La gestione sostenibile della salute inizia nell'educazione musicale, in primo luogo nelle scuole di musica, che in Svizzera sono ben organizzate e possono sviluppare misure di prevenzione mirate. Hanno le reti e l'esperienza per farlo. Tuttavia, un numero sempre maggiore di fornitori privati, di piattaforme internet nazionali e di offerte globali nei social media sta facendo vacillare le basi collaudate dell'educazione musicale. Oggi esiste un'ampia varietà di approcci metodologici e di fornitori. Di conseguenza, l'educazione musicale si sta trasformando da un mercato tradizionale di venditori con tariffe stabili, tutelate dai sindacati e quindi relativamente alte, a un mercato di acquirenti quasi completamente liberalizzato e globalizzato, con una forte pressione sulla situazione reddituale degli insegnanti di musica. C'è il rischio che la gestione della salute e la prevenzione vengano emarginate come aspetti di lusso dell'insegnamento. Questo vale ancora di più per le forme di insegnamento online che difficilmente consentono agli insegnanti di avere un riscontro fisico. A Lucerna, Philippe Krüttli, presidente dell'Associazione svizzera delle scuole di musica, Gerhard Wolters della "Private Academy for Music Education Innovation", da lui stesso fondata, e Dawn Rose, psicologa musicale della Scuola di musica di Lucerna, saranno tra coloro che affronteranno queste sfide.

Christoph Reich è membro di Swissmedmusica e per diversi anni è stato medico della squadra di calcio dello Zurigo. Dirige il servizio medico del Comitato paralimpico svizzero, è il medico dell'Associazione svizzera per gli sport disabili Plusport ed è il medico responsabile del Centro regionale di prestazioni per la ginnastica ritmica.

Cosa può insegnare la medicina dello sport ai musicisti?
Christoph Reich: In breve: uno sguardo sobrio sulla meccanica del movimento e sullo stato dell'allenamento. Nonostante le emozioni e l'importanza dell'espressione fisica negli sport individuali, lo sport ha in definitiva molti aspetti molto concreti: Non sorprende quindi che l'analisi del movimento, la conoscenza della capacità di carico fisico dei tendini e lo sguardo sullo stato dell'allenamento siano molto presenti nello sport quotidiano.

Cosa possono imparare i musicisti dalla medicina sportiva?
Grazie alla medicina dei musicisti e alla fisiologia musicale, queste conoscenze sono oggi molto presenti anche nell'educazione musicale e hanno raggiunto anche i musicisti. In definitiva, si tratta di essere in stretto contatto con il proprio corpo nell'organizzazione dello stress e di lavorare in collaborazione con esso. Il nostro corpo è molto resistente, ma solo alle sollecitazioni per le quali è stato ben preparato.

Maggiori informazioni sulla Giornata nazionale della salute Musica del 9 novembre 2024 a Lucerna: swissmedmusica.ch/healthday

La Svizzera, con la sua lunga tradizione di apertura e ospitalità, è un crocevia di culture. Questa caratteristica unica si riflette profondamente nel tessuto sociale e culturale del Paese. Situata nel cuore dell'Europa, la Svizzera è circondata da Paesi con tradizioni diverse, il che ha portato alla formazione di una società multilingue e multiculturale.

Nel corso dei secoli, mercanti, artisti, intellettuali e rifugiati politici hanno trovato in Svizzera un rifugio sicuro e hanno contribuito ad arricchire il patrimonio culturale del Paese. Questa diversità ha creato un ambiente in cui diverse forme di espressione artistica possono prosperare e interagire tra loro.

La musica ha svolto un ruolo fondamentale nell'unire le persone al di là dei confini linguistici e culturali. I festival musicali, le scuole e le accademie hanno sempre più celebrato questa diversità, creando un paesaggio sonoro che è tanto diverso quanto le persone che abitano il nostro Paese. Bande, cori e gruppi folkloristici svizzeri spesso incorporano elementi di altre musiche, riflettendo un'identità musicale che è allo stesso tempo locale e globale.

Nel panorama musicale contemporaneo, i concorsi non sono solo un palcoscenico per i talenti, ma anche un'opportunità cruciale per promuovere valori fondamentali come l'inclusività e la diversità a livello umano e musicale. In Svizzera, vari concorsi come il SJMW svolgono un ruolo sempre più centrale in questo ambito e si impegnano attivamente per garantire che tutti i giovani musicisti abbiano pari accesso a queste preziose opportunità.

L'influenza della diversità sullo sviluppo artistico

La diversità musicale del SJMW ha un'influenza significativa sullo sviluppo artistico dei partecipanti. Esibirsi accanto a coetanei con stili e background diversi stimola la creatività e incoraggia i musicisti a crescere e sperimentare. L'esposizione a un'ampia gamma di stili musicali consente ai giovani artisti di ampliare i propri orizzonti e arricchire il proprio repertorio.

Uno degli aspetti più affascinanti della SJMW è la varietà dei generi musicali rappresentati. Dal rigoroso stile classico alla libertà espressiva del jazz, dal ritmo contagioso del pop alla complessità della musica contemporanea, ogni genere trova la sua voce e il suo pubblico.

Partecipare alla SJMW significa avere l'opportunità di esibirsi in un ambiente che valorizza tutte le forme di espressione musicale. Il concorso diventa così un terreno fertile per la crescita artistica, dove le influenze si mescolano e i confini tra i generi diventano fluidi. I giovani talenti possono imparare nuove tecniche, sperimentare suoni diversi e, soprattutto, scoprire la bellezza della diversità musicale.

Un percorso di crescita e di scoperta

Il SJMW si impegna a rafforzare il proprio ruolo di organizzazione inclusiva e diversificata nel panorama musicale svizzero. Questo impegno si riflette non solo nell'ampliamento dei generi musicali offerti negli ultimi anni, ma anche nell'offerta a tutti i giovani musicisti di una piattaforma equa e aperta. 

In un mondo sempre più globalizzato, la capacità di abbracciare la diversità sarà fondamentale per il successo e la crescita della prossima generazione.
generazione di creatori di musica. Attraverso
Promuovendo lo scambio culturale attraverso la musica, il concorso non solo prepara i partecipanti a eccellere nell'arena musicale globale, ma contribuisce anche a costruire ponti tra le culture e a rafforzare il tessuto sociale della Svizzera e non solo. 

La musica è un potente catalizzatore per il cambiamento e la comprensione, e la SJMW dimostra come le competizioni possano essere molto più di semplici gare: Possono essere veri e propri motori di progresso e innovazione sociale.

Andreas Haefliger è riconosciuto per la sua sensibilità, il suo intuito musicale e il suo trascendente modo di suonare il pianoforte. Conosciuto per la sua programmazione innovativa, porta una passione e un'umanità totalizzanti nelle sue performance concertistiche e nelle sue registrazioni. Il recital pianistico sarà seguito da "Uri inspires - Beethoven triumphs". Il film musicale di 40 minuti del regista grigionese Daniel von Aarburg mostra come Andreas Haefliger esplora la Sonata Hammerklavier di Ludwig van Beethoven nelle montagne di Uri durante il "periodo Corona".

I giovani talenti del Conservatorio della Svizzera italiana Lugano si esibiranno ad Arosa il 27 giugno come una sorta di "pre-apertura". "Romanticismo? Romanticismo!" potrebbe essere il titolo del loro programma. In questo concerto presenteranno opere provate durante una settimana di prove organizzata da AROSA Kultur. Il concerto sarà eseguito anche a Cham il 28 giugno e a Lugano il 29 giugno. 

La lunga tradizione di spettacoli d'opera continuerà anche quest'anno. L'Operetta Ardez sarà ospite ad Arosa. La loro ultima produzione si chiama "Teater musical sotto le stelle dans le quatre Landessprachen", liberamente adattato dall'opera di Engelbert Humperdinck "Hänsel und Gretel" in una nuova veste con musiche di G. Bizet, F. Lehar, Mani Matter, canzun rumantschas, Cat Stevens e altri.

Da ascoltare anche: Un combo "jazzistico" di sassofoni di Berna "klapparat", un concerto d'incontro di musica popolare con il "Jodelclub Hochwang" di Landquart e il "Brandhölzler Striichmusig", una formazione del Toggenburg. I concerti per bambini sono da sempre parte integrante dell'Estate culturale di AROSA. Per cinque lunedì a partire dall'8 luglio, vari gruppi teatrali, musicisti e burattinai incantano i cuori dei bambini, i genitori, i padrini e le nane con le loro esibizioni. 

I concerti del Bergkirchlikon sono quasi leggendari. Ogni martedì alle cinque, i musicisti si esibiscono nella cappella di 531 anni a 1900 metri sul livello del mare. 

Letture e una conferenza d'arte su Augusto Giacometti completano il variegato programma.

Quando il tempo è bello, molti eventi si svolgono nell'incantevole palcoscenico della foresta di Arosa. 

Tutte le informazioni sono disponibili su www.arosakultur.ch per trovare. 

Come possono i musicisti come Anaïs organizzare la loro vita professionale in futuro?

Anche se la paura di fallire e i timori esistenziali possono essere paralizzanti in queste situazioni, non è impossibile recuperare la propria carriera anche in età avanzata. 

Oltre alla diffusa distonia focale, i musicisti professionisti sembrano essere affetti da un numero di malattie superiore alla media. Tra queste, malattie mentali come depressione o disturbi d'ansia, disturbi ortopedici causati da movimenti altamente ripetitivi e asimmetrici e, naturalmente, varie forme di danni all'udito come sordità improvvisa o acufeni.

Anche se le cause di queste malattie non sono ancora state studiate in modo definitivo, hanno una cosa in comune: lo stress psicologico non ha certamente un effetto positivo sul decorso della malattia.

Il rapporto SRF lascia senza risposta una domanda centrale: quali opportunità professionali hanno i musicisti colpiti se non possono più suonare il loro strumento e quindi non possono più svolgere professionalmente la loro attività altamente specializzata?

Quali sono le qualifiche, le abilità, le competenze o la struttura della personalità che possono contribuire all'economia in altri modi per sostenere se stessi e le loro famiglie?

La risposta più ovvia, che si riscontra anche in altri gruppi professionali con problemi simili, come lo sport ad alte prestazioni, è che trasmettono ciò che hanno imparato attraverso il coaching e l'insegnamento.

Non c'è dubbio che le lezioni di musica possano essere arricchite e impreziosite da uno zaino pieno di anni di esperienza professionale, da una visione matura del mondo e della vita, e da tanti consigli e trucchi - non ultimo dall'esperienza pratica nella prevenzione della salute o nella gestione dello stress.

Ma quanto sono realistiche le possibilità di ottenere un lavoro in una scuola di musica in età avanzata, ad esempio? Certo, la concorrenza non dorme mai e la maggior parte delle scuole di musica non è alla disperata ricerca di personale.

Tuttavia, secondo un recente studio dell'Associazione svizzera delle scuole di musica (VMS), a partire dal novembre 2023, esiste un certo potenziale - a seconda dello strumento o della materia di insegnamento. Lo studio conclude che un numero considerevole di posti di lavoro pubblicizzati nelle scuole di musica in settori come il flauto di pan, il solfeggio, il violino jazz, la produzione musicale, lo jodel, la musica e il movimento, ma anche in materie tradizionali come la chitarra, il flauto dolce, l'oboe, il fagotto, la fisarmonica, il violoncello, il contrabbasso, la tromba o la direzione di coro, sono stati difficili da coprire. Ciò era più evidente nelle scuole di musica rurali.

Oltre alle competenze professionali e alle capacità pedagogiche, le scuole di musica cercano anche la padronanza delle lingue, la capacità di lavorare in gruppo, il know-how amministrativo e le capacità comunicative e sociali.

Quindi: il mondo sta cambiando rapidamente, ma con queste competenze potete migliorare significativamente le vostre possibilità sul mercato del lavoro - competenze che potete acquisire attraverso la formazione e l'istruzione continua.

Per garantire che siano finanziariamente sostenibili in casi come quello citato all'inizio, abbiamo deciso di estendere i requisiti per i contributi di sostegno finanziario. Oltre alle eccellenti capacità strumentali o vocali, che vengono valutate in un concorso per borse di studio (forse psicologicamente stressante), ora anche le eccellenti capacità o concetti didattici e pedagogici possono essere considerati per l'assegnazione di borse di studio.

Quindi: non è mai troppo tardi per fare la cosa giusta. Perché non vi mettete in contatto con noi? Saremo lieti di fornirvi la nostra consulenza in materia di formazione e aggiornamento professionale.

Xavier Dayer, nuovo direttore del Dipartimento di Musica della ZHdK, a colloquio con il suo predecessore.

Xavier Dayer, non è più scontato che le carriere artistiche portino alla leadership e alla gestione. Cosa l'ha portata su questa strada?
Il mio curriculum è vario: come compositore, ho ricevuto presto commissioni e dagli anni '90 ho scritto molto per ensemble e orchestre. All'età di 25 anni sono diventato docente di teoria, ho insegnato in vari posti e infine sono diventato responsabile del programma di studio e docente di composizione presso la HKB. In passato ho studiato chitarra classica e il mio rapporto con lo strumento è ancora molto importante per me. Dal 2011 sono presidente del Consiglio della SUISA e ho acquisito familiarità con la gestione e le sue sfide legali, le questioni di mercato e l'internazionalizzazione. È intellettualmente stimolante cercare soluzioni con personalità diverse e raggiungere accordi non comodi ma sostenibili. Le questioni complesse mi stimolano. La composizione, invece, rimane un'attività artistica di cui sono interamente responsabile. 

Gestione significa creare un contesto in cui i dipendenti possano lavorare bene.
Esattamente. La gestione non è un compito artistico, ma dovrebbe consentire il successo di molti interessi. E ho molta fiducia nel modello della scuola d'arte. Sono convinto che in una giovane generazione la creazione e il "consumo" di musica siano sempre più legati ad altre arti, mentre la musica distaccata deve spesso essere difesa e comunicata. Ma forse anche i concerti tradizionali stanno improvvisamente tornando a essere una "disintossicazione da dopamina"! L'accademia d'arte è il posto giusto per riflettere su questo. 

Il mondo dell'istruzione superiore è messo alla prova dalle innovazioni tecnologiche e dai cambiamenti sociali, ma allo stesso tempo la sua efficacia si basa sulla continuità.
Temi come l'intelligenza artificiale sono esplosivi per le università, in senso positivo. L'intelligenza artificiale prenderà il posto di gran parte di ciò che in passato abbiamo attribuito alla creatività umana. Ciò solleva importanti questioni legali, etiche ed economiche. A volte penso che dovremmo parlare di "saccheggio universale" piuttosto che di IA, in quanto poche aziende a scopo di lucro si stanno appropriando dell'intera cultura mondiale. Più capiremo l'importanza della trasmissione umana. Qualità come la personalità, la presenza scenica, ecc. diventeranno più preziose. Dobbiamo occupare il terreno che non può essere utilizzato da queste aziende. 

Tuttavia, è necessario spiegare sempre di più, cosa fanno le accademie di musica, anche per le persone del mondo dell'arte che ne sanno poco...
Sì, conosco questa sensazione di Sisifo, c'è una banalizzazione dell'opinione pubblica. Fa parte del lavoro mediare e lasciare le bolle di sapone. Ma non dobbiamo mai dimenticare che la cosa più importante avviene a livello di insegnamento. Lo studio è come la fotosintesi tra docenti e studenti. Tutti noi abbiamo
Ricordi di momenti chiave durante il corso di laurea. Questi sono avvenuti nel contatto di apprendimento, nel
Lavorate sul problema in questione, non nelle sale riunioni. 

E cosa vi aspettate dalla Conferenza delle Università di Musica della Svizzera?
È un'opportunità per guardare al di là della propria cerchia universitaria, per discutere insieme le priorità e per fare chiarezza su termini come "eccellenza", nel senso di una concezione ambiziosa ma ampia della qualità. E grazie alla sua collegialità, può dare forma all'inevitabile competizione tra istituzioni in modo costruttivo e stimolante.

Cosa non vede l'ora di fare?
Alle persone, ai contatti, ai colleghi stimolanti nell'insegnamento, nell'arte e nella ricerca. Vedo grandi cose e sono molto curiosa. È un grande piacere far parte di questa avventura della ZHdK. 

Per molti dei circa 70 dipendenti della sede di Pro Helvetia a Zurigo, la giornata lavorativa inizia in treno. Molti si spostano da Basilea, Berna, Friburgo, Losanna o Ginevra. Questo garantisce uno scambio stimolante con persone provenienti da tutte le regioni del Paese, il che è un grande vantaggio per una fondazione nazionale. Durante il viaggio in treno, controlliamo le e-mail, guardiamo le relazioni finali o i documenti di candidatura, lavoriamo sui documenti di concetto e pianifichiamo le riunioni. Un ufficio su ruote. Quando arriviamo a Zurigo, la stampante è spesso la prima cosa da fare: le lettere di decisione, le relazioni finali e altri documenti devono essere stampati ed elaborati. 

Il primo incontro della giornata è dedicato a un confronto con un festival musicale svizzero: viene presentato il nuovo programma e vengono illustrati i criteri di finanziamento. Come per tutti gli altri programmi di finanziamento, prestiamo attenzione all'attrattiva sovraregionale del festival: il festival è già affermato? Si è fatto un nome nella scena? Programma spettacoli provenienti da un'altra regione linguistica? È sostenuto dalla città e dal cantone e quindi soddisfa il principio di sussidiarietà? Il festival è una piattaforma importante per la scena svizzera? Le note dell'intervista saranno utilizzate in seguito per valutare la candidatura. 

Turismo sostenibile

Viene quindi presa in considerazione una nuova richiesta: si tratta della tournée di un gruppo musicale svizzero affermato in Cina. Prima di prendere una decisione definitiva, consultiamo i nostri colleghi dell'ufficio locale. Essi sono vicini alla scena cinese e possono giudicare se le sedi sono sufficientemente consolidate e se il livello dei compensi e il contributo ai costi di produzione sono adeguati al contesto locale. Prestiamo inoltre attenzione a una pianificazione sostenibile dei tour, particolarmente importante quando si percorrono distanze così lunghe. Oltre ai concerti, è possibile organizzare attività come workshop, incontri di rete o ricerche. Pro Helvetia ha sei uffici in diverse regioni del mondo. Lo scambio con questi colleghi è sempre particolarmente stimolante. 

La prossima domanda riguarda una piccola serie di concerti locali di un giovane quartetto d'archi non ancora sufficientemente affermato. Sebbene i compositori coinvolti si siano finora esibiti nella loro città, questo purtroppo non è ancora sufficiente per ottenere il sostegno di Pro Helvetia.

Lavoro di rete internazionale

Nel pomeriggio si terrà una riunione interna per pianificare un evento di networking presso un festival svizzero: Quali curatori internazionali vogliamo invitare? In quale giorno del festival possiamo sperimentare il maggior numero possibile di programmi svizzeri? Quali produttori musicali svizzeri dovremmo invitare all'aperitivo di networking? Il passo all'estero è molto importante per i musicisti della piccola Svizzera. Qui abbiamo una missione speciale. Poiché anche gli organizzatori stranieri, come i festival e i club, possono rivolgersi a noi per ottenere finanziamenti, manteniamo molti contatti e svolgiamo quindi un ruolo decisivo nell'esportazione della musica dalla Svizzera. 

Dopo la riunione, continuiamo con un'e-mail dal nostro dipartimento "Contatti e iniziative globali". Una curatrice boliviana vuole trascorrere quattro settimane per conoscere la scena musicale elettronica locale. Ha un'ampia rete in Sud America e organizza un festival annuale di musica da club, con workshop e masterclass. Si tratta di un'iniziativa che rientra nello spirito dello scambio culturale e di una grande piattaforma. Questo viaggio di ricerca sembra assolutamente degno di essere sostenuto e con l'aiuto di un coach sarà in grado di sfruttare al meglio il suo tempo. Faremo in modo che possa stabilire nuovi contatti con DJ, produttori, etichette e organizzatori di eventi.

Prima della chiusura, è stato confermato l'invito al prossimo ritiro: il nostro obiettivo è quello di affrontare con maggiore forza le scene musicali precedentemente sottorappresentate. Le nuove misure di finanziamento significano anche molte discussioni! Nel 2024 attueremo due nuovi programmi di sostegno: Push-it, rivolto ai musicisti emergenti e alle loro etichette, e Feat. rivolto alla scena hip-hop ed electro.

È ora di risalire sul treno, perché la sera è in programma un concerto: la nuova produzione di una compagnia di teatro musicale, che sarà presto presentata in un festival all'estero. Abbiamo sostenuto la creazione e la tournée e siamo quindi particolarmente entusiasti di vedere l'opera ora.

Fatti e cifre

Chi è supportato: Musicisti con passaporto svizzero o residenza permanente in Svizzera, affermati a livello nazionale e che creano il proprio repertorio, nonché organizzatori di eventi in Svizzera e all'estero.

Cosa è supportato: tra cui nuove produzioni, presenza internazionale (tournée, partecipazioni a festival), produzioni di album con tournée di lancio, festival di fama nazionale

Quali sono i criteri più importanti? Sovraregionalità, sussidiarietà, tariffe adeguate, programma innovativo

Suggerimenti per la presentazione delle domande

-Controllate i criteri di ammissibilità sul sito web e inviate la vostra domanda online.

-Riempire la maschera online con testi brevi, evitando di ripetere i testi del dossier.

-Un budget dettagliato e un piano di finanziamento realistico sono essenziali.

-Verificare se è stato selezionato un programma di finanziamento del dipartimento di Musica. 

Peer Abilgaard ha studiato canto e tromba all'Università di Musica e Danza di Colonia ed è stato solista ospite come controtenore allo Staatstheater Darmstadt e al Teatro di Darmstadt.  teatri d'opera di Halle, Gera, Altenburg e Bonn. Dopo gli studi musicali, ha proseguito gli studi di medicina all'Università di Bonn. Oggi è primario della Clinica per la Salute Mentale dell'Ospedale Evangelico di Gelsenkirchen ed è esaminatore per diverse associazioni mediche tedesche. 

Nel 2009 ha fondato l'Istituto Peter Ostwald per la salute dei musicisti presso l'Università della Musica di Colonia. Ha inoltre fondato il "Netzwerk Musikermedizin Nordrhein", un'associazione di terapisti e medici provenienti da un'ampia gamma di specializzazioni. In qualità di membro fondatore della "Società tedesca per la fisiologia musicale e la medicina dei musicisti", da molti anni si occupa dell'interfaccia tra arti dello spettacolo, educazione musicale e medicina. Insieme ai suoi colleghi, persegue un ulteriore sviluppo orientato alle risorse di questa disciplina ancora giovane all'interno della società specializzata. 

Come autore, Abilaard si occupa di approcci orientati alla resilienza e alla dignità in psicoterapia, dell'importanza della psicoterapia non verbale e dell'importanza della psicoterapia non verbale.  e un'educazione musicale che rafforza l'ego.

Per saperne di più sulla Giornata Nazionale della Salute Musica: swissmedmusica.ch/healthday

Che ruolo ha la musica nei momenti di crisi personale? Come si affrontano le crisi creative? E come vengono rappresentate le crisi di identità nella musica? Queste e altre affascinanti domande sono esplorate nell'ultimo volume dell'Annuario svizzero di musicologia, appena uscito come terza pubblicazione in formato Golden Open Access. Le quattro curatrici Margret Scharrer, Vincenzina Ottomano, Lea Hagmann e Laura Möckli, che si muovono in ambiti molto diversi della musicologia (musicologia storica, studi sul teatro musicale, etnomusicologia), completano così la loro trilogia sul tema "Musica in tempi di crisi".

I termini "crisi" e "musica" sono definiti in modo ampio. Il primo volume della trilogia (vol. 38, 2021) trattava principalmente di pandemie (Covid-19, AIDS) come reazione alla pandemia di Covid-19, mentre il secondo volume (vol. 39, 2022) era dedicato a conflitti e guerre (Belliphonia, SARS, conflitti di confine, ecc.). Nelle loro introduzioni al volume attuale Identità e creatività (vol. 40) scrivono i curatori: 

Le situazioni di crisi sono parte integrante dell'esperienza umana, sociale, scientifica e artistica. Sebbene siano situazioni eccezionali, si possono trovare ovunque, non solo in aree devastate da carestie, guerre e malattie, ma anche in società ricche. Le crisi si manifestano in una grande varietà di forme e vengono percepite e gestite in modi diversi. (SJM, vol. 40, p. 7)

L'articolo principale del presente volume è di Naomi Matsumoto (Goldsmiths, Università di Londra), Rappresentare la follia e la crisi d'identità attraverso "Bess of Bedlam" di Henry Purcell  si occupa della ballata di Henry Purcell Bess di Bedlam (1683), che Matsumoto utilizza come esempio per illustrare come il concetto di follia fosse rappresentato nel XVII secolo in un genere di canzone noto come "canzone folle". In un altro articolo, il libro di Florian Besthorn "Voi popoli state imparando a vivere pericolosamente". Sulla strada della pace con la musica dei disastri? L'oratorio Arche di Jörg Widmann in relazione ai temi della fede, della divinità e della responsabilità personale, e si chiede come una società possa trovare nuove risposte alla domanda di un mondo più giusto in tempi di crisi. Articolo di Martin Pensa Vedere il mondo sotto una nuova luce - L'ultima opera di Gustav Mahler come sintomo di una crisi personale? analizza più da vicino l'ultima opera di Gustav Mahler e le complicate connessioni con la crisi personale del compositore nel 1907, quando perse sia la figlia Maria Anna sia il posto di direttore dell'Opera di Corte di Vienna e allo stesso tempo apprese di avere un'insufficienza cardiaca terminale.

Oltre ai tre articoli principali, gli autori della sezione "Testimoni contemporanei" affrontano altri aspetti dell'identità e delle crisi creative, ad esempio in un'intervista alla compositrice Manuela Kerer, in una conversazione con il regista Alexander Nerlich, nel progetto Music as Empowerment, che utilizza progetti sonori per superare le barriere linguistiche tra ricercatori svizzeri e giovani rifugiati nel cantone di Lucerna, o nella produzione teatrale di Lea Luka Sikau e Nat Jobbins, che tratta di salute mentale, queerness, follia, fallimento e processi di creazione. La sezione "Werkstatt CH" completa il volume con relazioni sui progetti musicologici in corso presso le università e le scuole superiori svizzere, oltre a relazioni di conferenze e recensioni di libri.

DOI:
doi.org/10.36950/sjm.40

Da tre anni l'Università Kalaidos offre il programma di educazione musicale del Metodo Suzuki in collaborazione con il Suzuki Institute Switzerland e l'istruttrice Suzuki Agathe Jerie. È aperto a chiunque abbia un diploma universitario con violino o viola come materia principale, dura un anno e si svolge in una settimana intensiva a Interlaken e poi nell'area di Zurigo. Analizzando i più recenti risultati della ricerca, gli studenti imparano ad applicare le pratiche e le teorie di Suzuki Shin'ichi. 

Signora Furrer, perché ha deciso di seguire un corso di formazione Suzuki?

Perché questo metodo ha "mani e piedi"! Sette anni fa, mia figlia ha iniziato a suonare il violino con il metodo Suzuki. Come madre e violinista, ho avuto l'opportunità di conoscere bene e a fondo il metodo nella pratica. Poi, durante la mia formazione, mi è stata data una conoscenza differenziata di come il complesso processo di apprendimento del violino possa essere insegnato in modo chiaro e semplice. Penso che sia fantastico!

Cosa distingue il metodo Suzuki da altri approcci di educazione musicale? 

Oltre all'inizio precoce con il "metodo della lingua madre", è l'interazione fin dall'inizio: lo facciamo insieme! Insieme suona ancora meglio! Queste sono esperienze importanti per il bambino. Impara a inserirsi in un gruppo, a mostrare considerazione per gli altri e ad ascoltare! 

Si rinuncia anche alla lettura della musica: In questo modo l'allenamento dell'orecchio, la concentrazione sul ritmo e sull'intonazione, la postura del violino, la sequenza dei movimenti durante l'esecuzione, il suono e l'espressione possono avvenire indisturbati. 

Inoltre, il sostegno dei genitori e la cooperazione tra insegnante, genitori e bambino sono di grande importanza. 

Le lezioni sono quindi adattate allo stadio di sviluppo, alle capacità e alla particolare fisiologia dei bambini piccoli e sono appositamente studiate in termini di metodi di insegnamento. Grazie a questa impostazione, il metodo Suzuki è oggi più che mai attuale: l'intervento precoce e le lezioni di gruppo sono sulla bocca di tutti e vengono offerte in molte scuole e scuole di musica.

Quali sono state le tappe fondamentali della sua formazione Suzuki?

Ho imparato un tesoro di suggerimenti e idee per una struttura di lezione divertente, visiva, giocosa e allo stesso tempo molto ben fondata. Anche se ho iniziato il corso con molti anni di esperienza nell'insegnamento, mi sono state aperte molte porte nuove e mi sono stati aperti dei mondi, per i quali sono infinitamente grata!

Ho imparato molto anche sugli aspetti tecnici del suonare il violino, grazie alla collaborazione vivace e stimolante che si è creata durante il corso. In un certo senso, tutti i partecipanti sono tornati all'inizio e hanno messo in discussione alcune cose in modo completamente nuovo - tutto al servizio del bambino e del suo percorso musicale. 

Alla fine ho capito che il metodo Suzuki è un percorso formativo o educativo in cui si sviluppano competenze preziose e di grande importanza per tutti gli ambiti della vita. Il Metodo Suzuki è un programma di formazione alla vita nel vero senso della parola.

In che misura la formazione ha cambiato la sua pratica di insegnamento?

La metodologia mi ha aperto gli occhi sul fatto che soprattutto i primi passi hanno bisogno dell'amore e del riconoscimento dei passi più piccoli. Il bambino sperimenta fin dall'inizio un legame prezioso e decisivo con lo strumento, con la musica e con se stesso, il che è una cosa meravigliosa. 

È cresciuta in me una nuova gioia per l'insegnamento, così che oggi posso di nuovo sperimentare un senso più profondo dello scopo. Sono molto grato per questo. 

Come possiamo visualizzare la struttura dell'intero metodo tradizionale Suzuki?

La scuola Suzuki è composta da un totale di 10 volumi, sviluppati in cinque diversi livelli. Ogni livello richiede solitamente un anno per essere completato. È possibile decidere individualmente il numero di livelli che si desidera frequentare. L'Università Kalaidos offre attualmente due livelli, ossia la formazione per i volumi Suzuki 1 - 3. 

Come vede il futuro del metodo Suzuki?

Spero che la conoscenza del metodo Suzuki, la sua filosofia e il suo spirito siano compresi e vissuti da un numero sempre maggiore di persone e che possano raggiungere un numero sempre maggiore di musicisti che cercano un significato nuovo, più profondo o più elevato nell'insegnamento!

Ulteriori informazioni sono disponibili sul sito: 

www.kalaidos-fh.ch/de-CH/Studiengaenge/CAS-Certificate-of-Advanced-Studies-Musikpaedagogik-Suzuki-Methode

CAS FH Educazione musicale Metodo Suzuki 

Il nuovo corso CAS FH Music Education Suzuki Method inizia ad agosto 2024, la scadenza per la presentazione delle domande è il 1° luglio 2024!

Dopo diversi anni dedicati alla direzione della SSM, Helen Geb-hart si è dimessa dal suo incarico per dedicarsi a un progetto di dottorato presso l'Università di Bâle, sotto la supervisione di Hanna Walsdorf. Prima di assumere il ruolo di responsabile della SSM, Helen ha studiato musicologia all'Università di Basilea. Nel 2021 ha ripreso il posto di responsabile della SSM al posto di Benedict Zemp.

Helen Gebhart è sostituita da Luc Vallat. Dopo aver studiato musicologia all'Università di Friburgo, Luc ha conseguito il dottorato all'Università di Berna, sotto la direzione di Cristina Urchueguía. Attualmente assistente all'Università di Ginevra e collaboratore scientifico in vari progetti, ricopre la carica di responsabile della SSM dal 1° maggio 2024.

Al momento della staffetta, Helen e Luc vengono intervistati insieme. Tra souvenir e proiezioni, i due musicologi parlano dei loro legami con la SSM.

Helen Gebhart, lei è stata amministratore delegato di SMG negli ultimi tre anni. Qual è stato il suo ruolo all'interno di questa organizzazione?
Il mio lavoro era molto vario: organizzavo gli affari della Società centrale, come l'Assemblea generale e le riunioni del Consiglio centrale, curavo l'Annuario svizzero di musicologia, ero responsabile della RILM Svizzera e scrivevo articoli per la SMZ.

In qualità di Direttore generale, lei ha guidato diverse attività. Quale di queste l'ha maggiormente influenzata?
Per me la pubblicazione del SJM è stata un ottimo lavoro, anche se impegnativo. Mi è piaciuto in particolare il fatto di incontrare sempre nuove persone con un'ampia varietà di background musicali.

Che cosa le hanno portato i tre anni trascorsi alla SMG come musicologo?
Ho imparato a conoscere diverse aree e approcci di ricerca e ho potuto ampliare notevolmente le mie capacità di ricerca e di redazione. I miei orizzonti nella ricerca musicale e nella vita lavorativa si sono notevolmente ampliati. 

Ora sta iniziando un nuovo capitolo della sua carriera entrando a far parte del progetto di ricerca del FNS "The Night Side of Music" come dottorando. Qual è il tema generale di questo progetto? Su cosa si concentrerà in particolare la sua tesi di dottorato?
Come suggerisce il titolo del progetto, analizzeremo la musica e la notte nei secoli passati ed esploreremo che cos'è la "musica notturna", ad esempio se c'è una differenza con la "musica diurna". Nella mia parte del progetto, mi sto concentrando sulla città di Basilea. Siate curiosi! 

Caro Luc, qual è stato il tuo rapporto con la SSM fino ad oggi?
Durante la realizzazione del mio dottorato, sono rientrata nella sezione bernese della SSM, prima di diventare vicepresidente nel 2020. In particolare, ho un ottimo ricordo di un workshop di danza rinascimentale che abbiamo organizzato nel 2021. In qualità di redattrice del Dictionnaire du Jura, sono anche molto interessata al Dictionnaire de la musique en Suisse. Sono quindi molto contenta di entrare a far parte della direzione della SSM per investire nelle molteplici sfaccettature di questa società accademica!

SSM è un'azienda più che centenaria. Quali sono le sfide che dovrà affrontare nei prossimi anni?
Ogni associazione deve costantemente confrontarsi con la questione del mantenimento e del rinnovo dei propri membri. Mi sembra quindi importante tenere conto degli interessi di ciascuno di loro nelle attività della SSM. Penso in particolare alle nuove generazioni di musicologi, alle diverse regioni linguistiche e anche ai vari programmi e progetti di studio della nostra disciplina.

Il motto della Giornata della salute è "Prevenzione ed eccellenza musicale" e fornirà le informazioni più complete possibili sui programmi di prevenzione e terapia in Svizzera. Presentazioni di alto livello forniranno informazioni sugli ultimi sviluppi della ricerca medica nel campo della musica, mentre i workshop offriranno l'opportunità di sperimentare tecniche salutari per fare musica.  Un'esposizione di materiale informativo offre una panoramica dei programmi di terapia e prevenzione in tutta la Svizzera. Gli specialisti saranno inoltre lieti di rispondere alle domande sulle strategie individuali per un sano fare musica e su come aumentare il benessere nella vita musicale quotidiana. Le presentazioni saranno tradotte simultaneamente. I membri della rete nazionale Swissmedmusica si presenteranno alla fiera. Questo garantisce l'alta qualità e la serietà dei programmi offerti. 

Diventa membro

Gli interessati che desiderano presentare le proprie offerte medico-musicali alla fiera della Giornata della Salute possono richiedere l'adesione a Swissmedmusica. Anche i musicisti interessati possono diventare membri. Swissmedmusica sostiene tutti coloro che si trovano sulla strada di un fare musica sano ed emotivamente appagante. I membri beneficiano inoltre di piattaforme di networking per tutti coloro che operano nel campo della medicina musicale in Svizzera e a livello internazionale, di una newsletter esclusiva e ricca di contenuti con informazioni su media, eventi e ricerche attuali nel campo della medicina musicale, oltre a sconti su riviste specializzate e all'ingresso alla Giornata della salute musicale.

Più informazioni: swissmedmusica.ch/membership

La formazione pratica, soprattutto per le persone che hanno già una vita professionale, è al centro della KMH. Tradizionalmente si pensa che i solisti di talento aspettino solo di essere assunti. Il corso di laurea specialistica "Specialised Performance" affronta proprio questo problema, per mostrare ai laureati come possono accedere autonomamente al mercato musicale e/o ideare e realizzare i propri progetti:

Parte dell'esame finale, che porta al diploma di solista, comprende il compito di mettere insieme un'orchestra o di mettersi in contatto con un'orchestra per realizzare un concerto da solista. Il direttore del programma fornisce un supporto in background con know-how e una rete di contatti.

Cooperazione di successo

Un ottimo esempio di questo modello è ora in dirittura d'arrivo: Lo studente della KMH Aristotelis Papadimitriou e il direttore Martin Studer eseguiranno il 16 maggio a Zurigo il Secondo Concerto per pianoforte e orchestra di Sergei Rachmaninov. Per l'imminente progetto, che prevede anche la Quarta Sinfonia di Bruckner, Studer riunisce le "sue" orchestre, che sono composte da un pool di musicisti ricco e ben coltivato. Qui, professionisti esperti si armonizzano con giovani studenti e musicisti dilettanti. 

Promozione e motivazione intergenerazionale

Martin Studer si è sempre concentrato sul sostegno ai giovani musicisti nelle sue numerose e varie attività. I frutti della sua energia sono visibili nella Phil-A, nella NZO e nell'ALSO: tutte orchestre che ha costruito insieme ad altre istituzioni e di cui è praticamente l'unico responsabile. L'immagine classica e motivante di un "self-made man" che può guardare con soddisfazione a ciò che ha realizzato ed è felice di trasmettere questa esperienza e le relative conoscenze. È giusto che il Dipartimento della Cultura del Cantone di Zurigo abbia riconosciuto il suo impegno con un premio.

La stagnazione è un passo indietro 

Condizioni ideali per Aristotelis Papadimitriou. Nato in Grecia, il plurivincitore di concorsi ha già frequentato diverse accademie musicali, completato studi artistici e di educazione musicale e studiato con vari professori. Oltre alla sua attiva carriera da solista, insegna nelle scuole di musica di Zurigo e dintorni. Anche se apprezza la stabilità, per Papadimitriou non è ancora sufficiente. Per andare avanti e non ristagnare, ha voluto perfezionare le sue capacità con Barbara Szczepanska, che oltre alla cattedra a Düsseldorf è anche insegnante di pianoforte accreditata presso la KMH. Il modello di studio flessibile, modulare e altamente autogestito è l'unico modo in cui può combinare il programma di studio con l'insegnante di sua scelta e completarlo mentre lavora.

Il successo numero uno della letteratura classico-romantica è in Do minore

Prima che Papadimitriou concluda i suoi studi con un recital alla fine di giugno, il penultimo esame deve ancora arrivare. Lui e Studer non hanno scelto a caso le opere in programma; vogliono offrire al pubblico una delle opere preferite: L'opera 18 di Rachmaninov è in testa alla Hall of Fame di Classic FM - così sono stati votati dagli ascoltatori della stazione radiofonica britannica.

Era già un successo quando fu creato: il suo concerto aiutò il compositore e pianista russo a tornare in auge dopo una profonda depressione e crisi creativa e manifestò la sua fama.

Suggerimento per il concerto
"Desiderio romantico 3.0"
Giovedì 16.05.24, ore 19.30 Zurigo, Chiesa di San Pietro
Programma:
S. Rachmaninov: Concerto per pianoforte e orchestra n. 2 in do minore, op. 18
A. Bruckner: Sinfonia n. 4 in mi bemolle maggiore "Romantica
Biglietti: www.nzo.ch

Questo ha segnato la fine di circa un anno di lavoro preparatorio: sulla base della versione del 2016, il contenuto della Carta della Musica Svizzera è stato rivisto criticamente e adattato alle circostanze attuali in vista del 20° anniversario: Il termine "musica svizzera" è ora definito come segue: "La musica svizzera - indipendentemente dallo stile e dalla lingua - è definita come registrazioni da parte di autori e/o interpretiche e/o sono svizzeri, che e/o hanno un chiaro legame con la Svizzera, che e/o sono considerati svizzeri per la loro precedente carriera". Un certo grado di modernizzazione si è reso necessario anche a causa dei cambiamenti nel consumo mediatico della società: da alcuni anni, i contenuti prodotti dalla SSR non sono più disponibili solo per l'ascolto e la visione in forma lineare come canali radiofonici e televisivi, ma sono anche disponibili 24 ore su 24 in versione digitale attraverso numerosi altri canali come social media, podcast, streaming, ecc.

I due principi seguenti della Carta sono certamente particolarmente importanti per le associazioni che si impegnano per la musica in Svizzera:

(1) "Si riconosce che la diversità e le novità della scena musicale in tutta la Svizzera - anche al di là delle regioni linguistiche - devono essere messe in evidenza e che il pubblico in generale deve esserne a conoscenza".

(2) "La SRG SSR fornisce un contributo culturale indispensabile al pubblico, tenendo conto della musica svizzera".

I contributi editoriali della SSR sulla scena musicale svizzera sono altrettanto importanti: la critica musicale (o la critica culturale in generale) è quasi inesistente nei media privati.

La Carta rinnovata stabilisce inoltre che la SSR si impegna a trasmettere una percentuale adeguata di produzioni musicali svizzere nei suoi programmi radiofonici. A tal fine, ogni anno vengono fissati dei parametri di riferimento con i partner [vedi a destra] della carta, che fortunatamente vengono solitamente superati.

In occasione della cerimonia di firma della carta, tenutasi a Zurigo lo scorso marzo, il CEO della SRG Gilles Marchand ha sottolineato nel suo discorso i successi della SRG nel settore musicale. A suo avviso, l'azienda è ben posizionata per le sfide del futuro. Sandra Tinner e Cécile Drexel, rispettivamente direttrici del Consiglio svizzero della musica e di SONART, hanno parlato agli ospiti invitati in qualità di rappresentanti delle associazioni. Sandra Tinner ha raccontato brevemente la storia di come le trattative tra le associazioni dell'industria musicale e la SSR siano iniziate alla fine degli anni '80 e abbiano infine portato al successo. Anche Cécile Drexel ha elogiato la Carta, ma non ha mancato di far notare alla SSR che c'è ancora "margine di miglioramento" nei parametri di riferimento per la musica svizzera. Si è convenuto che la SSR fornisce un contributo indispensabile alla musica svizzera e che l'impegno contro l'iniziativa del dimezzamento sarà altrettanto forte.

Partner della Carta della Musica Svizzera

• IFPI Svizzera
• Cultura popolare IG
• IndieSuisse
• orchester.ch - Associazione delle orchestre professionali svizzere
• Consiglio svizzero della musica (SMR)
• Cooperativa svizzera degli artisti interpreti (SIG)
• Associazione Svizzera dei Musicisti (SMV)
• Associazione svizzera degli editori musicali (SVMV)
• SONART - Musicisti Svizzera
• SUISA, Società cooperativa degli autori e degli editori di musica

Nel suo progetto di laurea magistrale, Pavel Stöckmann ha cercato di rispondere alla domanda "perché le persone sono necessarie nell'arte, cosa le rende speciali e perché non possono essere sostituite dall'IA".

Come ispirare nuovo pubblico per la dimensione esistenziale della musica classica
Si è chiesta Alla Belova nel suo saggio di master. "Molte persone vanno in India per un ritiro perché pensano che aiuterà la loro salute mentale. Ma semplicemente non si rendono conto che potrebbero andare al KKL sotto casa per vivere un'esperienza simile".

Entrambi gli studenti della Scuola di Musica di Lucerna non hanno risparmiato sforzi per affrontare artisticamente le loro domande: Pavel Stöckmann attraverso ampie composizioni proprie, l'inclusione di varie opere d'arte e mezzi di comunicazione
Alla Belova, attraverso una ricerca musicale sulla percezione del tempo in un'ampia varietà di opere per cinque diversi strumenti a tastiera di vari secoli, ha collegato il suo recital a un progetto di mediazione della durata di diversi mesi con conferenze, workshop, gruppi di chat e brevi video sui social media e discussioni con il pubblico.
questionario. 

La pandemia come fattore?

Occasionalmente si discute se la pandemia e le relative restrizioni all'industria musicale abbiano anche innescato sviluppi artistici e creativi. "Molto più velocemente di quanto avremmo mai potuto immaginare, le domande di allora sono ormai lontane", è la valutazione del direttore dell'Istituto Michael Arbenz. Altri fattori sono molto più significativi per gli sviluppi, come la disponibilità ormai onnipresente di strumenti che rendono più facile che mai lavorare e realizzare concetti artistici al computer a livello professionale.

A lungo termine - il fattore curriculum

Per quattro decenni, Peter Baur è stato responsabile della formazione di giovani musicisti in vari ruoli. In questo periodo, non sono cambiati solo il campo professionale e gli studenti. Baur sottolinea che anche i formati d'esame odierni consentono e addirittura incoraggiano una maggiore personalizzazione: "Queste possibilità non esistevano nemmeno prima dell'introduzione dei diplomi di Bachelor e Master. Il risultato principale dell'odierno progetto di Bachelor è l'idea indipendente, che viene implementata artisticamente e organizzativamente e su cui poi si riflette. Senza specifiche di contenuto". 

Il coordinatore del programma Erik Borgir vede un grande valore aggiunto nei formati sperimentali che sono direttamente e continuamente integrati nel programma di laurea: "Il fulcro dei corsi di laurea è l'esperienza della performance. Si può fare pratica quanto si vuole, ma senza una performance non si può sapere a che punto si è. Se un'idea funziona si scopre solo nell'interazione con la situazione scenica, con il pubblico - tutto il resto è grigia teoria".

Fattore infrastruttura

Nel 2020, la Scuola di Musica di Lucerna si è trasferita in un nuovo edificio con molti luoghi per sperimentare ed esibirsi, in modo che le idee non rimangano una grigia teoria. "Quando hai le possibilità e lo spazio davanti a te, è stimolante. Anche la possibilità di provare le cose in una stanza è fondamentale per il processo di sviluppo. Questo non era possibile nelle sedi precedenti. Il nuovo ambiente ha davvero incoraggiato il desiderio di creare", afferma Sascha Armbruster, docente e coordinatore dello studio. Tuttavia, i nuovi progetti portano con sé anche nuove esigenze, come sa Cornelia Dillier, responsabile del settore Eventi/Tecnologia: "Oggi è necessario avere intorno a sé una squadra che ti guidi e ti consigli... Hai bisogno di altre forme di supporto".

Il fattore umano e altro ancora

Naturalmente lo spazio, la tecnologia e il supporto non sono sufficienti. I progetti creativi dipendono dalle singole persone e dalle loro domande. Ma i formati odierni dei progetti creativi si concretizzano spesso in strutture collaborative, come dimostra la grande importanza dell'interazione nei progetti finali di Pavel Stöckmann e Alla Belova. "Più gli studenti si rendono conto che esistono queste possibilità e più si trovano in un ambiente di creatività e creazione, più sono interessati a fare qualcosa di simile", osserva Erik Borgir. E l'ambiente degli studenti si estende oltre le università: "La Svizzera ha un paesaggio fantastico per questo tipo di lavoro. Ci sono molti piccoli luoghi dove è possibile realizzare questo tipo di performance. Ci sono buone strutture di supporto. Ci sono comunità affiatate che si interessano e si riuniscono. E tutto è geograficamente vicino, quindi ci si conosce rapidamente".

Compilato da:
Valentin Gloor, direttore della Scuola di musica di Lucerna