Con un aumento del 96,6%, lo slancio di crescita dello streaming ha raggiunto un nuovo picco, superando in modo significativo le precedenti previsioni; uno sviluppo che ha più che compensato i cali del mercato fisico (-4,2%) e delle vendite di download (-2,6%).

Lo streaming audio genera ora il 13,8% delle vendite totali, mentre i download rappresentano il 15,7%. Il vinile è l'unico supporto sonoro fisico a crescere ancora, anche se in un mercato di nicchia: Con una crescita del 32,2%, il vinile rappresenta ora il 3,3% delle vendite. Complessivamente, nel 2015 la quota digitale (streaming e download) del mercato totale è stata del 30,9%, mentre la quota delle vendite di musica fisica (CD, vinile, DVD/Bluray) è stata del 69,1%.

Anche il repertorio nazionale continua la sua tendenza alla crescita. Otto dei primi 10 album della classifica annuale ufficiale tedesca nel 2015 erano in lingua tedesca, un dato mai visto prima. Oltre al pop e al rock, che continuano a riscuotere un grande successo, anche altri generi come gli album metal e hip-hop e i singoli di musica dance elettronica stanno ottenendo un successo di classifica costantemente elevato.

Il BVMI pubblicherà i dati di mercato definitivi con analisi dettagliate dei sottomercati a marzo.

Fare musica significa criticare, significa porsi la domanda: bene o male? I musicisti criticano se stessi, i loro insegnanti, i loro stessi studenti, gli altri esecutori, le registrazioni, ecc. Gli intenditori criticano, ma gli appassionati criticano ancora di più. Come commentano i musicologi, rappresentanti del "soggetto" (cinque volte nella prefazione a p. 5), il "giudizio e il giudizio di valore nella musica"? I "giudizi di gusto" sono disapprovati a questo livello; invece, gli "ascoltatori qualificati" dovrebbero esprimere "giudizi di fatto". Carl Dahlhaus (morto nel 1989) era ancora convinto che tali giudizi dovessero basarsi sull'analisi musicale. Oggi siamo molto lontani da questo. Si potrebbe quasi dire: più un giudizio è competente, più riflette il suo tempo; perché i giudizi di valore nel contesto delle arti non sono solo nella materia in sé o nelle persone che li esprimono, ma sono sempre basati culturalmente e quindi soggetti a influenze e mode mutevoli.

La maggior parte dei contributi presentati in una conferenza tenutasi ad Amburgo nell'autunno 2013 è giunta a questa conclusione, indipendentemente dal fatto che l'arrangiamento bachiano di Gounod Ave MariaJohann Mattheson o la musica di Erik Satie, se la ricezione dello pseudo-Beethovenian di Friedrich Witt Sinfonia di Jena o la sinfonia in mi maggiore di Hans Rott. La questione si complica quando entra in gioco l'umorismo, quando la musica stessa si basa su una distinzione tra buoni e cattivi e l'ascoltatore dovrebbe accorgersene. Il fatto che il giudizio dell'editore musicale abbia tratti profetici, o almeno conseguenze finanziarie, è un'altra forma di critica implicita. Se oggi, in un mondo commercializzato, l'arte si affianca facilmente alla non-arte, ogni giudizio diventa difficile. Per questo Manfred Stahnke conclude: "In definitiva, solo ciò che può raggiungere la nostra anima ha 'valore' per noi. E questo è privo di pubblicità" (p. 188). È un appello alla resurrezione del puro "giudizio di gusto"?

Ho letto il volume con interesse, non perché contenga qualcosa di fondamentalmente nuovo, ma perché i percorsi di pensiero degli autori, le loro argomentazioni, le fonti e le illustrazioni ci permettono di scoprire l'ignoto. Ma perché i musicologi, gli studiosi di letteratura e i compositori se ne stanno per conto loro? Hanno forse qualcosa in più da dire rispetto a quei critici e recensori musicali la cui attività quotidiana ruota attorno al "giudizio e al valore della musica", cioè alla domanda: "Buono o cattivo?"?

Buono o cattivo? Giudizio e giudizio di valore nella musica, (=Hamburger Jahrbuch für Musikwissenschaft, Vol. 30), a cura di Claudia Maurer Zenck e Ivana Rentsch, 188 p., Fr. 37.00, Peter Lang, Berna et al. 2015, ISBN 978-3-631-659997-7

Il direttore del festival Alpentöne di Altdorf, Johannes Rühl, e Dieter Ringli, etnomusicologo e docente presso la Scuola di Musica di Lucerna, hanno osservato per anni la nuova musica popolare in Svizzera, raccogliendo articoli di stampa e registrazioni, integrando questo materiale con ampie interviste ai musicisti in patria e compilando ora un libro saggistico completo.

In Svizzera, il termine "nuova musica popolare" si riferisce alla musica strumentale e vocale che sperimenta melodie tradizionali, utilizza strumenti tradizionali in modo nuovo, mescola lo jodel con altri generi vocali e raggiunge un pubblico in gran parte urbano in interpretazioni professionali, soprattutto nei festival, sui palchi dei cabaret e attraverso Radio DRS2.

Dal 1999 il fenomeno è incentrato sul festival Alpentöne di Altdorf, dal 2003 sul Naturtonfestival di Toggenburg e dal 2008 sullo Stubete am See di Zurigo, il che potrebbe aver spinto gli autori a limitare la loro indagine alla Svizzera tedesca. Se non si associa semplicemente la New Folk Music all'epocale edizione delle diecimila danze popolari di tutta la Svizzera annotate da Hanny Christen tra il 1940 e il 1960, preparata per la stampa da Fabian Müller e Ueli Mooser e pubblicata nel 2002 dalla Gesellschaft für die Volksmusik in der Schweiz (GVS) come scintilla iniziale, Ma se si considerano gli inizi dovuti all'affievolirsi del movimento folk negli anni '80 e le sperimentazioni di musica popolare antica in occasioni attuali, il 700° anniversario della Confederazione Svizzera (1991) e l'Esposizione Universale di Siviglia (1992), vanno citati anche gli iniziatori della Svizzera francese.

Gli esperti autori presentano la loro analisi di quella che è probabilmente la scena musicale più eccitante della Svizzera di oggi in 13 brevi capitoli introduttivi come "Notizie dal passato", "Musica popolare tra i mondi", "Il tema dell'Appenzello" e "Il folk come fondamento". Al centro della pubblicazione ci sono 17 interviste di cinque ore a 13 musicisti uomini e 5 donne, trascritte e ridotte dai redattori, che si esprimono anche con la loro musica in un CD.

Dieter Ringli conclude che è impossibile ridurre la nuova musica popolare a un unico denominatore. Lo confermano le biografie informative di Ueli Mooser, Markus Flückiger, Dani Häusler, Fabian Müller, Domenic e Madleina Janett, Thomas Aeschbacher, Nadja Räss, Töbi Tobler, Hans Kennel, Christoph Baumann, Dide Marfurt, Albin Brun, Christine Lauterbrug, Corin Curschellas, Erika Stucky, Christian Zehnder e Balthasar Streiff. Tuttavia, la maggior parte di queste biografie inizia con genitori musicalmente talentuosi e comprensivi.

Si nota anche che più della metà dei collaboratori di questa tendenza musicale ha più di sessant'anni, ha una buona formazione, è stata plasmata da musicisti tradizionali e lavora sodo. Il desiderio di sperimentare con formazioni sempre nuove, con la combinazione di stili diversi, con l'interazione di partner musicali sempre diversi è il segreto dell'approccio rilassato alla musica folk tradizionale.

Il CD audio che accompagna il libro è completato da un libretto informativo trilingue pubblicato dall'etichetta Musiques Suisses, che si è prefissa il compito di documentare la New Folk Music. Un testo introduttivo, brevi biografie degli interpreti e 19 campioni sonori accuratamente selezionati forniscono un'introduzione concentrata alla Nuova Musica Popolare.

Dieter Ringli / Johannes Rühl, La nuova musica popolare. Diciassette ritratti e una ricerca di tracce in Svizzera, 362 p., con CD, Fr. 38.00, Chronos-Verlag, Zurigo 2015, ISBN 978-3-0340-1310-9

La nuova musica popolare. CD Musiques Suisses MGB -NV 30

Pifferi e tamburi hanno una lunga tradizione in Svizzera. Sono state le Guardie Svizzere a suonare la musica dei compositori francesi Jean-Baptiste Lully, André Danican Philidor e Jean-Jacques Rousseau - solo per citarne alcuni - alla corte di Luigi XIV e XV.

Su suggerimento dell'Associazione svizzera dei suonatori di tamburo e pipa (STPV), Thilo Hirsch ha scritto questo libro, Musica dei Gardes Suisses per Fifres e Tamboursè stato scritto. Questo libro specialistico è stato scritto in collaborazione con Walter Büchler (Tamburo), Danny Wehrmüller (Tamburo/Basler Piccolo) e Sarah van Cornewal (Fifre/Basler Piccolo). Presenta 15 composizioni di musicisti francesi del XVII e XVIII secolo.

Nell'introduzione, Thilo Hirsch fornisce importanti informazioni sulla storia e sulla prassi esecutiva della musica barocca per flauto e tamburo, citando anche numerosi aneddoti divertenti sull'argomento. Ogni brano musicale è poi presentato con una breve spiegazione del contesto storico-musicale e un facsimile dell'originale. La trascrizione dei facsimili è in due parti e si basa su modelli storici. Tuttavia, gli autori hanno scritto anche un arrangiamento moderno in tre parti per piffero e tamburi per ciascuno dei 15 brani. Per ottenere la gamma necessaria per la terza parte del flauto, hanno trasposto le parti in queste versioni verso l'alto. Tuttavia, le linee ausiliarie della parte superiore a volte si avvicinano un po' troppo l'una all'altra. La parte del tamburello è annotata in "Zündstoff-Trommelschrift". Questo è tratto dal materiale didattico dell'Associazione Svizzera di Tamburello. Carburante per batteristi, pubblicato a metà degli anni Ottanta e oggi purtroppo fuori catalogo.

Scritto in tedesco e francese, il libro Musica dei Gardes Suisses per Fifres e Tambours offre un ricco fondo di materiale per concerti o occasioni speciali di associazioni di zampognari e tamburini. È caratterizzato da una struttura semplice e da un'elegante notazione musicale. Ulteriori informazioni sui testi si trovano nei numerosi riferimenti e raccomandazioni bibliografiche.

Thilo Hirsch, Musik der Gardes Suisses für Fifres & Tambours, Verlag des Schweizerischen Tambouren- und Pfeiferverbands, Fr. 45.00, Stäfa 2015, ISBN 978-3-9524552-0-3

Adattamento dal foglio sono i tre volumi di Paul Harris, pubblicati da Faber Music nel 2008/2009 e ora disponibili anche in tedesco come pubblicazione congiunta con Edition Peters. I libretti sono chiaramente organizzati in livelli e lezioni e l'indice dà una rapida visione delle intenzioni didattiche e di apprendimento dell'autore.

La pulsazione e il ritmo sono al centro come elemento musicale di base e vengono allenati e illustrati in vari modi. Fin dall'inizio si cerca di garantire che una pulsazione fissa dia una direzione alla lettura, in modo da evitare il più possibile il ristagno dell'esecuzione. In ogni lezione sono presenti "pezzi preparati". Le domande all'inizio di ogni brano richiedono costantemente all'allievo di avere una visione d'insieme prima di suonare, di prestare attenzione agli schemi ricorrenti (ritmici o melodici), alle sezioni della scala, ai passi o ai salti, alla posizione della mano in relazione alla diteggiatura. Particolare importanza viene attribuita anche all'ascolto preventivo, che potrebbe avere un buon successo con la pratica necessaria, data la selezione molto semplice della letteratura.

Mi piace il fatto che argomenti importanti come le legature, le note punteggiate, l'articolazione, le maggiori e le minori, i diversi schemi ritmici e le firme temporali, le diverse posizioni delle mani, l'esecuzione di accordi e l'esecuzione polifonica siano introdotti gradualmente in passi accuratamente sequenziati. I titoli delle esecuzioni, come "With a smile" o "Dignified", richiedono allo studente di entrare in empatia con il contenuto emotivo dei brani. Mentre il primo volume è dedicato alle basi elementari di un'abile esecuzione primavista, il secondo volume combina già diversi aspetti. I brani sono composti in modo molto intelligente e si concentrano sulla comprensione dei contesti. Nel terzo volume, i lettori avanzati troveranno molti esempi istruttivi che richiedono un'annotazione precisa, in quanto impediscono di indovinare intuitivamente grazie all'armonia arricchita e ai sorprendenti cambi di tempo.

Paul Harris, Fit vom Blatt. Esercizi di lettura per pianoforte; Volume 1 - principianti, EPF 2002-1; Volume 2 - intermedio, EPF 2002-2; Volume 3 - avanzato, EPF 2002-3, Fr. 19.45 ciascuno; Faber Music/Edition Peters, Londra/Lipsia et al. 2014

Nato nel 1936, il compositore americano Steve Reich è un pioniere della musica minimale, che lavora con schemi ripetitivi, archi lunghi ma di solito a bassa tensione e spesso con spostamenti di fase. Fase violino del 1967 è una delle prime opere che hanno contribuito allo sviluppo di questo stile.

Come spesso accade con Reich, il brano è tecnicamente facile da eseguire a prima vista, ma pone comunque elevate esigenze musicali agli esecutori. Brevi schemi vengono ripetuti quasi all'infinito - la frequenza esatta è determinata dagli esecutori stessi - in modo che la sovrapposizione dei vari frammenti melodici crei un trambusto simile a un ammasso.

La difficoltà, ma anche il fascino del brano, risiede nei minimi spostamenti di fase: Un impercettibile accelerando di una voce "recupera" molto lentamente prima una, poi forse un'altra croma. Gli schemi tonali che ne derivano si confondono temporaneamente fino a quando la chitarra e il nastro o le quattro chitarre si ritrovano di nuovo nello stesso metro.

Le dettagliate istruzioni per l'esecuzione dell'edizione originale del 1967 sono state adattate alla chitarra, ma non è del tutto chiaro da chi. Sebbene siano firmate con il nome di Steve Reich, non sono datate. Reich ha partecipato alla pubblicazione degli spartiti per chitarra o no? Le istruzioni sono state tratte dal brano Electric Guitar Phase del 2000, che era anche un adattamento di Violin Phase? È un peccato che l'editore non faccia trasparenza, perché la storia delle opere di Reich è molto interessante!

Steve Reich, Violin Phase for Guitars, per chitarra e nastro o 4 chitarre, UE 21646, € 24,95, Universal Edition, Vienna 2015

David Popper (1843-1913) studiò al Conservatorio di Praga con Julius Goltermann ed è probabilmente uno dei più importanti virtuosi del violoncello della seconda metà del XIX secolo. La critica contemporanea ha paragonato il suo modo di suonare a quello del virtuoso del violino Pablo de Sarasate. Dal 1868 al 1873 fu violoncellista solista all'Opera di Corte di Vienna; dal 1886 insegnò a Budapest presso la Reale Accademia Ungherese di Musica (oggi Università di Musica Franz Liszt) fondata da Franz Liszt nel 1875. È considerato il fondatore della scuola violoncellistica ungherese.

Ancora oggi è presente come compositore: le sue raccolte di studi sono parte integrante delle lezioni di violoncello e molti dei suoi efficaci pezzi di carattere fanno parte del repertorio standard. Paladino-Music-Verlag si è posto l'obiettivo di pubblicare tutte le composizioni di Popper in una nuova edizione. Le partiture sono corredate dalle note esecutive dello stesso Popper e le parti sono curate da esecutori di fama internazionale.

Un primo risultato di questa serie è il presente Suite di valzer op. 60 è una delle opere più estese di Popper: un'introduzione è seguita da cinque valzer e da un finale ampio e virtuoso. Non si tratta di un pezzo di puro virtuosismo, ma di sofisticata musica da salotto che assapora le forze liriche del violoncello. Come sempre con Popper, anche la parte pianistica è sviluppata in modo colorato e fantasioso. Un ottimo inizio per la nuova edizione di queste opere spiritose.

David Popper, Suite di valzer op. 60 per violoncello e pianoforte, a cura di Martin Rummel, pm 0036, € 17,95, Paladino Music, Vienna 2014

"Lo scopo di questa nuova edizione è quello di rendere questo capolavoro della letteratura pianistica accessibile a una cerchia più ampia di musicisti...". Questo è l'auspicio dell'editore Paul Badura-Skoda nella sua prefazione alla 8 Préludes pour le piano di Frank Martin. In effetti, questo ciclo, composto nel 1947/48 e dedicato a Dinu Lipatti, è stato un po' trascurato negli ultimi tempi, così come l'opera di Martin in generale è passata un po' in secondo piano. Ciò che il Preludi Ognuno di essi è una perla preziosa con il proprio carattere e il proprio suono.

Da intimo conoscitore della musica di Martin, Paul Badura-Skoda sa riportare molti dettagli stimolanti e interessanti. In particolare, egli incorpora le sue esperienze di ascolto delle interpretazioni dello stesso Martin, il che solleva ancora una volta la vecchia questione se un compositore sia anche l'interprete ideale delle proprie opere. In questo caso lo era certamente, perché Frank Martin era anche un pianista molto competente.
È rivelatrice anche una breve lettera di Martin al pianista Klaus Wolters, in cui risponde in modo molto preciso ad alcune domande di interpretazione. Questa lettera è inclusa nella nuova edizione come facsimile insieme alle traduzioni.

L'apparato critico è dettagliato, ma allo stesso tempo chiaro e di facile lettura. Non è una cosa scontata di questi tempi... Nel complesso, una nuova edizione che dovrebbe soddisfare l'auspicio dell'editore citato all'inizio.

Frank Martin, 8 Préludes pour le piano, UE 35 753, € 24,95, Universal Edition, Vienna 2014

La richiesta di lezioni di clarinetto nelle scuole di musica è in costante diminuzione, anche se quasi nessun altro strumento a fiato offre una gamma più ampia di applicazioni stilistiche. Dalla musica classica e popolare al klezmer e al jazz, il clarinetto è utilizzato ovunque. È uno degli strumenti a fiato più flessibili e versatili in assoluto. L'Associazione svizzera di musica a fiato ha escogitato ogni sorta di idea per far conoscere questo strumento, molto apprezzato anche da Mozart: concerti in tutto il Paese, flash mob, il più grande ensemble di clarinetti, la nota di clarinetto più lunga e un autobus di clarinetti inviato in tour didattico attraverso la Svizzera.

Sulle tracce dell'inventore

Nel gennaio 2015, la Scuola di Musica di Burgdorf ha avuto un'idea tanto originale quanto ovvia per arricchire l'Anno del Clarinetto. Negli anni '80, il clarinettista e insegnante di musica Andreas Ramseier si imbatté nella riduzione per pianoforte di un'opera in un mercatino delle pulci di Friburgo. Si trattava dell'opera del compositore di Norimberga Friedrich Weigmann (1869-1939), in gran parte sconosciuta, intitolata Il costruttore di clarinetti su. Il libretto è stato scritto dal musicologo, direttore d'orchestra e autore della guida operistica Reclam Georg Richard Kruse (1856-1944).

L'invenzione del clarinetto è attribuita a Johann Christoph Denner (1655-1707), un famoso costruttore di strumenti musicali barocchi. Denner aggiunse una chiave supplementare allo chalumeau, che ha l'estensione di una nona maggiore, in modo da poter estendere la gamma dello strumento nei registri medio e acuto mediante sovracuti. Il suono delle note superiori ricordava il suono del clarino della tromba barocca, motivo per cui al nuovo strumento fu dato il nome di clarinetto. Johann Christian Denner è anche il personaggio principale dell'opera. Non si sa fino a che punto la trama corrisponda effettivamente ai fatti storici, ma non ha più importanza.

Prima mondiale della versione di Burgdorf

Il costruttore di clarinetti è stata rappresentata per la prima volta al Teatro di Bamberg nel 1913 e successivamente è entrata nel repertorio di diversi teatri tedeschi, tra cui lo Schillertheater di Amburgo. Oggi l'opera non si trova in nessuna guida d'opera e, a parte l'unica riduzione per pianoforte, manca tutto il materiale. Pare che sia scomparsa durante la Prima Guerra Mondiale.

Roger Müller ha scritto una partitura colorata e stratificata di un'ora e mezza per clarinetto, violino, viola, violoncello, contrabbasso, flauto/sassofono, fisarmonica, organo e chitarra, basata sull'accompagnamento al pianoforte per la produzione del Teatro del Casinò di Burgdorf. La musica di Weigmann è difficile da classificare, ma presenta caratteristiche tardo-romantiche. In termini di contenuto, si tratta di un'opera teatrale, ma la forma composta contraddice questa denominazione di genere. Nelle parti solistiche è stato stipato molto testo, il che non favorisce esattamente la linea melodica e la tensione musicale. Forse l'opera avrebbe beneficiato di dialoghi parlati nel senso di un'opera teatrale. I duetti scarseggiano e gli ensemble vocali sono completamente assenti. I pochi passaggi corali del brano sono economicamente ripresi dall'orchestra nella versione di Burgdorf.

Si canta di uno strumento

Nella vivace regia di Ueli Eggimann e nella scenografia di Matthias Egger, graficamente concepita e immersa in costellazioni di colori mutevoli, è andata in scena una pièce impegnata con buone interpretazioni vocali. È stato necessario affidare nove ruoli solistici, tra cui l'ampio ruolo del titolo del costruttore di clarinetti Johann Christoph Denner, per il quale Roger Bucher ha prestato il suo agile baritono. L'armeggiare con il suo nuovo strumento è accompagnato da problemi di denaro e di cuore. Non appena il suo clarinetto suona come vuole, arriva anche l'amore.

Il compositore e organista Johann Pachelbel appare come cliente del costruttore di strumenti. Martin Weidmann è riuscito nell'intento con una voce concisa e molta comicità. Bettina Bucher ha incarnato la ricca amante di Denner, Maria Clara Neufville, che alla fine viene conquistata dal seducente suono del clarinetto di Denner con le parole "Lascia che io sia il tuo clarinetto". È stata in grado di creare le parti più belle e liriche del pezzo con il suo soprano leggero e ben esercitato. Barbara (Sandra Rohrbach) ha affascinato con il suo modo di fare da maschiaccio. Nel ruolo di Gabriel Schutz, Diana Gouglina si è distinta per i toni drammatici, mentre l'ombroso dottor Betulius (Fabio de Giacomi) è stato convincente in modo buffonesco. La nuova generazione, con Tobias Wurmehl nel ruolo del cacciatore Doppelmayr, Emanuel Gfeller nel ruolo del maldestro assistente Zick e Sophie Aebersold nel ruolo della ragazza, si è presentata positivamente. La Capella Burgdorf si è esibita sotto la direzione di Armin Bachmann.

Mettere in scena una prima mondiale di un'opera in pochi mesi è un risultato notevole. La Scuola di Musica della Regione di Burgdorf può essere orgogliosa del risultato. La rappresentazione a cui si è assistito è stata quella finale del 7 gennaio.

La Swiss Jazz School è una scuola di musica specializzata per studenti particolarmente talentuosi, scrive il Cantone. Si tratta quindi di un collegamento tra la formazione jazzistica di base fornita dalle scuole di musica regionali e il dipartimento di jazz della University of the Arts BUA, nonché i corsi di laurea analoghi di altre università musicali.

I contributi statali vengono approvati per quattro anni alla volta, in modo che la scuola possa elaborare un piano finanziario a medio termine. Il contratto di servizio viene stipulato per la stessa durata. 

Per il 2016, il governo cantonale ha approvato contributi cantonali per 17,31 milioni di franchi alle 29 scuole di musica generali riconosciute dal Cantone di Berna. Nell'ambito delle misure di riduzione dei costi, il governo cantonale aveva ridotto e limitato di 500.000 franchi i contributi alle scuole di musica inclusi nel piano finanziario a partire dal 2013. Il governo cantonale ha deciso di revocare questo limite anche per il 2016. Secondo il comunicato stampa, la situazione finanziaria del Cantone non giustifica più questa misura. La sicurezza della pianificazione delle scuole di musica dovrebbe avere la priorità.
 

L'edizione di quest'anno dell'Arosa Music Festival è caratterizzata da innovazioni, pur rimanendo fedele al suo nucleo. Il cambiamento più evidente è sicuramente la suddivisione del festival in una settimana ciascuno nei mesi di gennaio, febbraio e marzo. Nuova è anche l'organizzazione stilistica dei concerti nelle diverse settimane. Ciò che è rimasto invariato è l'idea della promozione, che è un filo rosso che attraversa il festival. In quasi tutti i concerti sono coinvolti giovani musicisti, per lo più di grande talento.

Foto: Tomasz Trzebiatowski

Sebastian Bohren

concerti dell'accademia 27.1. - 3.2.

Come suggerisce il nome, i partecipanti all'Accademia musicale di Arosa sono invitati ad Arosa per un concerto in occasione dei concerti dell'Accademia di nuova concezione alla fine di gennaio e all'inizio di febbraio. Quest'anno sono stati selezionati il violinista Sebastian Bohren, il sassofonista americano Jeffrey Siegfried e le due cantanti tedesche Johanna Knaut e Kathleen Louisa Brandhofer. Jeffrey Siegfried e il casalQuartett apriranno il festival come quintetto di sassofoni con opere di Daniel Schnyder, Joseph Haydn e Adolf Busch. Il fulcro del secondo concerto con Sebastian Bohren e la Georgian Chamber Orchestra Ingolstadt è l'imponente Concerto funebre per violino di Karl Amadeus Hartmann. Si tratta di una delle opere più espressive dell'intero repertorio violinistico. Kathleen Louisa Brandhofer e Johanna Knaut presentano canzoni e duetti romantici sul tema "I messaggeri dell'amore".

Foto: Marco Borggreve

Oliver Schnyder

concerti classici 23.2. - 26.2.

 Anche i concerti classici di fine febbraio sono incentrati sulla promozione dei giovani musicisti. Grazie alla collaborazione con la Fondazione Orpheum per la promozione dei giovani solisti, è stato organizzato il concerto Orpheum Young Soloists on Stage. Il noto pianista svizzero Oliver Schnyder, già solista dell'Orpheum, accompagnerà questa sera i due giovani solisti dell'Orpheum Christoph Croisé, violoncello, e Meta Fajdiga, pianoforte. Il programma prevede opere di Franz Schubert e Sergei Rachmaninoff. I vincitori del Concorso svizzero di musica per la gioventù sono ancora all'inizio della loro carriera musicale. Arosa Kultur ha invitato ad Arosa due formazioni di musica da camera e un chitarrista per un concerto comune. La flautista grigionese Riccarda Caflisch e la cantante Irina Ungureanu presentano gemme raramente ascoltate di musica contemporanea per flauto e soprano nell'intima Bergkirchli. Il concerto di musica moderna con il Bergensemble Arosa e Sofiia Suldina non può purtroppo avere luogo, poiché il lavoro per la prima prevista del compositore Blaise Ubaldini non è stato completato a causa della salute del compositore. Il progetto è stato quindi rimandato di un anno. Al suo posto, l'ancora giovane Fathom String Trio terrà un concerto ad Arosa. Il trio è composto dall'insolita combinazione di viola, violoncello e contrabbasso e si muove tra musica composta, concetti aperti e improvvisazione. Eseguiranno opere di J. S. Bach, Mauricio Kagel, David Sontòn Caflisch, Rolf Riehm, Wolfgang Rihm e Leopold Mozart.

concerti jazz&rock 14.3. - 18.3.

 I concerti jazz&rock si svolgono alla fine della stagione, a marzo. La scena jazzistica grigionese è rappresentata in modo preponderante e presenta un'ampia gamma di stili jazz con tre concerti molto diversi tra loro. Il primo concerto è dedicato ad Art Blakey & The Jazz Messengers, interpretato da un quintetto jazz guidato dal batterista grigionese Rolf Caflisch. Nella Bergkirchli, Andi Schnoz e Rees Coray presenteranno a modo loro il leggendario album in studio Kind of Blue di Miles Davis. Al Waldhotel National si terrà una serata con Martina Hug e Andi Schnoz, abbinata a un menu di 4 portate. Il gruppo rock dialettale bernese emergente Halunke si esibirà al Kursaal di Arosa come gran finale, almeno in termini di volume.

La Fonoteca nazionale svizzera (FN) raccoglie, conserva e cataloga le registrazioni sonore relative alla Svizzera e le mette a disposizione del pubblico. In questo modo, per i documenti sonori svolge gli stessi compiti legali che la Biblioteca nazionale (BN) svolge per i documenti stampati ed elettronici. La FN è già stata sovvenzionata dalla Confederazione attraverso la BN. La fusione delle due istituzioni garantisce la conservazione a lungo termine delle registrazioni sonore rilevanti per la storia culturale della Svizzera.

Cinque milioni di registrazioni sonore
La collezione FN comprende circa 5 milioni di registrazioni. Queste vengono digitalizzate e sono accessibili attraverso 54 postazioni audiovisive pubbliche in tutta la Svizzera. Circa tre registrazioni su dieci provengono dalla Suisa, la società svizzera di gestione dei diritti d'autore delle registrazioni sonore e delle opere musicali, di cui la FN è l'istituzione depositaria. La collezione si concentra anche sui prodotti dell'industria discografica, sui documenti di ricerca scientifica e sui programmi radiofonici dal 1932 al 1953. Dal 2008, anche le registrazioni sonore della collezione della BN sono conservate alla FN.

Dominic Limburg ha studiato inizialmente pianoforte e canto prima di intraprendere gli studi di direzione d'orchestra con Johannes Schlaefli presso l'Università delle Arti di Zurigo nel 2013. Nel 2014 ha diretto un concerto scolastico dell'Orchestra Sinfonica di Berna, ha diretto un'esecuzione de "La sposa barattata" di Smetana a Teplice e ha assunto la direzione musicale de "La Serva Padrona" di Pergolesi nell'ambito del Festival Rüttihubeliade di Berna.

Ha inoltre assistito a produzioni presso l'Università delle Arti di Zurigo e il Teatro di Biel-Solothurn. Nel 2015 è stato direttore ospite, tra gli altri, dell'Orquestra Experimental de Repertório di San Paolo. Dominic Limburg è sponsorizzato dal Dirigentenforum dal 2015.

I servizi in abbonamento e i servizi di streaming musicale finanziati dalla pubblicità sono in voga. La società di revisione PricewaterhouseCoopers prevede un aumento delle vendite dagli attuali 70 milioni di euro a circa 125 milioni di euro entro il 2017. Nessun miracolo musicale. Perché con le tariffe flat, i clienti beneficiano di un serbatoio quasi inesauribile di canzoni per pochi soldi. Chip ha confrontato nove servizi e, oltre al leader di mercato Spotify, ha esaminato anche Ampya, Deezer, Google Play Music, Juke, Napster, Rdio, Simfy e Sony Music Unlimited. Il risultato: le differenze tra le offerte sono praticamente nulle. Tuttavia, ci sono chiare differenze in termini di costo, qualità del suono e facilità d'uso.

Quantità e qualità
Secondo le loro stesse informazioni, i servizi di streaming hanno accesso a un catalogo standard di circa 20 milioni di brani. Fornitori come Juke e Deezer hanno un numero molto maggiore di brani in portafoglio, rispettivamente 25 e 30 milioni. Tuttavia, il numero di brani disponibili non è indice di qualità. Il presunto valore aggiunto si rivela spesso una raccolta di brani di artisti poco conosciuti. Inoltre, non tutte le band sono realmente rappresentate su Spotify e simili: Alcuni gruppi affermati continuano a sfidare la commercializzazione da parte delle piattaforme di streaming.

Il formato di trasmissione (di solito MP3, AAC o Ogg Vorbis) è a discrezione del cliente. Gli esperti di Chip La velocità di trasmissione determina anche la qualità del suono. Deezer, Google Play Music, Juke, Music Unlimited, Simfy e Spotify offrono un bit rate massimo di 320 kbps. In pratica corrisponde alla qualità di un CD. Questa quantità di dati è spesso ridotta sui dispositivi mobili, anche se la maggior parte dei servizi consente di regolare le impostazioni fino alla qualità hi-fi.

Test, condivisione, pagamento
Tutti i servizi di streaming offrono un periodo di prova gratuito. Gli utenti devono registrarsi con un indirizzo e-mail. Con Ampya, Deezer, Juke Rdio e Spotify è possibile farlo anche tramite l'account Facebook. I brani preferiti possono poi essere condivisi con altri utenti dalla lista degli amici. Spotify ha ampliato questo sistema in modo particolare: Gli utenti possono vedere chi ha ascoltato cosa direttamente nel lettore e possono anche riprodurre questi brani. Dopo la fase di prova, il cliente deve decidere la tariffa. I prezzi per l'uso fisso sul PC sono di poco inferiori a cinque euro al mese. Simfy è il servizio più economico a 4,49 euro, mentre Napster rappresenta la fascia alta a 7,95 euro. Le tariffe premium di circa dieci euro al mese includono l'uso mobile su smartphone, iPod e tablet. Solo Ampya, Spotify e Deezer offrono attualmente un utilizzo gratuito finanziato dalla pubblicità, ma quest'ultimo per un massimo di un anno. La fregatura: intervalli pubblicitari di durata variabile rovinano la fruizione continua e indisturbata.

L'intero rapporto di prova, con ulteriori informazioni sulla guida dell'utente e sulle funzioni come il lettore web e le applicazioni, è disponibile nell'edizione 09/2014 di Chipche sono disponibili al dettaglio e Chiosco di chip è disponibile

Reso è una rete di organizzazioni del settore della danza professionale che, organizzata come associazione, si impegna a migliorare le condizioni quadro per la danza, si batte per un maggiore riconoscimento della disciplina nel contesto politico-culturale e, insieme agli enti finanziatori, realizza la visione di un finanziamento coordinato e completo della danza.

Secondo il comunicato stampa della compagnia di Bienne, l'inclusione del TOBS può essere vista anche come una conferma del fatto che l'ancora giovane divisione di danza del loro teatro si è già affermata nel panorama della danza svizzera.

Le prossime produzioni di danza del Theater Orchester Biel Solothurn sono "Rising" di e con Aakash Odedra (10/11 aprile a Solothurn - nell'ambito del Migros Culture Percentage Dance Festival Steps) e "TraumRaum" di Anja Gysin (10/12 giugno a Solothurn e 16 giugno a Biel).