Non capita tutti i giorni che un editore esamini criticamente la propria edizione e ammetta apertamente gli errori. Tre anni fa, quando Christoph Flamm ha pubblicato l'opera di Mussorgsky Immagini di una mostra in una nuova edizione, fece correggere alcune vecchie letture sulla base di un facsimile sovietico. Tuttavia, queste nuove varianti erano di difficile comprensione e i critici reagirono con scetticismo, soprattutto perché il facsimile era a malapena leggibile in alcuni punti (cfr. anche SMZ 3/2014, pagina 24).

Nella sua introduzione all'opera, Christoph Flamm ritratta queste nuove letture. Una mossa simpatica! E non è l'unica cosa da lodare: In quasi 180 pagine, il libretto fornisce quasi tutto ciò che vale la pena sapere sull'unico ciclo pianistico di Mussorgsky. In primo luogo, si parla di Viktor Hartmann, i cui dipinti in occasione di una mostra commemorativa sono stati la diretta ispirazione per l'opera. Non sempre è possibile attribuirli chiaramente ai soggetti di Mussorgsky. (Ad esempio, il ritratto di un contadino italiano è stato a lungo scambiato per il povero ebreo "Schmuyle"). Si tratta dell'influente critico d'arte Vladimir Stasov, al quale Mussorgsky dedicò la sua opera. E, naturalmente, della musica stessa.

Questo porta a interessanti confronti incrociati con altre composizioni russe dell'epoca. Viene discussa anche l'ambiguità linguistica di alcune voci (ad esempio Bydło) e sono stati rintracciati anche vecchi segni di metronomo. Questi sembrano provenire da Stassow e sono almeno in parte sorprendenti (120 per i quartieri di Baba-Jaga?). Inoltre, ci sono riferimenti alla ricezione e quindi naturalmente anche alle numerose trascrizioni, di cui la versione orchestrale di Ravel rimane tuttora quella dominante. Flamm fa leggere tutti questi fatti interessanti come un thriller, e le eccellenti illustrazioni contribuiscono a questo risultato.

In breve: questo tascabile è un must per chiunque voglia approfondire l'immortale ciclo pianistico di Mussorgsky!

Christoph Flamm: Modest Mussorgsky. Quadri di un'esposizione - Ricordi di Viktor Hartmann, Bärenreiter Werkeinführungen, 178 p., € 14,95, Bärenreiter, Kassel 2016, ISBN 978-3-7618-2221-0

In quanto giocatori di squadra, molti direttori di coro conoscono naturalmente anche la musica di apertura della Champions League, che Il sacerdote Zadok (HWV 258) dall'opera Inni dell'incoronazione di George Frideric Handel come inno ufficiale. Oltre a questa intensa opera di 6 minuti, Bärenreiter Verlag ha ora pubblicato anche Il Re si rallegrerà (HWV 260, durata circa 12 minuti) nell'Urtext della Halle Handel Edition. Handel scrisse la festosa, riccamente orchestrata e magnifica opera in quattro parti. Inni dell'incoronazione (durata totale circa 40 minuti) in occasione dell'incoronazione di Giorgio II a Londra nel 1727. Il musicologo inglese e contemporaneo Charles Burney ne descrisse il travolgente splendore sonoro in modo tanto appropriato quanto disinvolto come il "grande stile woof-woof". È auspicabile che gli altri due, meno conosciuti Inni sarà presto pubblicato anche in una nuova fantastica edizione (materiale orchestrale, riduzione per pianoforte e partitura) per fornire ai cori d'oratorio ulteriori alternative alla nota Messia per dare.

Con il Missa votiva di Jan Dismas Zelenka, contemporaneo di Bach, purtroppo troppo poco eseguito, è stato pubblicato da Breitkopf & Härtel in un'altra edizione Urtext altamente raccomandata. Il materiale esecutivo si basa sulle edizioni critico-scientifiche della collana Il patrimonio della musica tedesca, da cui sono tratte anche la prefazione informativa e la relazione critica. Le messe di Zelenka sono gemme spettacolari della letteratura corale barocca, che nella loro variopinta varietà non hanno nulla da invidiare alle opere di Johann Sebastian Bach. Questa messa di 70 minuti, con la sua orchestrazione snella (2 oboi, archi e basso continuo), è l'ideale per cori da camera ambiziosi alla ricerca di qualcosa di speciale dal punto di vista oratorio.

La celebre Grande Messa in do minore (KV 427) di Wolfgang Amadeus Mozart si inserisce senza dubbio in una linea storico-musicale tra la Messa in si minore di Bach e quella di Beethoven. Missa solemnis. Quest'anno è stata pubblicata da Carus-Verlag in una nuova edizione esemplare. Purtroppo, essendo la messa più personale e di più ampio respiro di Mozart, l'opera è rimasta incompiuta e, come un busto, ha posto da allora molti enigmi. Per questo motivo, nel corso della storia della sua ricezione, sono stati numerosi i tentativi di completare, modificare e persino ricomporre il frammento.

Ora il musicologo Uwe Wolf di Carus-Verlag e il noto direttore d'orchestra Frieder Bernius hanno unito le forze e creato una versione che stabilisce nuovi standard in una collaborazione congeniale tra studio e pratica, purtroppo praticata troppo raramente. Con grande rispetto per le fonti esistenti, questa nuova edizione continua la tradizione delle versioni di Eder, Beyer e Maunder di non aggiungere nuovi movimenti al busto, sia attraverso il cosiddetto metodo della parodia sia attraverso composizioni originali, come nelle versioni di Wilby, Levin o Koopman. Particolarmente rinfrescanti sono le trombe e i timpani aggiunti di recente nella versione di Credo e la riorganizzazione e l'attenta correzione del contrappunto nel Osanna. Oltre al materiale esecutivo completo, c'è anche un elegante libretto in facsimile per una migliore classificazione delle aggiunte/arrangiamenti e un'eccellente registrazione in CD con il Kammerchor Stuttgart diretto da Bernius (Carus CD 83.284).

George Frideric Handel: Zadok il sacerdote. Inno dell'incoronazione HWV 258, a cura di Stephan Blaut; partitura BA 10258, € 14,95; riduzione per pianoforte BA 10258-90, € 4,95; Bärenreiter, Kassel 2016

id.: Il re si rallegrerà; partitura BA 10259, € 24,95; riduzione per pianoforte BA 10259-90, € 10,95

Jan Dismas Zelenka: Missa votiva ZWV 18, a cura di Reinhold Kubik; partitura PB 5577, € 89,00; riduzione per pianoforte EB 8053, € 19,90; Breitkopf & Härtel, Wiesbaden 2016

Wolfgang Amadeus Mozart: Missa in c KV 427, completata e curata da Frieder Bernius e Uwe Wolf, partitura CV 51.651/00, € 85,00; riduzione per pianoforte CV 51.651/03, € 16,00; libretto facsimile CV 51.651/02, € 29,80; Carus, Stoccarda 2017

Il titolo del libro Professione conduttore è poco spettacolare. Ed è proprio così che l'autore si presenta con il suo linguaggio: diretto, chiaro, comprensibile e duro sull'argomento, quindi con molti dettagli che sono illuminanti per il pubblico dei concerti, perché in molte conversazioni di intermezzo si può apprendere quanto sia spesso vaga la conoscenza degli avvenimenti "dietro le quinte" e delle condizioni del business dei concerti. Ralf Weikert, nato a St. Florian (Austria) nel 1940, formatosi a Linz e Vienna (con Hans Swarovsky) e diventato direttore principale nell'allora capitale tedesca Bonn all'età di ventotto anni, è stato anche direttore principale del Teatro dell'Opera di Zurigo per quasi dieci anni (1983-92) e ha vissuto a lungo in Svizzera. Parla deliberatamente di una professione, non di una vocazione - e naturalmente si riferisce anche a direttori d'orchestra donne, come sottolinea nella prefazione -. Che sollievo che si sia rinunciato ai noiosi doppi sensi!

Weikert si concentra sul mestiere e quindi sugli aspetti quotidiani di questa impegnativa e affascinante attività. Nelle sue osservazioni, pensa soprattutto agli aspiranti direttori d'orchestra e musicisti e spiega che molto si può imparare e che un repertorio convincente di opere può essere mantenuto pronto per essere suonato solo con una vita di lavoro intenso; tuttavia, mostra anche che per soddisfare i requisiti devono essere soddisfatti alcuni prerequisiti.

In seguito affronta le singole aree problematiche in modo chiaramente strutturato, innanzitutto per quanto riguarda la musica stessa e gli spartiti associati - anche questi sono chiaramente documentati con pagine di partitura inserite -, poi si dedica all'attività musicale, all'acustica nelle varie sale e all'allestimento orchestrale; inoltre, distingue chiaramente tra la situazione del direttore d'opera o di concerto. Ha una vasta esperienza in entrambi i settori, avendo diretto al Met di New York, a San Francisco, in Corea, in Giappone e in molti rinomati teatri d'opera e sale da concerto in Europa. Affronta anche l'attuale problema del predominio della regia d'opera su quella musicale, fornendo numerosi esempi, per lo più negativi, ma non perde mai la calma e li riassume sotto la voce "imponderabili". Alcuni ricordi succinti ma ben formulati di eventi e incontri inaspettati sono inclusi anche quando parla del mestiere più bello che possa immaginare. Tuttavia, il "feu sacré" non si può imparare.

Ralf Weikert: Beruf Dirigent, con disco/videografia, indice delle persone, 189 p., copertina rigida, € 19,99, Böhlau, Vienna e altri 2017, ISBN 978-3-205-20530-2

Secondo lo studio, un giovane su quattro di età compresa tra i 12 e i 19 anni fa regolarmente musica (24%). Questo dato colloca la musica al quarto posto tra le attività ricreative non mediatiche più popolari tra i giovani, davanti alla partecipazione a eventi sportivi (15 percento) o a feste (5 percento). Fare musica è significativamente più popolare tra le ragazze (29%) che tra i ragazzi (18%).

Un confronto a lungo termine degli ultimi dieci anni (dal 2007 al 2017) mostra che fare musica è una delle poche attività che è aumentata di popolarità tra i giovani (più 5 percento). Solo le attività con la famiglia registrano un aumento maggiore (più 14%). Tuttavia, uno sguardo più attento mostra anche che i giovani delle scuole secondarie inferiori (15%) sono significativamente meno attivi nel fare musica rispetto a quelli delle scuole superiori (28%).

Nel CD premiato, Edoardo Torbianelli, docente di fortepiano e prassi esecutiva storica presso la HKB, suona i quintetti per pianoforte e fiati di Mozart e Beethoven al fortepiano insieme all'Ensemble Freitagsakademie Bern. L'ensemble si è esibito in diretta su Radio France durante la serata di gala insieme ad altri nomi famosi della musica classica.

Fondata nel 1993, la Freitagsakademie Bern è sotto la direzione artistica di Katharina Suske. Esegue musica dal XVII all'inizio del XIX secolo, ciascuno su strumenti della rispettiva epoca e in varie formazioni. Il nucleo permanente di musicisti comprende Leila Schayegh (violino), Vital Julian Frey (clavicembalo), Balasz Maté e Daniel Rosin (violoncello), Jonathan Rubin (liuto) e Jan Krigovsky (violone).

Herren si è laureato nel programma MA Music Pedagogy. Ha ricevuto il premio per il suo progetto di integrazione musicale Musica senza confini. In tre workshop di musica, ritmo e danza, i richiedenti asilo interessati provenienti dai centri di accoglienza dell'area di Berna hanno appreso competenze musicali, che sono state poi eseguite insieme all'orchestra giovanile di fiati della KMB nel gremito Kulturcasino di Berna.

Manuel Herren ha usato la musica, il "linguaggio che unisce i popoli", per costruire ponti di comprensione reciproca e per permettere a tutti i partecipanti di prendere parte a uno scambio personale, culturale e musicale.

Sito web del progetto: musikohnegrenzen.ch

La direzione del Dipartimento Cultura e il Segretariato Cultura devono comprendere un totale di 120 equivalenti a tempo pieno. La città di Aarau sta pubblicizzando la posizione del futuro responsabile all'esterno. Il nuovo capo dipartimento sarà anche responsabile di tutte le commissioni del settore culturale, anch'esse in fase di ristrutturazione.

Tra gli altri compiti vi è quello di sostenere il bilancio e garantire le funzioni di controllo, supervisionare gli affari del Comune nel settore culturale e rappresentare le questioni culturali all'interno dell'amministrazione comunale e nei confronti del Consiglio comunale e di terzi.

Il settore culturale della città è cresciuto negli ultimi vent'anni. Aarau si è trasformata in una città della cultura e si è fatta conoscere con le sue attività culturali ben oltre i confini del Cantone e del Paese, scrive la città. Con la creazione del nuovo dipartimento, "è possibile ottenere un rafforzamento delle strutture organizzative e gestionali, un trattamento adeguato delle questioni specialistiche, un trattamento uniforme delle funzioni trasversali e una maggiore flessibilità organizzativa".

Nata ad Aarau nel 1988, Cinzia Catania è cresciuta a Lenzburg e ha scoperto la sua passione per il jazz nel progetto Jazzaar. Ha studiato per un anno a Groningen con Dena DeRose, Alex Sipiagin, Don Braden e Mark Gross, tra gli altri. Quando Dena DeRose ha lasciato il suo posto di insegnante a Groningen, ha deciso di seguire la sua insegnante e mentore a Graz per continuare i suoi studi presso il Jazz Institute dell'Università di Musica e Arti dello Spettacolo di Graz.

Nel 2014 ha conseguito la laurea in canto jazz con lode. A questo è seguito un master in pedagogia vocale presso l'Università di Scienze Applicate e Arti di Lucerna sotto la guida, tra gli altri, di Susanne Abbuehl, che ha completato con successo nel 2016. Attualmente sta completando il suo secondo master in composizione, sempre presso l'Università di Scienze Applicate e Arti di Lucerna, con Ed Partyka e Dieter Ammann come docenti principali.
 

I membri della band Project Dana ricevono un premio di sponsorizzazione per il loro eccezionale talento musicale. La cantante di Biel scrive da sola canzoni soul-pop e le esegue con la sua band. La voce straordinaria della ventenne, insieme alla musica energica della band di quattro elementi, ha entusiasmato il pubblico, secondo la motivazione.

Dana Burkard studia musica e canto a Londra da quest'autunno. Tuttavia, torna regolarmente a Berna e sta lavorando con il gruppo alla realizzazione del suo nuovo CD, che uscirà nel 2018.

I membri dello Schweizerischer Tonkünstlerverein (STV), dello Schweizer Musik Syndikat (SMS) e dell'associazione Musikschaffende Schweiz (MSS) si sono riuniti prima della riunione di fondazione vera e propria. Ciascuna di esse ha deciso a stragrande maggioranza di fondersi in "Sonart - Musikschaffende Schweiz" a partire dal 1° gennaio 2018. Tutti i punti formali all'ordine del giorno e l'approvazione del verbale di fondazione sono stati approvati senza opposizione, rapidamente e con grande consenso.

La nuova associazione interdisciplinare per musicisti (principalmente) freelance conta circa 1.600 membri e sarà guidata da una presidenza ad interim fino alla prima assemblea generale ordinaria della primavera 2018: Käthi Gohl Moser (STV), Christoph Trummer (MSS) e Marianne Doran (SMS). Gli altri membri del Consiglio di amministrazione sono Christian Kobi e Dragos Tara (STV), Salomé Christiani e Jaël Malli (MSS) e Anja Illmaier e Matthias Spillmann (SMS).

Una volta consolidata la nuova associazione, uno dei suoi compiti principali sarà quello di fornire servizi specifici per la professione dei musicisti freelance, in linea con i requisiti richiesti dall'Ufficio federale della cultura per l'ammissibilità delle organizzazioni culturali al sostegno. Oltre ad altre attività come l'informazione, la rappresentanza e la tutela degli interessi, tre commissioni specializzate (Nuova Musica/Composizione, Jazz/Impro, Pop/Rock/Electro) si occuperanno in modo più approfondito delle preoccupazioni specifiche dell'Associazione in materia di contenuti.

Un pianoforte a coda nero e uno rosso si trovano sul palcoscenico della Lucerne Hall del Centro Cultura e Congressi di Lucerna (KKL). Ogni posto a sedere è già occupato un'ora prima dell'apertura di Piano Off-Stage. La presentazione degli otto pianisti jazz e blues, che la sera suonano anche nei bar degli hotel di Lucerna, è un evento cult della settimana del Lucerne Piano Festival fin dalla sua introduzione nel 2003. Con l'ingresso gratuito, è possibile sedersi intorno ai pianisti e guardarli improvvisare. Si può anche portare la birra al proprio posto. Alessandro d'Episcopo è il primo pianista a salire sul ring. Con il tranquillo numero jazz dedicato alla figlia Lunita la serata inizia con una nota contemplativa, prima che la pianista Ayako Shirasaki, di formazione classica, proveniente da New York, sviluppi un maggiore swing. Il pubblico non ha assistito a una battaglia di vanità sul palco, ma a un'atmosfera amichevole e a un'ampia gamma stilistica tra jazz, blues, boogie-woogie e ragtime. Il giovane svizzero Maurice Imhof ha presentato un medley di James Bond, mentre il barcellonese Lluís Coloma ha trasformato il pianoforte in una martellante macchina da ritmo con virtuose linee di basso e accordi accentuati. Le cose si fanno ancora più eccitanti quando il presentatore Andreas Müller-Crepon mescola due pianisti insieme per le sessioni. È un divertimento improvvisato con affascinanti dialoghi musicali, prima che i due tornino al bar a braccetto al termine del loro lavoro. Alla fine, tutti gli otto pianisti si alzano e si siedono ai due pianoforti a coda e suonano insieme un blues. Un'interazione creativa sulle tastiere! Il pubblico si stupisce e si diverte.

Il recital di Güher e Süher Pekinel presenta anche due pianoforti a coda (neri) da concerto sul palco della sala principale. Le due sorelle gemelle turche sono tra i migliori duo pianistici internazionali dagli anni Ottanta. A differenza dei loro colleghi, quando suonano non si siedono l'una di fronte all'altra, ma spostate di lato. Senza contatto visivo, si affidano esclusivamente all'orecchio quando suonano insieme. Basta la potente inspirazione di Güher Pekinel al primo pianoforte, poi le due sorelle iniziano a suonare insieme la Sonata per due pianoforti in re maggiore KV 448 di Mozart con una precisione millesimale. È affascinante la congruenza dei passaggi all'unisono e degli accordi finali. Con Martha Argerich, Evgeny Kissin e Daniil Trifonov, l'edizione autunnale del festival estivo presenta ancora una volta artisti eccezionali della scena pianistica. La cosiddetta Giornata della tastiera, che combina tre recital con una conferenza di Martin Meyer sull'interpretazione di Debussy, è un tentativo di raggiungere un pubblico diverso offrendo prezzi d'ingresso più bassi e concerti più brevi. Anche la serie di debutti all'ora di pranzo con Beatrice Rana, Aglaia Graf e Christopher Park nella chiesa di San Luca è più informale. Non c'è champagne, ma "solo" buona musica di giovani talenti. Christopher Park ha già suonato allo Zeltmusikfestival di Friburgo quest'estate e ha appena debuttato con la SWR Symphony Orchestra con il concerto in la maggiore KV 488 di Mozart. Il pianista tedesco-coreano è un abile creatore che colpisce sempre con un tono narrativo nel suo modo di suonare. L'opera composta per lui Trurl-Tichy-Tinkle (2016) di Olga Neuwirth è un virtuoso gioco di contrasti, che Park celebra con gusto nella gremita Lukaskirche. Nell'opera di Stravinsky Petrushka il pianista temerario immagina un'intera orchestra al pianoforte a coda. Solo nella Sonata dantesca in un solo movimento di Franz Liszt accumula montagne di accordi troppo alte. Nei numerosi passaggi in fortissimo, il suono del pianoforte diventa duro e metallico. Mancano le sfumature e il giusto equilibrio.

La pianista venezuelana Gabriela Montero è un buon esempio di come si possano trattare con sensibilità le sfumature di colore e la differenziazione dinamica. Il suo Scene per bambini di Robert Schumann sono miniature luminose e autorevoli. La sua interpretazione della seconda sonata di Shostakovich combina una motorizzazione implacabile con esplosioni di suono potenti ma mai brutali. La pianista è diventata famosa per le sue improvvisazioni. Un visitatore canta la canzone popolare svizzera dalla galleria del KKL Lì, sul Bärgli, si trova un fantasma bianco. Montero suona la melodia due volte prima di girare il tema in tonalità minore e smontarlo pezzo per pezzo. Il contrappunto bachiano incontra la più alta arte della variazione. Montero inventa continuamente nuovi personaggi prima di riassumere in modo affascinante il tutto e portarlo a una conclusione eroica. La canzone rivoluzionaria messicana La Cucaracha li tratta in modo simile e allo stesso tempo completamente diverso. Alla fine, si ritrova con il ragtime - e potrebbe facilmente tenere il passo con i suoi colleghi del jazz. Prima del concerto, Rossano Sportiello aveva già dimostrato al pianoforte a coda rosso del foyer come suonare con eleganza e sorriso l'opera di Beethoven. Inno alla gioia a una rilassata ballata jazz.

Secondo il comunicato stampa del Cantone, Sonja Kuhn e Katrin Grögel coprono il profilo per la gestione del Dipartimento Cultura grazie ai rispettivi background professionali e alla vasta esperienza. Sonja Kuhn è stata in precedenza vice-capo del Dipartimento Cultura e Katrin Grögel è stata responsabile dei progetti culturali del Dipartimento Cultura.

Con il modello di top-sharing, il Dipartimento degli Affari Presidenziali risponde "ai cambiamenti socio-politici e alla richiesta di dipendenti altamente qualificati di assumere responsabilità nelle funzioni dirigenziali come dipendenti part-time". Sonja Kuhn e Katrin Grögel lavoreranno ciascuna per il 70% del tempo. Saranno responsabili congiuntamente di tutte le decisioni e le operazioni di gestione del Dipartimento Cultura. Nel modello è integrata anche la reciproca supplenza.

Per gli artisti che ricevono una borsa di studio dalla città o dal cantone di Zurigo e possono dimostrare di versare il 6% della borsa di studio nel regime pensionistico vincolato, gli enti finanziatori verseranno un contributo di pari importo in aggiunta alla borsa di studio. Questo regolamento si applica agli anni di lavoro, ai contributi per il lavoro, alle borse di studio per il lavoro e ai contributi per gli spazi aperti. Si applica a partire da un contributo di sostegno di almeno 10.000 franchi svizzeri all'anno, per ente finanziatore e artista.

La Città e il Cantone di Zurigo stanno inoltre collaborando con le istituzioni culturali che sostengono per garantire che a coloro che lavorano nel settore artistico e culturale venga offerta una soluzione pensionistica fin dal primo giorno e dal primo franco. Al momento del rinnovo di decreti, accordi o contratti di sovvenzione, viene inclusa la richiesta di istituire un regime pensionistico vincolante nelle loro organizzazioni e progetti. I responsabili dei progetti sono invitati a includere i contributi al regime pensionistico vincolato tra i costi del personale, oltre che tra i costi sociali.

Tuttavia, i contributi per la promozione culturale non saranno complessivamente aumentati. Ciò significa che i fondi disponibili per il sostegno diretto agli artisti creativi e ai progetti culturali saranno di conseguenza meno numerosi. A prima vista, questo è doloroso, scrivono la città e il cantone. Tuttavia, se si riuscirà a "sensibilizzare i lavoratori della cultura e a evitare che diventino dipendenti dall'assistenza sociale in età avanzata", allora questi investimenti saranno ripagati a lungo termine.

Il trio Puerta Sur è composto da Marcela Arroyo (voce), Andreas Engler (violino) e Daniel Schläppi (basso). Thomas Schläppi è anche co-proprietario dell'etichetta Catwalk, con cui l'ensemble pubblica le sue registrazioni. La più recente è "Tres Mil Uno", che riduce la world music orchestrale argentina in formato cameristico.

Il BMW Welt Jazz Award viene assegnato a Monaco di Baviera dal 2009. Il primo premio è dotato di 10.000 euro, il secondo di 5.000 euro. Viene assegnato anche un premio del pubblico. Sei ensemble si esibiscono nei concerti del concorso tra gennaio e marzo. Nel 2014, l'ensemble svizzero Hildegard lernt fliegen ha vinto il primo premio.

"Il simposio di Berna, tenutosi dal 13 al 16 settembre 2017, è stato tutto incentrato su Beethoven: non solo la consolidata attività di ricerca sull'interpretazione dell'Università delle Arti di Berna (HKB), ma anche tre progetti in corso sostenuti dal Fondo Nazionale Svizzero per la Ricerca Scientifica hanno fornito l'occasione e la cornice per il forum di quattro giorni: Mentre il progetto "From Lecture to Interpretation" esamina la trasformazione della pratica interpretativa utilizzando l'esempio delle opere per pianoforte solo di Beethoven, "Annotated Scores" si concentra sulle partiture per la direzione d'orchestra e sui materiali orchestrali con le note di quelle opere che erano importanti per Richard Wagner nella sua prospettiva sul direttore d'orchestra. Un terzo progetto di ricerca, "Embodied Traditions of Romantic Musical Practice", si occupa di edizioni musicali del XIX secolo istruttive nella loro descrizione di dettagli musicali pratici e tenta di trasferirli ai giorni nostri utilizzando il metodo dell'"embodiment". Sulla base di questo ambito tematico di ampio respiro, le opere di Beethoven e la loro realizzazione interpretativa sono state sempre al centro dell'attenzione, ma allo stesso tempo sono stati chiariti concetti e metodi fondamentali e sono stati presi in considerazione aspetti dell'arrangiamento come l'interpretazione, questioni organologiche e, non da ultimo, elementi musicali-teatrali. Un totale di quarantacinque conferenze ha formato un insieme informativo - integrato da lezioni-concerto e documentari cinematografici, che si sono inseriti perfettamente nel programma e allo stesso tempo hanno puntato al di là di esso.

"La vera riproduzione è la fotografia a raggi X dell'opera. Il suo compito è quello di rendere visibili tutte le relazioni, i momenti di contesto, di contrasto, di costruzione, che si nascondono sotto la superficie del suono sensuale - attraverso l'articolazione dell'aspetto sensuale". - Con queste parole di Theodor W. Adorno, Thomas Gartmann, direttore del Dipartimento di ricerca della HKB e della Bern Graduate School of the Arts, ha dato il benvenuto ai musicologi, ai musicisti e al pubblico nella sala concerti dell'università.

Le prime cinque conferenze si sono quindi concentrate interamente sulla musica pianistica del XIX secolo - insieme alla domanda: "Cosa significa interpretazione, cosa può ottenere l'interpretazione?". John Rink (Cambridge) ha dimostrato che l'interpretazione non è solo un campo di tensione tra testo musicale ed esecuzione, ma che l'esecuzione "creativa" della musica dovrebbe anche essere differenziata dalla pura interpretazione, utilizzando, tra l'altro, le peculiarità specifiche della notazione nelle opere pianistiche di Chopin. Nonostante questa notazione altamente specifica, a volte idiosincratica, l'interprete di Chopin non dovrebbe, secondo Rink, trascurare il proprio ingegno - questo è l'unico modo per creare interpretazioni interessanti, ma anche discutibili e quindi discutibili. Anche le due presentazioni successive di Carolina Estrada Bascunana (Tokyo) e Manuel Bärtsch (Berna) sono state dedicate all'espressione musicale al di là del testo musicale. Sia nel caso degli allievi di Enrique Granados che nelle varie interpretazioni dell'op. 111 di Beethoven, il lavoro di critica delle fonti con le varie edizioni, i manuali pedagogici e i sistemi di registrazione come i rulli per pianoforte Welte si è rivelato indispensabile per avvicinarsi al singolo interprete e poter collocare il suo stile esecutivo in una possibile tradizione. Comune a entrambe le conferenze è stata la prospettiva critica sull'"interprete sacro che si muove in un contesto auratico e metafisico" (Bärtsch) - una visione che dovrebbe essere rivista. Mentre Georges Starobinski (Basilea) si è dedicato, tra l'altro, all'ultima sonata op. 111 e ha trattato il termine esecutivo "semplice" in Beethoven in una presentazione fine e dettagliata, Kai Köpp (Berna) si è concentrato sugli approcci metodologici alla ricerca interpretativa. I diversi generi di fonti (interfacce utente dell'organologia, istruzioni, documenti sonori e immagini in movimento), esaminati nei vari progetti di ricerca della HKB, hanno fornito un ricco materiale illustrativo per collocare la ricerca storica sull'interpretazione tra la musicologia storica e quella sistematica.

László Stachó (Budapest) si è avventurato nel XX secolo confrontando le registrazioni di pianisti della tradizione lisztiana come Eugen d'Albert, Béla Bartók ed Ernő Dohnányi con quelle di Igor Stravinskij e collocando le loro interpretazioni tra un approccio legato al linguaggio e uno più metrico-strutturalista. Dai documenti audio è emerso chiaramente che Igor Stravinskij corrispondeva maggiormente a questo approccio oggettivo al fare musica, che era particolarmente caratteristico del periodo tra le due guerre. Stachó, tuttavia, non si è fermato alla mera analisi delle interpretazioni, ma ha anche tracciato un collegamento tra l'estetica modernista osservata e la "musica come oggetto spazialmente esteso": spettava all'interprete mediare tra tempo e spazio e decidere a favore di un'esecuzione strutturata in modo ampio o più ristretto. Dopo un ulteriore contributo, che ha esaminato la musica di Anton Webern dal punto di vista del tempo e dell'intonazione, il pubblico ha potuto assistere alla lezione-concerto di Robert Levin (Boston), uno dei momenti salienti del simposio. Con il titolo "Wende zur Moderne. Beethoven come esecutore di C. Ph. E. Bach", il pianista e musicologo di fama mondiale ha tenuto una presentazione musicale e linguistica eloquente, intensa e diretta. Partendo dall'esecuzione di alcune fantasie per pianoforte di Carl Philipp Emanuel Bach, ha dimostrato la loro influenza su compositori come Haydn, Mozart e Beethoven. La sintesi di pratica e riflessione di Levin è stata di per sé impressionante. Tuttavia, l'artista ha preso alla lettera la "svolta verso la modernità" quando, rivolgendosi esplicitamente ai giovani partecipanti e agli ascoltatori, ha parlato a favore di un impegno verso la nuova musica. In fondo, come esecutore, partecipare all'esecuzione del nuovo repertorio significa partecipare alla scrittura della storia della musica.

L'approccio alle complesse relazioni tra opera, compositore e interprete, soprattutto quando l'opera è stata creata decenni fa, richiede naturalmente un coscienzioso lavoro metodologico. Nella seconda giornata del simposio, la diversità di questi metodi è stata al centro dell'attenzione. Clive Brown (Leeds) ha affrontato il tema del divario tra la ricerca orientata alla pratica e la produzione musicale professionale: Molte delle registrazioni sonore commerciali di oggi testimoniano una scarsa comprensione del rapporto tra notazione ed esecuzione, così come era visto da compositori ed esecutori nel XVIII e XIX secolo. Attingendo a una delle sue specializzazioni, la ricerca interpretativa nel campo degli strumenti ad arco, Brown ha mostrato come prevede di colmare questo divario attraverso edizioni storicamente informate e l'insegnamento di tecniche esecutive storiche. Anche Neal Peres da Costa (Sydney), durante la sua conferenza, ha dimostrato quanto possa essere istruttivo il confronto tra una registrazione sopravvissuta e l'edizione dell'opera registrata - in modo estensivo - al pianoforte. Il suo metodo di imitazione di documenti sonori storici è stato in grado di evidenziare elementi di improvvisazione e libertà ritmica che facevano parte del modo di suonare di Carl Reinecke o Jan Ladislav Dussek, senza che nulla di tutto ciò fosse evidente nel testo musicale dell'epoca. La presentazione di Sebastian Bausch (Berna) si è concentrata ancora una volta sul significato scientifico ed estetico dei rulli per pianoforte, anche se dalla particolare prospettiva della storia orale, con l'interrogatorio di specialisti nel campo dei pianoforti da riproduzione e della loro adeguata regolamentazione. Questo ampio capitolo è stato completato da una conferenza di Olivier Senn, che ha presentato un nuovo metodo di misurazione computerizzata dell'agogica, affrontando così un dettaglio interpretativo che era ed è rilevante in tutte le epoche e gli stili. Ha dimostrato come sia possibile ricavare una curva di tempo da un tempo musicalmente espressivo, utilizzando l'esempio della registrazione di Debussy del brano Ballerine di Delphes dall'anno 1912.

"Ho trasformato una mia singola sonata in un quartetto per strumenti a violino [...], e so per certo che nessun altro sarà in grado di imitarmi così facilmente". Le stesse parole di Beethoven sono state utilizzate per introdurre il blocco "Arrangiamento come interpretazione". Thomas Gartmann ha dedicato un'analisi dettagliata dell'emissione vocale, della dinamica e dell'articolazione all'arrangiamento per quartetto della Sonata per pianoforte e orchestra op. 14 n. 1 di Beethoven, sottolineandone il valore scientifico. Michael Lehner (Berna) ha richiamato l'attenzione su un mezzo di diffusione centrale ma finora poco studiato dal XVIII al XX secolo. La tecnica culturale dell'esecuzione della partitura è stata analizzata come "interpretazione attraverso la riduzione", in particolare sulla base delle registrazioni che Gustav Mahler e Richard Strauss fecero delle loro opere orchestrali. Quali conclusioni si possono trarre da fraseggio, tempo e ritmo rispetto alla versione orchestrale?

Il tutto è stato perfettamente seguito dalla conferenza-concerto di Ivo Haag e Adrienne Soós (Lucerna): Come le riduzioni per pianoforte, anche gli arrangiamenti a quattro mani di opere orchestrali sono stati un mezzo collaudato per pubblicizzare le proprie composizioni. In questo pomeriggio, il duo pianistico ha posto gli arrangiamenti delle sinfonie di Brahms al centro di questioni pratiche di esecuzione. Dopo l'apertura del forum ai giovani interessati alla ricerca, la sera stessa si è tenuta una piccola masterclass su un'ampia gamma di argomenti: gli specialisti della ricerca interpretativa hanno affrontato il violoncellista David Eggert (Berna) e il pianista Gili Loftus (Montréal), che - naturalmente in un simposio su Beethoven - hanno suonato opere del compositore, ma nel contesto del periodo intorno a Clara Schumann e della prassi esecutiva prevalente all'epoca.

Il terzo giorno del simposio è stato tematicamente periferico, ma molto più vicino al nostro tempo. I relatori guidati da Leo Dick (Berna) hanno presentato i risultati delle loro ricerche nei campi del teatro musicale, della coreografia, della danza e degli studi letterari. Il cambiamento di prospettiva che ne è derivato sull'opera e sulla persona di Beethoven si è rivelato altrettanto stimolante e istruttivo quanto il concetto generale di "mise en scène come interpretazione" nelle sue diverse forme transdisciplinari.

Diversi esperti nel campo dell'organologia, lo studio degli strumenti, hanno riportato i partecipanti ai tempi di Beethoven e alle conquiste della costruzione di pianoforti dell'epoca. Giovanni Paolo Di Stefano (Amsterdam) ha fornito una panoramica delle tradizioni costruttive nei centri di Vienna, Parigi e Londra. Uno strumento non direttamente associato a Beethoven, l'organo, è stato messo in gioco da Stefano Molardi (Lugano). Egli ha tracciato i primi anni di formazione organistica del compositore attraverso l'analisi di opere successive - l'imitazione pianistica del Fauxbourdon o l'Imitatio Tremula Organi, ad esempio, sono indizi importanti, secondo Molardi. Martin Skamletz (Berna) ha sottolineato un dettaglio strumentale e musicale: Negli anni successivi al 1800, la gamma originale di cinque ottave dei pianoforti si è ampliata, il che ha naturalmente avuto un effetto sulla disposizione delle opere composte. Skamletz ha illustrato questa relazione reciproca con un gran numero di esempi musicali, collocandoli nel contesto degli eventi contemporanei. Anche Patrick Jüdt (Berna) ha svolto un lavoro differenziato sulle fonti nel contesto del Quartetto per archi op. 18/6. In una vivace conferenza, in cui i quattro giovani musicisti del Quatuor Ernest sono stati presi per mano proprio come il pubblico, ha elaborato la dinamica e l'intensità degli sforzati di Beethoven nello Scherzo dell'op. 18/6. Ai teorici della musica del XVIII e XIX secolo è stata data "voce" nelle loro dichiarazioni sull'accento metrico e melodico.

I processi di scrittura e i risultati della trascrizione sono stati discussi l'ultimo giorno, il 16 settembre. Federica Rovelli (Bonn) ha riferito sugli ostacoli che possono influenzare l'edizione degli abbozzi di Beethoven: Oltre allo stato per lo più frammentario degli schizzi, è soprattutto la temporalità della scrittura, la cronologia del processo di scrittura, che non può essere rappresentata in una semplice trascrizione; si può rappresentare ciò che è stato scritto, ma non la scrittura stessa. Per affrontare questo problema, Rovelli ha presentato un software utilizzato nella Beethoven-Haus di Bonn che rivela i vari strati di scrittura in un facsimile. Grazie alla sua trasparenza e comprensibilità visiva, questo programma grafico può essere utilizzato da una cerchia internazionale di studiosi.

Per una volta, Johannes Gebauer (Berna) non si è concentrato sulla critica testuale, ma sul tracciare la storia dello sviluppo della pratica esecutiva. In un lavoro dettagliato, ha messo a confronto diverse edizioni, tra le altre, del Capricci di Pierre Rode, le cui peculiarità, aggiunte e modifiche non solo forniscono indizi su alcune tradizioni esecutive, ma possono anche avvicinarci ai curatori delle rispettive edizioni.

Il progetto di ricerca di Berna "Annotated Scores", la prospettiva di Richard Wagner sulle peculiarità delle opere del suo tempo, ha determinato le ultime presentazioni del simposio. Chris Walton (Berna) ha fatto luce sull'esecuzione della Nona Sinfonia di Beethoven da parte di Wagner nel 1846 e sui numerosi suggerimenti di modifiche da lui apportati. Il fatto che, come dimostrano le ultime ricerche condotte a Berna, Wagner stesso non abbia realizzato appieno questi cambiamenti non ha impedito a molti direttori d'orchestra successivi di considerare le indicazioni di Wagner come un punto di riferimento. Lena-Lisa Wüstendörfer (Basilea) si è occupata di un fenomeno molto simile nella ricezione di Beethoven: nel 1904 Gustav Mahler FidelioL'unica opera completata di Beethoven - in una versione da lui stesso rimaneggiata, che fu considerata dal pubblico viennese come la vera versione anche dopo che Felix Weingartner succedette a Mahler e sostenne una maggiore fedeltà all'originale. Fidelio utilizzato.

Il simposio di quattro giorni è stato concluso da Roger Allen (Oxford), che ha parlato dell'interpretazione di Wagner della Sonata per pianoforte op. 101 di Beethoven. Wagner ha caratterizzato il primo movimento di questa sonata come un perfetto esempio dell'espressione da lui coniata "melodia infinita", anche in relazione alla mancanza di sezioni fortemente cadenzali. Allen ha ipotizzato connessioni tra l'opera di Beethoven e il preludio di Wagner a Tristano e Isotta e rivelò le possibili influenze compositive della sonata per pianoforte a titolo di paragone. Allen ha anche fatto un inchino ai tempi passati citando Wagner su Beethoven: in questa sonata, quest'ultimo aveva tracciato "l'essenza stessa della musica". Secondo le parole di Allen, il simposio di Berna ha riguardato anche la "musica come espressione", la capacità della musica di esprimersi e di lasciare un segno.