I cori che desiderano partecipare studiano l'opera di Jansson Maria IV (Bärenreiter BA 7412), fare un video, caricarlo su YouTube e inviare il link a wettbewerb@baerenreiter.com La data di chiusura delle iscrizioni è il 31 ottobre 2018 e una giuria internazionale di esperti coreografi esaminerà le opere e selezionerà i vincitori. Saranno assegnati tre premi:

1° premio: una composizione di Mårten Jansson su misura per il coro vincitore con la possibilità di una prima mondiale, più un buono musicale di 500 euro
2° premio: buono musicale di 300 euro
3° premio: buono musicale di 200 euro

Mårten Jansson (*1965) si è fatto un nome nella musica corale sacra. Per oltre dieci anni è stato direttore del Carmen, uno dei più noti ensemble vocali femminili svedesi. L'ispirazione per le sue prime composizioni per coro femminile è venuta dal lavoro con questo coro: "Sapere che quello che avevo scritto durante la notte sarebbe stato provato il giorno dopo era una forte motivazione per me. Altri compositori sarebbero felici di avere una simile opportunità".

Maria IV (Här är din himmel) per coro misto (SATB) è stato commissionato dalla famiglia reale svedese per la festa dell'Annunciazione della Vergine Maria. Il testo è del poeta svedese Einar Askestad (prima esecuzione il 17 marzo 2013). La musica descrive il dolore di Maria come madre di un bambino che non appartiene a lei, ma a tutta l'umanità.

Secondo Suisseculture, l'approvazione dell'iniziativa non solo significherebbe la fine dell'esistenza di tutti i media della SSR, ma anche la fine di numerose emittenti private locali che forniscono e arricchiscono la vita culturale regionale grazie al canone. Questo taglio netto significherebbe "un attacco diretto alle fondamenta della nostra società democratica e pluralista".

Secondo Suisseculture, la radio e la televisione rappresentano un importante forum per la creazione culturale e sono "una fonte di reddito vitale per i professionisti della cultura e gli artisti di tutti i settori e di tutte le regioni linguistiche della Svizzera". L'arte e la cultura dipendono da media indipendenti e senza scopo di lucro con un'ampia offerta, come quella dei media della SSR.

Esistono diversi tipi di resistenza: feroce, esistenziale, ma a volte anche piacevole. L'una aiuta a sopportare l'altra. Jacques Wildberger (1922-2006) conosceva entrambe le cose; la vita gliele aveva probabilmente insegnate. Da un lato c'era il suo impegno politico: era comunista e membro del PdA dal 1944, anche se lasciò il partito tre anni dopo per protestare contro i crimini staliniani. Naturalmente, questo non era un motivo per revocare il suo impegno, anzi. Insieme a Klaus Huber, di due anni più giovane, il lungimirante Wildberger era la coscienza politica di questa generazione di compositori. "Comporre contro tutto questo era ed è la mia agita movens", scrisse.

Tuttavia, aveva anche un lato malizioso, ad esempio quando lui, l'avanguardista, disse in una conversazione che gli piaceva il 2° Concerto di Rachmaninov e che Lehár lo aveva orchestrato meravigliosamente. In generale, gli piaceva il kitsch se era ben fatto. La cosa deve aver colto di sorpresa alcune persone. Con una certa civetteria, disse anche che non aveva donato il suo patrimonio alla Fondazione Paul Sacher, come molti suoi colleghi di Basilea, ma alla Biblioteca Universitaria di Basilea.

Il rapporto con Sacher era ambivalente. Anche se in seguito Sacher firmò il certificato con cui l'Associazione Svizzera dei Musicisti assegnò a Wildberger il Premio per la composizione, nel 1954 doveva essere piuttosto irritato con Wildberger. Tre Mutazioni Il mecenate rimandò la partitura "con i miei migliori ringraziamenti", notando gli "interessanti esperimenti sonori e ritmici" in essa contenuti, ma trovò il pezzo "né intellettualmente ingegnoso né emotivamente sensibile, ma intellettualmente calcolato", in breve: "espediente artistico". Infine, chiede a Wildberger "con i più cordiali saluti" di "considerare questo giudizio senza mezzi termini come una prova della mia fiducia e del mio atteggiamento amichevole".

Tali connessioni sono ora evidenti in una mostra attualmente in corso presso la Biblioteca Universitaria di Basilea. Si chiama L'orecchio sinistroè stata curata da Michael Kunkel, capo del Dipartimento di Ricerca della Scuola di Musica della FHNW, ed è stata realizzata in collaborazione con l'Università di Basilea e la Società Svizzera di Ricerca Musicale. Kunkel ha dichiarato al vernissage che l'intenzione non era quella di erigere un semplice monumento a Wildberger. Preferisce mostrarlo nelle sue molteplici e talvolta contraddittorie sfaccettature, in dodici stazioni - con numerose partiture, foto, documenti audio e video. La scatola di dolci con documenti trovata in soffitta, anch'essa inclusa nella mostra, è un regalo speciale. La mostra sarà accompagnata da diversi eventi di supporto, in particolare un simposio all'inizio di marzo 2018.

Come si può vedere qui, Jacques Wildberger è stato una personalità colorata. Vale la pena investire un po' di tempo nello studio dei documenti e nell'ascolto dei campioni sonori. Anche chi ha familiarità con Wildberger può rimanere sorpreso da alcuni brani, come ad esempio il Kampflied, che ricorda Eisler. Vogliamo marciare insiemeche ha composto per il cabaret operaio di Basilea "Scheinwerfer", o le sue esibizioni come direttore d'orchestra dell'orchestra "Scheinwerfer". Baroni zingarima anche le musiche per il film sul servizio militare Uno di tutti dall'anno 1958.

Il suo percorso non è stato facile perché ha cercato l'opposizione. Questo deve essere uno dei motivi per cui studiò la tecnica dodecafonica con il compositore russo in esilio Vladimir Vogel. La scena musicale svizzera dell'epoca era dominata dal neoclassicismo. Figure come gli studenti di Schönberg Alfred Keller ed Erich Schmid erano degli outsider. Personalità eccezionali come Rolf Liebermann, Hermann Meier e Wildberger cercarono un contatto con la dodecafonia attraverso Vogel. Tuttavia, egli non divenne un dodecafonista; Wildberger lo affrontò in modo idiosincratico. Eppure era in bilico tra i tempi: In Svizzera era considerato un avanguardista, in Germania doveva rendersi conto di non essere considerato abbastanza avanzato. Non era assolutamente moderno: "Non mi sento un servo da museo di un passato indiscutibile, ma cerco di mantenere viva la tradizione andando avanti e facendo ricerca nel nostro eccitante presente. Mi piace anche essere tradizionale, in quanto onoro il mestiere del 'comporre'". Ed è per questo che è stato così libero di dedicare alcuni dei suoi più importanti programmi radiofonici e pubblicazioni alla musica di Dmitri Shostakovich.

Questo tipo di individualità deve affermarsi per prima, anche se si proviene dalla buona borghesia umanistica di Basilea. Il fatto che Sacher non gli abbia mai affidato una commissione non ha impedito a Wildberger di diventare una personalità riconosciuta, non solo nella vita musicale di Basilea, e di insegnare all'Accademia di musica. La sua posizione rimase decisamente di sinistra.

Chi sta scrivendo? Il suono della matita sulla carta! Ah, la letterarietà - o le lettere! Forse anche microgrammi nascosti. Non è la prima volta nel teatro musicale. Quale collega ha promesso una volta di scrivere un saggio sulla scrittura delle lettere nell'opera? Perché questo è un momento delicato nella drammaturgia del tempo: o avviene in modo irrealisticamente rapido o blocca il flusso del tempo. Non in questo caso, ovviamente, perché la scrittura diventa l'elemento portante del tutto. Non è il poeta che, come vediamo, si è sistemato su una panchina con il suo taccuino. È una donna che sentiamo scrivere, assente per il poeta, presente per noi in forma trina. Ella lo prega da lontano e gli scrive questa lettera, che Lettera di uno sconosciutocome si intitola la novella di Stefan Zweig.

Claus Spahn, drammaturgo capo dell'Opera di Zurigo, ha condensato questo testo in un libretto breve e quasi laconico; Xavier Dayer, originario di Ginevra e ora insegnante di composizione all'Università delle Arti di Berna, ha composto la musica - in parallelo con una seconda opera da camera che tratta il tema della memoria e dell'oblio in modo completamente diverso: Alzheim è stata presentata in anteprima nello stesso fine settimana dal Konzert Theater Bern. Si tratta delle opere da camera n. 6 e 7 dell'opera di Dayer. Sebbene possa certamente immaginare di scrivere qualcosa per il grande palcoscenico un giorno, afferma nel MAG del teatro dell'opera, sono i mondi interiori e sottili che lo interessano. "Voglio dare uno sguardo alla vita interiore dei personaggi".

Qui ci riesce in modo impressionante: L'adorato poeta (Cody Quattlebaum) è in realtà solo un catalizzatore e acquista poco carattere. La figura della "Sconosciuta", invece, è così ricca e variegata che viene divisa tra tre cantanti (Soyoung Lee, Haminda Kristoffersen, Kismara Pessatti); sono così diverse nella voce e nell'aspetto che possono rappresentare le tre età della ragazza, della giovane donna e della madre pronta a morire. La donna sconosciuta ha conosciuto il poeta a tredici anni, ha poi avuto con lui una notte e quindi un figlio, di cui lui non ha mai saputo nulla, e infine morirà dopo la morte del figlio. Ma scrive comunque questa lettera in cui racconta tutto al poeta.
 

Rumori di matita all'inizio, delicati suoni di pianoforte e percussioni. "A te, che non mi hai mai conosciuto" esordisce la terza voce femminile. Le altre si uniscono; il respiro diventa chiaro. Solo con la frase "In mir wuchs der Traum von Dir" una voce si stacca - e il suono d'insieme, questa musica lontana, inizia a sbocciare. La triplice sconosciuta si muove tra la parola e il canto. Segue i suoi sogni, i suoi incontri, e non sappiamo mai con certezza se sta solo desiderando e fantasticando su tutto o se sta vivendo qualcosa. Questo aspetto rimane secondario, perché il film è incentrato sulla vita interiore di questa donna. Dayer sviluppa invece un linguaggio tonale incredibilmente sottile, preciso nel sestetto strumentale (l'Ensemble Opera Nova diretto da Michael Richter nella strumentazione di Pierrot più le percussioni che da tempo è diventata standard), molto cantabile nel canto (sì, Dayer sa scrivere per le voci), melodioso ed espressivo, a volte in una polifonia madrigalesca. Questo ci aiuta a immergerci nella persona. I testi sono così sintetici che quasi solo accennano. Dayer li espande ancora attraverso ripetizioni e variazioni, a spirale e, nei momenti migliori, geniali. L'ignoto va alla deriva nel suo intimo, per così dire. Anche la scenografia di Barbara Pfyffer mostra una sorta di montagne russe su cui turbinano le emozioni. Nina Russi ha messo in scena l'opera in modo molto discreto e poco spettacolare.

Ecco come Il sogno di te attraverso i quasi settanta minuti, in modo piuttosto intenso, anche se alla fine non decolla abbastanza verso l'onirico o scende nei suoi abissi. Nel momento in cui il ghiaccio secco si riversa sul palcoscenico dello studio e tutto potrebbe diventare ancora più irreale, il testo e la voce rimangono bloccati sulle accuse contro l'amante lontano. A questo punto, anche la drammaturgia emotiva dell'opera si arresta, non va oltre. Il balbettio "Io, io, io" alla fine, l'insistenza su un tono ripetuto sono più affermazioni di una rottura psicologica che non ci porterebbero un altro livello più in profondità. Naturalmente, chi vuole può anche interpretarlo come la disperazione di una persona persa in se stessa...

PS: Prima mondiale di Il sogno di te è stata il 2 dicembre sul palcoscenico dell'Opera di Zurigo. Ci sono state solo quattro rappresentazioni in totale fino al 9 dicembre. L'Opera di Zurigo ha commissionato altre opere da camera per l'ensemble Opera Nova.
 

Il violoncellista Kian Soltani proviene da una famiglia di musicisti persiani. È nato a Bregenz, in Austria, nel 1992 e ha iniziato i suoi studi di violoncello all'età di dodici anni con Ivan Monighetti presso l'Accademia musicale di Basilea. Ha partecipato a masterclass con Sol Gabetta e Jens Peter Maintz, tra gli altri, e ha completato i suoi studi come "Giovane solista" con Frans Helmerson all'Accademia di Kronberg.

Nel 2015 e nel 2017, Kian Soltani si è esibito come violoncellista solista con la West-Eastern Divan Orchestra sotto la direzione di Daniel Barenboim al Festival di Lucerna. Il premio prevede un concerto con l'Orchestra Filarmonica di Vienna nell'ambito del festival estivo. Questo avrà luogo l'8 settembre 2018 sotto la direzione di Franz Welser-Möst nella sala concerti del KKL di Lucerna.

Il Credit Suisse Young Artist Award è un'iniziativa del Lucerne Festival, dell'Orchestra Filarmonica di Vienna, della Gesellschaft für Musikfreunde Wien e della Credit Suisse Foundation. Giovani personalità musicali di spicco ricevono il premio per risultati eccezionali. I vincitori ricevono un finanziamento e l'opportunità di esibirsi al Festival di Lucerna. Il premio viene assegnato ogni due anni (in alternanza con il Prix Credit Suisse Jeunes Solistes per la promozione di giovani musicisti di grande talento in Svizzera).

Ogni mercoledì sera, l'auditorium del Moods jazz club di Zurigo scompare dietro una tenda nera. Davanti ad essa viene steso un tappeto su cui sono disposti gli strumenti che, come un filo rosso, attraversano il programma: Pianoforte (occasionalmente chitarra), contrabbasso e batteria. L'atmosfera di una stanza è il prerequisito più importante per una jam session ben temperata. E qui, supportata da un bar ben fornito, è senza dubbio giusta. La sala è abbastanza intima da dare la sensazione di essere tra amici. Ma è anche abbastanza grande per un pubblico i cui applausi non sembrano quelli di un pollo spennato: "Quando abbiamo 150 persone, siamo pieni", dice Dave Feusi, cofondatore e presidente di JazzBaragge: "E lo siamo stati anche la scorsa settimana".

La sessione live organizzata dall'associazione JazzBaragge è di casa al Moods dal febbraio 2016. Ora si sentono abbastanza a loro agio da presentarsi al mondo. Grazie a un'elegante nuova homepage, il Il viaggio a JazzBaragge dura solo il tempo di un clic del mouse. L'ingresso è gratuito. Ogni sessione viene trasmessa in diretta streaming per intero e alcune parti vengono archiviate. Non c'è da temere che gli appassionati di jazz preferiscano starsene a casa a guardare la serata sul proprio computer. Grazie alla qualità dell'immagine e del suono di prima classe, si ha l'impressione che qui stiano accadendo molte cose buone. Ma si ha anche l'impressione che questo bene sarebbe molto meglio se si fosse presenti in prima persona. "È come ricevere dischi di musica sperimentale", dice il membro del consiglio di amministrazione Nicole Johänntgen: "È un teaser. Sai che devi essere lì dal vivo per sperimentare davvero la musica".
 

Dopo una falsa partenza nel 1999, Dave Feusi e Peewee Windmüller si sono imbattuti nella Chäsbaragge di Brunau. Qui la fonduta veniva servita dal giovedì alla domenica, mentre il negozio era vuoto per il resto della settimana. Il luogo era ideale per i piani idealistici dei due iniziatori, che nel gennaio 2001 fondarono il "JazzBaragge". All'inizio programmarono gruppi musicali il lunedì e il martedì e invitarono i musicisti a jam session il mercoledì. Le band non decollarono. Così la jam è rimasta. È durata poco meno di un anno nella campana fumante di formaggio. Poi anche qui i soldi finirono.

Alla ricerca di nuove sinergie, è entrata in scena la Scuola di Jazz di Zurigo. La scuola gestiva un proprio club in Waldmannstrasse 12 e qui si insediò anche JazzBaragge. Il legame durò quattordici anni, fino a quando la scuola di jazz si trasferì all'Università delle Arti di Zurigo (ZHdK) nel Toni-Areal. Il tentativo di trasferire il JazzBaragge nel nuovo club musicale Mehrspur dello ZHdK fallì: "Il nuovo club sembrava già grande e freddo nei progetti", dice Feusi. "Non si può fare una jam davanti a 500 persone". È stato allora che è arrivato il gradito invito di Moods. "Per noi era molto importante che nessuno fosse interessato a fare soldi", dice Feusi. "Si tratta di riunire i musicisti e dare ai giovani l'opportunità di creare contatti e imparare il loro mestiere".
 

Il periodo di ristrutturazione del Moods è stato ideale per l'ambientamento del JazzBaragge. C'era uno spirito di ottimismo in tutto il mondo ed era giusto che il mercoledì sera si abituasse prima al nuovo ambiente. Grazie alle nuove possibilità audiovisive del Moods, si sono aperte prospettive completamente nuove. Tuttavia, non è la prima volta che le jam session vengono trasmesse in diretta streaming. Dieci anni prima, il Digital Broadcast Channel (DBC-TV), lanciato in Francia e proseguito a Engelberg, aveva già installato delle telecamere nel JazzBaragge. E poiché il fondatore dell'azienda era un grande appassionato del mondo di gioco alternativo Second Life, la sessione aveva persino la sua sede digitale permanente lì. Naturalmente, la qualità dell'immagine e del suono al Moods è oggi molto migliore. "Dovevamo prima fare delle prove", dice Feusi. "Ci siamo presto resi conto che c'erano troppi microfoni e telecamere in giro. Disturbavano il pubblico e distraevano i musicisti. Ora ci sono solo due overhead, più la testa Sennheiser e i microfoni per il basso e il pianoforte, a volte per la chitarra. Funziona bene. Dà un suono autentico. Si sente tutto, ma non è una registrazione in studio". Il suono di JazzBaragge sta girando di nuovo il mondo. Per il momento, tuttavia, gli obiettivi non sono ancora così ambiziosi. "Ci concentriamo ancora sulla Svizzera", spiega Johänntgen. "Il nostro obiettivo è promuovere lo scambio tra i musicisti e magari incoraggiarli a organizzare sessioni simili. Questo è già un lavoro sufficiente. Ma a volte si presentano anche musicisti tedeschi, francesi e di altri Paesi. La scorsa settimana ce n'era uno da Palermo che aveva già sentito parlare di noi".

La tecnologia è nuovissima, il concetto è rimasto invariato da sedici anni. Un trio di base suona un set che dura dai 30 ai 45 minuti. Poi si apre la sessione. Tutti possono partecipare. "Ognuno deve riconoscere da solo ciò che è in grado di fare", dice Feusi. Per mantenere la dinamica fresca, il trio di base, che viene messo insieme appositamente per questo evento, viene cambiato ogni quindici giorni: "Niente deve diventare un'abitudine", spiega Feusi, "altrimenti la sessione è morta".
 

Il Consiglio musicale tedesco è soddisfatto della decisione. Questa soluzione garantisce che "l'eccellente programma BR-Klassik possa essere ricevuto in forma analogica e digitale da tutte le fasce della popolazione".

Il contesto in cui è stata presa la decisione è notevolmente cambiato rispetto al 2014: Bayern 3 è il leader di mercato tra i 20-29enni in Baviera: quando nel 2014 è stata presa la decisione di trasmettere Puls in FM invece di BR-Klassik in futuro, c'era il rischio di un divario generazionale nella gamma di programmi di BR.

Oggi, invece, Bayern 3 è riuscita a diventare leader di mercato nel gruppo target dei 20-29enni in Baviera, grazie al coerente riorientamento delle stazioni Bayern 1 e Bayern 3, avviato nel 2015, che ha reso Bayern 3 molto più giovane in termini di orientamento musicale e di appeal.

Ciò significa che il settore FM sarà mantenuto per il pubblico della musica classica, una parte significativa del quale deve ancora passare alla radio digitale.

Nata nel 1978, Isa Wiss si è laureata all'Università di Scienze Applicate e Arti di Lucerna nel 2005 con un Master in Educazione Musicale. Da qualche anno, la sua attenzione creativa si concentra sempre più su progetti teatrali e musical-letterari.

Isa Wiss è cofondatrice di Mullbau, lo spazio per la musica improvvisata. Ha lavorato come curatrice presso il migma performance days di Lucerna fino al 2017. Svolge anche attività didattica con progetti specifici per bambini. Il Premio Lucerna Jazz 2017 le sarà consegnato lunedì 18 dicembre al Jazzkantine di Lucerna.

Il Premio Lucerna Jazz viene assegnato ogni due o tre anni a un progetto innovativo e creativo, a un'organizzazione, a un'etichetta, a un gruppo o a un singolo musicista che abbia un legame con la regione di Lucerna. I precedenti vincitori sono stati il Willisau Jazz Festival (2012) e la Fischermanns Orchestra (2014).
 

La "Sala Salquin" nel nuovo edificio del Dipartimento di Musica dell'Università di Scienze Applicate e Arti di Lucerna promette di stabilire nuovi standard nella scena culturale della Svizzera centrale in termini di acustica e di esperienza sonora. La sala, intitolata a Hedy Salquin di Kriens, la prima donna svizzera direttrice d'orchestra, pianista, musicista da camera e compositrice, può ospitare circa 300 persone. Il pubblico, gli organizzatori di concerti e i professionisti della cultura di tutta la regione potranno godere di piccole produzioni musicali di tutti i generi. "Per realizzare questa visione, tuttavia, l'Università di Scienze Applicate e Arti di Lucerna dipende da partner e sponsor privati per finanziare il design degli interni", afferma Michael Kaufmann, direttore del Dipartimento di Musica. L'obiettivo è quello di garantire circa il dieci per cento dei finanziamenti per l'allestimento degli interni attraverso la sponsorizzazione di sedie. Il resto sarà coperto da donazioni di mecenati, fondazioni e privati.

Con il lancio del Campagna di "sponsorizzazione della sedia privati e aziende hanno la possibilità di "acquistare" una o più sedie della Chamber Music Hall e di personalizzarle con un'iscrizione individuale sotto forma di targa. "Ma non si tratta solo di una buona causa. I nostri sponsor di sedie creano anche un ricordo duraturo e ricevono in cambio interessanti vantaggi", spiega Michael Kaufmann. La sponsorizzazione è disponibile in tre categorie, per 300 franchi, 750 franchi e 1000 franchi. A seconda della categoria scelta, gli sponsor ricevono in cambio vantaggi speciali, come biglietti gratuiti per i concerti o un invito alla cerimonia di inaugurazione del 2020.

Trasferirsi nell'estate 2020
In Kriens, il nuovo edificio del Dipartimento di Musica dell'Università di Scienze Applicate e Arti di Lucerna. Il trasloco, inizialmente previsto per il 2019, è stato posticipato all'estate 2020 per motivi tecnici. Il ritardo è dovuto a misure di costruzione impreviste e al clima freddo e umido di inizio anno. L'aver fissato la data di messa in funzione per l'anno accademico 2020/21 garantisce la minimizzazione dei rischi legati ai tempi e ai costi e la qualità della costruzione.

Nel 2014 il compositore, nato a Sciaffusa, in Svizzera, nel 1954 e da tempo residente in Austria, è stato insignito del Gran Premio di Stato austriaco, requisito indispensabile per entrare a far parte del Kunstsenat, secondo quanto dichiarato da Bärenreiter Verlag.

Il compito del Senato austriaco dell'arte, fondato nel 1954, è quello di rappresentare le preoccupazioni dell'arte in pubblico e di consigliare le autorità pubbliche su importanti questioni relative all'arte. Beat Furrer succede alla scrittrice Ilse Aichinger, scomparsa nel novembre 2016.
 

Bertolt Brecht (189-1956) è uno dei più importanti poeti e teatranti tedeschi del XX secolo. Ha vissuto a Zurigo dal 1947 al 1949 e cinque delle sue opere sono state rappresentate in Svizzera. Madre Coraggio e i suoi figli (1941), Il buon uomo di Szechwan (1943), Galileo Galilei (versione danese, 1943), Il signor Puntila e il suo servitore Matti (1948) presso lo Schauspielhaus di Zurigo e il Antigone di Sofocle (1948) a Coira. Nell'allora teatro comunale Rätushof di Coira, sotto la leggendaria direzione teatrale di Hans Curjel, Brecht diresse la rappresentazione del suo Antigone lui stesso come direttore. Le prove iniziarono all'inizio di gennaio del 1948. La prima mondiale dell'opera ebbe luogo il 15 febbraio 1948, con una grande presenza dei media e un grande entusiasmo intorno alla vivace star mondiale della letteratura.

La poltrona da regista originale di Brecht a Coira è ora disponibile fino alla fine dell'anno presso la Cultura Hotel Ambassador à l'Opera da vedere. E durante questo periodo, al bar dell'hotel viene servito il piatto preferito di Bertolt Brecht: il pane all'erba cipollina!
 

Comporre è tanto emozionante quanto impegnativo: il percorso che porta da un'idea informe all'esecuzione di una composizione davanti a un pubblico è complesso. Il compositore deve affrontare da solo le proprie visioni. Tuttavia, quando si tratta di realizzare la musica con i direttori, l'esperienza pratica con le orchestre è fondamentale. Questo solleva molte domande: quali opzioni di notazione esistono, quali sono i loro vantaggi e svantaggi, come si possono evitare i malintesi? Quali resistenze, difficoltà pratiche, ma anche nuove prospettive emergono? Come può una composizione essere proiettata in modo ottimale dal punto di vista acustico nella sala da concerto? Quanto è versatile e potente il mezzo "orchestra di fiati"?

L'Università delle Arti di Berna (BUA) ha affrontato tali questioni con la settimana di studio Composizione e direzione per orchestra di fiati (dal 14 al 18 novembre 2017). La masterclass focalizzata (responsabile del progetto Rolf Schumacher) ha anche riunito compositori e studenti di master nel campo della direzione d'orchestra di fiati.

I compositori hanno iniziato a lavorare sui nuovi brani prima della settimana di studio, così come lo scambio con il docente di composizione, Oliver Waespi. La gamma stilistica e la qualità delle composizioni risultanti hanno superato le aspettative: sono state evidenti le influenze del jazz, della musica da film, della musica classica e tradizionale per fiati e della musica contemporanea. Ci si aspettava quindi una settimana di studio molto stimolante.

Si è iniziato con una presentazione di input, in particolare sulla struttura e l'estetica dell'orchestra sinfonica di fiati, e con un'intensa attività di insegnamento individuale. Diversi partecipanti hanno continuato a lavorare sulle loro bozze di composizione per molto tempo. In alcuni casi, i nuovi schizzi sono stati presentati agli istruttori fino alle 3 del mattino.

Successivamente, le bozze dovevano essere portate in una forma pronta per l'esecuzione e dovevano essere prodotti spartiti utilizzabili. Inoltre, i compositori hanno incontrato per la prima volta gli studenti che avrebbero eseguito le loro opere. Ne è scaturito un prezioso scambio. È seguita la prima giornata di prove con l'orchestra sinfonica di fiati della Swiss Army Band. Per prima cosa sono state provate le due opere per ensemble da camera: Michel Byland ha interpretato una fiaba dei fratelli Grimm nel suo pezzo "The Enraged Elves", mentre Pascal Gendre ha esplorato alcune estetiche della musica da camera per strumenti a fiato del XX secolo nella sua "Suite No. 1", sviluppando una tavolozza espressiva ricca e personale.

Sei brani per orchestra sinfonica di fiati sono stati quindi posizionati sui leggii, alcuni dei quali letteralmente solo una o due ore prima della prova. "On the Pulse of Time" di Michael Künstle conteneva forme di pulsazione, linee melodiche e timbri tipici della moderna musica da film, mentre "Invenzione alla Minuetto" di Tobias Fasshauer sottoponeva un minuetto a un'interpretazione contemporanea, decostruendolo e riassemblandolo allo stesso tempo con la sua firma personale. Anton Vinogradov ha dichiarato che il suo brano "Music op. 16a" è un omaggio ad Alfred Schnittke e ha fatto seguire ai gesti finemente disegnati e aleatoriamente annotati dei fiati - che evocavano l'immagine di un dialogo immaginario e misterioso - una straziante processione per tutta l'orchestra. "Genealogy" di Timmy Schenk, invece, segue una tradizione spettralista in cui il materiale armonico è derivato dalle componenti di overtone di alcuni suoni fondamentali; in questo caso, l'orchestra ha dovuto sviluppare un equilibrio sonoro il più possibile controllato. Il brano timbrico "Translucency" di David Carillo si è basato sulla tensione tra luce e ombra, basata sul filtraggio a cui la luce è sottoposta quando brilla attraverso materiali traslucidi. Infine, in "Ode to the Tractor", Loris Knüsel ha ripreso una marcia per così dire sbagliata e l'ha riproposta in modo originale e formalmente mirato.

Sulla base di questa esperienza, sono stati rivisti alcuni brani, seguiti da un'altra giornata di prove intensive, ora incentrate maggiormente sugli aspetti della metodologia di prova sotto la guida di Philippe Bach. Bach succederà a Ludwig Wicki come docente ospite della HKB a partire dalla primavera 2018. Le nuove opere sono state provate dagli studenti di direzione d'orchestra Loïc Bera, Jonas Danuser, Isabelle Gschwend e Stefan Popp e dirette al concerto finale. Tutti loro - così come l'ensemble dell'esercito - hanno dimostrato grande flessibilità e resistenza, dovendo rendere giustizia alle idee dei compositori, recepire gli input dei docenti e sviluppare allo stesso tempo un'interpretazione personale durante le complesse prove.

Tutti loro hanno padroneggiato brillantemente questo compito, come ha dimostrato il concerto finale della settimana di studio a Kriens. Qui si è potuta ascoltare ancora una volta la grande varietà di stili compositivi e direttivi. Alla fine, non tutte le opere prevarranno. Tuttavia, l'ulteriore sviluppo della storia della musica comporta sempre delle deviazioni. Chi, come il pubblico interessato del Südpol, ha ascoltato le prime con mente e orecchie aperte, ha tratto spunti estremamente interessanti.

Questo riafferma la posizione della BUA come polo di riferimento nel campo della musica contemporanea per fiati e come centro di formazione per aspiranti direttori d'orchestra nel campo della tensione tra tradizione, presente e futuro della musica per fiati. Ciò è sottolineato anche dalla creazione, lo scorso anno, di una nuova materia di base del Master, "Composition Harmony and Brass Band".

Dall'autunno 2018 è possibile presentare nuove domande per il Master in Composizione per Armonia e Brass Band nell'ambito delle specializzazioni in Composizione e Teoria della Bern University of the Arts. Questo programma, probabilmente unico in Europa, integra le specializzazioni di Master esistenti presso la BUA.
Il docente principale è il pluripremiato compositore svizzero Oliver Waespi, il cui obiettivo è inserire la composizione per ensemble di fiati in un contesto estetico più ampio.

Il programma del Master dura quattro semestri. Oltre alla materia principale, la pratica artistica, la teoria e la ricerca, sono importanti i seminari individuali e le lezioni nell'area elettiva, nonché la tesi finale del Master e il collegamento con il programma del Master per la direzione di musica per fiati (direttore: Rolf Schumacher).
La scadenza per la presentazione delle domande è il 15 marzo 2018 e il corso inizia a settembre 2018.

Contatto: Xavier Dayer, responsabile del Master of Arts in Composition & Theory
e-mail: xavier.dayer@hkb.bfh.ch
Telefono: +41 31 848 39 84
www.hkb.bfh.ch/de/studium/master/mact

La nuova Accademia orchestrale di Lubecca è stata inaugurata nell'autunno 2017. La sua particolarità è la collaborazione tra le due istituzioni, che supervisionano congiuntamente gli studenti, mentre altre accademie orchestrali sono solitamente affiliate solo all'orchestra professionale.

La combinazione con la formazione presso un'accademia musicale, sotto forma di un modello a tre stadi, è unica in Germania. I primi studenti dell'accademia si esibiscono da settembre nei concerti e nelle opere del teatro. L'obiettivo è quello di conciliare meglio formazione e carriera, che sta diventando sempre più intensa. Per ogni fase, gli studenti devono superare l'ostacolo di un'audizione.

Circa 40 giovani musicisti si sono presentati alla commissione di selezione e 20 di loro sono stati finora ammessi all'Orchestra Academy. Il progetto, in cui gli studenti ricevono un compenso forfettario per il loro impegno, è finanziato da entrambe le istituzioni con il sostegno della Fondazione Possehl di Lubecca.

Le orchestre possono scegliere tra i migliori studenti delle accademie musicali di fama internazionale. A seconda dello strumento, circa 60-100 giovani musicisti si candidano per un posto da orchestrale nell'Orchestra Filarmonica di Lubecca. Ci si aspetta un'eccellente padronanza dello strumento e una grande flessibilità musicale. I giovani musicisti devono integrare e sviluppare un repertorio completo per l'inizio della loro carriera.
 

Membri della nuova Accademia dell'Orchestra di Lubecca (da sinistra a destra): Caroline Spengler (viola), Holger Roese (percussioni), Julia Puls (clarinetto), Caroline Lüer (violino). Foto: Christine Rudolf

D'ora in poi, tutti i mottetti, le messe, le passioni, gli oratori e le circa 200 cantate sacre del cantore di San Tommaso saranno disponibili in spartiti per coro e orchestra che riflettono lo stato più recente della ricerca. Nel campo della musica vocale sacra, molte opere sono state pubblicate per l'ultima volta 50 o più anni fa, e nella maggior parte dei casi senza materiale esecutivo.

L'opera vocale sacra fa parte della Stuttgart Bach Edition. Carus ha attribuito grande importanza alla nuova edizione accademica della musica. Tuttavia, le edizioni hanno sempre in mente l'esecuzione. Per tutte le opere sono state presentate partiture, riduzioni per pianoforte, partiture corali e materiale orchestrale. Finora, direttori d'orchestra, cantanti e strumentisti hanno dovuto fare affidamento su materiale del XIX secolo, che non soddisfaceva le esigenze odierne di esecuzioni storicamente informate. Molte delle modifiche apportate al testo musicale sulla base delle ultime scoperte sono ben percepibili e sono state registrate su CD da interpreti bachiani di spicco, tra cui Frieder Bernius, Hans-Christoph Rademann e Masaaki Suzuki.

Nelle edizioni delle opere maggiori sono stati intrapresi nuovi percorsi editoriali e in alcuni casi sono state rese disponibili versioni che si discostano da quelle abituali. Laddove la situazione delle fonti lo consentiva, le ricostruzioni rendono ora possibile l'esecuzione di alcune opere, con le parti ricostruite chiaramente indicate nel testo musicale. Vengono anche offerte soluzioni per le differenze di intonazione tra i gruppi strumentali nelle prime cantate di Bach.

Le opere vocali sacre. Edizione completa in 23 volumi
A cura di Ulrich Leisinger e Uwe Wolf, in collaborazione con l'Archivio Bach di Lipsia.

- Formato 19 x 27 cm, riduzione per pianoforte, adatta anche per la direzione d'orchestra
- 12.500 pagine - 248 opere - 23 volumi - 3 cofanetti
- 629 € (invece di 769 €; prezzo di lancio valido fino al 30.6.2018)
- Disponibili separatamente: cantate e mottetti (2 cofanetti 31.501/00), messe, passioni e oratori (1 cofanetto 31.502/00)

Informazioni e ordini: www.carus-verlag.com

Secondo l'Ufficio federale della cultura (BAK), l'Unesco ha giudicato la candidatura esemplare. L'inclusione nella Lista rappresentativa aumenta la visibilità del patrimonio culturale immateriale nelle aree urbane e sottolinea il ruolo importante della lingua, in questo caso il dialetto di Basilea, nella comunicazione di questo patrimonio culturale.

Nel marzo 2016, il Carnevale di Basilea è stato presentato dal BAK all'UNESCO come seconda candidatura svizzera per la Lista rappresentativa del patrimonio culturale immateriale dell'umanità. Nella riunione del 7 dicembre 2017 sull'isola di Jeju (Corea del Sud), il dodicesimo Comitato intergovernativo per la salvaguardia del patrimonio culturale immateriale ha deciso di inserire il Carnevale di Basilea nella Lista rappresentativa.