Secondo il giornale, il cambiamento di strategia è da ricondurre a Patrizia Crivelli, responsabile del dipartimento Cultura e Società della Burgergemeinde, in carica da un anno. L'ufficio è stato creato come "controparte civica del segretario culturale comunale" (Berner Zeitung). I due membri in carica della Burgergemeinde e della città, Crivelli e Franziska Burkhardt, si conoscono. Entrambi lavoravano per l'Ufficio federale della cultura.

Il Premio Cultura della Burgergemeinde Bern, dotato di 100.000 franchi svizzeri, è stato assegnato per la 30a e ultima volta nel giugno 2018 ed è andato al teatro di cabaret "La Cappella", rinomato palcoscenico bernese per il cabaret, la chanson e il cabaret. Tra i precedenti vincitori figurano la Camerata Bern, la Scuola di Liuteria di Brienz, la Swiss Jazz Orchestra e la sala concerti Mühle Hunziken.

I numeri sono stati ancora una volta impressionanti: non solo circa 1000 rappresentanti dell'industria musicale, ma anche circa 6000 fan hanno partecipato alla 22a edizione della tre giorni di musica pop m4music a Losanna e Zurigo. Mentre il gruppo folk zurighese Mar Nero Dahu e il duo Winterthur, che si muove tra rock, rap, pop e noise Ikan Hyu I trenta eventi della sezione conferenze hanno trattato argomenti diversi come le opportunità di esibizione in Europa, la vita (di sopravvivenza) di un cantautore e le attuali cifre di vendita nel settore musicale.

Nel panel "Il mercato musicale 2018, 2019 e oltre", ci si è resi conto che la situazione sta migliorando. La crescita non è più trainata dalle vendite di CD o dai download, ma dal settore dello streaming. L'anno scorso, il mercato svizzero della musica registrata ha generato un fatturato di circa 170 milioni di franchi svizzeri, il 3,7% in più rispetto all'anno precedente. Secondo Ivo Sacchi, direttore generale di Universal Music Svizzera, ci sono generi musicali che generano fino al 95% dei loro ricavi da musica registrata grazie allo streaming. "Questo è particolarmente vero per l'urban, il rap tedesco e l'hip hop". Marc Lynn, bassista del gruppo rock Gotthard, ha dipinto un quadro leggermente diverso: "I fan del rock vogliono ancora poter tenere in mano il prodotto fisico". Ha stimato che circa il 70% dei fan comprerebbe ancora la musica dei Gotthard su vinile o CD. Tuttavia, questo differisce da continente a continente. "In Sud America è quasi tutto streaming". Il rappresentante di Universal Sacchi non ha dubbi sul fatto che la tendenza allo streaming continuerà, anche in Svizzera: "Il potenziale è tutt'altro che esaurito". Il solo fatto che ogni settimana 15.000 canzoni vengano caricate su portali di streaming come Spotify lo dimostra.

La situazione del giornalismo musicale, invece, era meno favorevole. Un certo senso di impotenza si è cristallizzato durante il panel su questo tema. Linus Volkmann, che fino all'anno scorso lavorava per l'ormai defunta rivista musicale Introduzione ha spiegato: "Il giornalismo musicale ha perso la sua funzione di gatekeeper. Di conseguenza, i giovani gruppi target di oggi possono fare a meno dei prodotti cartacei". Ciononostante, o forse proprio per questo motivo, Ane Hebeisen, redattrice pop del quotidiano La Confederazioneè convinto che il giornalismo musicale sia ancora necessario, e più che mai. "Abbiamo bisogno di scrittori che creino profondità e aprano la porta ad altri mondi della musica". Il fatto è, tuttavia, che il Tages-Anzeiger dall'anno scorso non ha più budget per i giornalisti musicali freelance. Volkmann, che è anche autore di libri, è riuscito a trarre qualche vantaggio dal declino del giornalismo musicale: "Chiunque voglia pubblicare sulla musica ora può semplicemente farlo". Ad esempio, attraverso un canale YouTube o un blog.

Nel suo discorso programmatico "Monopolio nel business globale dei concerti", l'agente indipendente Berthold Seliger di Berlino ha parlato del suo settore, che solo pochi anni fa era lodato come una miniera d'oro. Dal 2012, tuttavia, le grandi aziende stanno guadagnando costantemente influenza in questo settore. Mentre i piccoli gestori di club cercano di far crescere gli artisti a lungo termine, i giganti come Live Nation sono interessati solo agli affari. E a ragione: "L'1% di tutti gli artisti genera il 60% di tutti gli introiti dei concerti", ha spiegato Seliger. Un fatto che lo ha portato a chiedere un prelievo di solidarietà imposto dallo Stato per i club e i promotori indipendenti. "Per ogni biglietto che costa più di 50 euro". Si tratta di una misura inevitabile, perché i locali e gli organizzatori di eventi stanno diventando sempre più una razza in via di estinzione. Seliger non crede che la situazione migliorerà da sola.

E come ha valutato il direttore del festival Philipp Schnyder von Wartensee la 22a edizione di questo evento del Percento culturale Migros? "Sono stati tre giorni intensi e vivaci, con grandi scoperte di talenti svizzeri", ha detto. È rimasto particolarmente colpito dall'apertura con cui molti dei circa 1000 rappresentanti dell'industria musicale nazionale e internazionale si sono avvicinati. "Più si incontrano, più non si vedono come concorrenti, ma vedono soprattutto un'ampia gamma di opportunità di collaborazione". Tuttavia, è stato più critico nei confronti di un altro sviluppo: sebbene non vi sia più una frattura tra i musicisti della Svizzera tedesca e quelli della Svizzera francese, lo scambio tra gli artisti della città e quelli della campagna sembra essere sempre più stagnante. Tuttavia, il giudizio complessivo di Schnyder è positivo: "La filosofia di m4music è sempre stata quella di far incontrare musicisti giovani e meno giovani al nostro festival. E funziona".

Circa 300 bambini provenienti da 58 nazioni frequentano attualmente i quattro centri scolastici di Kriens. Si differenziano per cultura, lingua, background familiare e classe sociale. In questo contesto, il team di insegnanti ha lanciato il progetto "Cultura nel centro", o KiZ in breve, nell'autunno 2016. Nell'estate 2017, 18 classi (dalla scuola materna al sesto anno) hanno iniziato il primo anno del progetto.

Mentre gli alunni di prima e seconda hanno realizzato progetti culturali trasversali con musica, danza e giochi, quelli di terza e quarta hanno avuto l'opportunità di partecipare a laboratori di danza, teatro, coro e musica. In quinta e sesta classe, gli alunni hanno imparato uno strumento a loro scelta e hanno provato nell'orchestra comune.

La giuria ha apprezzato il modo in cui la cultura diventa un elemento di integrazione sociale e di diversità nel progetto e il modo in cui la scuola e la scuola di musica si avvicinano grazie alla collaborazione.

È difficile immaginare che un'opera che si dice essere l'opera maggiore di uno dei più importanti compositori svizzeri del XX secolo scompaia dal repertorio per 76 anni dopo la sua prima all'Opera di Stato di Berlino e un fiasco a Zurigo. Solo chi osserva più da vicino, visualizza le circostanze e legge con attenzione il libretto originale potrà farsi rapidamente un'idea di ciò che è accaduto e del perché è accaduto. Nonostante i numerosi interventi, spesso inutili, Othmar Schoeck, in qualità di compositore, si è lasciato andare a un libretto creato da Hermann Burte: con in mente la possibilità di una produzione esposta e presumibilmente anche senza una valutazione contemporanea della realtà. L'intero Castello-Dürande-I sentimenti völkisch di Burte permeano il testo (a volte in modo chiaro, a volte sottocutaneo), ma la qualità è ancora più scarsa. Persino Hermann Göring inviò un telegramma in cui esprimeva il suo stupore per il fatto che l'opera, rappresentata per la prima volta il 1° aprile 1943, e il libretto su cui si basava, descritto come una "stronzata da posare", potessero essere accettati dai direttori artistici.

Tuttavia, l'opera fu vietata dopo la seconda guerra mondiale, quando fu rappresentata nella Berlino bruna, sebbene fosse già chiaro dopo la prima rappresentazione che si trattava di una partitura musicalmente importante. Tuttavia, non è stato possibile denazificare l'opera; i fatti hanno ostacolato l'opera tanto quanto i maldestri tentativi di attribuire alla buona fede del compositore la sua criminale mancanza di scrupoli. È quindi ancora più sorprendente che l'opera di Schoeck Castello di Dürande è recensito in modo sprezzante nella letteratura popolare, ma c'è sempre una certa curiosità per la musica. E giustamente, come si è potuto ascoltare al Teatro di Stato di Meiningen. Sui banchi c'era una partitura con un testo appena arrangiato da Francesco Micieli e accuratamente lavorato nelle linee vocali da Mario Venzago. Analizzata dal punto di vista accademico e accompagnata da due pubblicazioni sostenute dal Fondo Nazionale Svizzero per la Ricerca Scientifica, l'opera problematica è diventata così un grand opéra storicamente in ritardo: Al centro c'è il destino di Renald Dubois (inizialmente cacciatore di conti preoccupato per la sorella, poi fervente rivoluzionario per la sua stessa causa), guidato da un falso amore fraterno che determina la tragica fine di tutti. Si possono ascoltare quattro atti diversi, da adattamenti di musica da film e momenti sorprendentemente retrospettivi a travagli wagneriani e al jazz degli anni Venti e Trenta. Schoeck riassume così un vero e proprio "lungo" XIX secolo e lo supera - senza eclettismo, ma con l'idea di una disponibilità più ampia possibile.

Ciò che inizialmente sorprende, tuttavia, acquista coerenza e autonomia, persino idiosincratica. Ma le domande rimangono senza risposta. Ad esempio, la nuova versione di Micieli del libretto, che si basa su una novella di Eichendorff, è stata uno splendido salvataggio. Certo, non è stato in grado di correggere i punti in cui il testo era già ritardato nell'originale e Schoeck lo segue (troppo) a lungo nella partitura. Questa volta, però, nessuno ha voluto ridurre la sostanza drammatico-musicale. Ad esempio, è rimasta una leggera ombra sul finale, quando Renald apprende la verità sulla sorella dal servo Nicolas, ormai morente. Il regista dovrà trovare delle soluzioni in questo senso nelle prossime produzioni (magari utilizzando la multimedialità?). A proposito di futuro: il Castello di Dürande in questa forma neutralizzata, a volte ancora eccessivamente rima, merita la possibilità di dimostrarsi su altri palcoscenici. Brahms aveva già scelto la piccola ma bella Meiningen per la prima della sua Quarta Sinfonia, per metterla alla prova con attenzione. Tuttavia, l'ultima opera di Schoeck non diventerà probabilmente un pezzo di repertorio. La sola scelta del soggetto la rende troppo retrospettiva, soprattutto in un momento in cui il mondo era in fiamme. In ogni caso, il successo della prima (diretta dal direttore artistico Ansgar Haag, direttore musicale: GMD Philippe Bach) è stato pienamente giustificato da una messa in scena solida ma poco interpretativa, da una performance d'insieme di tutto rispetto e da un'orchestra di corte ottimamente organizzata.

Ulteriori performance
29 marzo, 28 aprile, 8 e 17 maggio, 27 e 30 giugno, 6 luglio 2019
meininger-state-teatro.com

L'SMR ritiene che "con la presente bozza è stato raggiunto un buon risultato, adatto a salvaguardare gli interessi della Svizzera tenendo conto della nostra democrazia diretta". L'accordo creerebbe l'indispensabile certezza giuridica per entrambe le parti e garantirebbe l'accesso al mercato europeo.

La crescita del settore creativo e musicale acquisterà uno slancio significativo nei prossimi anni, prosegue il CGO. Per questo motivo, il settore musicale ritiene che si debba fare il possibile per garantire che i benefici della libera circolazione delle persone siano mantenuti per la Svizzera - in questo caso con la firma dell'accordo. Oltre alla libera circolazione delle persone, l'accesso ai programmi di finanziamento e ricerca dell'UE, come Europa Creativa e Horizon 2020 (o i programmi successivi), è fondamentale per il settore musicale, in quanto equivale all'accesso al mercato per il settore.

Per saperne di più: www.musikrat.ch

René Karlen si ritira anticipatamente su sua richiesta alla fine di marzo 2019. Il suo successore, Diana Lehnert, ha studiato educazione musicale e musica orchestrale presso l'Università di Musica di Detmold e l'Università delle Arti di Zurigo (ZHdK) e ha lavorato, tra l'altro, come flautista freelance e drammaturga. Più recentemente, dal 2008 è stata responsabile dell'educazione musicale dell'Orchestra Sinfonica di Lucerna. Oltre alla direzione artistica, ha esperienza nelle relazioni pubbliche e nel giornalismo culturale. Diana Lehnert vive nella città di Zurigo.

La divisione E-music del Dipartimento della Cultura della Presidenza è responsabile della musica classica e promuove la vita concertistica della città di Zurigo in questo ambito. Oltre a sostenere le esibizioni con sovvenzioni, organizza tre serie di concerti propri.

La serata inizia da zero a cento. Mentre Lucas Niggli tamburella un ritmo continuo con intricati accenti sulla batteria, il coro omofonico del Teatro di Basilea (direttore: Michael Clark) intona linee ritmicamente concise. L'organo hammond (Dominik Blum), il basso (Marino Pliakas) e la chitarra elettrica (Yaron Deutsch) lanciano accordi che agiscono come incendi selvaggi e alimentano ulteriormente la musica di confine. Michael Wertmüller ha già scritto molti pezzi per il trio svizzero Steamboat Switzerland, confondendo i confini tra nuova musica, jazz e rock. Nel suo Opera Diodati. Unendlich (libretto: Dea Loher), commissionato dal Teatro di Basilea, aggiunge una chitarra elettrica alla formazione e la colloca nella buca dell'orchestra in modo che, insieme all'agilissima Orchestra Sinfonica di Basilea, trasmetta questa energia ritmica sul palco e in sala. La musica ha quasi sempre un ritmo elevato. È costantemente eccitata, lavora con la stratificazione di metri e ritmi diversi e porta i musicisti coinvolti ai limiti del tecnicamente possibile. Ciò rende ancora più sorprendente la disinvoltura con cui il direttore Titus Engel, che ha già diretto l'opera di Karlheinz Stockhausen, si è cimentato con la sua musica. Giovedì da Luce e il modo disinvolto con cui il direttore d'orchestra si muove in questa partitura così complessa. E la precisione con cui tutti gli interpreti danno vita a queste eruzioni selvagge e ritmicamente intrecciate.

Il libretto di Dea Loher racconta la leggendaria visita di personalità letterarie inglesi a Villa Diodati, sul lago di Ginevra, nel 1816. L'illustre circolo attorno a Lord Byron si inebria di oppio e di conversazione. A causa del maltempo, rimangono al chiuso, discutendo della vita artificiale e raccontandosi storie dell'orrore. In questo idilliaco scenario svizzero, il romanzo di Mary Shelley Frankenstein o il moderno Prometeo e il racconto breve Il Vampiroscritto dal medico personale di Byron, John Polidori. Nel suo testo, Loher intreccia questa ambientazione storica con il Cern, nel cantone di Ginevra, dove si svolge la ricerca fisica di base nell'acceleratore di particelle lungo 27 chilometri. Nella sua produzione, la regista Lydia Steier rende visibili entrambi i livelli. Flurin Borg Madsen porta sul palcoscenico del Theater Basel un laboratorio, al centro del quale è stata ricreata una stanza della storica Villa Diodati. Qui, scienziati in tute protettive portano le figure letterarie senza vita su carrelli e le rianimano (costumi: Ursula Kudrna).

Tuttavia, i personaggi prendono vita grazie alla musica di Wertmüller. Il compositore lavora con tagli veloci, spesso acuiti dalle percussioni. Le pause sono brevi, la densità di stimoli è elevata, tutto accade nello stesso momento! Tuttavia, il compositore svizzero non costruisce un arco di suspense più ampio. Si affida a singoli blocchi di costruzione, che stanno in piedi da soli e sono progettati in modo molto diverso. Kristina Stanek canta il suo defunto figlio nei panni di Mary Godwin, non ancora sposata, con versi da opera lirica; Claire Clairmont, incinta di Lord Byron (cristallina fino ad altezze stratosferiche: Sara Hershkowitz) si lecca l'inguine al ritmo della musica acuta, prima che gli scienziati leghino alla vita di Byron un dispositivo lampeggiante per dargli ulteriori stimoli. A volte Michael Wertmüller usa dei loop per intensificare la musica, a volte toglie il tempo per un momento, per poi creare un nuovo mix musicale poco dopo. La scena si sussegue con una velocità mozzafiato. Rolf Romei, nei panni dell'amico di Mary Godwin, Percy Bysshe-Shelley, con la riga al centro e gli occhiali di nichel, intona radiose note alte. Con il suo potente basso-baritono, Seth Carico è un sorprendente medico personale Polidori, che nella seconda parte dichiara il suo amore per Lord Byron in calze a rete e tacchi alti.

Holger Falk è il centro del potere nello squisito ensemble di solisti nei panni dell'anarchico bon vivant George Gordon Noel Lord Byron. "Il grande scopo della vita è il sentimento. Sentire che esistiamo", formula il suo credo in un canto nella seconda parte, in una delle poche scene più tranquille. Questo Byron celebra la sua relazione sessuale con la sorellastra Augusta Leigh (la colorata Samantha Gaul) con la stessa naturalezza con cui si strofina le arance sul petto e sull'inguine nudo. Intossicazione ed estasi come nucleo della vita? I singoli pezzi del puzzle dispiegano una grande teatralità in questo caldissimo spettacolo di Basilea, ad esempio quando il percussionista Lucas Niggli e Sara Hershkowitz, nei panni della gravida Claire Clairmont che si contorce durante le doglie, ingaggiano una spettacolare battaglia di coloratura delle percussioni o quando il bambino rianimato si alza dal tavolo operatorio di Mary Godwin con grande pathos come un angelo dalle ali scure. In questa serata non si riesce a stabilire una connessione tra tutti gli elementi che si muovono come in un acceleratore di particelle. Ma forse questa è anche un'idea troppo conservatrice per questa serata di teatro musicale impegnativa, a volte persino travolgente.

"I proprietari di hotel e appartamenti di vacanza non pagheranno più i diritti d'autore in futuro", scrive Copyright svizzero nel comunicato stampa di oggi. E continua: "Il Consiglio degli Stati deciderà martedì prossimo sull'idea di eliminare i risarcimenti dovuti a favore degli albergatori. A farne le spese sarebbero musicisti, registi, attori e altri professionisti della cultura. In questo modo, infatti, sovvenzionerebbero l'industria alberghiera svizzera con il loro lavoro, invece di essere equamente compensati per l'uso commerciale delle loro opere".

La proposta si basa su un'iniziativa parlamentare di Philippe Nantermod, consigliere nazionale FDP VS. La Camera piccola creerebbe così un precedente: Nel dicembre 2017, il Tribunale federale ha stabilito che la remunerazione deve continuare a essere corrisposta per la diffusione di programmi radiotelevisivi nelle camere d'albergo o negli appartamenti di vacanza se le attrezzature necessarie, come televisori o radio, sono fornite dall'albergatore o dal locatore. Contrariamente a quanto sostenuto dagli iniziativisti, non si tratta di uso privato.
 

Secondo una perizia redatta dall'Università di Losanna per conto di Swisscopyright, l'associazione delle cinque società svizzere di gestione collettiva dei diritti d'autore, il nuovo articolo creato nel Copa sarebbe in contraddizione con la Convenzione di Berna, un trattato internazionale sulla protezione delle opere letterarie e artistiche; per questo motivo, potrebbe essere applicato ai creatori svizzeri solo se la Svizzera vuole adempiere ai suoi obblighi internazionali. I creativi svizzeri sarebbero quindi discriminati. Si creerebbe una situazione paradossale: Gli artisti svizzeri non riceverebbero più alcun compenso, ma gli alberghi dovrebbero pagare le opere di professionisti della cultura stranieri. Il regolamento non rispetterebbe inoltre altri accordi internazionali: il trattato mondiale sul diritto d'autore WCT e l'accordo di libero scambio TRIPS dell'OMC. Ciò potrebbe comportare sanzioni economiche nei confronti della Svizzera".

Swisscopyright afferma inoltre: "Secondo la proposta, il nuovo articolo del CopA dovrebbe esentare anche gli ospedali e le carceri dalla remunerazione del diritto d'autore", e rileva che né gli istituti penitenziari cantonali né gli ospedali hanno avanzato richieste in tal senso, e nessuna delle istituzioni ha dichiarato di non voler più remunerare gli artisti creativi: "Ancora una volta, verrebbe creata un'eccezione solo su iniziativa dell'industria alberghiera. Questa misura ingiustificata causerebbe un grave danno al settore culturale". Swisscopyright chiede ai membri del Consiglio degli Stati di agire con correttezza. Questo favoritismo nei confronti degli albergatori non è né necessario né opportuno.

La proposta viola in definitiva il compromesso faticosamente negoziato e fragile del gruppo di lavoro sul diritto d'autore (AGUR 12). La richiesta di esentare (improvvisamente) gli albergatori è stata inserita nel disegno di legge in una fase molto avanzata del Consiglio nazionale. Tuttavia, gli autori e i titolari dei diritti hanno fatto molte concessioni in anticipo per rendere possibile il compromesso".

Per quanto riguarda il comunicato stampa di Copyright svizzerol'associazione di ProLitteris, SSA, Suisa, Suissimage e Swissperform.
 

I musicisti si sono battuti anche in una delle Sonart - Creatori di musica Svizzera campagna orchestrata espressamente contro questa proposta: "Non sovvenzioniamo l'industria del turismo!". Chiedono al Consiglio degli Stati di respingere la mozione Nantermod. Sonart invita i cittadini a partecipare alla campagna sui social network e a incontrarsi con i registi lunedì 11 marzo, tra le 11.00 e le 13.00, sulla Bundesplatz di Berna per una campagna di distribuzione di volantini.
 

Ulteriori informazioni:

https://www.sonart.swiss/de/projekte-kampagnen/alle-0/urg-revision-12/

Il Consiglio degli Stati ha deciso di rinviare il dibattito. Come scrive SDA, vuole "attendere gli sviluppi nell'UE prima di decidere sulla revisione della legge sul copyright". E ancora: "Il motivo della decisione è un'aggiunta controversa che la Commissione aveva proposto: voleva far pagare le piattaforme internet come Google e Facebook a favore degli editori di media quando pubblicano i contorni del testo e i riferimenti agli articoli. Il Consiglio degli Stati ha ritenuto che la proposta non fosse ben ponderata".

Jaquemet e Méndez potranno utilizzare uno studio gestito dall'organizzazione Residency Unlimited a Brooklyn per cinque mesi nella seconda metà del 2019. Il musicista bernese sta cercando materiale per un terzo album a New York. La borsa di studio è dotata di 15.000 franchi svizzeri a testa per coprire le spese di viaggio e di alloggio. 

La Città di Berna offre ogni anno due borse di studio a New York. Due artisti selezionati possono usufruire gratuitamente di un appartamento e di uno studio a New York dal 1° agosto al 31 dicembre. Il Cantone di Berna offre le borse di studio a New York alle stesse condizioni nell'altra metà dell'anno.

Dopo che generazioni di artisti bernesi sono stati ospiti a Manhattan per le loro residenze newyorkesi, Jaquemet e Méndez lavoreranno per la prima volta a Brooklyn. L'appartamento e lo studio saranno affittati dall'organizzazione locale Residency Unlimited RU in accordo con gli artisti selezionati. L'organizzazione di Brooklyn è anche il contatto locale. Il prossimo bando è previsto per l'autunno 2019, per una residenza a New York dal 1° agosto al 31 dicembre 2020.
 

Ora capisco perché mi è stato consigliato di sedermi su una sedia senza schienale. Mi trovo nel bel mezzo del turbolento secondo atto della Figaro e devo costantemente girare sul mio asse. Intorno a me, Susanna, la Contessa e il geloso Conte Almaviva stanno negoziando l'irritante caso che a quanto pare è Susanna e non Cherubino a nascondersi nel camerino della Contessa.

Ma basta! Certo che non sono seduto sul palco. È un'illusione, e lo devo agli occhiali VR che mi ha messo Jan Schmidt-Garre. Mi hanno catapultato in una realtà virtuale. Che con Figaro a 360° L'esperto autore cinematografico e regista d'opera ha realizzato questo esperimento all'incrocio tra arte e tecnologia come produzione interna; partner del progetto da 200.000 euro sono stati l'Opera di Lipsia e l'Istituto Fraunhofer Heinrich Hertz di Berlino, che ha sviluppato la telecamera a 360 gradi.

Il prodotto finale è travolgente: un'immersione totale. Ma è anche estenuante: quando si tolgono gli occhiali dopo 25 minuti e il viaggio è finito, ci si sente leggermente storditi. Da un punto di vista sobrio, non è nemmeno adatto a un pubblico di massa, se non altro perché bisognerebbe prima acquistare gli occhiali VR. Inoltre, con questo tipo di fruizione artistica, si è completamente ripiegati su se stessi. Schmidt-Garre lo sa bene. È un realista e vede la produzione come un esperimento unico nel campo della comunicazione mediatica dell'opera. Forse tra dieci anni si guarderà a questa produzione come a un risultato pionieristico.

Questa è stata una delle tante esperienze interessanti di quest'anno. Avant Première a Berlino potrebbe fare. Organizzata dall'International Music and Media Centre di Vienna (IMZ), l'anteprima di nuovi film musicali nei settori della musica classica, del balletto e del jazz riunisce produttori, distributori ed emittenti televisive di tutto il mondo per visionare, mostrare, acquistare e vendere le nuove uscite. La maggior parte degli oltre seicento partecipanti proviene dall'Europa, ma sempre più spesso anche dall'America e dall'Estremo Oriente. Le emittenti pubbliche si trovano sempre più spesso a dover affrontare la concorrenza delle emittenti private e, per la prima volta, erano presenti anche due potenti operatori statali di tipo completamente diverso: il China Intercontinental Communication Centre e la Moscow Philharmonic Society.

I media digitali hanno trasformato la musica classica europea in un'esportazione globale. Oltre alla minoranza che ha accesso a spettacoli dal vivo esclusivi, sta crescendo una nuova classe di consumatori, stimata tra i quattro e i cinquecento milioni in tutto il mondo. Rob Overman, responsabile dei programmi del gruppo media Pastorale. L'azienda canadese è ora uno dei grandi protagonisti del mercato internazionale della musica classica. Tra le altre cose, ha acquisito i diritti sulle registrazioni di Unitel, il tesoro di musica classica avviato da Leo Kirch, e ha acquistato il canale musicale associato Classica.

Grazie alle proprie app e a fornitori globali come Amazon e Comcast, Stingray ha ora accesso alla metà di tutte le famiglie che utilizzano la pay-TV nel mondo e non solo fornisce loro Aida, Schiaccianoci e la Nona di Beethoven, ma anche con interessanti programmi di minoranza. Grazie alle nuove tecnologie, l'attività è stata standardizzata e funziona secondo il principio del video-on-demand di Netflix. Che ci si trovi a Pechino, Parigi o Ottawa, è possibile sottoscrivere un abbonamento direttamente sullo schermo. Inosservata agli spettatori dei concerti alla Tonhalle e alla Elbphilharmonie, l'alta cultura musicale europea è diventata un oggetto di pregio in un panorama mediatico globalizzato. Ciò non è senza conseguenze per il nostro concetto tradizionale di musica.

Il materiale per questo mercato globale è costituito innanzitutto dall'ampia gamma di registrazioni di opere e concerti, costantemente rinnovata: la vetrina molto pubblicizzata dei direttori d'orchestra e, più recentemente, delle direttrici d'orchestra donne - decine di volte si può vedere il grandioso gesto del sovrano nel momento in cui batte l'accordo finale in fortissimo - e le scene d'amore acutamente osservate sul palcoscenico dell'opera. Juan Diego Flórez e Anna Netrebko sono i successi. Ma ci sono anche film d'autore con un messaggio forte. Per esempio, la magnifica visualizzazione del racconto di Edgar Allan Poe Una discesa nel Maelstrom (Down into the Maelström) dell'autore norvegese Jan Vardøen sulle suggestive musiche di Philip Glass.

All'offerta globale mainstream si contrappongono anche le prospettive regionali di emittenti più piccole come la Televisione slovena, che può attingere a una sorprendente ricchezza di tradizioni culturali proprie. Anche la televisione ticinese RSI offre un gusto individuale. Invece di registrazioni classiche pure, oggi vuole concentrarsi maggiormente sui fenomeni contemporanei, il che si riflette anche in un documentario televisivo originale come Un Barbiere a Lugano in cui il leggendario parrucchiere di Rossini fa un'escursione nella vita quotidiana. La RSI ha anche prodotto un documentario su Cecilia Bartoli, il primo dal 1993 sulla primadonna, piuttosto riservata fuori dal palcoscenico. È stato realizzato tramite il conduttore Diego Fasolis ed è un successo di vendite a livello internazionale. I ticinesi dimostrano che è possibile lavorare con successo con un budget ridotto. Basta avere le idee giuste.

Le attività di educazione musicale, come le presentazioni di strumenti, le esibizioni di musica da camera e i laboratori nelle scuole, sono aumentate di circa il 20% in Germania negli ultimi due anni, con oltre 6.000 eventi. Nello stesso periodo, il numero di concerti per bambini, giovani, famiglie e scuole è aumentato di oltre il 25%, arrivando a 2863, mentre il numero di concerti sinfonici normali è diminuito.

Nel complesso, la situazione di molte orchestre si è consolidata dopo alcuni anni difficili. Alla fine del 2019, le orchestre sono in attesa della decisione dell'UNESCO sull'inserimento del paesaggio orchestrale e teatrale tedesco nella Lista del Patrimonio Culturale Immateriale dell'Umanità.

Il Consiglio comunale di Berna vuole realizzare uno sviluppo urbano con una significativa componente residenziale sul sito della Gaswerk. Il terreno industriale dismesso sarà trasformato in "un quartiere vivace con aree residenziali, spazi commerciali e culturali e spazi aperti pubblici". I valori naturali esistenti sul sito saranno sostituiti da aree di compensazione ecologica.

Il Gaskessel è un centro per giovani e giovani artisti della città e della regione di Berna. Oltre al coinvolgimento dei giovani, offre piattaforme per giovani professionisti della cultura e artisti locali. Allo stesso tempo, si rivolge anche ad artisti internazionali.

Secondo gli organizzatori, la Svizzera non solo ha una scena musicale molto attiva e creativa, ma anche un'alta densità di club e festival, stazioni radiofoniche collegate a livello internazionale e "una scena di etichette indipendenti estremamente vivace". In Svizzera viene attualmente creata "musica estremamente creativa e originale in tutti i generi", che gli organizzatori vorrebbero presentare a Groningen. Gli artisti che desiderano esibirsi all'ESNS 2020 possono presentare la propria candidatura online dal 1° maggio al 1° settembre 2019. 

ESNS attira più di 4.000 professionisti provenienti da tutti i settori dell'industria dell'intrattenimento, tra cui oltre 400 festival europei. Ogni anno, l'ESNS ospita più di 350 concerti nella città di Groningen e offre un programma di conferenze completo e mirato, con circa 150 panel e keynote, oltre a un'ampia gamma di opportunità di networking.

Il curriculum di ESNS comprende gli artisti Alice Merton, Alma, BOY, Dua Lipa, Mario Batkovic, Sigrid, Sophie Hunger e Zeal & Ardor. Oltre ad artisti svizzeri come Crimer, Flèche Love, Long Tall Jefferson e Danitsa, nella line-up di quest'anno (gennaio 2019) hanno avuto successo anche i seguenti artisti: Black Midi, Flohio, Fontaines D.C., girl in red, L'impératice, Manon Meurt, Mavi Phoenix, Pip Blom, Reykjavíkurdætur, SONS e Tamino.

Per saperne di più:
https://swiss-music-export.com/2019/03/01/esns-to-focus-on-switzerland-in-2020

Secondo i luoghi comuni, la musica di sottofondo dovrebbe aumentare la creatività. Il team ha testato questa ipotesi in tre esperimenti che si sono concentrati sull'influenza sulla risoluzione di compiti creativi. Hanno messo i soggetti in esame di fronte a canzoni con testi non familiari, con testi familiari e con musica puramente strumentale. Tutti hanno compromesso le prestazioni rispetto a un gruppo di controllo non esposto alla musica di sottofondo. 

È stato inoltre dimostrato che l'effetto negativo è del tutto indipendente dal fatto che la musica susciti buoni sentimenti o che i soggetti del test siano abituati a risolvere compiti ascoltando la musica in sottofondo.

Articolo originale:
https://onlinelibrary.wiley.com/doi/full/10.1002/acp.3532

Dall'esterno, la competizione è diventata più piccola, ma il trasferimento dal foyer del Teatro Comunale di Basilea al relativamente piccolo "Oekolampad" non ha avuto alcun impatto sull'importanza dell'evento. Sebbene lo spazio fosse un po' angusto, soprattutto per i musicisti, la vicinanza all'azione era più favorevole per il pubblico. Tredici opere in concorso dovevano essere eseguite in cinque concerti dal 20 al 24 febbraio: dopo il ritiro di un concorrente, ne rimasero dodici.

Con la sua BCC, l'organizzatore Christoph Müller ha sviluppato un formato aperto, senza restrizioni di età o provenienza. Una sponsorizzazione ben funzionante, o meglio il tipico mecenatismo di Basilea, gli permette di far pagare modeste quote d'iscrizione, di offrire alti premi in denaro (1° posto: 60.000 franchi; 2° posto: 25.000; 3° posto: 15.000) e di coinvolgere tutte e tre le orchestre professionali di Basilea. L'orchestra da camera, la Sinfonietta e l'orchestra sinfonica presenteranno i brani selezionati per la finale, la cui prova - in quanto prima mondiale - comporta un grande impegno. Si applicano regole precise per quanto riguarda la durata delle composizioni e degli strumenti. Un brano in concorso non può durare più di 20 minuti e la strumentazione è determinata dalle risorse dell'orchestra.

Come per la prima edizione del 2017, all'evento è stato aggiunto un programma di educazione musicale per i giovani. Un insegnante di musica del Bäumlihof-Gymnasium ha invitato i singoli compositori a scuola durante la settimana del concorso e ha coinvolto i suoi alunni nelle attività del concorso.

L'attraente costellazione del concorso ha attirato un gran numero di partecipanti: 450 da 59 Paesi, con il candidato più anziano nato nel 1929. Alla fine sono stati presentati 250 lavori, tra i quali i membri della giuria hanno dovuto selezionarne 13. L'obiettivo era quello di fare una selezione stilisticamente ampia che fosse riconosciuta fino alla finale. L'obiettivo era quello di fare una selezione stilisticamente ampia che fosse riconosciuta fino alla finale. La giuria rifletteva gli elevati standard di questo concorso: Michael Jarrell (presidente della giuria), Wolfgang Rihm (assente per malattia), Helmut Lachenmann, Magnus Lindberg, Andrea Scartazzini - tutti grandi compositori riconosciuti a livello internazionale. Era inoltre presente un rappresentante dell'orchestra. Felix Meyer ha rappresentato la Fondazione Paul Sacher, che agisce come partner consultivo ma non sostiene finanziariamente l'evento. Lo spirito di Sacher risuona fortemente in questo progetto. Christoph Müller fa riferimento diretto a questo mecenate e promotore della musica contemporanea: "Nello spirito di Sacher, i compositori più interessanti del XXI secolo saranno portati oggi a Basilea con l'obiettivo di fornire ispirazione per le composizioni. In questo modo, la BCC vuole contribuire a costruire un repertorio di opere orchestrali che sarà ancora attuale tra qualche anno".

Ospitato da Patricia Moreno di SRF 2 Kultur, il concerto finale è stato condotto in modo rilassato e, in termini di performance, molto concentrato. Cinque opere sono arrivate in finale. L'Orchestra da Camera di Basilea, diretta da Franck Ollu, ha esordito con la composizione di Manuel Martínez Burgos Daivātuna parola sanscrita che il compositore ha tradotto come "tempo al di là della mente". Il pubblico ha assistito a un pezzo veloce, su piccola scala, espressivo, con ottoni martirizzati e un'atmosfera minacciosa. Il lavoro più accessibile del compositore giapponese Takuya Imahori era molto diverso. Con mille fiori che sbocciano così belliLa Basel Sinfonietta diretta da Baldur Brönnimann ha rappresentato musicalmente lo sbocciare e lo sfiorire di undici fiori al sole, al vento e alle intemperie. Atmosfere tardo-romantiche si sono alternate a paesaggi sonori sferici, poetici e colorati, culminando a volte in un potente forte: un grande successo di pubblico.

I punti dal 3 al 5 del programma sono stati tutti eseguiti dall'Orchestra Sinfonica di Basilea diretta da Francesc Prat. Il programma è iniziato con il tedesco Benjamin Scheuer, il cui pezzo versato sapeva come combinare suoni contemporanei con arguzia e umorismo. Ha creato un pezzo altamente innovativo a partire da frammenti di musica alienati che erano stati conservati nella sua memoria per molti anni. Glissandi grottescamente increspati si perdono senza fiato nel vuoto, per poi risalire a rotta di collo. Sibili, cinguettii e fischi penetranti fanno parte del ricco materiale sonoro e a volte si mescolano minacciosamente con gli acufeni dell'ascoltatore. Nella seconda parte, un continuum sonoro un po' più coerente è emerso nel dialogo tra pianoforte e archi.

Lo svizzero Thomas Mattenberger ha avuto successo con il suo riduzionista Labirinto fino alle cinque finali - una vera e propria tregua tra tutte queste opere intense e riccamente tonali: meditativa con una piccola gamma di intervalli, suoni orizzontali dei fiati attorno ai quali si raggruppavano i cluster orchestrali, campane tubolari segnaletiche, quasi nessuna dinamica.

Il giovane argentino Alex Nante ha stupito con un breve (si sarebbe voluto ascoltare un po' più a lungo) brano dallo stile romantico-impressionistico intitolato Immagine luminosaispirato all'omonimo dipinto di Wassily Kandinsky. Il colore giallo dominante del dipinto potrebbe essere associato ai brillanti passaggi in forte. Questi si alternano a delicati suoni di violino e arpa, guarniti da clarinetti e celesta. Alla fine, una grande sesta si stagliava nella sala come un punto interrogativo.

Il verdetto della giuria: 1° posto Scheuer, 2° posto Nante, 3° posto Imahori.

Foto: Niklaus Rüegg
Da sinistra: Takuya Imahori (3°), Alex Nante (2°) Benjamin Scheuer (1°)