"Devo confessare che sono di cattivo umore a causa di questo concerto. Sto tremando prima del concerto. Ho sogni d'ansia. Ho problemi al fegato. Non posso nemmeno bere vino. È terribile. Questo concerto sarà sicuramente il mio ultimo". Così scriveva il 31 gennaio 1984 il compositore solettese Hermann Meier (1906-2002) al pianista Urs Peter Schneider, che fu uno dei primi a difendere ripetutamente la sua opera.

Come si sarebbe comportato Meier se avesse saputo che all'inaugurazione la gente si sarebbe affollata nella sala d'ingresso di un museo d'arte per vedere le sue partiture, i suoi schizzi, i suoi disegni e i suoi progetti? E che l'Orchestra Sinfonica di Bienne-Soletta diretta da Kaspar Zehnder avrebbe eseguito il suo pezzo orchestrale n. 6 del 1957 in un successivo concerto nella chiesa francescana di Soletta, inserito tra i movimenti della Quarta Sinfonia di Beethoven? Come si sarebbe sentito a descriversi - in un saluto al suo maestro Wladimir Vogel che probabilmente non fu mai inviato - come "piccolo Hans"?

Hermann Meier può essere una prova per tutti coloro che hanno sempre saputo che la vera arte si crea lontano dai centri e dal loro trambusto. La Svizzera ha alcuni esemplari di questa specie, basti pensare ad Alfred Wälchli di Zofingen o agli artisti dell'Art brut. Meier è ancora praticamente sconosciuto, questo "Schönberg dello Schwarzbubenland", anche se Schönberg è un po' un termine improprio. Certamente scoprì precocemente l'atonalità, e certamente familiarizzò con la tecnica dodecafonica con Vogel, ma ovviamente non gli piaceva usarla in modo così rigoroso, e quando si ascoltano le sue composizioni, si capisce perché. Questa musica è più orientata verso masse tonali, che si giustappongono duramente, con molte pause, molto singolari e senza compromessi. È più un Ustwolski elvetico, un blocco irregolare, il cui lavoro principale è quello di insegnante di scuola elementare a Zullwil.

Un ragazzo nero, almeno nella musica, spesso burbero e spigoloso, con molti abissi - e probabilmente non adatto al compromesso. Lavorò a lungo ai suoi pezzi, come suggeriscono gli schizzi e i progetti. Essi costituiscono il fulcro della mostra di Solothurn. Musica di Mondrianche contiene relativamente poca musica, ma enfatizza questo aspetto espositivo. E a ragione. Perché questi "mondi grafici del compositore Hermann Meier", come recita il sottotitolo, puntano in direzioni completamente diverse dalla musica. Analogamente a Robert Strübin (1897-1965) di Basilea, un'altra figura outsider, si tratta di musica per gli occhi o di grafica per le orecchie - e in qualche modo tipicamente svizzera nella sua originalità e nel suo rigore costruttivo: un serialismo visivo, legato ai Concretisti di Zurigo, Max Bill e Richard Paul Lohse. Bill parlò per la prima volta di "Arte concreta" nel 1936 e Meier ne venne a conoscenza alla fine degli anni Quaranta. Anche i dipinti di Piet Mondrian furono una profonda ispirazione. E così creò partiture grafiche in provincia, in un periodo in cui venivano create anche le famose partiture di Earle Brown, Morton Feldman e Iannis Xenakis, per esempio, che da tempo hanno trovato un posto nella storia della musica. La Fondazione Paul Sacher, dove si trova la proprietà Meier, ha messo a disposizione alcune di queste partiture per un confronto. Una scoperta: Brown utilizzò una partitura per il suo epocale Dicembre 1952 proprio come la carta millimetrata Meier.

Soprattutto, queste grafiche - "planimetrie", come le chiamava Meier - gli sono servite come modelli per la musica elettronica, alla quale ha lavorato intensamente dal 1973 al 1983. Come Benno Ammann o Oscar Wiggli, anche in questo campo è stato un pioniere solitario in Svizzera. In realtà, oggi si potrebbe studiare tutto questo al millimetro, almeno nella grafica, perché purtroppo, a parte gli strati sonori, tutti i progetti sono rimasti irrealizzati: È musica nello spazio immaginario. Solo oggi le registrazioni si stanno gradualmente concretizzando nel suono. Nel "giorno del concerto" (2 dicembre) si potranno ascoltare alcune versioni.

Ma è proprio questa immaginazione che la mostra favorisce. La sola impressione visiva complessiva è rappresentativa e di grande valore. Il catalogo completo si basa sulle relazioni tenute in occasione del simposio Meier The Eye Composes lo scorso gennaio all'Università delle Arti di Berna (si veda il resoconto di Azra Ramić su musikzeitung.ch/en/reports/conferences). Insieme ai musicologi Roman Brotbeck (HKB) e Heidy Zimmermann (Fondazione Sacher), la curatrice Michelle Ziegler ha creato un compendio di Meier che si spera possa contribuire a far conoscere meglio questa musica.

Attualmente Ziegler sta lavorando a una tesi di laurea sulle opere pianistiche di Meier; altri progetti sono in corso. A breve uscirà una nuova registrazione della sua musica per pianoforte con Dominik Blum e forse Hermann Meier apparirà occasionalmente in un grande concerto. Mi chiedo cosa direbbe.

Il Diapason d'Or viene assegnato mensilmente ed è uno dei premi più prestigiosi del settore, insieme al Premio della critica discografica tedesca e al Gramophone Awards inglese. Meret Lüthi, direttrice artistica de Les Passions de l'Ame, è stata recentemente insignita del Premio della Musica del Cantone di Berna per la sua "eccezionale e pluriennale attività musicale".

Il CD dell'ensemble "Spicy" (2013) è già stato premiato con il Diapason d'Or e "Bewitched" (2014) con il Supersonic Award. I tre CD sono stati pubblicati dall'etichetta Sony Music Switzerland. Il nome dell'orchestra fa riferimento a un saggio di René Descartes del 1649, in cui il filosofo parla della passione che media tra corpo e anima.

I precedenti membri del Consiglio di fondazione Anne-Catherine Sutermeister (Dipartimento di Arte e Studi Culturali) e Felix Uhlmann (Dipartimento di Giurisprudenza) sono giunti alla fine del loro mandato. Françoise Simone König Gerny rappresenterà il Dipartimento di Giurisprudenza dal 1° gennaio 2018. È co-responsabile del Servizio giuridico presso la Segreteria generale del Dipartimento dell'economia, della società e dell'ambiente di Basilea Città. Marie-Thérèse Bonadonna, delegata culturale del Club 44 di La-Chaux-de-Fonds, si occuperà anche del dipartimento Arti e studi culturali dal 1° gennaio 2018.

Gli altri membri del Consiglio di fondazione sono Susanna Fanzun, Marco Franciolli, Guillaume Juppin de Fondaumière, Johannes Schmid-Kunz, Nicole Seiler e Peter Siegenthaler.

Il Consiglio di fondazione della Fondazione svizzera per la cultura Pro Helvetia, composto da nove membri, è l'organo strategico della fondazione. Rappresenta i vari settori specialistici della vita culturale e le quattro regioni linguistiche della Svizzera. L'ex Consigliere di Stato ginevrino Charles Beer è stato confermato dal Consiglio federale nella carica di Presidente della Fondazione e assumerà il suo secondo mandato il 1° gennaio 2018.

Senza i numerosi docenti delle accademie musicali statali di Monaco, Norimberga e Würzburg, non sarebbe possibile mantenere i loro ricchi programmi didattici, scrive il DKV. I docenti sono una pietra miliare dell'istruzione musicale accademica in Baviera. Come i loro colleghi a tempo pieno, svolgono spesso lo stesso lavoro. Tuttavia, sono retribuiti solo in minima parte rispetto al personale di ruolo.

I docenti tengono lezioni individuali, seminari e conferenze in quasi tutti i dipartimenti e le materie. Molti compositori insegnano anche teoria musicale, educazione auditiva e composizione in particolare. Alcuni di loro lo fanno da decenni e, secondo il DKV, ogni semestre devono ancora preoccuparsi che il loro contratto di insegnamento venga prorogato e, a differenza dei colleghi di ruolo, devono sottoscrivere una propria assicurazione sanitaria e provvedere alla propria misera pensione, senza continuare a pagare le tasse in caso di malattia.

I docenti hanno quindi scioperato per quindici giorni. Chiedono, tra l'altro, una retribuzione adeguata, "prestazioni pensionistiche dignitose", un numero di ore settimanali sufficiente per guadagnarsi da vivere in modo da non cadere in difficoltà economiche, il diritto di partecipare ai comitati universitari e il mantenimento del pagamento delle tasse in caso di malattia.

Per saperne di più:
www.nmz.de/kiz/nachrichten/deutscher-komponistenverband-landesverband-bayern-solidarisiert-sich-mit-lehrbeauftr
 

Nato nel 1977 nella valle del Seetal a Lucerna, Christov Rolla ha studiato direzione corale ed educazione musicale presso l'Accademia di Lucerna per la musica scolastica ed ecclesiastica, dopo aver conseguito il diploma di insegnante di scuola primaria presso l'istituto magistrale di Hitzkirch. Rolla lavora a tempo pieno come musicista teatrale freelance.

Rolla lavora anche come direttore di coro con il Johanneschor Kriens e l'ensemble a cappella Integral. È anche pianista e co-liricista della formazione di chanson Canaille du jour, membro permanente del teatro di lettura Le bellezze e la bestia (Loge Luzern) e scrive regolarmente rubriche per 041 - La rivista di cultura e la rivista di formazione al lavoro Tracce di lavoro. Rolla vive a Lucerna.

Il Comune di Lucerna onora l'opera dell'artista Peter Roesch con il Premio Lucerna Arte e Cultura 2017. Il premio è dotato di 25.000 franchi. I premi di riconoscimento per la traduttrice Ute Birgi-Knellessen e Christov Rolla sono dotati di 10.000 franchi ciascuno.

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Nel 1714, il ventiduenne violinista e compositore italiano Giuseppe Tartini scoprì che si poteva sentire una terza nota ("terzo suono") quando si suonavano due note sul suo violino. Dal 1728 fece di questo fenomeno una regola fondamentale per gli allievi della sua scuola di accordatura, che divenne nota in tutta Europa. Pubblicò le sue ricerche nel 1754 e nel 1767 e ne discusse, tra gli altri, con Leonhard Euler. Tartini riferisce che già Platone ne era a conoscenza e la interpretava come un segno dell'anima del mondo: "(...) l'armonia dell'universo è l'albero intero; la musica ne è un ramo, ma necessariamente della stessa natura e della stessa radice, cosa che la musica innata della specie umana ovviamente dimostra, poiché essa sola è capace della scienza del numero. In questo senso c'è conoscenza e natura nel numero, (...) e in questo senso c'è la possibilità di scoprire l'albero attraverso il ramo, il tutto dalla parte (...)".

Questa visione armonica di Tartini sta ricevendo ancora una volta una maggiore attenzione nella ricerca odierna, soprattutto da quando sono aumentate le scoperte neurologiche sulle connessioni tra orecchio e cervello. L'ordine intero degli overtones, intrinseco a tutti i suoni, è fisiologicamente considerato fondamentale per il riconoscimento quotidiano dei suoni. Negli ultimi 300 anni, i ricercatori hanno trovato sempre nuovi modi per individuare i toni di combinazione, differenza e somma.

Nella sua dissertazione, la svizzera Angela Lohri approfondisce la complessità e la natura multistrato del fenomeno, utilizzando fonti primarie incentrate sui secoli XVIII e XIX e spiegandone le differenze. L'autrice ritorna alla visione olistica di Tartini: il terzo tono è il basso dei due toni e dei loro sovratoni comuni, cioè l'unità nella molteplicità; i sovratoni rappresentano a loro volta la molteplicità nell'unità. Per illustrare questo concetto, ha composto 26 brani in due parti Sonata per ottavino per violino senza scrivere il basso: sarebbe emerso da solo. Tartini si difese dall'unilateralità di studiosi e musicisti contemporanei e sottolineò che la sua teoria era valida per il violino. fisico (i toni della combinazione si creano nell'aria), armonico (vedi citazione sopra) e musicale-pratico come unità.

Lohri offre un contributo significativo all'aspetto musicale: Su strumenti a corda senza tasti, come il violino, è possibile suonare due toni sintonici (con rapporti interi) e controllarli con precisione con i toni combinati, che reagiscono in modo molto chiaro anche alle più piccole variazioni del dito sulla corda. Con il tritono, ad esempio, è possibile chiarire il contesto armonico (il tono inferiore o superiore è il tono principale?), poiché si hanno due diversi toni combinati tra cui scegliere con un'impostazione sottile! Lohri racconta i suoi esperimenti di ascolto con diversi violini e corde, simili a quelli effettuati in precedenza da Pierre Baillot e Michelangelo Abbado. Questi studi l'hanno portata anche a Stoccolma, dove ha potuto lavorare in modo ancora più preciso con una macchina per archi. Il problema dell'accordatura temperata viene affrontato filosoficamente da Hans Kayser e Dieter Kolk: La tolleranza tra idea e realtà cerca una via attraverso "tutte le nostre considerazioni sulla natura e sullo spirito" con un margine di manovra limitato.

A sostegno della mia raccomandazione di studiare questo libro per i musicisti, i costruttori di strumenti e come opportunità per ulteriori ricerche, riporto una citazione di Angela Lohri: "L'importanza dei toni combinati sta... nel loro effetto e nella loro idoneità come metodo per sensibilizzare la percezione del tono... Le loro proprietà matematico-armoniche ci dicono di più sull'essenza più profonda della musica". E Gerhard Mantel: "I suonatori d'archi delle accademie musicali dedicano il 70-90% del loro tempo di pratica al miglioramento dell'intonazione". Il libro stampato è molto utile per lo studio, che richiede di sfogliare molto avanti e indietro. L'assenza di un indice è sostituita favorevolmente da una perfetta funzione di ricerca nella versione elettronica.

Angela Lohri, Toni combinati e "terzo suono" di Tartini, 316 p., 94 ill. e spartiti, download gratuito, brossura € 49,99, copertina rigida € 55,99 Schott, Mainz 2016, ISBN 978-3-95983-079-9

L'edizione Breitkopf si è impegnata a riorganizzare il repertorio dei cantanti d'opera - un'impresa lodevole! La specialità: Le arie sono state selezionate in base a criteri vocali, all'estensione, alla tessitura e al tipo di ruolo, e questo colma una grande lacuna. Finora, quando si acquistava un album di arie, di solito si aveva a che fare con opere di tutte le discipline, con forse cinque o sei arie che corrispondevano al proprio profilo...

L'obiettivo di questa raccolta di repertorio è quello di raccogliere buoni spartiti, organizzarli in modo chiaro e presentarli in modo semplice. Questo obiettivo è stato raggiunto organizzando il repertorio in base alle discipline vocali. Ciò è interessante da un lato per gli studenti universitari e i docenti, ma anche per i cantanti professionisti che desiderano ampliare il proprio repertorio, che stanno valutando di cambiare argomento o che si stanno preparando per le audizioni teatrali. La raccolta contiene sia arie da audizione popolari per il rispettivo soggetto vocale, sia materiale meno noto e meno accessibile, ad esempio del modernismo classico.

Sono stati pubblicati i primi due dei quattro volumi per soprano: Volume 1: Lyric colouratura e Volume 2: Lyric - suddivisi in lyrically easy e lyrically difficult. Secondo l'editore, i volumi Coloratura drammatica e Soprano drammatico seguiranno alla fine del 2017.

In questo primo volume per soprano di coloratura troviamo una selezione piacevolmente ampia e variegata, che va dall'Alcina di Handel al Blondchen di Mozart, passando per Lakmé, Juliette e Olympia fino a ruoli più moderni come Zerbinetta e Cunegonde di Strauss. Candide di Leonard Bernstein. Questo volume contiene 27 arie ed è completato da un CD-ROM con i testi delle arie in lingua originale e le traduzioni in tedesco e inglese dei testi.

Un'appendice contiene inoltre commenti individuali sulle arie: Gamma e tempo di esecuzione, collocazione nel contesto dell'opera e contenuto, caratterizzazione della figura e, come ciliegina sulla torta, note metodiche dal punto di vista del cantante, tecnica di canto e suggerimenti stilistici (in questi commenti si "sente" virtualmente un insegnante di canto esperto, come ognuno di noi ha sicuramente avuto una volta o l'altra - e anche bilingue...).

La serie, iniziata con i due volumi per soprano e i tre per baritono, proseguirà per contralto, basso, mezzo e tenore e si concluderà nel 2019.

OperAria. Raccolta di repertorio a cura di Peter Anton Ling e Marina Sandel, € 29,80 ciascuno, Breitkopf & Härtel, Wiesbaden 2017

Pubblicato finora:

Soprano:
lirico - coloratura EB 8867
lirico EB 8868

Baritono:
lirico EB 8877
lirico-drammatico EB 8878
drammatico 8879;

Nel libro di timbro e tecnica per flauto traverso Ritorno alle origini La flautista traverso Anja Thomann ha raccolto esercizi specifici sull'articolazione, la tecnica delle dita, l'intonazione e la formazione del tono. La maggior parte degli esercizi si basa su fonti storiche, ognuna delle quali è preceduta da un facsimile dell'originale. L'autore ha utilizzato come fonti le opere metodiche di Michel Corette, Charles de Lusse e Johann Joachim Quantz. Gli estratti di queste opere sono stati ampliati in esercizi metodici completi, in modo che il libro possa essere utilizzato per praticare gli esercizi tonali e tecnici di base in modo "storicamente informato".

Il primo capitolo inizia con brevi preludi che attraversano tutte le tonalità, seguiti nel secondo capitolo da esercizi introduttivi che si estendono dal duolo alle terzine e ai gruppi di quattro. Le articolazioni comuni nel periodo barocco, come il tidi e il diri, sono incluse fin dall'inizio. Scale e arpeggi seguono nei capitoli terzo e quarto. Nel quinto capitolo, le figure tipiche del barocco, come l'alternanza di note, vengono esercitate in modo sequenziale e vengono prese in considerazione anche le catene di terze e quarte. Seguono, nel sesto capitolo, esercizi per lo sviluppo del tono, che comprendono intervalli, cromatismi ed esercizi per la formazione di toni lunghi con l'uso di swell. L'autrice dedica l'intero settimo capitolo all'articolazione did'll e lo amplia con idee pratiche proprie attraverso il canto e l'esecuzione. Nell'ottavo capitolo vengono presentati in sequenza ornamenti e trilli basati su una scala. Il libro si conclude con una dettagliata tabella delle diteggiature e una tabella dei trilli, completate da utili consigli sull'intonazione.

Studiando questi preziosi esercizi di Quantz, de Lusse e Corette, ci si renderà conto che la loro struttura anticipa quella che Marcel Moyse o Paul Taffanael produssero in seguito nei loro libretti metodici per il flauto Boehm. Questa pubblicazione, chiaramente strutturata, rappresenta un grande arricchimento per la struttura di base del timbro, della tecnica e dell'articolazione del flauto traverso, poiché gli aspetti essenziali sono riassunti in un unico libretto.

Anja Thomann: Ritorno alle basi. Un libro di tecnica per il flauto traverso, EW 982, € 19,80, Edition Walhall, Magdeburg 2016

La Fondazione Paul Sacher di Basilea è entrata in possesso di numerosi documenti sulla storia della ricezione di Arnold Schönberg grazie all'acquisizione di molte proprietà di compositori che hanno avuto a che fare con la sua musica. Come edizione commemorativa per il 70° compleanno del musicologo Hermann Danuser, sono ora disponibili 59 documenti selezionati con commenti di otto autori.

Come direttore d'orchestra e mecenate, Paul Sacher (1906-1999) era principalmente favorevole a Bartók, Honegger, Martin, Stravinsky e ai neoclassici come Martinů e ai compositori più giovani. Mentre il mecenate Werner Reinhart e il direttore d'orchestra Hermann Scherchen avevano ripetutamente sostenuto Berg, Schoenberg e Webern a Winterthur fin dagli anni Venti, fu solo nel 1933 che un'opera della Seconda Scuola Viennese, il 2° Quartetto per archi op. 10 di Schoenberg in una versione per orchestra d'archi, fu inclusa in un programma dell'Orchestra da Camera di Basilea, che Sacher aveva fondato e diretto. Negli ultimi anni della sua vita, Sacher si procurò i manoscritti delle opere di Schönberg. Cinque brani orchestrali op. 16 e Kol nidre op. È un'ironia del destino che il direttore d'orchestra, che fino ad allora si era dimostrato chiuso alla musica ebraica, abbia acquisito una composizione che era centrale per l'immagine di Schönberg come ebreo.

L'opera, iniziata con l'arrangiamento di Anton Webern del preludio del Gurre canzoni per due pianoforti, otto mani (1909), abbracciano un'ampia gamma fino alla trascrizione di Heinz Holliger della Sei piccoli pezzi per pianoforte per ensemble da camera (2006). Saranno presentati anche arrangiamenti degli stessi brani da parte di Wolfgang Rihm e Younghi Pagh-Paan. Tra le prime esplorazioni compositive della musica di Schönberg, il brano di Stravinsky Trois poésies de la lyrique japonaise (1912/13) e il 3° quartetto per archi con voce di Milhaud (1916). Tra i documenti più interessanti c'è anche il contributo di Bartók La musica di Arnold Schönberg in Ungheria alla rivista d'avanguardia viennese Spartiti dell'Anbruch (1920), la Suite per pianoforte op. 25 di Schönberg con annotazioni di Stefan Wolpe e il manoscritto dell'esecuzione di Klaus Huber. Un tentativo di grandezza. L'immagine di sé di Schönberg nelle sue lettere (1974).

La pubblicazione, dal design accattivante con caratteri neri e rossi, contiene un elenco alfabetico dei documenti illustrati, un indice dei manoscritti e delle edizioni a stampa annotate relative a Schönberg nelle collezioni della Fondazione Paul Sacher e un indice dei nomi.

"On revient toujours". Dokumente zur Schönberg-Rezeption aus der Paul Sacher Stiftung, Festgabe für Hermann Danuser zum 70. Geburtstag, ed. Paul Sacher Stiftung, Basel, 192 p., € 35,00, Schott, Mainz 2016, ISBN 978-3-7957-1202-0

Una panoramica dei 57 volumi della serie Studi sulla ricerca valutativa, Ci si meraviglia della diversità delle aree tematiche, ma spesso ci si sorprende anche del fatto che molte delle scoperte difficilmente superano i confini della scienza per arrivare ai musicisti e ai frequentatori dei concerti, che potrebbero essere considerati i loro "consumatori". Tuttavia, poiché nella maggior parte dei casi si tratta di manoscritti di conferenze raccolte da simposi, il cui linguaggio a volte corrisponde al gergo tecnico, devono essere "tradotti" per i non addetti ai lavori. La strada verso gli esecutori e poi verso le introduzioni ai concerti è lunga.

In questo volume sulla musica da camera del compositore ungherese Zoltán Kodály (1882-1967), tuttavia, tutti i testi sono scritti in uno stile piacevolmente leggibile. Inoltre, sono inclusi ampi esempi di partitura, in modo che "leggere insieme" alla musica renda più facile accedere agli aspetti trattati. Hartmut Schick esamina la Sonata per violoncello op. 4 dalla prospettiva della quarta, il cui trattamento costituisce la soglia della Nuova Musica. Roswitha Schlötterer-Traimer mostra elementi di musica popolare nel primo e nel secondo quartetto d'archi, László Vikárius nella Sonata per violoncello solo op. 8. Michael Kube si concentra sul quartetto d'archi op. 2 con la sua ricezione e le sue edizioni a stampa, Anna Dalos sul quartetto d'archi op. 10, dove il periodo della Prima Guerra Mondiale gioca un ruolo importante.

È lodevole che lo spazio appartenga solo a Zoltán Kodály (senza il consueto riferimento a Bartók) e che l'aspetto socio-politico dell'epoca precedente la Prima Guerra Mondiale - La Budapest di Kodály intorno al 1900 - è presentato in dettaglio da Ilona Sármány-Parsons. Thomas Kabisch e Klaus Aringer trattano le due opere dalla partitura insolita, l'opera 7 (Duo per violino e violoncello) e l'opera 12 (Serenata per 2 violini e viola). In questo modo, vengono presentate alcune composizioni che raramente trovano spazio nei programmi di musica da camera di oggi. Una simile pubblicazione potrebbe ricordare ai musicisti il nome di Zoltán Kodály e porre rimedio a questa mancanza. La letteratura in lingua tedesca è così rara che persino il piccolo libro con le cinque conversazioni che Lutz Besch ebbe con Kodály è citato più volte (Verlag Arche, Zurigo 1966).

La musica da camera di Zoltán Kodály, Studien zur Wertungsforschung 57, a cura di Klaus Aringer, 239 p., brossura, € 28,50, Universal Edition, Vienna 2015, ISBN 978-3-7024-7283-2

Le orecchiabili melodie di famosi compositori e molti brani creati dall'autore stesso guidano l'allievo attraverso tutte le chiavi in modo divertente e forniscono innumerevoli e importanti basi teoriche e tecniche per una solida esecuzione del violino. Posso immaginare questo libretto come un aiuto didattico per i principianti adulti o per coloro che si avvicinano al violino. Per i bambini più vivaci, il Cerchio essere utile come supplemento a un altro corso.

Due terzi dei 136 numeri sono canzoni e composizioni attraenti, la maggior parte delle quali sono impostate come eccellenti duetti per violino. Grazie a una presentazione chiara con parole chiave accanto ai numeri di pagina, dettagli tecnici evidenziati in blu e un indice alfabetico, il processo di selezione è facilitato. Le spiegazioni potrebbero essere formulate in modo più semplice e gli esercizi introduttivi potrebbero essere più attraenti dal punto di vista grafico. L'esecuzione delle posizioni ha un ruolo secondario; in alcuni brani, diteggiature alternative sarebbero un vantaggio. La trattazione delle scale cromatiche, intere, blues e gitane è preziosa, così come i suggerimenti per improvvisare, trasporre e comporre.

Markus Joho: Violin Circle, Un piacevole libretto per suonare e praticare le chiavi e le tecniche del violino, PE 1003, fr. 29.80, Edition Pelikan/Hug Musikverlage, Zurigo 2016

Il materiale del Gurten Festival raccolto e conservato da Ueli Fricker e Daniel Leutenegger per oltre 40 anni sarà inviato nei prossimi mesi all'Archivio Sociale Svizzero di Zurigo. Ad essi si aggiungeranno i documenti del membro fondatore Hansruedi Egli, che finora sono stati elaborati e messi al sicuro dall'archivio Cabaret-Chanson-Mundartrock-Mimen di Hansueli von Allmen a Thun.

I primi cinque Gurtenfestival sono stati organizzati da un comitato organizzativo di volontari e da centinaia di volontari e hanno attirato ogni volta fino a 30.000 persone sulla montagna locale di Berna. Il Gurtenfestival era completamente privo di pubblicità ed era organizzato senza alcuna sponsorizzazione.

Fricker e Leutenegger invitano gli altri membri dei comitati organizzatori dei primi anni, gli aiutanti, i partecipanti, i visitatori, i media e le altre persone coinvolte all'epoca a unirsi a loro e ad affidare loro i cimeli dei primi cinque Festival di Gurten (testi, foto, disegni, video, registrazioni sonore, oggetti, ecc.

Per le consegne per posta:
Ueli Fricker, Lombachweg 38a, 3006 Berna

Per le consegne via e-mail:
daniel.leutenegger@dreamteam.ch

Le attività nelle guarnigioni militari erano determinate dai tamburi. Specifici pezzi di tamburo segnalavano ai soldati di svegliarsi, riunirsi, ispezionare, mangiare o riposare di notte. I soldati dovevano familiarizzare con i segnali dei tamburi ed eseguire immediatamente gli ordini. (Traduzione libera da www.warnersregiment.org)

Il Campo e guarnigione è un catalogo di brani tradizionali per tamburo. Claus Hessler ripercorre il loro percorso dagli inizi nell'esercito britannico al moderno drumset nel suo ultimo lavoro Camp Duty Update. Inizia con lo sfondo storico e i contesti della tradizione tamburellistica europea, da cui viene tracciato il trasferimento alle varie scuole di rudimental drumming.

Dopo una breve definizione del termine "rudimento", l'autore ci accompagna in un divertente viaggio nel tempo nel fantastico mondo del tamburo. Apprendiamo che i tamburi furono utilizzati per la prima volta già nel XIV secolo, soprattutto in occasione di eventi bellici, per trasmettere informazioni ma anche per intimidire il nemico. L'orizzonte di Hessler abbraccia diversi secoli fino all'epoca moderna e praticamente tutta l'Europa dal punto di vista geografico. Le affermazioni sulla categorizzazione geografica e musicale dei rudimenti e le brevi spiegazioni di "drag" e "ruff" sono molto istruttive.

Con il Air des fifres ou hautbois del musicista di corte e compositore francese André Danican Philidor, Hessler passa alla pratica nel secondo terzo del suo lavoro di 90 pagine. Tutti i titoli qui presentati provengono dal U. Campo e guarnigione degli Stati Unitila collezione da cui Hessler ha tratto il titolo del suo corso. Ci sono prelibatezze come La caduta di Parigi o Yankee Doodle. Pezzi come questi e molti altri sono stati registrati con il flauto piccolo nel CD allegato e sono disponibili anche come play-along. Hessler presenta l'accompagnamento di batteria nella versione originale e nei suoi arrangiamenti, che riservano numerose sorprese. Per alcuni brani l'autore ha scritto anche degli aiuti all'interpretazione. Questi sono destinati ad aiutare l'esecutore per mezzo di rulli e ornamenti scritti. Tutti gli esempi musicali sono stati scritti in notazione Berger, che viene spiegata brevemente all'inizio del libro.

Nella sua prospettiva, Claus Hessler utilizza l'esempio del Un altro granatiere la consapevolezza che l'arte del "marching drumming" può certamente essere trasferita al drumset. Una tabella alla fine del libro confronta i rudimenti e i loro nomi nelle varie tradizioni batteristiche. Colpisce la frequenza delle quintuple negli esercizi che seguono. L'autore scrive nella prefazione: "Il fatto che molti rudimenti guadagnino significativamente in comprensibilità e fluidità sullo sfondo di ritmi basati su quintuple può essere un aspetto nuovo per molti lettori".

Aggiornamento sul servizio di campo è un rinfrescante cambiamento nella grande abbondanza di letteratura moderna sulle percussioni - e non dovrebbe quindi mancare in nessuna collezione ben fornita. Claus Hessler lavora come clinico a livello internazionale e scrive per riviste come Batterista moderno. Con le pubblicazioni dei suoi libri e il doppio DVD Tamburellare Kairos ha già stabilito degli standard in passato. Insegna, tra l'altro, all'Università di Musica e Arti dello Spettacolo di Francoforte.

Claus Hessler: Aggiornamento sul dovere di campo. Vom ursprünglichen Wesen und Sinn der Drum Rudiments, libro e MP3-CD, 20255G, € 19,95, Alfred Music, Colonia 2015, ISBN-13:978-3-943638-93-6

Composto nel 1917 Rondò ungherese è una delle composizioni più orecchiabili di Zoltán Kodály: quattro canzoni popolari ungheresi e una melodia di danza strumentale sono efficacemente combinate in forma di rondò.

La nota versione per piccola orchestra fu eseguita per la prima volta a Vienna nel 1918. Tuttavia, Kodály preparò anche una versione per violoncello e pianoforte, che fu eseguita per la prima volta a Budapest nel 1927, ma non è ancora stata pubblicata.

La prima edizione pubblicata da Editio Musica Budapest è una gradita aggiunta alla letteratura per violoncello. Il livello di difficoltà del brano è elevato, approssimativamente paragonabile a quello dei brani di Tre pezzi per violoncello e pianoforte di Nadia Boulanger. Il compositore non è avaro di effetti efficaci come i pizzicati della mano sinistra, le corse virtuose nel registro acuto, i doppi stop e le cantilene sonore nel registro grave. Il trattamento della parte del violoncello ricorda a volte le composizioni di David Popper; Kodály, che suona lui stesso il violoncello, doveva conoscere le sue opere per violoncello, dato che Popper insegnava all'Accademia Liszt di Budapest.

L'edizione è stata preparata dal violoncellista ungherese Miklós Perényi, che ha registrato l'opera con Dénes Várjon al pianoforte per Hungaroton nel 2003.

Zoltán Kodály: Rondo ungherese per violoncello e pianoforte, a cura di Miklós Perényi, prima edizione, Z. 14990, fr. 14.70, Editio Musica Budapest 2016

Sibyl Matter, 53 anni, è avvocato, notaio e mediatore e socio dello studio legale Solvas. È inoltre impegnata come presidente del Centro di Berna per ciechi e disabili e come membro del Consiglio di Fondazione Progr. Sibyl Matter gestisce i diritti delle canzoni del padre Mani Matter per conto della famiglia.

Peter Stämpfli rappresenta la Città di Berna nel Consiglio di amministrazione della neonata istituzione culturale Konzert Theater Bern sin dalla sua nascita, nel luglio 2011. Secondo la Città di Berna, ha svolto un ruolo fondamentale nell'aiutare il KTB a superare la difficile fase di avvio e a trovare il suo posto come istituzione culturale più importante del Cantone e dell'intera regione.