritato non meno adulazione.

Jean-François Dion : La trompette française - 15 portraits musicaux, per tromba sola, TP 348, Fr. 20.00, Edizioni Bim, Vuarmarens

Due anni fa, Michael Behrendt ha dedicato il suo libro Non mi piace il lunedì. I 66 più grandi equivoci canori interpretazione errata del contenuto delle canzoni. Il giornalista musicale tedesco ha usato soprattutto questo per descrivere le canzoni e la loro genesi. Il suo nuovo lavoro segue lo stesso schema Provocazione! Canzoni che hanno fatto scalpore. In 296 pagine, Behrendt presenta un totale di 70 canzoni che hanno suscitato scalpore e clamore al momento della loro pubblicazione. Secondo l'autore, la selezione "volutamente incompleta e soggettiva" inizia con il brano di Claire Waldoff Herrmann ha fatto il giro del mondo Quando il pubblico credette improvvisamente di riconoscere in questo pezzo frivolo e sfacciato una frecciatina a Herrmann Göring, questo portò alla fine della carriera dell'artista berlinese. Dal punto di vista del contenuto, Billie Holiday Frutto strano (1939), in cui la cantante jazz statunitense racconta degli strani frutti che pendono dagli alberi negli Stati del Sud. Allusione schietta agli oltre 4.700 linciaggi di neri registrati tra il 1882 e il 1968, la Holiday fu cacciata dalla città quando tentò di eseguire il brano a un concerto a Mobile, in Alabama.

Nella sua pubblicazione, Behrendt tocca soprattutto storie note che oggi sembrano innocue, che non presenta in modo molto approfondito: C'è Dylan, che incontra resistenza quando passa dalla chitarra acustica a quella elettrica, e ci sono anche gli Who, che nel 1965 nel loro singolo La mia generazione proclamare che è meglio morire giovani. Infine, il libro è dedicato anche al gangsta rap, che a volte tende non solo a glorificare la violenza, ma anche ad avere tendenze antisemite o omofobe, che l'autore condanna con la massima fermezza. La principale constatazione di Behrendt, secondo cui i confini di ciò che è accettabile si spostano continuamente, è indubbiamente vera, ma è tutt'altro che nuova. Conclusione: lettura Provocazione! Canzoni che hanno fatto scalpore si rivela divertente, ma non è un obbligo.

Michael Behrendt: "Provocazione! Songs, die für Zündstoff sorg(t)en", 296 p. € 20,00 wgb Theiss, Darmstadt 2019, ISBN 978-3-8062-3922-5

Perché dovremmo ascoltare musica di epoche storiche? La musica di uomini bianchi per lo più morti, come si è lamentato di recente un amico. Il problema riguarda l'intera industria della musica classica, ma è ancora più acuto per un organizzatore come il Forum Alte Musik Zürich. Dopotutto, i programmi dei festival che organizza due volte l'anno risalgono spesso a epoche molto lontane.

Tuttavia, come dimostra il festival di primavera di quest'anno all'insegna delle "Metamorfosi", le soluzioni spuntano più abbondantemente laddove sono più urgenti. Consapevolmente o inconsapevolmente, il programma distribuito su due fine settimana ha offerto una serie di risposte alla domanda sul perché o sul come ci si debba confrontare con opere che provengono da un ambiente culturalmente e socialmente distante.

Si è cominciato con i piccoli concerti-aperitivo in cui Linda Alijaj e Hitomi Inoue, entrambe studentesse presso l'Università delle Arti di Zurigo, hanno eseguito il brano di Benjamin Britten Sei Metamorfosi dopo Ovidio per oboe solo. Si potrebbe definire un approccio museale al passato e di certo non sarebbe del tutto sbagliato. La scelta di questo brano e degli ulteriori estratti dal poema di Ovidio eseguiti dallo studente di teatro Morris Weckherlin sono stati un chiaro e dimostrativo riferimento alla lunga tradizione della cultura europea. Il fatto che l'opera di Britten non sia musica antica conferisce una certa freschezza e testimonia l'apertura con cui il Forum progetta i suoi programmi.

Naturalmente, nei due fine settimana si è assistito anche all'approccio più comune degli organizzatori nei confronti delle opere antiche: Non ci si pone nemmeno il problema della loro attualità, ma si confida semplicemente nella potenza della musica e si cerca di presentarla nel modo più favorevole possibile con una buona interpretazione. Al Festival Metamorphosen, per esempio, in un concerto dedicato a Josquin Desprez, per molti il più importante compositore del Rinascimento. L'ensemble vocale Alamire ha dimostrato in modo impressionante nella chiesa di San Pietro ciò per cui i piccoli ensemble inglesi sono giustamente famosi. L'intreccio delle voci è stato realizzato con grande agilità, le singole voci sono state enfatizzate e il flusso del suono è stato strutturato. Alle singole frasi è stato dato un po' più di spazio qua e là senza disturbare la delicata tessitura. Anche il primo e ancora relativamente scarno Missa d'ung aultre amer è sbocciato sensualmente sotto la direzione del direttore e musicologo David Skinner. L'unica domanda che ci si pone è perché questo concerto sia stato uno dei meno seguiti del festival, che in realtà è stato ben frequentato - perché musicalmente è stato un punto di forza. Forse può essere interpretato come un'indicazione del fatto che non è più sufficiente presentare i cosiddetti capolavori della storia della musica per attirare il pubblico. Oppure si è trattato semplicemente di una coincidenza.

D'altra parte, tre concerti in cui si è cercato di far rivivere tradizioni perdute o addirittura dimenticate hanno attirato un grande pubblico. Ad esempio, la Deutsche Hofmusik ha presentato una ricostruzione dell'opera perduta di Johann Sebastian Bach. Musica funebre di Köthen e l'Ensemble Melpomen, sotto la direzione di Conrad Steinmann, si è persino azzardato a immaginare la musica dell'antica Grecia. E, coincidenza o meno, è stato proprio in questi momenti di approccio provvisorio e speculativo che il confronto con il passato si è rivelato estremamente produttivo. Ovvero, costringendoci a riflettere sul modo in cui ci rapportiamo al passato.

Questo è apparso evidente all'Helferei durante il concerto del gruppo Hirundo Maris di Arianna Savall. La Savall ha aperto il suo viaggio europeo attraverso 200 anni di Minnesang con un invito al Medioevo, e già allora ci si chiedeva se non fosse piuttosto il contrario. Non siamo forse visitati dal Medioevo? E come un buon ospite, adattandoci alle abitudini dell'ospite? Senza portare con sé sporcizia e abitudini inquietanti? In fondo, Hirundo Maris non ha offerto un Medioevo autentico, ma uno sguardo moderno e colorato al passato. In linea di principio ciò non sarebbe problematico, poiché non c'è altra possibilità che adottare il più coscienziosamente possibile una certa visione delle melodie tradizionali, che sono state tramandate solo nel testo e nella melodia. Dal punto di vista musicale, la soluzione era eccellente e storicamente valida. Ma tutto il clamore, compreso il "costume medievale", era sconcertante. Una maggiore distanza dalle proprie azioni non avrebbe fatto male all'ensemble. Tuttavia, o forse proprio per questo, il pubblico ha lasciato il concerto musicalmente esaltato e intellettualmente stimolato. E cosa si può desiderare di più? Molti eventi di musica contemporanea non sono in grado di raggiungere questo obiettivo.

Il concerto finale con un vespro di Carlo Donato Cossoni, un compositore dell'Italia settentrionale del XVII secolo, la cui musica è in gran parte manoscritta nella biblioteca dell'Abbazia di Einsiedeln, ha fornito una visione di tutt'altro tipo. La riscoperta di maestri minori sconosciuti è oggi uno dei trucchi di marketing preferiti dal settore. In questo caso, tuttavia, si è riconosciuto ancora una volta che per molte di queste scoperte non sarebbe una grande perdita se non venissero mai fatte. Tuttavia, uno dei tanti punti di forza del festival è che anche questi concerti vengono ricordati come validi.

Quando si parla di trio di corni, si pensa immediatamente alla famosa opera 40 di Johannes Brahms, che negli anni Ottanta ha ispirato György Ligeti a scrivere il suo rivoluzionario trio. Omaggio a Brahms di comporre. Anche i compositori "modernisti moderati" tentarono ripetutamente di seguire le orme di Brahms. Tra questi, Charles Koechlin con il suo sognante preziosismo Quatre petites Pièces op. 32 del compositore inglese Lennox Berkeley e dell'australiano Don Banks, che hanno contribuito ad arricchire questo genere.

Edition Bim, l'editore di musica per fiati lodevolmente attivo nella Svizzera occidentale, ha pubblicato un trio per violino, corno e pianoforte dell'americano Richard Lane (1933-2004), autore di tutta una serie di opere per orchestra, orchestra di fiati e pezzi solistici per strumenti a fiato. Il trio, della durata di undici minuti, affascina per il suo vivace gioco tra i tre strumenti e per le sezioni libere e liriche nell'Adagio del secondo movimento.

L'inglese John Frith porta il suo amore per il trio di Brahms in questo nuovo lavoro per la stessa strumentazione. Ancora praticante di corno, conosce i vantaggi tonali del suo strumento, che qui colloca nel registro meglio suonante con gli altri strumenti.

Richard Lane: Trio, per violino, corno e pianoforte, partitura e parti MCX75, Fr. 25.00, Edizioni Bim, Vuarmarens

John Frith: Horn Trio, per violino, corno e pianoforte, E717, £17,95, June Emerson Wind Music, Ampleforth