Inoltre, Denis Schuler di Ginevra succederà al revisore dei conti uscente Laurent Mettraux. Fachard è nato a New York da padre svizzero e madre greca ed è cresciuto a Losanna. Ha studiato composizione con Daniel Glaus, William Blank e Xavier Dayer, oltre che con Lachenmann, Ferneyhough e Boulez. Nel 2015 è stato Composer in Residence presso il programma Composer's Next Generation dell'Ensemble Vortex di Ginevra. Fachard vive a Losanna. Oltre a lui, Max E. Keller, Egidius Streiff e Javier Hagen (presidente) sono membri dell'attuale consiglio direttivo della SGNM.

La SGNM è la sezione svizzera della Società Internazionale di Musica Contemporanea (IGNM/ISCM) ed è stata fondata nel 1922 dal mecenate di Winterthur Werner Reinhart - primo segretario generale dell'ISCM - come una delle prime sezioni nazionali dell'ISCM. È l'interfaccia svizzera dell'ISCM e quindi delle Giornate Mondiali di Musica dell'ISCM, che si svolgono ogni anno in un paese diverso e che finora si sono tenute in Svizzera sei volte: nel 1926, 1929, 1957, 1970, 1991 e più recentemente nel 2004.

Il simposio PRJ del 19 gennaio 2019 è stato piccolo ma piacevole, senza troppo clamore, ma con sostanza. È stato organizzato ancora una volta dal Scuola di musica del Conservatorio di Berna in collaborazione con il Associazione delle scuole di musica bernesi (VBMS) organizzato. L'evento di formazione continua per il settore pop, rock e jazz
rispetto alla prima edizione, è stato aperto in direzione della pedagogia generale. L'organizzatore Victor Wanderley ha sottolineato che il suo simposio non era rivolto solo agli insegnanti di PRJ, ma ai rappresentanti di tutti i generi musicali. Questa apertura è stata accolta molto bene dall'evento, ma si è avuta l'impressione che i rappresentanti della musica classica non si sentissero (ancora) interpellati.

L'evento si è svolto in un "formato di incontro", il che significa che ai partecipanti è stato dato ampio spazio per scambiare idee e condividere i loro risultati ed esperienze nella sessione plenaria. Tre esperti invitati hanno fornito importanti contributi, hanno guidato i workshop e stimolato le discussioni.
 

Natalia Ardila-Mantilla, responsabile della Pedagogia strumentale e vocale presso l'Istituto di ricerca sull'educazione musicale dell'Università di Musica e Teatro di Colonia, si occupa di ricerca sull'educazione musicale in contesti di apprendimento formali e informali e sullo sviluppo di concetti per l'apprendimento della musica in gruppi eterogenei. Ha fornito un'interessante introduzione con sei domande sulla loro storia educativa personale e su ciò che ritengono di aver appreso nei vari contesti di apprendimento. Tutti hanno dovuto dare le proprie risposte nella sessione plenaria. Le intuizioni illuminanti che sono emerse sono state sorprendenti. Chiunque pensasse di poter dedurre i vantaggi di una o dell'altra forma di apprendimento si sbagliava tanto quanto chi pensava che l'apprendimento informale dovesse essere classificato come PRJ e quello formale come classico. La relatrice ha utilizzato i profili didattici che aveva creato nel suo lavoro di ricerca per dimostrare che le due forme di apprendimento si verificano più o meno allo stesso modo da entrambe le parti. Ha ipotizzato quattro mondi di apprendimento: Lezioni, ensemble, performance e sfera privata, che possono essere organizzati in modo più o meno formale o informale. È fondamentale che ci sia un mix fruttuoso e che l'insegnante cerchi di influenzare i mondi di apprendimento informali dei suoi studenti.

Foto: Niklaus Rüegg

Natalia Ardila-Mantilla

Nik Bärtsch, pianista jazz di successo internazionale originario di Zurigo e laureato in musica classica, ha descritto la sua carriera di studente di musica negli anni '70 e '80 e ha parlato della formazione e della coltivazione di comunità creative, del suo Club Exil, della serie dei lunedì con la sua "Ritual Groove Music" con workshop e concerti. "La creatività ha bisogno di strutture", è convinto Bärtsch. Le radici locali, un campo base, sono importanti per lui per poter lavorare a livello internazionale. Per questo si reca ogni giorno nel suo "esilio", definendo così casa ed esilio come congruenti. Bärtsch è un sostenitore della "pedagogia del freestyle", che pone l'accento sull'iniziativa personale, sul "fare, rischiare, imparare". Aveva già imparato questo "modo selvaggio di imparare" durante la sua impegnativa carriera di studente di musica. All'inizio la scuola di musica di Zurigo ha avuto difficoltà con i suoi interessi: voleva suonare la batteria e il boogie-woogie e detestava gli spartiti. Queste cose non facevano parte della cultura didattica dell'epoca. Così non ebbe altra scelta che imparare da solo e in gruppi musicali. Alla fine, il ragazzo di talento incontrò insegnanti di musica comprensivi che "in qualche modo lo seguirono" e lo aiutarono a trovare la sua strada.

Foto: Niklaus Rüegg

Nik Bärtsch

Il pianista, batterista, matematico e docente al Jazzcampus di Basilea, Malcolm Braff, ci ha sorpreso con un approccio scientifico a un fenomeno non considerato accademico: il groove. Egli adotta un approccio opposto, per così dire, e tenta di spiegare e formalizzare il freestyle. Braff distingue tra ritmo musicale teorico e pratico: "Nella musica popolare il ritmo non è mai uguale", ha sottolineato, aggiungendo "nella musica classica non lo è nemmeno". Il groove nello swing si crea spostando e variando leggermente la lunghezza delle note. Con un gruppo di un quarto e due ottavi, ad esempio, questo può significare un'approssimazione a una terzina. Questa regola può essere utilizzata anche per rendere swing alcuni brani classici. Un esempio popolare è Bach. Anche il valzer viennese non sarebbe un valzer se tutte e tre le note fossero suonate esattamente della stessa lunghezza. Braff ha illustrato graficamente questi spostamenti ritmici, partendo da una terzina pari come un triangolo isoscele, e ha suddiviso gli effetti ritmici in "negative groove balance" (o "laidback"), "positive groove balance" (spinta in avanti) e "taking off the ground/taking down to the ground" (fraseggio attraverso il cambiamento degli accenti). Le dimostrazioni pratiche alla batteria e al pianoforte con ritmi alternati suonati simultaneamente a sinistra e a destra sono state impressionanti.

Foto: Niklaus Rüegg

Malcolm Braff

Quest'anno, per la prima volta, la Musikmesse si svolgerà su quattro giorni lavorativi (da martedì a venerdì). In questo modo si concentra più che mai sullo scambio professionale dei professionisti internazionali e affina la sua essenza di marchio come la più grande fiera europea per l'industria musicale. Per la prima volta dal 2015, Musikmesse si terrà di nuovo in contemporanea con Prolight + Sound, il "Global Entertainment Technology Show".

Anche dopo la fiera, la musica continua a Francoforte. Per la quarta volta, il "Musikmesse Festival" presenta concerti di spicco in 30 location e nel quartiere fieristico. Tra questi: i talenti del Premio Internazionale Pianista Tedesco e un grande concerto di chiusura con la leggenda del soul Gregory Porter e la Neue Philharmonie Frankfurt.
 

I visitatori della Musikmesse 2019 potranno contare su distanze più brevi. Il padiglione 3 riunisce un'ampia gamma di prodotti su due livelli, da pianoforti e tastiere a batteria e percussioni, chitarra e basso, strumenti a fiato e a ottone, strumenti a corda, strumenti armonici e spartiti. Per la prima volta, l'intero settore audio è concentrato su un unico livello del padiglione: i visitatori troveranno sintetizzatori e apparecchiature di registrazione, oltre a prodotti per il rinforzo del suono dal vivo, nel padiglione 8.0.

© Musikmesse Frankfurt

La novità del 2019 è la "Networking Area" congiunta di Musikmesse e Prolight + Sound nel padiglione 4.1, che si rivolge specificamente ai rivenditori e ai decision maker del settore. Con il suo concetto di lounge elaborato, offre l'ambiente ideale per colloqui d'affari in un'atmosfera rilassata.

Il nuovo "Music Education Centre" nel Centro Congressi Messe Frankfurt crea una piattaforma centrale per la promozione dei giovani talenti e l'aggiornamento professionale. Tra i punti salienti di questo settore vi è la Giornata del fare musica in classe (venerdì 5 aprile), che fornirà idee per un insegnamento moderno e orientato alla pratica. Lo stesso giorno, il Premio europeo per la musica nelle scuole premierà i progetti innovativi nel campo del lavoro metodico e creativo con gli strumenti musicali. Si terranno inoltre workshop e seminari sulla musicoterapia e, per la prima volta, la cerimonia di premiazione del "Concorso per nuovi strumenti terapeutici".

© Musikmesse Frankfurt

Il progetto "Discover Music" per i giovani esploratori musicali offre un viaggio alla scoperta del mondo dei toni e dei suoni. Sotto la guida pedagogica di musicisti esperti dell'Accademia musicale di Francoforte, gli scolari possono provare gli strumenti a loro piacimento.

Anche il "Premio europeo della canzone d'autore" entra in una nuova fase. In occasione della premiazione con finale dal vivo (5 aprile), cantautori e produttori potranno presentare le loro composizioni a una giuria di alto livello composta da A&R internazionali. Il vincitore entrerà direttamente in studio: per i brani migliori sono previste anche promozioni radiofoniche e online.
 

Oltre a workshop, masterclass e tutorial (con un focus sugli strumenti a tastiera martedì 2 aprile), la Musikmesse offre musica dal vivo di artisti nazionali e internazionali per tutta la giornata.

La sera, il quartiere fieristico diventa l'epicentro del Musikmesse Festival: ad esempio, la Festhalle di Francoforte, il Centro Congressi Messe Frankfurt, la Festival Arena nel quartiere fieristico all'aperto e i nuovi Circle Stages direttamente nei padiglioni espositivi offrono speciali esperienze musicali anche dopo la chiusura della fiera. Il Musikmesse Festival presenta anche concerti e feste nei club e nelle location per eventi di Francoforte. I visitatori della Musikmesse ricevono gratuitamente un braccialetto del festival, con il quale possono partecipare agli eventi del Musikmesse Festival a prezzo ridotto o addirittura gratuitamente.
 

© Musikmesse Frankfurt

Il gran finale del "Premio internazionale del pianista tedesco" offre una chicca per gli amanti della musica pianistica di alto livello (1° aprile, Alte Oper di Francoforte). Accompagnati dall'Orchestra Filarmonica di Baden-Baden sotto la direzione di Douglas Bostock, i migliori giovani pianisti daranno prova delle loro capacità. Il programma comprende il Concerto per pianoforte e orchestra n. 2 op. 18 in do minore di Rachmaninoff e il Concerto per pianoforte e orchestra n. 1 op. 15 in re minore di Brahms.

Il sabato successivo alla Musikmesse (6 aprile), "Musikmesse Plaza" presenterà un concetto di evento completamente nuovo rivolto agli appassionati di musica di tutte le età. Insieme a partner del settore creativo, Messe Frankfurt sta realizzando un mercato pop-up con una varietà di mondi tematici e vendite dirette: da strumenti vintage a supporti sonori e prodotti lifestyle. Come momento culminante di una settimana ricca di musica e intrattenimento, gli appassionati di musica potranno assistere al concerto di chiusura dell'artista soul statunitense Gregory Porter, che si esibirà per la prima volta insieme alla Neue Philharmonie Frankfurt.

© Musikmesse Frankfurt

Tutte le ulteriori informazioni sulla Musikmesse sono disponibili su

Dall'11 al 21 luglio 2019, la 10ª edizione di YOUTH CLASSICS Swiss International Music Academy SIMA offrirà a musicisti di talento provenienti dalla Svizzera e dall'estero un'opportunità formativa intensiva e di alta qualità sull'isola della musica a Rheinau. L'accademia si rivolge a giovani musicisti di talento di età compresa tra i 10 e i 25 anni che intendono studiare musica in un futuro prossimo o lontano o che lo stanno già facendo. È stata fondata nel 2009 dal violinista e direttore d'orchestra Philip A. Draganov. È uno degli insegnanti di violino più richiesti dai giovani musicisti di talento in Svizzera e insegna al Conservatorio di Zurigo, al Conservatorio di Winterthur e al PreCollege of Music dell'Università delle Arti di Zurigo.

Durante dieci giorni di lezioni individuali, lezioni di musica da camera e workshop, i partecipanti beneficiano dell'esperienza di docenti di fama internazionale provenienti da rinomate accademie musicali in Svizzera e all'estero. Nelle lezioni individuali intensive, i partecipanti ricevono un eccellente supporto musicale e una formazione di prim'ordine sul proprio strumento. Vengono inoltre preparati per concorsi, audizioni ed esami.

I partecipanti e i docenti vivono nello stesso luogo durante l'Accademia, sull'Isola della Musica di Rheinau. Questo favorisce l'incontro con eminenti insegnanti di musica e lo scambio con persone di età diverse che la pensano allo stesso modo.

I concerti durante l'Accademia e i concerti finali del 20 luglio e del 14 settembre 2019 a Zurigo sono un momento speciale.

Iscrizioni fino all'11 maggio 2019 presso www.youth-classics.ch
 

Thomas Grossenbacher, docente all'Università delle Arti di Zurigo, violoncellista solista dell'Orchestra della Tonhalle di Zurigo e docente alla SIMA per molti anni.

Signor Grossenbacher, in quanto musicista impegnato, cosa l'ha spinta a impegnarsi come docente alla SIMA?
Mi piace particolarmente la comunità di studenti e docenti, ma anche l'atmosfera incomparabile dell'isola musicale di Rheinau è una grande fonte di motivazione.

Cosa rende questa Accademia particolarmente preziosa?
Vedo un grande valore nella versatilità del programma (dai laboratori di liuteria alla danza barocca, alla formazione per le audizioni e molto altro), ma anche nell'eccellente organizzazione, nel mix di studenti, dai più giovani ai più anziani, e nelle molte opportunità per i partecipanti di esibirsi di fronte a un pubblico.

Che consiglio darebbe ai giovani talenti?
Rilassati!
 

Per quasi un quarto di secolo, Richard Irniger ha messo la sua villa a disposizione di musicisti di vari stili, dalla musica classica al jazz e alla musica popolare, secondo il comunicato stampa della città. Più di mille concerti hanno già avuto luogo nei locali della Schneckenmannstrasse, dove i musicisti possono anche esercitarsi e provare regolarmente.

Dopo ogni concerto, il mecenate, che il 27 gennaio ha festeggiato il suo 80° compleanno, offre un aperitivo ricco, permettendo al pubblico di parlare con gli artisti in un'atmosfera rilassata. Secondo l'omaggio, Richard Irniger ha "creato un gioiello culturale sullo Zürichberg con cui ha arricchito instancabilmente la vita musicale di Zurigo".
 

All'inizio del 2018, l'organizzazione di protezione civile di Winterthur si è separata dal suo fiore all'occhiello, la ZS Big Band Winterthur. Lo scrive in una lettera l'Orchestra Reto Parolari (ORP). Da 25 anni collabora con la ZS Big Band, sia nell'ambito del festival U-Musik che in concerti congiunti.

L'ORP vorrebbe conservare l'ex-ZS Big Band nella sua forma attuale con il nuovo nome di ORP Big Band. Tuttavia, non può farlo con i propri fondi. Per questo motivo ha lanciato una campagna di raccolta fondi e spera in una buona volontà e in un grande sostegno.
Il prossimo spettacolo è previsto per novembre 2019 con il titolo "Una serata al circo".

Ulteriori informazioni e contatti via www.orchester-retoparolari.ch
 

Scarica la ricevuta di pagamento (PDF)
 

L'ascolto della musica classica è spesso accompagnato da informazioni sui brani: I libretti di programma vengono distribuiti ai concerti e alle opere, ogni buon CD di musica classica è accompagnato da un libretto e i brani classici vengono presentati alla radio. Uno studio del Max Planck Institute for Empirical Aesthetics ha ora analizzato l'influenza di vari tipi di informazioni sulla valutazione della musica ascoltata.

I ricercatori si sono occupati di due domande: la fama del compositore ha un'influenza sul gradimento dei brani? In che modo testi introduttivi stilisticamente diversi influenzano l'apprezzamento della musica? Tutti i partecipanti hanno ascoltato una Sinfonia di Josef Mysliveček (1737-1781) come parte dello studio. Mentre a metà dei partecipanti sono state fornite le informazioni corrette sull'autore del brano, all'altra metà è stato detto che si trattava di un brano di Wolfgang Amadé Mozart (1756-1791). Prima dell'ascolto, i partecipanti di entrambi i gruppi hanno anche letto una breve introduzione: un gruppo ha ricevuto un testo che descriveva il significato espressivo della Sinfonia in modo vivace, a volte fiorito, mentre il testo del secondo gruppo spiegava le caratteristiche formali della Sinfonia. Dopo l'ascolto, tutti i partecipanti hanno valutato la Sinfonia in base al gradimento della musica, tra le altre cose.

I risultati, pubblicati di recente sulla rivista Psychology of Music, confermano l'ovvia ipotesi che le informazioni precedenti abbiano un'influenza duratura sull'esperienza di ascolto della musica. Il team di ricerca ha potuto osservare un effetto dell'età per quanto riguarda il prestigio: A differenza dei partecipanti più anziani, quelli più giovani apprezzavano di più il brano quando era attribuito a Mozart. Questo risultato conferma le osservazioni di studi precedenti. A differenza degli studi precedenti, tuttavia, a questo studio hanno partecipato anche ascoltatori più anziani, per i quali l'attribuzione a Mozart non ha avuto alcun effetto sul gradimento del brano. L'apparente immunità dei partecipanti più anziani - la maggior parte dei quali erano appassionati di musica con esperienza - indica che le esperienze musicali-stilistiche possono proteggere dalle influenze esterne sulla valutazione della musica.

Al contrario, lo stile con cui era stato scritto il testo ha avuto un forte effetto in tutte le fasce d'età: i partecipanti del gruppo che aveva letto il testo espressivo hanno apprezzato di più la stessa musica rispetto a quelli il cui testo presentava informazioni sobrie e analitiche sulla musica.

Pubblicazione originale: Fischinger, T., Kaufmann, M., & Schlotz, W. (2018). Se è Mozart, deve essere buono? L'influenza delle informazioni testuali e dell'età sull'apprezzamento musicale. Psicologia della musica. Pubblicazione anticipata online. DOI:10.1177/0305735618812216
 

Lo Zurich Center for Creative Economies (ZCCE) sarà un centro di eccellenza internazionale nella ricerca, nell'insegnamento e nella consulenza. La ZHdK si è posizionata con successo in questo campo da circa 15 anni. La ZKB finanzia l'iniziativa con un totale di 1,9 milioni di franchi svizzeri per i prossimi sei anni. Ciò consentirà di collegare le iniziative esistenti dello ZHdK e di istituire una cattedra, un programma di borse di studio senior e programmi di sostegno per start-up e spin-off all'interfaccia tra studi e mercato del lavoro.

Se lo ZCCE si affermerà con successo, la ZKB sosterrà l'università con ulteriori contributi per un totale di 1 milione di franchi fino al 2024. Il presupposto è che vengano acquisiti altri partner e finanziamenti. La ZHdK sottolinea che la partnership tra la ZKB e la ZHdK "non pregiudica in alcun modo la libertà di insegnamento e di ricerca". La libertà accademica è stata affermata contrattualmente. Il Consiglio dell'Università di Scienze Applicate di Zurigo ha approvato la collaborazione.

Le industrie creative combinano settori sostenibili e costituiscono una parte importante del mercato del lavoro per i laureati della ZHdK. È quindi di importanza strategica per l'università. Con aziende innovative e una scena dinamica di start-up, Zurigo è riconosciuta a livello nazionale e internazionale come un hotspot per le industrie creative. Circa un terzo del valore aggiunto svizzero viene creato nel Cantone di Zurigo.

Il Rhön-Klinikum Campus Bad Neustadt e il Centro universitario svizzero di fisiologia musicale SHZM vi invitano al primo evento di formazione congiunto per musicisti che si terrà il 24 e 25 maggio 2019 a Bad Neustadt. L'evento sarà incentrato su workshop pratici sul lavoro corporeo di gruppo e sulla gestione dello stress nella vita lavorativa quotidiana di un musicista. Saranno inoltre presentate e discusse nuove strategie per la prevenzione e il trattamento di problemi specifici della professione. Il nuovo modello di cooperazione "Salute al Teatro di Meiningen" sarà presentato come un progetto di apprendimento interdisciplinare. Il volantino dell'evento può essere scaricato al link

https://www.campus-nes.de/presse-aktuelles/veranstaltungen/fort-und-weiterbildungen.html

Il 62% di coloro che hanno risposto al sondaggio utilizza regolarmente recensioni musicali professionali. Quattro amanti della musica su cinque ritengono che le recensioni debbano essere costruttive, rispettose, aperte e imparziali. Ci si aspetta anche una valutazione fondata. Circa due terzi degli appassionati di musica classica amano leggere confronti con altre registrazioni e altrettanti si lasciano convincere da una descrizione chiara e avvincente.

Al sondaggio online condotto dal team di ricerca dell'Università di Scienze Applicate e Arti di Lucerna e dell'Università di Sheffield, pubblicato su piattaforme web in lingua tedesca e inglese tra gennaio 2017 e marzo 2018, hanno risposto 1.200 persone di 62 Paesi diversi che ascoltano musica classica regolarmente o occasionalmente, di età compresa tra i 17 e gli 85 anni.

Per saperne di più: https://www.hslu.ch/de-ch/hochschule-luzern/ueber-uns/medien/medienmitteilungen/2019/01/28/rezensionen-spielen-grosse-rolle-fuer-liebhaber-klassischer-musik/

Il compositore basilese Ernst Levy (1895-1981) divenne inizialmente molto noto come bambino prodigio del pianismo. Nella prima metà del XX secolo era addirittura considerato uno dei pianisti più importanti. Fu riconosciuto anche come teorico musicale, ma la sua produzione compositiva, che comprende 15 sinfonie e numerosi brani di musica da camera e opere per pianoforte, fu poco apprezzata. Negli Stati Uniti intraprese la carriera universitaria come professore di pianoforte, il che significa che non fu costretto a comporre in modo particolarmente orientato al mercato e a curare l'esecuzione delle sue opere. Il Sonata per flauto e pianoforte fu creato da Levy nel 1932, ma fu eseguito per la prima volta solo nel 1939 in un concerto alla Carnegie Hall di New York con lo stesso compositore al pianoforte.

La sonata in un solo movimento, che dura poco meno di 17 minuti, contiene la classica struttura in tre movimenti nell'ordine veloce-lento-veloce ed è tipica dello stile compositivo di Levy, che descrive così: "La caratteristica principale di una sonata, che è insita nel suo concetto, è quella del divenire, dello sviluppo. Alla fine di un'opera non siamo, per così dire, gli stessi che eravamo all'inizio".

Dopo un elegiaco assolo di flauto all'inizio, si ascolta un avvincente motivo di terzine, accompagnato da terzine pulsanti del pianoforte. Seguono cantilene in entrambi gli strumenti, che si intrecciano e si imitano a vicenda. È interessante il fatto che il metro di 4/4 scritto all'inizio venga costantemente cambiato, tanto che, come lo descrive il curatore Timon Altwegg, sembra presto uno scherzo ironico e ne emerge un "organismo musicale in continuo cambiamento, quasi inalante ed esalante". Al centro della sonata segue una sezione lenta con delicati passaggi pianistici e una cantilena del flauto, accompagnata solo sporadicamente da accordi. Si giunge così a un'audace sezione finale intitolata "Vivo e leggiero", in cui il motivo d'apertura si fa sentire nuovamente nel flauto poco prima della fine del brano.

Con questa sonata, Ernst Levy ha creato un'opera interessante e stratificata che merita un posto nei programmi concertistici di oggi.

Ernst Levy: Sonata per flauto e pianoforte, a cura di Timon Altwegg, prima edizione, BP 2803, € 14,00, Amadeus-Verlag, Winterthur 2017

Soprattutto se non abbiamo molta esperienza con l'improvvisazione, troviamo difficile integrare questo campo di apprendimento enormemente arricchente nelle nostre lezioni. Tuttavia, la serie di Thomas Silvestri Pianoforti-amplificatori per l'improvvisazione (Vol. 1-3) mi ha fornito un materiale meraviglioso che mi ha dato molti nuovi impulsi e idee per le mie lezioni. I brani sono tutti basati interamente sulla sua pratica didattica e offrono solo la quantità di teoria esplicita necessaria per iniziare a suonare rapidamente. Nei libretti sono presentate brevi figure di basso ostinato (vamps), che possono essere improvvisate. Le scale corrispondenti (maggiore, minore, scala blues, scala pentablues ecc.) sono volutamente elencate separatamente nell'ultima parte dei libretti, con l'intenzione di memorizzarle prima e farle proprie. Ci sono anche molti "pattern" tipici, che devono essere praticati come elementi costitutivi e che possono essere successivamente incorporati nell'improvvisazione. L'obiettivo è quello di costruire un repertorio di frasi ben suonate e di prendere confidenza con le diverse tonalità nel corso del tempo. Raccomandiamo anche i suggerimenti su come i singoli tasti possano essere praticati non solo come una cosiddetta "scala", ma anche come, usando il modello della tastiera come guida, si possa partire da qualsiasi nota per trasporre diatonicamente piccoli motivi, intervalli o accordi specifici della scala, ad esempio. Di conseguenza, le scale sono sempre più viste come un "serbatoio di toni" che inizia da qualche parte e finisce da qualche parte, come avviene naturalmente quando si improvvisa.

Anche con www.silvestrimusic.ch sono stati pubblicati Melodie jazzistiche per pianoforte soloin versioni per principianti e avanzati. Si tratta di raccolte di brani pianistici "jazzistici", molti dei quali con una sezione di improvvisazione. Il libretto della fascia di difficoltà intermedia (Intermediate Vol.1), ad esempio, oltre ai brani offre numerosi suggerimenti su scale e pattern. L'autore mostra anche come creare uno schizzo di improvvisazione con passaggi annotati e liberi. I singoli brani possono essere ascoltati come campioni audio utilizzando un codice QR.

Thomas Silvestri: Piano-Vamps for Improvising Vol. 1, Blues, Funk, Jazz, Valse, Tango, Pop, Bossa, Classic, Choro, Flamenco ... e altro; libretto Fr. 20.00; PDF Fr. 10.00; autoprodotto da Thomas Silvestri, www.silvestrimusic.ch

I chitarristi Raoul Morat e Christian Fergo hanno studiato con Frank Bungarten all'Università di Scienze Applicate e Arti di Lucerna, dove hanno anche unito le forze per formare un duo di chitarre. La formazione in duo può aprire allo strumento molta più letteratura pianistica rispetto alla chitarra solista, per una ragione ovvia: poiché il chitarrista solista ha solo una mano per produrre il suono - deve accorciare le corde con l'altra - gli manca la ricchezza armonica e contrappuntistica della letteratura pianistica a due mani. Tuttavia, due chitarre assicurano una riproduzione senza perdite della scrittura pianistica. I due si sono già cimentati con le opere di Schubert nel 2016, quando hanno eseguito una Viaggio d'inverno-ciclo sono stati realizzati. Quindi ora Impromptus, Moments musicaux e Valses sentimentales, che sarà piaciuto a molti chitarristi. Uno dei Momenti musicali era già stato arrangiato dall'importante chitarrista Francisco Tarrega nel XIX secolo. Ora Morat e Fergo presentano un'intera raccolta di questi brani di carattere, probabilmente non del tutto casualmente su un'etichetta austriaca chiamata Challenge Records.

All'inizio si è un po' spaventati: il primo Improvvisazione dall'Op. 90 di Schubert inizia nell'originale con una quadrupla ottava di sol in fortissimo. Questo suona piuttosto patetico su due chitarre. Tuttavia, più il duo chitarristico Morat-Fergo si fa strada nel testo musicale, più si viene coinvolti nel vortice della musica e si rimane sempre più affascinati. Le chitarre hanno a disposizione un'infinità di tecniche sonore, armonici, vibrati, pizzicati, suoni di diverse posizioni delle dita che pizzicano e così via. Il duo di Lucerna le utilizza con sapienza ed estremo gusto per rendere la musica di Schubert cangiante in tutti i suoi colori. Il risultato è un suono filigranato e trasparente che fa apparire i brani selezionati delicati, ma anche moderni.

Il duo amplia così in modo estremamente convincente il repertorio dello strumento, davvero poco ricco di opere di alta qualità del periodo tardo classico e del primo romanticismo. Si sforzano di fornire ulteriori radici storiche registrando i brani su copie di chitarre dell'epoca di Schubert. Tuttavia, questo non garantisce che i brani siano contemporanei, anche se il suono degli strumenti storici può indicare l'epoca in cui sono stati scritti gli originali. Tuttavia, si può ipotizzare che queste opere per pianoforte avrebbero suonato in modo strano se fossero state suonate su chitarre dell'epoca. Il fascino degli arrangiamenti risiede nei principi interpretativi e creativi generali piuttosto che nel tentativo di fare musica storicamente informata. Il risultato è convincente perché illumina la musica in modo intelligente e senza tempo. I due hanno registrato il CD in una sala da concerto dell'Abbazia di Marienmüster, finanziato in parte dal crowdfunding.

La produttività del violinista Sebastian Bohren è quasi inarrestabile. Per sua stessa ammissione, si sforza di interpretare un brano in modo tale che idealmente "suoni come è". Nel caso del brano di Dmitri Shostakovich Sonata op. 134 (1968) amplia anche il quadro di riferimento.

Originariamente impostato per violino e pianoforte e scritto per il violinista Igor Oistrakh, la parte pianistica è stata successivamente trasferita a una grande orchestra d'archi e percussioni. Un trucco legittimo. Soprattutto, però, si tratta di un'impresa alla quale Sebastian Bohren e la Camerata Zürich, sotto la direzione di Igor Karsko, si sono dedicati con deliziosa giocosità in occasione di un concerto nella Stadtkirche di Brugg. La registrazione dal vivo ora disponibile per Sony Classical ne è la testimonianza.

L'Opera 134 di Shostakovich è sia uno psicogramma che un documento tonale dei tempi. Nel 1968, anche il compositore viveva in un clima di paura e oppressione ed era anche sotto l'influenza della violenta repressione della Primavera di Praga. Eseguito in una rada sequenza dodecafonica, il primo movimento non offre più alcun rifugio emotivo a causa della mancanza di una chiave di base. Il secondo movimento, veloce, scatena una danza spettrale di morte. Il movimento finale sembra una conclusione ridotta, con variazioni idiosincratiche su una passacaglia stoica e prestiti barocchi abilmente adattati.

Gli interpreti di questa nuova registrazione sono accomunati da un desiderio udibile di chiarezza oggettiva: l'esecuzione di Sebastian Boren si erge in ogni momento come una stella fissa splendente al centro degli eventi sonori brillantemente catturati. Il suo timbro irradia con forza una calma interiore e testimonia una profonda concentrazione spirituale. Spesso freddo e privo di vibrato, condensa un gesto laconico nelle parti solistiche esposte, ma rivendica anche una sovranità incrollabile negli slanci virtuosistici più accesi. La Camerata Zürich, con il suo interplay preciso e sensuale al tempo stesso, crea il miglior ambiente sonoro possibile per il lodevole tentativo di immergere l'emozionante opera tarda di Shostakovich in una luce interpretativa "ringiovanita".

Il secondo album dei Kaos Protokoll, dal titolo scioglilingua, si intitola Questclamazione è stato solo tre anni fa, ma da allora molte cose sono cambiate nella band: Mark Stucki è stato sostituito al sassofono da Simon Spiess e anche il tastierista Luzius Schuler si è unito alla band. Di conseguenza, il trio si è trasformato in un quartetto. Secondo la stampa, il nuovo album, Tutti da nessuna parte, tra "post-future beats" e "modern spiritual jazz". I cambi di formazione non hanno stravolto completamente il suono dei Kaos Protokoll, ma hanno lasciato un segno udibile: La musica sembra più meditativa e sferica. Il primo brano ne è già un segno, Telaio flash, che combina ritmi muscolari con suoni prolungati del clarinetto basso e frenetici suoni di tastiera - e sembra tanto fresco quanto audace.

I Kaos Protokoll mostrano ripetutamente la loro preferenza per la musica elettronica. Questo conferisce alle canzoni scritte dal bassista Benedikt Wieland una certa freddezza. Tuttavia, è anche costantemente spezzata da momenti di malinconia. La formazione apprezza particolarmente la gestione dei contrasti: Mentre Sala d'attesa oscilla tra una tranquilla malinconia ed elementi di rumore, si fa strada Il cosmo nel mio cortile a volte free jazz, a volte art rock elegiaco. Poiché i quattro musicisti sono in grado di contrapporre quasi incessantemente paesaggi sonori astratti a melodie delicate, il disco acquista nitidezza e tensione. Nelle otto nuove canzoni, i Kaos Protokoll danno costantemente libero sfogo alle loro idee. Questo è selvaggio e curioso, ma non del tutto coerente. L'esperimento di concludere l'album con una sorta di rap chiamato SoleRaColtraneSolare è una decisione audace, ma l'unico numero non strumentale si rivela un affascinante corpo estraneo.