Sotto Gottstein, il festival si è ulteriormente aperto, scrive la SWR. Il numero di paesi di origine dei compositori è aumentato in modo significativo. Mentre in passato le donne erano raramente rappresentate con le loro opere, ora il numero di compositrici rappresentate si è moltiplicato. Le Giornate musicali di Donaueschingen sono diventate più discorsive con eventi di discussione e conferenze. Il progetto di ricerca/concerto Donaueschingen Global 2021 affronta le questioni del post-colonialismo nella musica contemporanea.

Le Giornate musicali di Donaueschingen 2019 si terranno dal 17 al 20 ottobre. Il programma prevede nuove opere orchestrali di Saed Haddad, Michael Pelzel, Gérard Pesson, Eva Reiter, Matthew Shlomowitz, Simon Steen-Andersen e Lidia Zielinska. Oltre all'Orchestra Sinfonica SWR, all'SWR Experimentalstudio e all'SWR Vokalensemble, nel 2019 si esibirà anche la SWR Big Band. Si esibiranno anche l'Ensemble Intercontemporain, il Klangforum Wien, il Phace Ensemble e l'Ensemble Resonanz. Mark Andre, Johannes Boris Borowski, Beat Furrer, Herbordt/Mohren, Gordon Kampe, Bernhard Leitner, Nicole Lizée, Alberto Posadas, Kirsten Reese e François Sarhan sono stati incaricati di comporre opere.

Björn Gottstein, nato ad Aquisgrana nel 1967, è redattore per la nuova musica presso la SWR di Stoccarda. Dal 2013 al 2014 è stato uno dei direttori artistici dell'Eclat Festival di Stoccarda e della serie di concerti Attacca della SWR. Ha insegnato alla TU di Berlino, ai corsi estivi di Darmstadt per la nuova musica, alla Hochschule für Musik di Basilea e alla Berlin University of the Arts. Dal 2009 al 2013 è stato presidente del consiglio di amministrazione dell'Initiative Neue Musik Berlin.

Oskar Lagger è nato a Münster, nell'Alto Vallese, nel 1934, ma è cresciuto a Sion. Ha frequentato la scuola, ma ha mantenuto uno stretto legame con il suo luogo d'origine. Nella sua formazione ha coltivato l'influenza dei corsi frequentati a Parigi (1956-1961) e a Vienna (1961-1962). La sua carriera professionale è caratterizzata dalla fedeltà alla cultura francofona e tedesca.

Come insegnante di musica presso la sezione di lingua tedesca del Seminario degli Insegnanti, come Kapellmeister della Cattedrale di Sion e come direttore d'orchestra, insegnante e direttore del conservatorio, ha lasciato il segno su generazioni di studenti.

Dal 2003, la Biblioteca musicale del Vallese ha costituito una collezione musicale con il sostegno della Loterie Romande. Attualmente comprende oltre 18.000 registrazioni sonore, 23.500 partiture, 4.500 opere e supporti audiovisivi. Dopo Pierre Mariétan (2005), Jean-Luc Darbellay (2010), Jean Daetwyler (2013) e Marie-Christine Raboud-Theurillat (2016), la collezione Oskar Lagger, creata nel 2018, è la quinta del suo genere a essere lasciata in eredità alla Biblioteca musicale del Vallese da un compositore contemporaneo. Le altre quattro collezioni sono state oggetto di una pubblicazione della Mediateca del Vallese.

Douglas Bostock lascia l'orchestra dopo 18 anni alla fine della stagione 2018/19. Bergmann assumerà il suo incarico il 1° luglio 2020 per la stagione 2020/21, dopo che la filarmonica argoviese si sarà trasferita nella sua nuova sala da concerto, la Alte Reithalle Aarau. Il suo contratto come direttore principale della filarmonica argoviese avrà una durata di tre anni, con un'opzione di proroga.

Secondo il comunicato stampa dell'orchestra, la decisione si è basata sui due precedenti impegni da direttore ospite del norvegese con la Filarmonica argoviese, nell'aprile 2017 e più recentemente nel gennaio 2019, oltre che sui successi ottenuti a Calgary e Stettino.

Rune Bergmann si è esibito con numerose orchestre in Nord America e in Europa, tra cui la Baltimore Symphony, la Houston Symphony, la Detroit Symphony negli Stati Uniti, la Oslo Philharmonic, la Bergen Philharmonic, la Staatskapelle Halle e l'Orquesta Sinfonica Portoghese in Europa. È stato anche 1° Kapellmeister del Teatro di Augusta. Attualmente è direttore principale dell'Orchestra Filarmonica di Calgary in Canada e della Filarmonica di Stettino in Polonia, nonché direttore del festival musicale Fjord Cadenza in Norvegia.
 

Coesione, unità e sviluppo reciproco sono i concetti che vengono enfatizzati all'ottava edizione dell'incontro del settore Classical:NEXT: La musica va fatta insieme, le sfide vanno affrontate in modo cooperativo e tutte le voci vanno ascoltate in armonia.

Come negli anni precedenti, Classical:NEXT offre l'opportunità di raccogliere e scambiare informazioni sugli sviluppi nel campo della musica classica a livello internazionale. La mostra, in cui organizzatori e produttori presentano il loro lavoro, è integrata da una serie di conferenze, workshop e concerti.

La Fondazione Suisa, insieme a Pro Helvetia e all'Associazione Svizzera degli Interpreti (SIG), organizza ancora una volta lo stand comune "Swiss Music" per gli interessati della Svizzera. Le iscrizioni sono aperte fino al 10 maggio.
Link alla registrazione

Nei teatri municipali, le retribuzioni ─ basate sul contratto collettivo di lavoro per il settore pubblico (TVöD) ─ aumenteranno del 3,09% con effetto retroattivo dal 1° aprile 2019 e di un ulteriore 1,06% dal 1° marzo 2020. Per i dipendenti artistici dei teatri statali, la retribuzione sarà aumentata con effetto retroattivo dal 1° gennaio 2019 del 3,17%, ma almeno di 100 euro, in riferimento al contratto collettivo per il servizio pubblico degli Stati federali (TV-L), e dal 1° gennaio 2020 di un ulteriore 3,17%, ma almeno di 90 euro.

Gli aumenti salariali nei teatri statali dipendono da quale delle suddette tabelle salariali è assegnato il rispettivo teatro statale. Poiché l'Assia non fa più parte della Tarifgemeinschaft der Länder (TdL), le parti del contratto collettivo hanno concordato di applicare le norme della TV-L per i teatri statali dell'Assia, il teatro di Giessen e il teatro di Marburgo. A partire dal 1° febbraio 2020, anche questi teatri saranno soggetti all'ulteriore aumento della scala retributiva della TV-L.

"Musica audace tra i generi e lontana dal mainstream": così l'intraprendente cofondatore del festival Fredi Bosshard definiva una volta il focus di Taktlos. Questo non è cambiato con la nuova gestione. Quest'anno, per la seconda volta, l'evento è stato organizzato dall'Associazione Taktlos (presidente Tapiwa Svosve, vicepresidente Gregor Frei), dopo che l'Associazione Fabrikjazz ne era stata responsabile per 34 anni. Parte del nuovo concetto è che l'ideatore del programma cambia di anno in anno. Nel 2018 ha iniziato il batterista Lucas Niggli. Questa volta la scelta è caduta sul chitarrista Manuel Troller, che si è fatto conoscere con la band post-avant-rock Schnellertollermeier, nota ben oltre i confini della Svizzera, oltre che con lavori solisti non convenzionali e collaborazioni con lo scrittore Michael Fehr, tra gli altri. Troller afferma che la sua selezione si è basata sull'"indipendenza e l'originalità dei singoli concetti musicali": "Che mi commuovano, mi convincano e mi ispirino". Si è anche assicurato che gli artisti coinvolti provenissero da scene e generazioni diverse, sperando così di garantire un corrispondente mix di pubblico. "Infine, ma non meno importante, per me era importante che ci fosse una chiara attitudine artistica. Per me, questo è un requisito centrale che pongo anche al mio lavoro". 

Come si addice al suo status, Troller stesso si è esibito giovedì nella Kanzlei per aprire il festival. Lo ha fatto con Andi Schnellmann (basso) e David Meier (batteria), che insieme formano la band Schnellertollermeier. "I groove dai contorni netti e i giri di chitarra minimalisti rimangono nelle orecchie come una canzone pop", si legge nel libretto del programma. Beh, l'autore di queste righe non si spingerebbe così lontano. In ogni caso, le intense ripetizioni e i sottili spostamenti all'interno dei brani emanano un potere ipnotico e trasportante. Anche il volume elettrico bruto del trio è piacevole. Richiede dedizione e concentrazione da parte del pubblico, ma impedisce di indulgere in quella fastidiosa e sottomessa devozione che di tanto in tanto caratterizza l'atmosfera dei concerti sperimentali.
L'esibizione inaugurale di Schnellertollermeier è stata uno dei momenti salienti del festival. A lui ha fatto seguito la pianista francese Eve Risser. Nelle sue mani percussive, la tastiera del pianoforte a coda è appena più importante delle possibilità sonore che si presentano quando gli oggetti vengono lanciati, bloccati e spinti nella cassa armonica. Devo confessare che non sono riuscito a trarre alcun piacere dai suoni risultanti. Joshua Abrams e la sua Natural Information Society di Chicago hanno reso l'accesso più facile. Lavorano anche con la ripetizione, spargendo dettagli in filigrana nei modelli che si dispiegano lentamente in una bellezza floreale. La sola strumentazione - gimbri, harmonium indiano, clarinetto basso, percussioni - è una garanzia di esperienze sonore insolite. L'esibizione, con tutti gli abiti esotici, gli strumenti e le barbe, ricordava piacevolmente i tempi andati, quando la parola "laptop" non era ancora stata inventata e ogni persona sensata si avvolgeva di patchouli dalla testa ai piedi.
 

Schnellertollermeier, Eve Risser e Joshua Abrams: la gamma stilistica della prima serata Taktlos difficilmente avrebbe potuto essere più ampia, soddisfacendo perfettamente il mandato autoimposto da Troller. Anche il numeroso pubblico accorso - la Kanzlei era praticamente esaurita - ha soddisfatto pienamente le aspettative con il suo mix di età. Le altre serate non sono state meno varie ed emozionanti. Ad esempio, la cantante Sofia Jernberg non ha potuto esibirsi nel previsto duetto con la sassofonista Mette Rasmussen a causa di una malattia, ma la Rasmussen è riuscita a comandare il palco da sola senza problemi. I suoi pezzi, a volte brillanti, a volte teneri, a volte spiritosi, sono stati piacevolmente brevi, concentrati e giocosi. Il trio composto da Camille Emaille (batteria), Hans Koch (sax, clarinetto) e dieb13 (giradischi) è stato presentato come "una sorta di incontro al vertice dell'arte del rumore". Mi interessava soprattutto capire come dieb13 fosse in grado di ottenere questi suoni dai suoi giradischi. Con una performance solista potente e meditativa, Manuel Troller ha dato vita a un'altra esibizione di spicco del festival, sabato al Club Zukunft.

I ricavi dello streaming sono aumentati del 34% e ora rappresentano quasi la metà (47%) del fatturato globale del settore. Lo streaming a pagamento è stato il motore di quest'area (+32,9%); un totale di 255 milioni di utenti di abbonamenti a pagamento ha fatto sì che lo streaming audio rappresentasse il 37% dei ricavi totali dello scorso anno.

La crescita dello streaming ha più che compensato il calo delle vendite fisiche (-10,1%) e dei download (-21,2%). La quota digitale si attesta ora al 58,9% a livello mondiale.

I dati sono tratti dall'ultima edizione del Global Music Report (GMR), presentato a Londra dalla Federazione Internazionale dell'Industria Fonografica (IFPI).

Bärtsch è "uno dei più importanti esponenti del jazz svizzero", scrive la Città di Zurigo. Negli ultimi anni ha sviluppato in modo continuo e altamente riflessivo un proprio linguaggio musicale, che ha attirato una grande attenzione a livello internazionale. Nonostante il successo ottenuto oltre i confini nazionali, Bärtsch continua a essere molto attivo sulla scena locale. Da ben 15 anni tiene un concerto nella città di Zurigo quasi ogni lunedì ed è un apprezzato mentore tra i giovani musicisti zurighesi.

Il premio per particolari meriti culturali - dotato di 20.000 franchi - viene consegnato dalla Città di Zurigo all'editore David Basler. Come cofondatore della casa editrice "Edition Moderne", ora specializzata esclusivamente in fumetti, e con la rivista di fumetti "Strapazin", ha posto la città di Zurigo sulla mappa della creazione fumettistica internazionale.
 

Con il tema da lei delineato, "People of Colour", la musicista Joan Seiler, nata nel 1988, "esplora il vibrante melting pot che è Chicago", scrive la città di Lucerna. Seiler affronta temi politici e li elabora attraverso il gioco e la composizione. Solca un ampio terreno musicale che amplia costantemente.

Roland Bucher (nato nel 1976) è la sezione ritmica del duo Blind Butcher, attivo negli ultimi due anni in Svizzera, Germania e Francia. Come coinquilino della Künstlerhaus Das Gelbe Haus, il musicista "si muove in un contesto creativo-artistico permeabile e lavora in modo versatile e interdisciplinare". La giuria è stata conquistata dal suo progetto solista Noise Table.

Dal 1° settembre 2001, l'associazione Lucerna-Chicago City Partnership, in collaborazione con la Città e il Cantone di Lucerna e con il sostegno di sponsor privati, gestisce uno studio a Chicago che viene messo a disposizione degli artisti lucernesi. All'inizio di quest'anno è stata indetta una gara d'appalto per l'occupazione dello studio per gli anni 2020 e 2021. Il bando era rivolto ad artisti di tutte le discipline del Cantone di Lucerna.

È un libro incredibilmente intelligente, proprio perché è critico nei confronti della sua stessa intelligenza. È difficile immaginare la quantità di conoscenze che Mathias Gredig ha raccolto sul tema della musica animale, eppure rimane scettico, metodicamente sostenuto dallo scetticismo pirroniano dell'antichità: possiamo dire se gli animali fanno musica? Dopo tutto, gli animali dovrebbero saperlo. Cosa pensavano i babbuini, sacri agli Egizi, quando salutavano il sole con le loro grida/canti?

Altrettanto interessante, naturalmente, è il comportamento delle persone nei confronti degli animali e della loro musica. Era chiaro a tutti che gli usignoli cantano magnificamente, ma fanno musica d'arte? No, dice Sant'Agostino, perché non capiscono le relazioni numeriche e gli intervalli. Un ragionamento strano, ma tipico dei filosofi. "Ci sono alcune cose che si potrebbero dire in risposta", dice Gredig in modo significativo.

Già questo esempio dimostra quanto sia contraddittorio e diverso il rapporto dell'uomo con i suoni degli animali. Non solo i sistemi sonori non possono essere paragonati tra loro, ma i mondi espressivi sono completamente diversi. Questa alienazione si è riflessa nel corso dei secoli in caricature grafiche di asini, cani, oche e soprattutto scimmie che fanno musica, ma anche in imitazioni musicali. Non era raro che un artista preferisse la musica della natura al rumore umano. E, come è ovvio, alcuni aneddoti dimostrano ancora una volta la crudeltà con cui la nobile razza umana trattava gli animali. Athanasius Kircher, ad esempio, racconta di un organo per gatti: agli animali che vi erano rinchiusi venivano infilati degli aghi nella coda attraverso la tastiera!

Il materiale di partenza che Gredig presenta qui è molto eterogeneo e abbondante. Il giovane musicologo, che ha scritto la sua tesi di laurea sull'argomento a Basilea nel 2017, ha ora prodotto un compendio travolgente sulla "musica animale". Copre una vasta gamma di argomenti, dall'antichità più antica al XIX secolo, da Pitagora a Thoreau e Alkan, dalle sculture tolemaiche a Grandville, e infine ai giorni nostri; è a volte sconclusionato, ma sempre istruttivo, invita a perdersi, e mette anche in dubbio alcune certezze - e tuttavia è generalmente facile, persino divertente, da leggere.

Mathias Gredig: Musica animale. Sulla storia della zoomusicologia scettica; 506 p., € 64,00, Königshausen & Neumann, Würzburg 2018, ISBN 978-3-8260-6468-5

L'anno dell'anniversario di Leonard Bernstein (1918-1990) lo ha dimostrato in modo impressionante: Il fascino per questo musicista eccezionale è ininterrotto; è ancora molto apprezzato come direttore d'orchestra eccentrico e come riscopritore della musica di Gustav Mahler. E il compositore? La casa editrice Laaber ha dedicato a Bernstein e alla sua attività compositiva in tutte le sue sfaccettature un volume della sua rinomata collana "I grandi compositori e il loro tempo". È uno sforzo sorprendente presentare l'"enfant terrible" della scena in fila con esponenti importanti come Beethoven, Brahms o Mahler. Ma è proprio questo il fascino di questo compendio: il suo approccio oggettivo e musicologico. Non si tratta di una biografia, bensì di saggi specialistici su argomenti selezionati, cinque dei quali dedicati al compositore Bernstein, altri cinque a singole opere come il meraviglioso Salmi di Chichester.

C'è davvero molto da scoprire, soprattutto perché il saggio di Gregor Herzfeld "Alla ricerca di una musica americana" all'inizio analizza gli inizi della produzione di musica classica negli Stati Uniti. Ulrich Wilker si dedica all'opera sinfonica di Bernstein in "Crisis Scenarios and Worldview Music", mentre Nils Grosch spiega le sue "Musical Comedies". Naturalmente, ci sono anche riflessioni su Bernstein come direttore d'orchestra e sulla sua "mediazione della musica nel cinema e nella televisione" - molto prima dell'ondata educativa. Si riflette anche sul suo ruolo nella coltivazione di Mahler.

Il libro è completato da una cronologia dettagliata che inizia nel 1892 con la nascita del padre chassidico ortodosso, Shmuel Yosef. Segue un'ampia cronologia di 42 pagine della sua vita e del suo lavoro, che include anche importanti eventi politici. Il curatore Andreas Eichhorn presenta un libro interessante e variegato, con un catalogo ragionato che mostra l'ampiezza dell'opera compositiva di Bernstein, insieme al West Side Story anche se viene elencata solo una selezione.

Leonard Bernstein e il suo tempo, a cura di Andreas Eichhorn, 407 p., € 37,80, Laaber-Verlag, Laaber 2017, ISBN 978-3-89007-768-0

La raccolta di materiale di Martin Keller sul suonare la strato è il risultato dello studio intensivo dell'autore sul violino barocco, che viene tenuto con la mano sinistra e non con il mento. Per questo motivo, gran parte del libro è dedicata alla legatura e alle posizioni del collo.

La prima impressione è caratterizzata da inventiva musicale e tecnica. Una moltitudine di segreti del cambio di strato sono sviluppati in modo musicalmente stimolante. In questo modo si prendono due piccioni con una fava. Il libretto contiene molto materiale di lettura in tutte le tonalità, stili e ritmi diversi, belle composizioni originali e duetti stimolanti. Tuttavia, non ci sono brani di lunga durata che possano farvi andare avanti. La maggior parte dei problemi legati al cambio di posizione sono spiegati in modo preciso e sono suffragati da esempi significativi. Tuttavia, l'etichettatura di alcune pratiche con lettere sembra un po' intellettuale. Dovrebbero essere sostituite da nomi tecnici o figurativi chiari. La spiegazione dettagliata e la pratica della contrazione e dell'estensione sono un vantaggio. Tuttavia, non viene specificato che queste tecniche sono adatte solo alla musica lenta ed espressiva. Per i passaggi veloci, la quarta diteggiatura adatta alla rispettiva posizione non deve essere appesantita da contrazioni ed estensioni, altrimenti l'intonazione ne risente. Le sezioni sulle scale e sulle esecuzioni attraverso il circolo delle quinte a pag. 8 e 114/115 sono particolarmente riuscite (eccellenti!), Il saltatore con gli sci pag. 13 e l'introduzione alle armoniche artificiali pag. 112 e 113.

Tuttavia, al libretto mancano alcuni elementi per essere considerato una "scuola", cioè per essere didatticamente costruttivo:

1. L'esperienza elementare della tastiera, prima in tutta la sua lunghezza; oscillazione del braccio lateralmente (gomito) e in avanti-indietro, piegamenti del polso. Principio "dal grande al piccolo".
2. La consapevolezza dei diversi contatti del dito con la corda è oggetto di un capitolo a parte: a non toccare (corda vuota) quando si cambia posizione liberamente (anche come fase preliminare a c: cambiare posizione con la corda vuota suggerita per imparare a rilasciare la pressione delle dita), b scivolare come una "zanzara che pattina" (flageolet (glissando)), c glissando sciolto per il cambio di posizione come scivolamento di intonazione udibile, d diteggiatura ferma.
3. Esercizi sufficienti e brani con cambi di posizione misurando l'intervallo di cambio di posizione dell'ultimo dito della vecchia posizione ("taxi") al suo tono ausiliario ("posizione taxi") nella nuova posizione con il contatto delle dita c (vedi 2.) e solo successivamente diteggiatura risolutiva con il dito target. Allo stesso tempo, è necessario prestare attenzione all'anticipazione della diteggiatura di destinazione.
4. In questo contesto, faceva parte del programma anche il riposizionamento consapevole del dito che suona, ad esempio quando si fa scorrere una terza maggiore da ripida a bemolle e viceversa per una terza minore.
5. Uso di toni di risonanza per un'intonazione sicura.
6. Perché il libretto si limita alle prime quattro posizioni? A mio parere, ad esempio, la trasposizione di una melodia sulla stessa corda (o corde) un'ottava più alta è un'esperienza utile e chiara del restringimento della quarta diteggiatura (che in realtà appartiene alla 1.), che avviene con tutti i cambi di posizione. Inoltre, non vengono menzionati tutti gli importanti contatti della mano con lo strumento, di cui si dovrebbe essere consapevoli: a polso libero in 1a e 2a posizione, b polso in 3a e 4a posizione appoggiato al corpo, c pollice in 5a e posizioni superiori alla base del collo.
7. Il ruolo della flessione del polso in avanti e all'indietro, ad esempio quando si "recuperano" alcune note in mezza posizione dalla 2a posizione e si ritorna ad essa, che porta direttamente a suonare in posizione Paganini (vedi Philippe Borer: I ventiquattro capricci di Niccolò Paganini, il loro significato per la storia del violino e la musica dell'epoca romanticaStiftung Zentralstelle der Studentenschaft der Universität Zürich, 1997). Mostra in molti esempi che Paganini raggiunge molte posizioni (come la 1°-6°) dalla posizione della mano della 3° posizione. Questo approccio mi ha aiutato a trovare soluzioni semplici a molti passaggi difficili. Keller ha buoni requisiti, simili, ma più piccoli, con i cosiddetti cambi di pseudo-posizione, ma senza menzionare il ruolo del polso, che permette di mantenere il braccio stabile (e quindi sicuro) in una posizione. Il polso è anche il motore per suonare in mezza posizione e tornare indietro; il braccio rimane nella prima posizione.

Se l'autore raccomanda agli insegnanti una selezione personalizzata del suo materiale, essi devono essere consapevoli che il suo materiale è prezioso ma non completo.

Martin Keller, Lagenspiel auf der Geige Introduzione alle posizioni dalla 1ª (inclusa la metà) alla 4ª e ai loro problemi di alternanza, movimento e intonazione. Autoprodotto, disponibile presso l'autore per la consultazione o l'acquisto (costo della copia Fr. 22.50),
m.keller-rall@bluewin.ch

Con la pubblicazione delle più note sinfonie per organo di Charles-Marie Widor (1844-1937), Carus-Verlag dà un altro importante contributo all'edizione delle sinfonie per organo francesi dopo l'edizione delle opere per organo di Louis Vierne. Mentre le opere di Vierne sono caratterizzate da numerosi errori di stampa, alcuni dei quali dovuti alla scarsa vista del compositore, quelle di Widor sono caratterizzate dalla questione della versione autorevole che un editore deve scegliere. Il compositore ha rivisto più volte le sue sinfonie per organo nel corso della sua carriera, apportando ripetutamente correzioni e aggiustamenti maggiori o minori o addirittura sostituendo interi movimenti, come nel caso della Seconda Sinfonia, per esempio, dove uno "scherzo del corno da caccia" tipicamente romantico è stato sostituito da uno Saluto Regina nello stile tardo di Widor, che sembra inserirsi solo con difficoltà nel contesto degli altri movimenti. A causa di queste differenze tra le versioni, è importante decidere con attenzione quale edizione utilizzare, tanto più che su Internet o presso le case editrici americane di ristampe circolano anche le prime versioni che non corrispondono alle "ultime volontà" del compositore. Ad esempio, l'economica edizione Dover dell'integrale delle sinfonie in due volumi, molto apprezzata dagli studenti, riproduce la versione del 1887. L'usura delle lastre di stampa originali causa anche alcune difficoltà di leggibilità del testo.

Nel caso della presente sinfonia, la più famosa di Widor grazie alla sua emozionante toccata finale, la Quinta, le prime edizioni apparvero nel 1879 e nel 1887, ma furono riviste nel 1901, 1902-11, 1920 e 1928/29, con Widor che, come sempre, rivedeva il testo musicale e apportava ulteriori modifiche anche dopo l'ultima edizione. Ad esempio, il secondo movimento (originariamente in forma ABA con una ripresa integrale della sezione A e una ripetizione interna) fu ridotto di quasi 150 battute per l'ultima edizione omettendo la ripetizione e accorciando drasticamente la sezione A'; nella Toccata, Widor aggiunse articolazioni e accenti e rallentò il tempo da crotchet = 118 a 100 - un chiaro aggiustamento che può essere verificato dalla stessa registrazione di Widor del 1932, sebbene molti interpreti ancora oggi lo ignorino.

Negli anni Novanta le edizioni A-R pubblicarono negli Stati Uniti un'edizione critica completa di tutte le sinfonie, che forniva informazioni minuziose sulle differenze dei testi e delle letture, ma che ha ricevuto scarsa attenzione in questo Paese. Anche l'attuale edizione Carus di Georg Koch utilizza come fonte principale l'ultima revisione della sinfonia del 1928/29, integrata da successive correzioni manoscritte di Widor; le differenze tra le due nuove edizioni sono quindi marginali. La relazione critica fornisce indicazioni sulle letture delle versioni precedenti o sulle aggiunte provenienti dalla cerchia degli allievi di Widor (nel caso in questione, ad esempio, la copia autografa di Albert Schweitzer con un accorciamento suggerito), alcune delle quali potrebbero rappresentare alternative interessanti, ad esempio in alcune registrazioni, che Widor nel suo stile tardo ha reso meno colorite e più "chiarificate" rispetto a due decenni prima. Il lettore ha quindi a disposizione una fonte affidabile con una prefazione informativa che fornisce un quadro chiaro della genesi dell'opera e, come la sua controparte americana, è altamente raccomandata.

Charles-Marie Widor: Symphonie No. V pour Orgue op. 42,1, a cura di Georg Koch, CV 18.179, € 29,95, Carus, Stoccarda 2018

Wilhelm Klingenbrunner (1782-metà del XIX secolo), che lavorava a tempo pieno come "landständischer Cassen-Beamter" presso il Landobereinnehmeramt della Bassa Austria, imparò a cantare, a suonare il flauto, il clarinetto, il corno di bassetto e la chitarra, come era consuetudine negli ambienti borghesi dell'epoca. Tuttavia, suonare musica solo per passare il tempo, come un "dilettante", non gli bastava. Era un eccellente flautista, membro della Società degli Amici della Musica, fondata nel 1812, e fu attivo nei circoli artistici viennesi del suo tempo come compositore e - con lo pseudonimo di Wilhelm Blum - anche come poeta popolare. Di lui ci sono pervenute quasi 70 composizioni di carattere non pretenzioso ma gradevole per flauto o csakan, oltre ad arrangiamenti (ad esempio dell'opera di Mozart Flauto magico) e scuole strumentali, come una "scuola di flauto in due sezioni basata sulla propria esperienza".

Le opere di questa nuova edizione sono tratte dalla "Nuova Scuola Teorica e Pratica di Csakan", pubblicata intorno al 1815. Questa ebbe una grande popolarità in breve tempo, non da ultimo per le sue istruzioni sulla tecnica del flauto dolce e sulla pratica esecutiva. Ad esempio, l'accezione contemporanea del "segno di repulsione dello staccato" recitava: "i passaggi marcati da punteggiature richiedono la speciale percussione di ogni singola nota", cioè non una nota breve come si usa oggi, ma una nota particolarmente enfatizzata.

Questa selezione, pubblicata nella collana "Diletto musicale", comprende una prefazione informativa e 25 brevi duetti di difficoltà crescente e di carattere diverso, nello stile leggero del periodo Biedermeier. Si alternano movimenti simili a canzoni e forme di danza comuni come il minuetto, il valzer, la polacca o l'angloise.

Non solo come compositore di "piccole opere popolari per il flauto e il csakan" (come il libro di Gustav Schilling Lessico musicale del 1840), Klingenbrunner sembra aver dato prova di talento. Prendeva sempre il pesce per Beethoven e per questo veniva scherzosamente chiamato "guardiano del pesce". In un'occasione, tuttavia, sembra che non abbia pescato alcun pesce fresco, al che Beethoven scrisse indispettito nel suo libro di conversazione: "Ho lo stomaco rovinato / Klingenbrunner / È per il flauto quello che Gelinek era per il pianoforte / Nient'altro che variazioni sul solito ritmo".

Wilhelm Klingenbrunner: 25 piccoli duetti dall'op. 40, per due flauti dolci in do (flauti / oboi / violini o altri strumenti melodici), a cura di Helmut Schaller e Nikolaj Tarasov, DM 1490, € 17,95, Doblinger, Vienna

Il Pezzi di fantasia op. 43 di Niels Wilhelm Gade, un classico del repertorio clarinettistico, è stato appena pubblicato nella collana Henle Urtext. Nicolai Pfeffer ha realizzato questa bella edizione critica nella consueta qualità Henle. La prima edizione pubblicata da Kistner a Lipsia nel 1864 è stata utilizzata come fonte principale per questa edizione, con l'autografo del compositore del 1864 e una nuova edizione del 1878 pubblicata da Wilhelm Hansen, Copenhagen, come fonti aggiuntive. Tra l'autografo sopravvissuto e la prima edizione, il compositore ha apportato modifiche al tempo del primo movimento (da Larghetto a Larghetto con moto ad Andantino con moto) e alla firma temporale del secondo movimento (4/4 invece di Alla breve). Per il resto, le modifiche riguardano principalmente alcune piccole differenze nell'articolazione, nel fraseggio e nella dinamica. La partitura di questa nuova edizione è chiara e ordinata. Il testo musicale è quasi del tutto privo di note editoriali, ma in appendice è presente un dettagliato commento critico.

A differenza delle edizioni precedenti, la versione di Henle non include una parte solista per violino. Questa fu probabilmente inclusa solo nella prima edizione a causa della prassi editoriale dell'epoca, e la sua paternità non è chiara.

Niels Wilhelm Gade: Fantasiestücke op. 43 per clarinetto e pianoforte, Urtext a cura di Nicolai Pfeffer, HN 1353, € 14,00, G. Henle, Monaco 2017