Wilhelm Klingenbrunner (1782-metà del XIX secolo), che lavorava a tempo pieno come "landständischer Cassen-Beamter" presso il Landobereinnehmeramt della Bassa Austria, imparò a cantare, a suonare il flauto, il clarinetto, il corno di bassetto e la chitarra, come era consuetudine negli ambienti borghesi dell'epoca. Tuttavia, suonare musica solo per passare il tempo, come un "dilettante", non gli bastava. Era un eccellente flautista, membro della Società degli Amici della Musica, fondata nel 1812, e fu attivo nei circoli artistici viennesi del suo tempo come compositore e - con lo pseudonimo di Wilhelm Blum - anche come poeta popolare. Di lui ci sono pervenute quasi 70 composizioni di carattere non pretenzioso ma gradevole per flauto o csakan, oltre ad arrangiamenti (ad esempio dell'opera di Mozart Flauto magico) e scuole strumentali, come una "scuola di flauto in due sezioni basata sulla propria esperienza".

Le opere di questa nuova edizione sono tratte dalla "Nuova Scuola Teorica e Pratica di Csakan", pubblicata intorno al 1815. Questa ebbe una grande popolarità in breve tempo, non da ultimo per le sue istruzioni sulla tecnica del flauto dolce e sulla pratica esecutiva. Ad esempio, l'accezione contemporanea del "segno di repulsione dello staccato" recitava: "i passaggi marcati da punteggiature richiedono la speciale percussione di ogni singola nota", cioè non una nota breve come si usa oggi, ma una nota particolarmente enfatizzata.

Questa selezione, pubblicata nella collana "Diletto musicale", comprende una prefazione informativa e 25 brevi duetti di difficoltà crescente e di carattere diverso, nello stile leggero del periodo Biedermeier. Si alternano movimenti simili a canzoni e forme di danza comuni come il minuetto, il valzer, la polacca o l'angloise.

Non solo come compositore di "piccole opere popolari per il flauto e il csakan" (come il libro di Gustav Schilling Lessico musicale del 1840), Klingenbrunner sembra aver dato prova di talento. Prendeva sempre il pesce per Beethoven e per questo veniva scherzosamente chiamato "guardiano del pesce". In un'occasione, tuttavia, sembra che non abbia pescato alcun pesce fresco, al che Beethoven scrisse indispettito nel suo libro di conversazione: "Ho lo stomaco rovinato / Klingenbrunner / È per il flauto quello che Gelinek era per il pianoforte / Nient'altro che variazioni sul solito ritmo".

Wilhelm Klingenbrunner: 25 piccoli duetti dall'op. 40, per due flauti dolci in do (flauti / oboi / violini o altri strumenti melodici), a cura di Helmut Schaller e Nikolaj Tarasov, DM 1490, € 17,95, Doblinger, Vienna

Il Pezzi di fantasia op. 43 di Niels Wilhelm Gade, un classico del repertorio clarinettistico, è stato appena pubblicato nella collana Henle Urtext. Nicolai Pfeffer ha realizzato questa bella edizione critica nella consueta qualità Henle. La prima edizione pubblicata da Kistner a Lipsia nel 1864 è stata utilizzata come fonte principale per questa edizione, con l'autografo del compositore del 1864 e una nuova edizione del 1878 pubblicata da Wilhelm Hansen, Copenhagen, come fonti aggiuntive. Tra l'autografo sopravvissuto e la prima edizione, il compositore ha apportato modifiche al tempo del primo movimento (da Larghetto a Larghetto con moto ad Andantino con moto) e alla firma temporale del secondo movimento (4/4 invece di Alla breve). Per il resto, le modifiche riguardano principalmente alcune piccole differenze nell'articolazione, nel fraseggio e nella dinamica. La partitura di questa nuova edizione è chiara e ordinata. Il testo musicale è quasi del tutto privo di note editoriali, ma in appendice è presente un dettagliato commento critico.

A differenza delle edizioni precedenti, la versione di Henle non include una parte solista per violino. Questa fu probabilmente inclusa solo nella prima edizione a causa della prassi editoriale dell'epoca, e la sua paternità non è chiara.

Niels Wilhelm Gade: Fantasiestücke op. 43 per clarinetto e pianoforte, Urtext a cura di Nicolai Pfeffer, HN 1353, € 14,00, G. Henle, Monaco 2017

La cosa bella delle buone edizioni di spartiti è che non si bruciano nel firmamento così rapidamente come tutte le stelle e le stelline della scena musicale. Mentre il marketing di queste opere grida letteralmente all'attenzione immediata (e alle cifre di vendita), nel commercio musicale si tratta dei cosiddetti long seller, ossia di prodotti a cui si torna volentieri. Questo è anche il caso del L'apprendista stregone di Paul Dukas, che è stato pubblicato da Edition Eulenburg in un formato più grande come partitura di studio basata sulle fonti e ben focalizzata.

L'opera, scritta nel 1896/97, si basa sull'omonima ballata di Goethe. Tuttavia, non sono state le numerose rappresentazioni di successo nel Vecchio e nel Nuovo Mondo ad essere decisive per la vita successiva della composizione, ma il leggendario film d'animazione di Walt Disney Fantasia (1940), in cui la partitura fu congenialmente realizzata. Ciò che qui può essere percepito ignaramente come un preciso Mickey Mousing, viene ascoltato dall'intenditore come una realizzazione quasi pittorica della ballata originale, sulla quale le immagini cinematografiche di Hollywood sono state collocate solo successivamente. Una lezione sui percorsi tortuosi della storia della ricezione. La nuova edizione della partitura (che include i versi di Goethe in traduzione inglese e francese) è quindi da accogliere con favore. - Potrebbe essere utile dal punto di vista educativo non solo oggi, ma anche a lungo termine.

Paul Dukas: L'Apprenti Sorcier, a cura di Jean-Paul C. Montagnier, partitura di studio, ETP 8081, € 24,50, Eulenburg (Schott), Mainz

L'abilità pedagogica di Kristin Thielemann, l'autrice di questa antologia, appare evidente quando si guardano le brevi trouvailles degli ultimi cinque secoli di storia della musica, che sono state compilate con cura e intelligenza. Da Tilman Susato a Handel e Verdi, fino a piccole composizioni proprie, Thielemann sa come servire ai giovani solisti musica che potranno eseguire con gioia nelle loro esercitazioni e nei loro concorsi. Sconosciuto (Danza tedesca di Johann Hermann Schein) è in armonioso equilibrio con i sempreverdi classici (Gioia, bella scintilla degli dei), la parte pianistica è semplice e può essere utilizzata anche da studenti di pianoforte interessati. Per completare l'offerta, il libretto contiene anche un CD di accompagnamento da utilizzare a casa. Un'alternativa o un'integrazione davvero valida per le lezioni con i giovani musicisti, che in questo modo possono familiarizzare dolcemente con i vari stili musicali.

Il mio primo concerto. 26 pezzi facili da recital di 5 secoli, a cura di Kristin Thielemann, ED 22326, con CD, € 18,50, Schott, Mainz 2017

Le otto danze spagnole di Pablo de Sarasate furono pubblicate per la prima volta da Simrock nel 1878. Henle le ha riunite in un unico libretto (HN 1370) e le più popolari (e più facili), Romanza andalusa, ripubblicato in un unico volume. L'Urtext segue principalmente la vecchia edizione ed è integrato con note dettagliate e numeri di battuta. La parte del violino è stampata due volte: come Urtext e con le diteggiature e le bombature significative di Ingolf Turban. Inoltre, nella parte del violino della partitura delle crome sono state inserite le diteggiature originali di Sarasate, il che è di interesse storico.

Pablo de Sarasate: Romanza andaluza, Danza spagnola n. 3 per violino e pianoforte, Urtext a cura di Peter Jost, HN 1346, € 7,50, G. Henle, Monaco di Baviera

Il compositore, suonatore di oud e arrangiatore siriano Hassan Taha non vive nel nostro Paese solo per scelta. Si è stabilito a Berna come rifugiato e ha rivolto le sue orecchie alle tradizioni musicali della sua nuova patria, alla ricerca di un ponte emotivo tra il suo Paese d'origine e la Svizzera. Secondo il libretto, il nome del suo ensemble "Brunnen & Brücken" ("Fontane e ponti") è una "metafora di una comunicazione vivace e unificante tra i popoli, trasportata, per così dire, dall'elemento primordiale dell'acqua". Il simbolismo non è immediatamente evidente, ma non viene spiegato ulteriormente. Il CD Alrozana combina canzoni bernesi e siriane, orchestrate con un ensemble di archi, corno alpino, dulcimer a martelli, Schwyzerörgeli e il liuto arabo oud. I cantanti sono la svizzera Barbara Berger e la siriana Najat Suleiman. Gli arrangiamenti di Taha sono originali, i dettagli tonali sono sorprendenti e l'ensemble di strumenti di musica popolare, prevalentemente svizzeri, suona spesso esoticamente trasformato. È evidente che si è trattato di un arrangiatore che non è caduto nella trappola di riprodurre più volte i cliché sonori e formali, che probabilmente impediscono ai musicisti di questo Paese di aprire nuove strade. L'ensemble è guidato da Hans Martin Stähli. Insegnante di musica in un ginnasio bernese e direttore di coro, ha una grande esperienza nell'arrangiamento di canzoni popolari e in progetti musicali interculturali.

I numeri, compresi quelli siriani, hanno tutti uno stile simile, mancano titoli più veloci, il che rende la compilation un po' monotona. Sono incluse le icone della canzone bernese: Simelibärg e Non è una tribù speciale, la prima fila di mucche, che - soprattutto nella versione di Friburgo del Ranz des vaches - è spesso definito il Blues delle Alpi; Sempre io Truureuna canzone profondamente triste (in chiave maggiore, tra l'altro!) e l'elegiaca Lueget vo Bärge e Tal. L'originale canzone medievale di Senfl si colloca chiaramente al di fuori della griglia È il giorno prima della foresta. L'originale è caratterizzato da una quarta lidio, che caratterizza anche la musica per corno alpino. Al contrario, la linea vocale qui cantata sembra romanticamente ammorbidita. La scelta e la funzione di questo brano, l'unico eseguito in alto tedesco, rimangono quindi un mistero. Grazie a tutte le caratteristiche chiave, sarebbe stato possibile trovare qualche altra interfaccia con il mondo delle scale differenziate della musica siro-araba.

Il maggiore di Sempre io Truure rivela l'ambiguità dell'estetica della canzone popolare bernese, che nasconde la sofferenza e il dolore con semplicità e apparente innocuità. Negli arrangiamenti di Hassan Taha, invece, le canzoni sperimentano un respiro a volte apparentemente corto, enfatizzato dall'estetica della registrazione. La stanza sembra spoglia e gli strumenti sono microfonati da vicino. Un suono più morbido avrebbe forse smorzato un po' questa implacabilità. Nel complesso, tuttavia, il progetto testimonia un'intensa e stimolante esplorazione delle somiglianze e delle incompatibilità tra l'espressività mitteleuropea e quella mediorientale.

Segretamente e tristemente, ci eravamo già rassegnati all'idea che non ci sarebbe mai più stata nuova musica degli Young Gods. È quindi una piacevole sorpresa che dopo otto anni di silenzio radiofonico sia ora disponibile un nuovo album. La rinascita di una delle band più importanti del mondo, cresciuta in terra elvetica, è un'enorme ragione per festeggiare. Fin dalla prima nota - il maxi-singolo di debutto Inviato pubblicato nel 1986 - il trio ginevrino ha intrapreso una strada radicale. Con la loro insolita combinazione di batteria organica, elettronica e voce, sono stati pionieri nel tentativo di combinare il rock con i computer. Persino David Bowie ne parlò bene.

Dopo l'album Tutti lo sanno Tuttavia, l'ingegnere elettronico Al Comet aveva lasciato la band dopo 22 anni. Franz Treichler, la mente e la voce degli Young Gods, si sentiva perso fino a quando non ha incontrato nuovamente Cesare Pizzi, l'ingegnere elettronico che aveva fatto parte del trio originale. Nell'ambito del Cully Jazz Festival 2015, Treichler, Pizzi e il batterista di lunga data Bernard Trontin hanno avuto l'opportunità di tenere cinque giorni di workshop pubblici. Nel corso di queste "jam session" informali, il desiderio di qualcosa di nuovo è tornato in tutti e tre i partecipanti.

Dai semi piantati a Cully, i sette magnifici pezzi di Tangram del miraggio dei dati emerso. Come gli Einstürzende Neubauten, i Young Gods si sono concentrati negli anni sulla generazione e la comunicazione di energia e sulla creazione di intricate reti sonore. Canzoni come Strappare il cielo rosso e Tutta la mia pelle in piedi dimostrano che gli Young Gods hanno ancora tanta voglia di rock nella pancia. Soprattutto, però, la loro gestione sicura della dinamica alto/silenzioso, oltre alla voce straordinariamente sottile di Treichler e all'uso intelligente del rumore da parte di Pizzi, assicurano che Tangram del miraggio dei dati raggiunge profondità sonore che la maggior parte delle altre band può solo sognare.

L'asticella è posta in alto fin dall'inizio. Una voce fuori campo recita la poesia di Bertolt Brecht sullo schermo nero A chi è nato dopo dell'epoca del nazionalsocialismo, poi un centinaio di poliziotti armati fino ai denti marciano al suono dell'opera di Bach. Passione di San Matteo attraverso l'immagine. L'altezza di caduta è appropriata: un taglio e siamo alla Centrale di Zurigo, dove abbiamo combattuto con la polizia nel 1968 - nostalgia di sinistra in bianco e nero. Per Christian Labhart, questa è stata la scintilla politica iniziale. Il suo film è la tipica autobiografia di uno svizzero di sinistra che ha letto Marx e Adorno cinquant'anni fa e, nonostante i seri dubbi, si aggrappa ancora oggi all'utopia della "vita giusta in quella sbagliata". Ma le circostanze non sono così. Il vicolo cieco della Baader-Meinhof, Chernobyl, l'11 settembre, la crisi finanziaria, i robot, la Siria, la globalizzazione, l'ambiente distrutto: un calendario strappalacrime dell'orrore, una distopia permanente, preparata con immagini paradossalmente belle del mondo insensato delle cose. Se le persone appaiono come individui, allora è l'autore stesso e il suo ambiente, altrimenti sono una massa anonima - la maledizione di pensare in categorie astratte di umanità. Il sì incondizionato alla vita che caratterizza la quotidianità delle persone in Africa, ad esempio, è estraneo a questo saggio cinematografico, permeato dalla sofferenza del mondo.

Come balsamo per l'anima ferita, alcuni estratti del libro Passione di San Matteo con Philippe Herreweghe e il suo Collegium Vocale Gent. Qui le persone sono impegnate in un'attività significativa, in netto contrasto con le immagini di un mondo distrutto. Ma Labhart sembra aver fatto un malinteso con Bach. La ricodifica laica della Passione trasforma l'alto pathos della sofferenza religiosa in autocommiserazione profana, e al posto di Cristo si piange Ulrike Meinhof. "Che cosa rimane?" è l'intertitolo finale. La musica finale di Bach fornisce la risposta: "Ci sediamo con le lacrime". Avrebbe potuto essere un po' di più.

Passione. Tra rivolta e rassegnazione, un film di Christian Labhart. Distribuzione cinematografica LookNow.
Nei cinema dal 18 aprile

Il voto è stato preceduto da diversi anni di negoziati. L'obiettivo della nuova direttiva è quello di arginare l'uso illegale delle opere creative e di garantire che i loro autori siano remunerati. Le disposizioni dell'articolo 13, in particolare, sono controverse. L'obiettivo è quello di obbligare le piattaforme a verificare se il caricamento dei rispettivi contenuti viola il diritto d'autore. La nuova direttiva UE sarà finalizzata solo dopo l'approvazione del Consiglio europeo, ma questa è considerata una formalità. Il voto degli Stati membri dell'UE potrebbe avvenire il 9 aprile.

Secondo Christian Höppner, segretario generale del Consiglio tedesco della musica, si tratta ora di "lottare per un Internet veramente libero". Da questo punto di vista, non c'è alcuna differenza con i critici della riforma. Il potere di mercato dei giganti di Internet rimane inalterato, ma la nuova direttiva li obbliga a rispettare maggiormente le loro responsabilità nei confronti degli autori, ha proseguito Höppner. Un'equa remunerazione per i creatori è un prerequisito per la libertà e la diversità su Internet.

Il direttore d'orchestra londinese torna così nel Vorarlberg, dove ha già diretto due produzioni del SOV lo scorso anno. Succede a Gérard Korsten, che si è dimesso nell'estate 2018 dopo 13 stagioni. La decisione è stata preceduta da un intenso processo di selezione in cui sono stati coinvolti anche i musicisti dell'Orchestra Sinfonica del Vorarlberg.

McFall ha vinto il German Conducting Award nel 2015 ed è stato finalista del Nestlé and Salzburg Festival Young Conductors Award l'anno precedente. Ha lavorato come direttore ospite con orchestre rinomate come la City of Birmingham Symphony Orchestra, la BBC Philharmonic e la Deutsches Symphonie-Orchester Berlin. Ha assistito Bernhard Haitink con la Chicago Symphony Orchestra e la Filarmonica di Vienna.

L'Orchestra Sinfonica del Vorarlberg è stata fondata nel 1984 da un gruppo di musicisti e appassionati di musica della regione tra l'Arlberg e il Reno. I suoi membri sono 120 musicisti professionisti provenienti dal Vorarlberg e dalle regioni limitrofe. Ogni stagione esegue un ciclo di sei concerti a Bregenz e Feldkirch, oltre a una grande produzione operistica al Teatro di Stato del Vorarlberg, concerti e progetti scenici al Festival internazionale di Bregenz in estate, al festival Montforter Zwischentöne, altre esibizioni di ospiti e produzioni di CD.

Nel 2012, il Consiglio di Governo di Basilea ha formulato l'obiettivo strategico di rafforzare ed elevare il profilo di Basilea come città della musica. Un gran numero di orchestre professionali, in particolare, contribuisce alla ricchezza musicale di Basilea. Tuttavia, un'analisi commissionata dal Dipartimento della Cultura ha rivelato che l'appeal nazionale e internazionale non corrisponde al potenziale esistente in termini di qualità e diversità. Nel caso delle orchestre finanziate prevalentemente da privati, una ragione importante è che i compensi dei musicisti sono molto al di sotto del livello salariale dell'Orchestra Sinfonica di Basilea e delle raccomandazioni salariali dell'Associazione Svizzera dei Musicisti, con conseguenze sulla continuità artistica delle orchestre.

In questo contesto, nel 2015 il Gran Consiglio ha approvato il nuovo programma e il finanziamento strutturale per le orchestre del Cantone di Basilea Città, approvando un totale di 5.576.000 franchi per gli anni dal 2016 al 2019. Su raccomandazione di una giuria indipendente di esperti, nel 2016 il governo cantonale ha assegnato un totale di 3.960.000 franchi dal finanziamento del programma per gli anni dal 2017 al 2019 alle quattro orchestre Basel Sinfonietta, Ensemble Phoenix Basel, Kammerorchester Basel e La Cetra Barockorchester.

Secondo il mandato di esecuzione delle quattro orchestre, la serie di concerti di Basilea delle quattro orchestre, che si completano a vicenda in termini di programma, sarà sostenuta, mentre i compensi dei musicisti dovrebbero essere basati sulle raccomandazioni tariffarie dell'Associazione Svizzera dei Musicisti, al fine di migliorare la sicurezza sociale dei lavoratori della cultura in conformità con la legge sulla promozione della cultura. Dopo un'esperienza di una stagione e mezza, le quattro orchestre possono confermare congiuntamente che i primi passi nella giusta direzione sono stati fatti con il finanziamento del programma. Tuttavia, l'auspicato miglioramento della sicurezza sociale non è stato ancora raggiunto a causa del continuo sottofinanziamento.

Le orchestre parzialmente finanziate dal programma hanno un tasso di autofinanziamento compreso tra il 55 e l'86%. Per finanziare la serie di concerti di Basilea
Per poter pagare le tasse di base secondo le raccomandazioni tariffarie dell'Associazione Svizzera dei Musicisti, mancano 743.000 franchi all'anno, che non possono generare in aggiunta sul mercato né attraverso le entrate né con la raccolta di fondi.

Le quattro orchestre chiedono quindi congiuntamente che il finanziamento del programma orchestrale venga aumentato di 743.000 franchi all'anno, passando da 1.320.000 franchi nel periodo 2017-2019 a 2.063.000 franchi all'anno nel periodo 2020-2022. A fronte di un "bilancio culturale di Basilea di oltre 128.000.000 di franchi, un aumento relativamente modesto", questo "porrebbe rimedio a un'indiscussa carenza in materia di sicurezza sociale dei musicisti e rappresenterebbe un ulteriore passo coerente verso il rafforzamento e la valorizzazione di Basilea come città della musica", scrivono ancora le orchestre.

Dalla Georgia provengono giovani stelle mondiali della musica classica; la georgiana Gija Kantscheli è stata una delle compositrici contemporanee più acclamate dopo la Glasnost, anche grazie al sostegno di Luigi Nono e ai suoi CD su ECM. La tradizione musicale del Paese è di tutto rispetto e il Conservatorio di Tbilisi, fondato nel 1917 e a lungo influenzato dall'Unione Sovietica, è il più antico della regione. È quindi sorprendente che il primo ensemble georgiano di musica contemporanea sia stato fondato solo due anni fa. Georgia Modern" si è recentemente esibito al festival Close Encounters di Zurigo, presentando una musica che in qualche modo si conforma al cliché dei paesaggi sonori neo-tonali, espansivi e dell'Europa orientale - eppure non lo fa. La miscela fa sì che ci si alzi in piedi e si prenda nota. I giovani compositori Demetre Gamsakhurdia e Giorgi Papiashvili si muovono in una terra di nessuno stilisticamente lontana da qualsiasi formula.

Il concerto ha testimoniato anche la qualità dei musicisti. Il compositore Reso Kiknadze, che dal 2012 è anche Rettore dell'Accademia di Musica di Tbilisi, ha sottolineato in un'intervista quanto sia stata importante la fondazione di questo ensemble. Tuttavia, ha anche sottolineato quanto il festival lo abbia aiutato nel corso degli anni. Il contatto è importante. Tuttavia, che si sia trattato di un "incontro inquietante del terzo tipo", come recita il titolo del film di Steven Spielberg, è un fatto importante. Incontri ravvicinati si traduce in ogni caso? Se si tratta di un incontro con l'alieno, anche se non extraterrestre, allora - come suggerisce l'associazione con Spielberg - è un incontro positivo, non di paura e orrore, ma di ispirazione e di allargamento degli orizzonti. Il festival svizzero-georgiano è stato fondato nel 2005 da Tamrika Kordzaia e dal compositore Felix Profos. La pianista, giunta in Svizzera dalla Georgia nel 1997, dirige ancora oggi il festival e lo ha aperto stilisticamente. Questo "festival per la musica contemporanea" non offre solo avanguardia, ma anche un ampio spettro che comprende, ad esempio, concerti in club e cerca anche incontri al di là della musica. Questa volta Kordzaia ha invitato l'architetto svizzero Peter Zumthor.

Non solo la musica dei due Paesi viene scambiata, ma anche i musicisti e le istituzioni musicali si incontrano tra loro. Questo è un arricchimento per entrambe le parti". Kiknadze, che in precedenza ha lavorato all'Università di Musica di Lubecca, soprattutto nel campo della musica elettronica, afferma che la vita musicale a Tbilisi è molto vivace e quasi più eccitante che in Germania. In effetti, spesso le cose nuove sono ancora nuove. C'è curiosità per la sperimentazione - e un pubblico. Sebbene il Kunstraum Walcheturm fosse abbastanza pieno in occasione del concerto di Georgia Modern, l'ensemble riempie sale più grandi a Tbilisi, anche se non quelle veramente grandi. Kordzaia dice che al concerto vengono soprattutto i giovani.
 

Dal punto di vista stilistico, non è possibile restringere il campo. Alexandre Kordzaia, ad esempio, che ora vive all'Aia e a Tbilisi, compone opere per ensemble classici, ma mescola anche canzoni pop. Al festival si è esibito al pianoforte a coda e all'elettronica con il percussionista Peter Conradin Zumthor - nel progetto comune "SHWUIIT", che contiene anche passaggi liberamente improvvisati.

Il Mondrian Ensemble si è a sua volta esibito insieme alla compositrice Natalia Beridze, che si esibisce anche come Tusia o T.B.. È autodidatta e produce principalmente musica elettronica. Mappatura dei detriti è il titolo del suo pezzo per quartetto di pianoforte ed elettronica, che si basa su campioni sonori e vocali che, secondo il libretto del programma, "giacevano inutilizzati sull'hard disk del compositore. Questi frammenti di suono assomigliano ai rottami di un aereo precipitato, in cui è difficile riconoscere una struttura complessa e che hanno senso solo quando vengono riassemblati analiticamente". La musica non sembra affatto un detrito, ma piuttosto organizzata, ma la composizione è effettivamente insolita: gesti calmi di archi, campi sonori eterogenei, spruzzi pop e frammenti di rumore. Il mix non mi sembra genuinamente georgiano, ma deriva piuttosto da una tendenza iniziata decenni fa negli Stati Uniti, ad esempio con il Kronos Quartet. Ma il risultato è un tipo di musica particolare che tiene occupati anche dopo.

La musica elettronica ha uno status speciale in Georgia. Ciò è dovuto anche a Reso Kiknadze, che promuove con forza questo sviluppo già antico. In qualità di rettore dell'antico conservatorio, non solo ha istituito la materia del jazz, ma anche un corso di tecnologia musicale. È l'unica scuola in tutta la regione del Caucaso a offrire un programma di questo tipo e a Tbilisi arrivano anche studenti dai Paesi vicini, come l'Iran. Questo arricchisce la scena e continua ad avere un impatto.
 

Wüthrich è nato ad Aeschi (Canton Berna) e ha studiato al Conservatorio di Berna con Sava Savoff (pianoforte) e Sandor Veress (teoria). Dal 1968 al 1972 ha ricevuto lezioni di composizione da Klaus Huber. Nel 1974 ha fondato l'Ensemble mixt media basel, che, secondo la voce dell'elenco Musinfo, si dedica in particolare a lavori nell'area tra musica e teatro. Dal 1985 al 2002, Wüthrich è stato docente di teoria musicale presso l'Accademia musicale di Winterthur-Zurigo e dal 2009 è membro dell'Akademie der Künste Berlin.

Wüthrich ha vinto numerosi premi, tra cui il Premio di composizione al Concorso internazionale di composizione di Boswil, il Grand Prix Paul Gilson de la Communauté radiophonique des programmes de la langue francaise, il Premio speciale per la musica del Cantone di Basilea Campagna ed è stato uno dei candidati al Premio svizzero di musica 2016.

Quest'anno, per la prima volta, la Musikmesse si svolgerà su quattro giorni lavorativi (da martedì a venerdì). In questo modo si concentra più che mai sullo scambio professionale di professionisti internazionali e affina la sua essenza di marchio come la più grande fiera europea per l'industria musicale. In questo sforzo, Musikmesse aprirà ancora una volta in contemporanea con Prolight + Sound, il "Global Entertainment Technology Show", per la prima volta dal 2015.

Anche dopo la fiera, la musica continua a Francoforte. Per la quarta volta, il "Musikmesse Festival" presenta concerti di spicco in 50 location e nel quartiere fieristico. Tra questi: i talenti del Premio Internazionale Pianista Tedesco e, in un grande concerto di chiusura, la leggenda del soul Gregory Porter e la Neue Philharmonie Frankfurt.

I visitatori della Musikmesse 2019 potranno contare su distanze più brevi. Il padiglione 3 riunisce un'ampia gamma di prodotti su due livelli, da pianoforti e tastiere a batteria e percussioni, chitarra e basso, strumenti a fiato e a ottone, strumenti a corda, strumenti armonici e spartiti. Per la prima volta, l'intero settore audio è concentrato su un unico livello del padiglione: i visitatori troveranno sintetizzatori e apparecchiature di registrazione, oltre a prodotti per il rinforzo del suono dal vivo, nel padiglione 8.0.

Una novità è la "Networking Area" congiunta di Musikmesse e Prolight + Sound nel padiglione 4.1, che si rivolge specificamente ai rivenditori e ai responsabili del settore. Con il suo concetto di lounge elaborato, offre l'ambiente ideale per colloqui d'affari in un'atmosfera rilassata.

Il nuovo "Music Education Centre" nel Centro Congressi Messe Frankfurt crea una piattaforma centrale per la promozione dei giovani talenti e l'aggiornamento professionale. Uno dei momenti salienti sarà la Giornata della musica di classe (venerdì 5 aprile), che fornirà idee per un insegnamento moderno e orientato alla pratica. Lo stesso giorno, il Premio europeo per la musica nelle scuole premierà i progetti innovativi nel campo del lavoro metodico e creativo con gli strumenti musicali. Si terranno inoltre workshop e seminari sulla musicoterapia e, per la prima volta, la cerimonia di premiazione del concorso Nuovi strumenti terapeutici.

Il progetto "Discover Music" per i giovani esploratori musicali offre un viaggio alla scoperta del mondo dei toni e dei suoni. Sotto la guida pedagogica di membri esperti dell'Accademia musicale di Francoforte, gli scolari possono provare gli strumenti a loro piacimento.

Nell'ambito della Musikmesse, "SongsCon Frankfurt" offre a cantautori e produttori assistenza nella costruzione della loro carriera professionale. Il programma comprende un panel A&R con responsabili delle etichette discografiche, campi di scrittura di canzoni e masterclass, nonché una sessione di ascolto in cui i musicisti creativi possono ricevere un feedback esperto sulle loro composizioni. Anche il "Premio europeo della canzone d'autore" entra in una nuova fase. In occasione della premiazione con finale dal vivo (5 aprile), cantautori e produttori potranno presentare le loro composizioni a una giuria di alto livello composta da A&R internazionali. Il vincitore entrerà direttamente in studio: per i brani migliori sono previste anche promozioni radiofoniche e online.

Oltre a workshop, masterclass e tutorial, la Musikmesse offre musica dal vivo di artisti nazionali e internazionali per tutto il giorno.

La sera il quartiere fieristico diventa l'epicentro del "Musikmesse Festival": salgono sul palco artisti nazionali e internazionali come la leggenda del pop-rock Tony Carey (4.4., Festival Arena), la leggenda del rap Samy Deluxe (4.4., Festhalle Frankfurt), un DJ set di Mousse T. & Glasperlenspiel (5.4. Festival Arena) e il gruppo a cappella di successo internazionale The Real Group (3.4., Festival Arena). Nell'ambito del festival si terranno anche circa 100 concerti in 50 club di Francoforte e location per eventi. I visitatori della Musikmesse ricevono un braccialetto gratuito con il quale possono partecipare agli eventi del Musikmesse Festival a prezzo ridotto o addirittura gratuitamente.

Il Gran Finale del Premio Internazionale Pianisti Tedeschi offre una chicca per gli amanti della musica pianistica di alto livello (1° aprile, Alte Oper di Francoforte). Accompagnati dall'Orchestra Filarmonica di Baden-Baden sotto la direzione di Douglas Bostock, i migliori giovani pianisti daranno prova delle loro capacità. Il programma comprende il Concerto per pianoforte e orchestra n. 2 op. 18 in do minore di Rachmaninoff e il Concerto per pianoforte e orchestra n. 1 op. 15 in re minore di Brahms.

Il sabato successivo alla Musikmesse (6 aprile), Musikmesse Plaza presenterà un concetto di evento completamente nuovo rivolto agli appassionati di musica di tutte le età. Insieme a partner del settore creativo, Messe Frankfurt sta realizzando un mercato pop-up con una varietà di mondi tematici e vendite dirette: da strumenti vintage a supporti sonori e prodotti lifestyle. Come momento culminante di una settimana ricca di musica e intrattenimento, gli appassionati di musica potranno assistere al concerto di chiusura dell'artista soul statunitense Gregory Porter, che si esibirà per la prima volta insieme alla Neue Philharmonie Frankfurt.

Tutte le ulteriori informazioni sulla Musikmesse sono disponibili su www.musikmesse.com