Nel Medioevo e nella prima età moderna, il termine "autore" era molto più vicino a "autorità" che a ciò che oggi chiamiamo "paternità". Il fatto che non esistessero quasi esempi di "autori" musicali, o al massimo nebulosi, soprattutto in epoca classica, non facilitava le cose agli studiosi dell'epoca. Mentre Petrarca poteva tranquillamente definirsi un discendente dei suoi "padri" classico-latini, negli anni Settanta del Quattrocento Johannes Tinctoris citava come esemplari compositori il cui lavoro (secondo il suo racconto) risaliva a non più di quarant'anni prima, come John Dunstable. Un elenco di nomi in un trattato può avere una funzione di legittimazione storica; il nome di un compositore in una stampa di musica antica ha più una funzione di "copyright"; la trasmissione del nome di un monaco di San Gallo ha probabilmente un significato diverso. La pubblicazione di Michele Calella si propone ora di presentare una visione differenziata di quando e come l'idea del compositore come "autore" sia emersa nella musica del Medioevo e della prima età moderna.

Il libro esamina i contesti storico-musicali e il contesto che ha portato alla costruzione di immagini più o meno ideologiche del passato musicale. Dopo un primo capitolo introduttivo e concettualmente chiarificatore, in cui prevale la visione filosofica e metastorica, le pagine successive si concentrano sull'interpretazione concreta attraverso esempi storici. L'enorme ricchezza di materiale, da San Gallo nel X secolo a Monteverdi, è raggruppata in capitoli tematici. Il secondo capitolo, sulla paternità nella cultura manoscritta, culmina in una riflessione sul repertorio del XV secolo. La funzione dell'autore, spesso nominato anche nei testi cantati, è probabilmente aumentata in quel periodo come parte di una valorizzazione sociale della professione musicale. Di conseguenza, il terzo capitolo affronta una questione strettamente correlata, ovvero il rapporto tra il compositore (nominato) e il suo pubblico dopo l'invenzione della stampa musicale. Qui giocano un ruolo diversi contesti: dal rapporto tra il musicista e i suoi mecenati alla protezione dei suoi diritti economici attraverso i privilegi di stampa.

Nel contesto di un discorso di teoria musicale o di storia della musica, l'interesse per la composizione musicale (anziché per la presentazione della dottrina filosofica della "musica") compare piuttosto tardi. Come previsto, il quarto capitolo è incentrato sullo scrittore di musica Johannes Tinctoris, che tentò di scrivere una teoria musicale pratica a Napoli. Una concezione moderna del ruolo del compositore appare poi nella teoria del XVI secolo. Esemplare è la costruzione di Josquin come compositore eccezionale nel libro di Glarean. Dodecachordon, che viene trattato nel quinto e ultimo capitolo. Come una sorta di prospettiva, il racconto di Calella si conclude con la nota polemica tra Giovanni Maria Artusi e Claudio Monteverdi, che ispirò a quest'ultimo il termine seconda prattica. Il teorico razionale entrò in conflitto con il compositore, che si affidava alla percezione sensoriale e allo stretto riferimento al testo da musicare. La novità è che è proprio l'esecutore a creare una storia musicale e a legittimare consapevolmente le sue innovazioni dal punto di vista storico.

Un ricchissimo elenco di fonti e letteratura e l'indispensabile indice dei nomi completano il volume. L'inserimento del libro di Michele Calella, attualmente professore all'Università di Vienna, nella collana Contributi svizzeri alla ricerca musicale è grazie al suo precedente lavoro presso l'Istituto di Musicologia di Zurigo. Dopo più di dieci anni, la tesi di abilitazione (naturalmente ampliata e aggiornata), scritta durante gli anni trascorsi in Svizzera, viene ora pubblicata.

Michele Calella, Musikalische Autorschaft: Der Komponist zwischen Mittelalter und Neuzeit, Schweizer Beiträge zur Musikforschung, vol. 20, 355 p., € 46,95, Bärenreiter, Kassel 2014, ISBN 978-3-761818-65-7

Chi il titolo La musica popolare nel paesaggio sonoro urbano probabilmente penserete a festival all'aperto o a Bob Dylan che si esibisce nella zona pedonale. Non è un'idea sbagliata. Ma questa affascinante antologia di dieci saggi non parla di oggi, bensì di ieri, del pop dei tempi passati, per così dire. Si parla dei Vauxhall Gardens di Londra a metà del XVIII secolo, delle bande di ottoni di Amburgo nel XIX secolo e degli enormi impianti audio dei primi anni del secolo scorso.

Che cos'era il pop nel 1800? Il musicologo Martin Thrun si interessò ai concerti pubblici nei Vauxhall di Londra, quei parchi di divertimento dove si svolgevano i fuochi d'artificio, dove erano appesi i quadri e le statue, dove si mangiava o ci si sedeva. Nel 1764, Leopold Mozart lodò la "bella musica" dei concerti di Vauxhall; intorno al 1794, Joseph Haydn notò che la musica nei parchi di Londra era "abbastanza buona". È impressionante la constatazione di Thrun che il cambiamento del repertorio avvenne proprio con Beethoven come rappresentante della musica assoluta. Mentre Joseph Haydn e George Frideric Handel erano ancora spesso in programma fino al 1803, l'attenzione si concentrava ora maggiormente sulla musica da marcia e da ballo, valzer, quadriglia e musica per ottoni per bande militari. Il risultato: nel 1815 la stampa specializzata tedesca riferiva di "concerti molto mediocri", nel 1834 i critici tedeschi giudicavano la "musica da marcia e da ballo" come "roba leggera e inconsistente".

Ci sono molte altre scoperte interessanti quando i musicologi e gli storici della cultura si allontanano dal canone elitario della cultura alta. Oggi si parla di "inquinamento acustico". Ma esisteva già nel XIX secolo, quando le bande di strada tedesche avevano successo a Londra e persino a New York, ma allo stesso tempo incontravano meno favore a causa del loro volume. La musicologa Sonja Neumann analizza le dimensioni politiche dell'amplificazione pubblica nel suo articolo "Gli inizi dell'amplificazione elettroacustica nelle aree urbane". I cosiddetti altoparlanti a fungo dell'azienda Telefunken furono utilizzati in occasione della commemorazione del Putsch di Hitler il 9 novembre 1935 sulla Königsplatz di Monaco; anche il programma musicale della processione per la Giornata dell'arte tedesca del 1937, che consisteva in frammenti di musica di Richard Wagner, Georg Friedrich Handel e Anton Bruckner, fu amplificato elettricamente. Il fatto che il frastuono dell'amplificazione elettrica, delle 86 fanfare e dei 38 timpani fosse certamente discutibile dal punto di vista artistico non toglie che la considerazione della musica negli spazi pubblici sia importante almeno quanto quella della musica da sala da concerto. La musicologia ha trascurato molto in questo campo, ma ora ha molto su cui lavorare.

La musica popolare nel paesaggio sonoro urbano. Prospettive storico-culturali, a cura di Tobias Widmaier e Nils Grosch, 216 p., € 34,90, Waxmann, Münster 2014, ISBN 978-3-8309-2261-2

Rosina Baumgartner-Bäbler lavorava in una fabbrica tessile glaronese per fornire alle sue tre figlie una formazione professionale e trovava distrazione nel suonare la cetra glaronese. Questo ambiente sociale è tipico della cetra da tavolo a forma di Mittenwald, che si trova solo nel Cantone di Glarona. L'autrice della nuova pubblicazione, Adelheid, figlia di Rosina, è cresciuta in questo ambiente: sua nonna (vedi foto), sua madre, la sua madrina e molte altre donne lavoratrici potevano rilassarsi dalla dura vita quotidiana con questo strumento musicale a 11-15 corde.

Il libro di cento pagine, semplice e ben disegnato, registra tutti i musicisti dilettanti, le loro cetre e, dove possibile, il loro repertorio con foto e resoconti vecchi e molti nuovi.

La storia della cetra glaronese - questo strumento a corde è conosciuto dal 1876 - non può essere scritta senza riconoscere i risultati ottenuti da Albin Lehmann (1924-1995) di Näfels. Questo capomastro muratore raccolse e restaurò disinteressatamente vecchie cetre glaronesi negli anni Settanta. Le lezioni gratuite che offriva erano frequentate da 55 persone di età compresa tra i 12 e gli 80 anni. Durante queste lezioni di gruppo si formarono degli ensemble: duo di cetre glaronesi, il trio di cetre "Stubete", i gruppi di cetre "Glarner Unterland", "Bergli" e "Alperösli" e, con un membro maschile, l'"Original Glarner Huusmusig".

Le tradizionali cetre glaronesi di Alois Suter, Salomon Trümpy e Kaspar Dürst non erano più sufficienti a soddisfare la domanda di buoni strumenti: Charly Hofmann ha fornito nuove cetre glaronesi fino alla sua morte, avvenuta nel 1993; Herbert Greuter è ancora oggi al lavoro.

Il bel volume è accompagnato da un CD che documenta la cetra glaronese in varie registrazioni, per lo più private. È sorprendente che questo semplice strumento a corde non abbia ancora trovato impiego nella musica popolare sperimentale o nella musica etnoclassica e sia rimasto fino ad oggi uno strumento femminile focalizzato sulla regione di Glarona.

Adelheid Baumgartner, Glarner Zither, 104 p., 80 foto, Fr. 30.00, Ortsgeschichstverein 8765 Engi, 2014, ISBN 978-3-85948-149-7

info@ogv-engi.ch

www.ogv-engi.ch/publikationen/zither

Nessun'altra composizione del XVII secolo è stata pubblicata in così tante edizioni come i Vespri di Monteverdi. Carl Winterfeld ha iniziato con alcuni estratti. Fu pubblicato per la prima volta per intero da Gian Francesco Malipiero nel 1932 come parte della prima edizione completa di Monteverdi. Questa versione costituì il punto di partenza per le edizioni successive, alcune delle quali furono ri-strumentate e accorciate per la pratica musicale.

Per molto tempo, l'edizione di Gottfried Wolters, pubblicata nel 1966, è stata decisiva nella pratica. Ha plasmato la ricezione dei Vespri come nessun'altra. A partire dal 1986, con Clifford Bartlett, è poi apparsa un'intera serie di edizioni critiche delle fonti. Nel XXI secolo sono state pubblicate anche tre nuove edizioni, in particolare quella di Antonio Delfino nell'ambito della nuova Monteverdi Complete Edition.

Questa versione segue il più possibile la stampa del 1610. I passaggi errati sono stati corretti con l'aiuto di aggiunte e correzioni manoscritte del XVII secolo. Le parti sono state preparate in modo da poter essere utilizzate in esecuzioni con cori piccoli e grandi; la partitura strumentale può essere gestita in modo flessibile grazie alle varianti suggerite nella tabella. L'edizione comprende un'ampia relazione critica, una traduzione del testo latino in tedesco e in inglese, nonché sei stampe in facsimile del manoscritto originale e il frontespizio con la dedica a Papa Paolo V, datata 1° settembre 1610. Il contenuto comprende undici movimenti corali, una Sonata sopra Sancta Maria e il Magnificat in dodici movimenti.

Claudio Monteverdi, Vespro della Beata Vergine, Urtext a cura di Uwe Wolf, partitura, CV 27.801/00, € 49,00, Carus, Stoccarda 2014

Beat Baumli & Jürg Morgenthaler Trio suonano jazz classico, accompagnati da Giorgios Antoniou al basso. Il gruppo lucernese Piri Piri suona uno swinging gipsy jazz, mentre il cantante, pianista e cantautore Raphael Jost, 25 anni, originario di Turgovia, impressiona con il suo album di debutto. Non biasimarmi.

Cinque candidati sono stati nominati per lo Swiss Jazz Award 2015 e selezionati dal pubblico attraverso un processo di votazione online. Ben 3000 appassionati di jazz hanno partecipato a questa prima fase del processo di selezione. I loro voti costituiranno il 50% del punteggio finale, che sarà determinato dalla giuria e dal pubblico dopo le esibizioni dal vivo delle tre band all'Ascona Jazz Festival il 28 giugno 2015.

La nona edizione dello Swiss Jazz Award è organizzata dall'emittente SRG Radio Swiss Jazz e da JazzAscona con il sostegno del Percento culturale Migros.

Hélène Grimaud sorride misteriosamente sulla copertina della confezione del CD, come se volesse sottrarsi a un giudizio chiaro. La francese, che vive a Weggis, non è così facile da capire. Lo si può sperimentare in modo impressionante nelle sei registrazioni in CD pubblicate da Erato e Teldec tra il 1996 e il 2001 e ora ristampate in cofanetto da Warner Classics. Ha lo zampino solistico per la corposa scrittura pianistica di Brahms nel primo concerto per pianoforte e orchestra, ma anche una mano raffinata per gli intermezzi lirici e malinconici dell'ultimo lavoro. È un'artista espressiva e al tempo stesso strutturalista. Evita gli estremi senza diventare noiosa. A volte, come nella Sonata per pianoforte op. 109 di Beethoven, si potrebbe desiderare un uso un po' più discreto del pedale, perché vengono oscurate alcune cose che si sarebbero volute sentire con maggiore precisione. Nella registrazione del 1995, la Grimaud si dimostra una maestra della caratterizzazione, dando a ciascuna delle variazioni del finale "piene di canto, con il sentimento più sentito" una nota molto speciale, un tono individuale. Nella Sonata in la maggiore op. 110, non si attiene pedissequamente al testo musicale del Moderato, non suonando il punto culminante della frase come uno sforzato, come da nota, ma ritirandosi nel pianoforte, ottenendo così un effetto speciale. Si prende queste piccole libertà anche nel Concerto per pianoforte e orchestra di Schumann con la Deutsches Symphonie-Orchester Berlin diretta da David Zinman, ma questo non fa che rendere l'interazione ancora più emozionante. La Grimaud mostra anche una flessibilità agogica nel Secondo Concerto per pianoforte e orchestra di Rachmaninov (Philharmonia Orchestra/Vladimir Ashkenazy), senza perdere se stessa nel processo. Nei brani solistici, come il Preludio in sol minore, dimostra di essere una grande narratrice.

Per quanto riguarda le orchestre, anche le registrazioni in studio sono di ottima qualità. Solo la registrazione dal vivo del Primo Concerto per pianoforte e orchestra di Brahms con la Staatskapelle Berlin diretta da Kurt Sanderling manca di precisione nell'interplay e di un esatto equilibrio tonale. Hélène Grimaud mostra un volto diverso con i concerti per pianoforte di Gershwin (Fa maggiore) e Ravel (Sol maggiore). Con un tocco quasi percussivo, fa vibrare le capacità motorie. E negli intermezzi blues, dimostra di essere a suo agio anche lontano dal periodo romantico.

Hélène Grimaud (pianoforte): Le registrazioni complete Warner Classics. Beethoven, Brahms, Gershwin, Ravel, Rachmaninov, Schumann, R. Strauss, 6 CD, Warner Classics/Erato 2564622737

Formatasi come pianista dal padre, poi da Johann Wenzel Kalliwoda e Clara Schumann, l'allieva di Rheinberger Luise Adolpha Le Beau, nata a Rastatt nel 1850 e morta a Baden-Baden nel 1927, ha lasciato un'opera versatile e vasta come compositrice. Le sue opere complete per pianoforte sono state pubblicate in due volumi da Schott (ED 8262 e 8263) dalla pianista e insegnante di musica bernese Madeleine Stucki. Sono ancora una volta i musicisti che insegnano a Berna ad aver registrato per la prima volta i capolavori di musica da camera del compositore tedesco tardo-romantico.

Il violinista Bartek Nizioł di Stettino e il violoncellista ucraino Denis Severin insegnano all'Università delle Arti di Berna, così come la pianista russa Tatiana Korsunskaya, che lavora anche all'Università di Scienze Applicate e Arti di Lucerna. Essi combinano la loro espressività slava con un temperamento musicale per creare uno stile di gioco appassionato che si adatta alla musica energica e rilassata, lirica di Luise Adolpha Le Beau.

Il Trio per pianoforte e orchestra in re minore op. 15, composto nel 1877, è quello che lascia l'impressione più forte in termini di contenuto e interpretazione: mentre l'influenza di Felix Mendelssohn Bartholdy traspare ancora nel movimento iniziale Allegro con fuoco e nel movimento lento - nello stile di una canzone senza parole - con la sua sezione centrale appassionatamente commovente, lo scherzo meravigliosamente trasparente e il finale non convenzionale in forma di sonata con un'introduzione fugale suonano molto più personali. Anche la sonata per violino in do minore op. 10 e la sonata in re maggiore op. 17 per violoncello e pianoforte, raccomandata da Niels W. Gade e Carl Reinecke come "arricchimento della letteratura degno di essere pubblicato", sono caratterizzate da un vivace sviluppo tematico e da un equilibrio formale.

Al centro delle attività congiunte ci sono idee per la cooperazione locale tra scuole di musica e orchestre. Ad esempio, gli ensemble delle scuole di musica potrebbero esibirsi come supporto a un concerto sinfonico regolare. Inoltre, le sponsorizzazioni di orchestre già esistenti (sotto il marchio "tutti pro") vengono ulteriormente sviluppate, in particolare nel settore delle orchestre delle scuole di musica.

Attualmente sono 51 le sponsorizzazioni tra orchestre giovanili e professionali in tutta la Germania. Il VdM e il DOV collaborano anche nell'ambito della rete Young Ears. La rete è impegnata in modelli "innovativi e collaudati" di educazione musicale ed è attiva principalmente in Germania, Austria e Svizzera.

Un altro obiettivo comune è l'espansione della piattaforma internet Abenteuer Klassik (www.abenteuer-klassik.de).
 

La Società Internazionale Weinberg si propone di promuovere la musica di Mieczysław Weinberg e di far conoscere la sua opera. I musicisti devono essere incoraggiati a eseguire le composizioni di Weinberg e a farle conoscere a un pubblico più vasto. L'obiettivo è quello di organizzare concerti, conferenze, mostre ed eventi multidisciplinari incentrati sulla musica e sull'opera di Weinberg, sul suo stretto legame con Shostakovich e sul suo significato per la musica del XX secolo.

Uno degli obiettivi della società è anche quello di raccogliere fondi per contribuire a finanziare produzioni discografiche della sua musica e la pubblicazione e la traduzione di articoli e libri sulla sua vita.

Grazie alla mediazione del direttore d'orchestra Thomas Sanderling, è stato stabilito un contatto con la Società Internazionale Shostakovich di Parigi, con la quale la Società Weinberg vorrebbe lavorare a stretto contatto. Irina Shostakovich, moglie del compositore Dmitri Shostakovich, è presidente onorario della Weinberg Society.

Oltre a Linus Roth e Thomas Sanderling, i membri fondatori Kevin Kleinmann (professore di management culturale all'Università della Sorbona/Parigi), Bertrand Dermoncourt (caporedattore della rivista Classica) e Emmanuel Utwiller, direttore del Centro di documentazione della musica contemporanea "Dmitri Shostakovich".

Per saperne di più: www.weinbergsociety.com

Secondo il comunicato stampa ufficiale del Cantone, il nuovo modello di finanziamento si basa su quattro strumenti di finanziamento: Aiuto finanziario, finanziamento di programmi, finanziamento di progetti e finanziamento strutturale. In futuro, solo l'Orchestra Sinfonica di Basilea SOB riceverà un aiuto finanziario (contributo statale per quattro anni), che garantirà la sua missione di fornire un'offerta di base di repertorio sinfonico e produzioni operistiche al Teatro di Basilea.

Il 2016 sarà utilizzato come anno ponte per l'implementazione del nuovo modello di finanziamento. Quest'anno, l'Orchestra da Camera di Basilea, la Basel Sinfonietta e l'Ensemble Phoenix continueranno a ricevere lo stesso livello di sostegno dell'attuale periodo di finanziamento.

Con il finanziamento del programma triennale, "è ora possibile sostenere programmi di concerti di orchestre professionali di Basilea di varie discipline", scrive il Cantone. La loro selezione sarà effettuata da una giuria di esperti e dal Dipartimento della Cultura del Dipartimento Presidenziale secondo linee guida e criteri definiti. Il finanziamento dei progetti continuerà a essere disponibile per le orchestre che non ricevono il sostegno cantonale da altri enti finanziatori attraverso gli attuali programmi di finanziamento del Comitato musicale di Basilea/BL, del Fondo forfettario culturale di Basilea Città e del Fondo Swisslos di Basilea Città.

Durante il periodo di presentazione di 6 settimane, un totale di 230 compositori ha presentato oltre 350 opere. Le opere presentate provenivano da oltre 40 Paesi e da tutti e 5 i continenti. Secondo il comunicato stampa del Forum, sono state selezionate 18 opere tra le oltre 350 presentate.

La "notevole risposta internazionale e l'eccezionale qualità delle opere presentate" hanno spinto la direzione del festival a raddoppiare il numero di iscrizioni e a distribuire le opere selezionate su due serate di concerti invece che su un unico concerto.

In ordine alfabetico, erano: Marc Ainger (USA), Alfredo Ardia (Italia), Marie-Hélène Breault / Martin Bédard (Canada), Stijn Govaere (Belgio), Michael Fuchsmann (Russia), Volker Hennes (Germania), René Baptist Huysmans (Paesi Bassi), Panayiotis Kokoras (Grecia), Dimitris Maronidis (Grecia), Alain Michon (Francia), Felipe Otondo (Cile), Andrián Pertout (Australia), Frederic Robinson (Germania/Svizzera), Nicolas Vérin (Francia), Jaeseong You (Corea).

Le loro opere saranno eseguite al Castello di Leuk il 22 e 23 maggio nell'ambito del festival Forum Valais. Il Forum Wallis Festival for New Music è il festival della sezione vallesana dell'IGNM (International Society for New Music) e si svolge ogni anno a Pentecoste al Castello di Leuk. Nel 2015, il programma prevede lo spettacolare quartetto d'archi in elicottero di Stockhausen con il Quartetto Arditti, André Richard, Air-Glaciers e TPC sulle Alpi del Vallese la domenica di Pentecoste.

Per saperne di più: www.forumvalais.ch/programm-2015arselectronica.htm

Il 20 marzo si è tenuta la finale del Concorso organistico internazionale di Berna nell'ambito della Notte dei musei di Berna, una produzione congiunta del V. Congresso internazionale di musica sacra, del festival di musica sacra Cantars 2015, della Federazione delle Chiese protestanti svizzere e della parrocchia di Münster Bern. Hanno suonato Samuel Cosandey, Svizzera, Kensuke Ohira, Giappone, Maximilian Schnaus, Germania, e Simone Vebber, Italia.

La giuria internazionale era composta dal presidente Laurent Mettraux, vicepresidente dell'Associazione Svizzera dei Musicisti, da Elisabeth Zawadke, dell'Università di Musica di Lucerna, da Bernhard Haas, dell'Università di Musica di Monaco di Baviera, da Dominik Susteck, della Kunststation St. Peter di Colonia, e da Daniel Glaus, dell'Università delle Arti di Berna e organista della cattedrale di Berna. Nel suo rapporto, la giuria ha raccomandato che il comitato di programma del V. Congresso internazionale di musica sacraMaximilian Schnaus per il concerto di apertura del 21 ottobre a Berna. Samuel Cosandey di Bex, il cui modo di suonare e la cui programmazione visionaria hanno ricevuto elogi, si esibirà in un altro concerto. Coincidenze (2013) di Antoine Fachard. La giuria è rimasta entusiasta delle esibizioni, affermando che tutte le presentazioni sono state caratterizzate dal massimo livello.

L'organista e compositore Maximilian Schnaus è nato a Bad Neustadt nel 1986. Ha studiato musica sacra e organo ad Hannover e Amsterdam con Pier Damiano Peretti e Jacques von Oortmerssen, tra gli altri, e ha ricevuto borse di studio dalla Fondazione Yehudi Menuhin e dalla Studienstiftung des deutschen Volkes. Nel febbraio 2014 ha superato con lode l'esame di concertista nella classe di Leo van Doeselaar presso l'Università delle Arti di Berlino. Dal 2014 è organista presso la Sophienkirche di Berlino-Mitte.
 

Le vendite di offerte musicali puramente digitali sono aumentate del 6,9%, raggiungendo i 6,9 miliardi di dollari e rappresentando ora il 46% delle vendite globali di musica. Il fatturato complessivo del settore è rimasto praticamente stabile a 14,97 miliardi di dollari. I servizi di abbonamento sono aumentati drasticamente del 39%, mentre le vendite di download tradizionali sono diminuite dell'8%.

I servizi in abbonamento (come Spotify) sono oggi una colonna portante del settore musicale, con un fatturato di 1,6 miliardi di dollari. Rappresentano il 23% del mercato puramente digitale. Il settore prevede un'ulteriore forte crescita nel 2015, con Music Key di YouTube, Tidal di Jay Z e un servizio atteso da Apple che potrebbero essere i più significativi.

Secondo l'IFPI, i servizi di licenza e lo streaming avranno un ruolo sempre più importante nel prossimo futuro. Nuovi modelli di pagamento, ad esempio per le offerte di alta qualità audio, dovrebbero stimolare ulteriormente il mercato.

Ciascuno dei tre vincitori del premio riceverà 10.000 franchi svizzeri e una borsa di studio per la partecipazione alla Lucerne Festival Academy di quest'anno del valore di altri 10.000 franchi svizzeri. Il premio sarà consegnato il 6 settembre da Fritz Gerber, presidente onorario della Fondazione Fritz Gerber, durante il Lucerne Festival di quest'estate a Lucerna.

La clarinettista svizzera Mariella Bachmann (*1988) ha completato la sua formazione musicale all'Università delle Arti di Zurigo con Fabio Di Cásola e all'Università della Musica di Friburgo in Brisgovia con Jörg Widmann. Rafal Zolkos è nato in Polonia nel 1987 e ha studiato flauto a Parigi, Strasburgo, Berlino e all'Università delle Arti di Zurigo con Philippe Racine.

Il terzo classificato, il violinista David Sypniewski (*1990), è originario di Tolosa e ha frequentato la Haute École de Musique de Lausanne con Lihay Bendayan. Attualmente sta studiando per un master all'Università di Musica di Basilea, specializzandosi in musica contemporanea.

Il Premio Fritz Gerber è stato istituito dalla Fondazione Fritz Gerber e dal Lucerne Festival all'inizio del 2015. I candidati devono avere la cittadinanza svizzera o vivere in Svizzera da almeno cinque anni. Il concorso è organizzato dalla Lucerne Festival Academy. La giuria è composta da Michael Haefliger, direttore artistico del Lucerne Festival, dal compositore e direttore d'orchestra Heinz Holliger e da docenti dell'Ensemble intercontemporain.

Dopo aver esaminato i documenti di candidatura e il materiale video inviato, scrive il Consiglio musicale tedesco, 24 candidati sono stati invitati a Hilchenbach per dirigere con la Philharmonie Südwestfalen. Una giuria di cinque membri presieduta da Johannes Schlaefli, che insegna alla ZHdK, ha valutato il lavoro di prova dei candidati su varie opere e l'accompagnamento di un concerto solistico.

Dopo due turni, i giurati hanno deciso a favore di Nuno Coelho Silva (Università delle Arti di Zurigo), Dominic Limburg (Università delle Arti di Zurigo), David Niemann (Università di Musica e Teatro di Amburgo), Hossein Pishkar (Università Robert Schumann di Düsseldorf) e Jiří Rožeň (Università di Musica e Teatro di Amburgo).

I nuovi borsisti possono aspettarsi un ampio programma di lavoro con orchestre professionali sotto la guida di rinomati direttori d'orchestra presso il Conductors' Forum. L'attenzione è rivolta alle prove e alle esibizioni nei settori del teatro musicale e della musica sinfonica.

Inoltre, vi sono collaborazioni regolari con orchestre da camera e ensemble specializzati in musica antica e contemporanea. Assistenze, concerti sponsorizzati, premi e borse di studio completano il programma di sponsorizzazione del Conductors' Forum.