Nel giugno dello scorso anno si è tenuto un simposio sulla musica Steinklang. È stato espresso il desiderio di rendere questa musica accessibile a un pubblico più ampio. A seguito di un fine settimana intensivo nell'autunno 2014, sono state commissionate composizioni e improvvisazioni per Lithofone (litosGreco: pietra) per la performance.

Questi concerti sono organizzati dal Förderverein für Steinklang-Musik (www.steinklanginstrumente.ch). Secondo le sue stesse dichiarazioni, l'associazione mira a "promuovere la ricerca e lo sviluppo nel campo della musica del suono della pietra. Questa ha le sue origini nella preistoria".

Felix Perret, Mathias Steinauer, Christian Dierstein, Matthias Brodbeck e Dominik Dolega formano il consiglio dell'associazione.
L'associazione collabora con i costruttori di strumenti Beat Weyeneth e Rudolf Fritsche insieme. Con quest'ultimo, il Giornale musicale svizzero Nel dicembre 2013, nell'ambito del focus tematico "Che suono ha la terra?", si è svolto un Intervista led.

Secondo il comunicato stampa ufficiale, la fondazione è una "sponsorizzazione culturale congiunta senza barriere di ingresso". Consente "un chiaro impegno personale per la cultura". Chiunque - a prescindere dall'origine, dal sesso, dallo status o dalla ricchezza - può donare volontariamente l'1% del proprio patrimonio personale alla cultura. In questo modo può diventare parte di un progetto intergenerazionale e svolgere un ruolo attivo nel plasmare il paesaggio culturale, proseguono i promotori. È sufficiente una promessa di eredità scritta a mano.

Il Consiglio di Governo dell'Appenzello Esterno si è impegnato a contribuire alla fase di avvio. Quaranta persone, tra cui personaggi famosi, avrebbero già presentato una dichiarazione d'intenti.

La fondazione intende promuovere la cultura in e da tutta la Svizzera nelle sue varie forme. In una fase di avvio di due anni, i principi di finanziamento saranno sviluppati in modo partecipativo con il coinvolgimento di coloro che promettono di diventare eredi. In forum aperti, la fondazione intende porre domande fondamentali sul suo profilo e sviluppare nuove forme di strumenti e processi di finanziamento. A partire dal 2017 sarà possibile erogare finanziamenti, presumibilmente ancora su scala modesta. La fondazione prevede di raggiungere una cifra a due cifre nei primi dieci anni.
 

Secondo un rapporto del Kleine Zeitung Il direttore dell'Università Oliver Vitouch ha cercato il dialogo con i manifestanti e ha promesso di "continuare a garantire il dibattito accademico sull'arte".

Il Dipartimento di Musicologia dell'Alpen-Adria-Universität era affiliato all'Istituto di Studi Culturali, Letterari e Musicali dell'Università di Klagenfurt. Dal semestre invernale 2012/13 non è più possibile iscriversi al programma. Il direttore del programma era Daniel Ender, che lavora anche come freelance per la NZZ e dal 2013 pubblica la rivista Austrian Music Magazine insieme a Daniel Brandenburg e Frieder Reininghaus.
 

Peter Erismann, 53 anni, si è fatto conoscere a livello nazionale come responsabile di mostre e curatore presso la Biblioteca nazionale svizzera / Archivio svizzero di letteratura e per il Centro Dürrenmatt di Neuchâtel come responsabile culturale, project manager, curatore ed editore. Da dieci anni si occupa anche dell'organizzazione del cinema del Kunstmuseum di Berna.

Il libraio di formazione ha completato il programma di Master in Management culturale presso l'Università di Basilea tra il 2003 e il 2005, laureandosi con un MAS in Arts Management. Erismann assumerà la direzione del Consiglio di fondazione di Argovia il 1° settembre 2015.

In questo ruolo, secondo il comunicato stampa del Cantone, egli gestirà l'ufficio dal punto di vista tecnico, organizzativo e del personale e consiglierà i membri del Consiglio di fondazione su questioni tecniche. Ciò include anche la preparazione e l'attuazione delle decisioni del Consiglio di fondazione, la responsabilità del bilancio e l'organizzazione e il coordinamento del processo di candidatura.
 

Hermann Scherchen (1891-1966) si aspettava molto dallo sviluppo della radio per un'educazione musicale democratica del popolo. Fu coinvolto fin dall'inizio: il suo primo concerto radiofonico per il 50° compleanno di Schönberg nel 1924, direttore musicale della "Ostmarkenrundfunk" di Königsberg nel 1928, consulente musicale della Reichsrundfunk-Gesellschaft di Berlino nel 1932. Dal 1945 al 1950 è stato responsabile della musica di Radio Beromünster e ha diretto l'orchestra di studio di Zurigo. Nel 1950 il suo studio Musica per tutti - dedicata al radioascoltatore sconosciuto.

In un "Impegno per la radio", vede il nuovo mezzo come "il più significativo sconvolgimento nella vita delle nazioni dopo l'invenzione della stampa". Come altri agli albori del mezzo, sperava anche che la radio avrebbe mobilitato gli ascoltatori a diventare essi stessi attivi, sia artisticamente (musicalmente) che intellettualmente (politicamente). Nel 1930, in occasione del Festival musicale di Baden-Baden, diresse la prima mondiale dell'opera di Brecht Il volo di Lindbergh, un "radiodramma educativo". Il pubblico dovrebbe essere coinvolto.

In un saggio La radiodiffusione nel suo rapporto con la coltivazione e l'educazione musicale Nel 1930 Scherchen rifletteva sulla "parola che interpreta la musica e crea significato"; essa era disponibile sotto forma di "presentazione poetica di un'opera musicale", ma anche "come analisi del lavoro strettamente limitata ai processi musicali". Non crede in ampie lezioni introduttive; preferisce invece l'"annuncio musicale" - "dalla breve relazione in didascalia alla registrazione aneddotica di un ambiente contemporaneo, o un messaggio sensibile che conduce direttamente alla sfera emotiva".

Intorno al 1930, Scherchen considerava i radiodrammi con musica come una "forma peculiare della radio" e l'opera di Stravinsky L'histoire du soldat, Hermann Reutters Saul e di Milhaud Le bœuf sur le toit così realizzati. Negli anni Quaranta immaginava "combinazioni inedite ma immediatamente comprensibili di musica e parole", come quelle di Dostoevskij. Grande Inquisitore con musiche di Tchaikovsky. Si dedica anche alla musica classica-romantica da palcoscenico negli arrangiamenti come "audio teatro": Egmont, Sogno di una notte di mezza estate, L'Arlesienne, Peer Gynt. Inoltre, un'interpretazione poetica del Prometeo-Il balletto di Beethoven e il "poema drammatico" di Schumann Manfred dopo Byron, compresso. Limitando ogni programma a tre quarti d'ora, ha in mente uno slot ciclico.

Le registrazioni dell'"Hörtheater" erano già state effettuate da Radio Beromünster, ma la serie fu registrata integralmente alla Radio di Lipsia dal 25 novembre al 1° dicembre 1960. Scherchen, che era stato strettamente legato a Lipsia fin dagli anni Venti ed era stato anche nominato due volte direttore del Gewandhaus dopo la fine della guerra, fu due volte direttore ospite dell'Orchestra Sinfonica della Radio nell'anno Gustav Mahler 1960. Questo ha portato alla ribalta i suoi accordi radiofonici e la data di registrazione è stata organizzata con breve preavviso. Un tour de force senza pari: prove orchestrali al mattino, prove con i solisti e il coro nel pomeriggio e registrazioni la sera dalle otto alle undici o addirittura fino a mezzanotte. Secondo Myriam Scherchen, era così entusiasta del risultato che pensò di pubblicare un disco, ma non se ne fece nulla. Sua figlia ha raccolto la sua eredità: un'edizione esemplare, che comprende tutti i testi di Scherchen, in una cassetta CD in tre parti. Musica e letteratura sull'etichetta "Tahra" che ha installato (TAH 103-105).

Con il suo "Hörtheater" Scherchen intendeva richiamare l'attenzione sulla musica per le opere teatrali che, a seguito dei cambiamenti nella pratica teatrale, non si sente quasi più, almeno non in relazione alla poesia. Inoltre, egli persegue interessi di educazione musicale: La comprensione musicale dovrebbe essere creata attraverso l'interazione tra parole e suoni. Come spiega all'editore musicale di Lipsia Klaus Richter, occorre trovare modi e mezzi "per trasformare gli ascoltatori non ancora interessati in ascoltatori interessati nei modi più diversi". Si devono cercare forme di trasmissione "che mettano gli ascoltatori in uno stato di tensione psicologica, che permettano loro di avvicinarsi alla musica con apertura ed eccitazione, che li collochino in un quadro di riferimento educativo in cui possano categorizzare la musica che stanno ascoltando".

A causa della limitazione a tre quarti d'ora in ogni caso, sono necessari interventi sulle partiture - tagli. Ma Scherchen si prende delle libertà in generale, compresa la riassegnazione dei numeri musicali. Lascia che il commento parli nelle pause - persino autoironicamente collocate nella musica! -oppure sovrappone alle note delle parole alla maniera del melodramma. In parte ricorda, in senso positivo o negativo, i metodi della musica da film. Scherchen forse intendeva questo quando ha parlato di "contestabilità estetica", ma lo accetta per il bene dell'intento pedagogico.

Myriam Scherchen definisce gli arrangiamenti del padre una "vera e propria nuova creazione". La selezione va intesa come quasi autobiografica. Si concentra sulla "lotta quasi faustiana dell'uomo con i suoi desideri" e sulla redenzione attraverso l'amore. Suo padre conduceva la vita di un uomo "che voleva sapere tutto, un autodidatta che credeva nell'uomo e nella sua onnipotenza, ma che aveva bisogno dell'amore per dare un senso spirituale alla propria attività complessiva".

Sei volte "teatro d'ascolto"

La cerimonia si è tenuta al Museo Pushkin. Secondo il comunicato stampa del Festival di Verbier, il premio è considerato uno dei più importanti riconoscimenti culturali in Russia. Engstroem riceve il premio per "il suo impegno nei confronti della musica e degli interpreti russi". È il primo non musicista a ricevere il premio.

Il Fondo Yuri Bashmet è stato istituito da Alexander Mitroshenkov, presidente del gruppo russo di comunicazione Transcontinental Media, e da Sergei Vasiliev, amministratore delegato di Video International Group.

Tra i precedenti destinatari del Premio Shostakovich figurano Tan Dun, Denis Matsuev, Yefim Bronfman, Alexei Ratmansky, Maxim Vengerov, Evgeny Kissin, Natalia Gutman, Olga Borodina, Anne-Sophie Mutter, Viktor Tretiakov, Valery Gergiev, Thomas Quasthoff e Gidon Kremer.
 

Tony Plog è probabilmente uno dei compositori contemporanei più noti tra i suonatori di ottoni. La sua arguzia compositiva (ad es. Canzoncine per animali per tromba, narratore e pianoforte) è leggendario, e molte delle sue opere fanno parte del repertorio standard per ottoni (Quattro schizzi per quintetto di ottoni, 3 Miniature per tuba e pianoforte o Cartoline per tromba sola).

Con i pezzi solisti di tre o quattro minuti con accompagnamento al pianoforte che ha composto nel 2014 e che ha presentato in una sorta di suite dal titolo Avventure in ottone In sintesi, Tony Plog continua a percorrere la strada già intrapresa: l'idea stessa di creare una Blu angolare con note staccate per corno francese e pianoforte mi fa un po' sorridere, e quando la tuba nel suo breve pezzo Camminare All'inizio, il senso dell'umorismo del compositore è chiaramente percepibile e udibile quando suona un walking bass all'unisono con il pianoforte - senza alcuna melodia.

I sei pezzi sono ideali per gli studenti di musica avanzata, rappresentano un gradito cambiamento, ad esempio come pezzi da concorso o sono certamente anche ottimi bis per i recital. È discutibile se la suite verrà mai eseguita nella sua interezza, poiché richiederebbe sei solisti contemporaneamente. Il fatto che i sei pezzi siano stati pubblicati singolarmente e non come suite dalle Edizioni Bim dimostra che questa non era l'intenzione del compositore. Tuttavia, i brani sono legati da un concetto interno e, naturalmente, dal tipico stile compositivo di Tony Plog, che consiste nel creare un intero pezzo da un piccolo motivo tematico.

Anthony Plog, Avventure in ottone:

Musings (tromba e pianoforte), TP330
Eckig Blues (corno e pianoforte), CO94
Strade divergenti (trombone e pianoforte), TB88
Iniziative (trombone basso e pianoforte), TB89
Passeggiata (tuba e pianoforte), TU 181
Preludio e Tarantella (eufonio e pianoforte), TU182

Fr. 14.00 ciascuno, Edizioni Bim, Vuarmarens 2014

Il MIZ raccoglie le informazioni disponibili su circa 350 bandi di concorso per concorsi musicali, premi e borse di studio nazionali, statali e internazionali. I bandi vengono registrati annualmente e continuamente aggiornati. Il servizio fornisce informazioni sui profili e sui compiti delle misure, sui gruppi di destinatari e sulle condizioni di partecipazione, oltre a dettagli sulle dotazioni e sui finanziamenti successivi.

Oltre al calendario, il MIZ fornisce informazioni su numerosi altri programmi di promozione musicale. Ad esempio, il sistema informativo del MIZ per la formazione musicale continua e avanzata offre attualmente più di 180 masterclass di artisti rinomati e numerose altre opportunità di qualificazione per musicisti dilettanti e semi-professionisti. Con il suo elenco completo di fondazioni con sede in Germania, il MIZ presenta anche organizzazioni centrali particolarmente attive nel campo della musica.

Per saperne di più: www.miz.org

Il jazz svizzero sarà sotto i riflettori della città anseatica di Brema, nel nord della Germania, dal 21 al 24 aprile 2016, come ha annunciato ieri la direzione della fiera. La Svizzera segue così Spagna, Turchia, Israele, Danimarca e Francia.

Come scrive l'Arts Council Pro Helvetia, sarà responsabile del focus svizzero a Brema insieme alla Fondation Suisa e al Swiss Music Syndicate (SMS). Con oltre 3.000 partecipanti professionisti e un festival vetrina con artisti internazionali, negli ultimi anni jazzahead! è diventato un importante punto d'incontro per organizzatori, musicisti, etichette e altri rappresentanti del settore.

Oltre alla presenza del Paese ospite alla fiera, un festival culturale di tre settimane che si terrà a Brema il prossimo aprile garantirà un'ulteriore attenzione alla scena culturale svizzera. Il programma del festival culturale copre tutte le discipline artistiche e viene sviluppato in stretta collaborazione con le istituzioni culturali di Brema.

Iniziata da Pro Helvetia, la manifestazione si svolge sotto il nome di Viavaiuna serie di progetti di scambio culturale tra Svizzera e Lombardia. (Abbiamo riferito). Uno di questi è XiViX Op. 1515. Il direttore della piattaforma artistica Klangbox, Pascal Viglino, l'ha sviluppata in collaborazione con l'Accademia di Belle Arti di Brera a Milano. Il tema scelto è la Battaglia di Marignano - in un momento in cui il bisticcio interpretativo dei media non era ancora così forte. Undici designer e musicisti hanno creato ciascuno un pezzo musicale-couturistico in gruppi transfrontalieri di due persone. Il regista Stefan Hort li ha messi insieme per creare una serata di teatro musicale.

E questo per quanto riguarda la situazione iniziale, un po' estenuante, in cui non si riesce a scrollarsi di dosso l'idea che sia stata presa in considerazione la più ampia gamma possibile di potenziali sponsor. E poiché lo spettacolo porta il sottotitolo "pour mannequins & ensemble", si teme un po' che si tratti di una mostruosa sfilata di guerra, in cui una stravagante esibizione musicale-tessile cercherà di superare la precedente.

XiViX Op. 1515 è fortunatamente una serata piuttosto tranquilla. Tranquilla non è, perché i suoni accompagnano costantemente l'azione sul palcoscenico, sono, per così dire, il fiume su cui scorre un'immagine dopo l'altra: spesso semplici rumori, ritmi di strumenti a percussione, brevi frammenti musicali, qualche frase della canzone di Marignano, tamburi e fischi. Suoni di flauto. Si intensificano e poi si diradano di nuovo. A un certo punto, dagli altoparlanti esce una musica da marcia che, suonata sempre più lentamente, diventa presto solo uno sferragliare. Ci sono solo quattro persone, due donne e due uomini, esecutori esperti, che portano avanti la performance musicalmente e drammaticamente: Elisabeth de Mérode (flauto, voce), Damien Darioli (percussioni, flicorno), Anja Füsti (percussioni) e Pascal Viglino (percussioni, direttore).

Sulla "colonna sonora" percussiva, flautistica e vocale, lasciano emergere e svanire immagini che evocano il tumulto della battaglia, la grandezza e la sofferenza. I contributi individuali delle coppie designer-musicista potrebbero certamente essere separati, ma si seguono volentieri le associazioni sempre diverse. A volte cercano la vicinanza con gli eventi storici, ad esempio quando i due uomini dell'ensemble in uniforme colorata ingaggiano un duello ritmico sui grandi timpani o quando due interpreti portano in scena la mappa stesa tra loro: Un territorio che è diventato una questione, un oggetto di contesa. Altre scene accennano a una dimensione simbolica del tema: quando decine di croci vengono frettolosamente attaccate al muro con del nastro adesivo, quando una figura inclinata passa dal bianco al rosso con un colpo di polso (un simbolismo un po' piatto, però), quando la cecità e la vanità della guerra appaiono come una figura rigida coperta di frammenti di specchio.

All'inizio, la luce si diffonde lentamente su un dolce paesaggio collinare. Si sentono degli spari lontani. O è solo aria espulsa? Man mano che la luce aumenta, il paesaggio si rivela un enorme telo, le colline i corpi degli interpreti. Più tardi, essi si distendono dai buchi, azionando visibilmente i loro flauti, che emettono questi rumori ambigui. Vediamo come si ottiene un effetto. Questo principio può essere riconosciuto più volte nel corso dei 70 minuti dello spettacolo. Porta a una certa distanza e quindi permette di riflettere. In XiViX Op. 1515 non ci sono opinionisti marignanesi all'opera, qui si può riflettere sul tiro dei tamburi, sull'amarezza del morire e sulla vacuità della vittoria.

Nel 1905, Zoltán Kodály dedicò un'opera al violinista Imre Waldbauer Adagio. Nel 1910 ne fece delle versioni per viola e violoncello, mentre Norbert Dunka ne fece successivamente una per contrabbasso. È stata ripubblicata in tutte e quattro le versioni da Editio Musica Budapest nel 2014. Una melodia elegiaca con ondate di quinte e seste degenera due volte in uno sfogo collerico, il secondo sotto forma di cadenza solistica che sfocia in un ritardando composto. L'accompagnamento pianistico è colorato e varia con le ripetizioni della melodia, a volte con arpeggi simili a cimbali, e partecipa anch'esso agli eventi melodici.

Ciò che si adatta bene al violino tra la quarta e l'ottava posizione è una sfida tonale per la viola tra l'ottava e la dodicesima posizione, ma la viola può effettivamente suonare la melodia un'ottava più bassa sulla corda C all'inizio.

Zoltán Kodály, Adagio per violino (Z. 14911), viola (Z. 14894), violoncello (Z. 14895) o contrabbasso (Z. 14896) e pianoforte, € 9,90 ciascuno, Editio Musica Budapest 2014

Il 58enne inglese James Rae è noto per i suoi numerosi e popolari libretti didattici, soprattutto per clarinetto, sassofono e flauto. È specializzato soprattutto negli stili pop, rock e jazz. Con il Sonata in sol minore per clarinetto e pianoforte, Rae mostra un'altra sfaccettatura della sua produzione compositiva facendo riferimento a una forma classica e creando un'opera che si rivolge a clarinettisti di livello avanzato e che dovrebbe reggere anche in un recital accanto ad altri brani del repertorio clarinettistico.

La sonata in tre movimenti con le denominazioni Allegro vivo, Andante espressivo e Allegro con fuoco ha un tempo di esecuzione di circa dodici minuti. In tutti e tre i movimenti, James Rae lavora con quarte e seconde maggiori come materiale armonico-melodico dominante, con il primo e il terzo movimento in sol minore e il movimento centrale in si bemolle maggiore. L'evitamento simultaneo di forti cadenze dominante-tonica conferisce all'opera un carattere modale, fluttuante e giocoso.

Il primo movimento è in tempo 12/8 e ha un'espressione fluida e leggera che ricorda la musica da film. Il secondo movimento lirico trasmette un'atmosfera sognante e sembra un'improvvisazione con una sezione centrale giocosa. Il ritmo pulsante del terzo movimento, con un conciso motivo principale del clarinetto, costituito da semicrome con accenti sfalsati e, allo stesso tempo, una forte enfasi sulle battute principali del pianoforte, crea un carattere rockeggiante e pop con grande vivacità.

La sonata di James Rae offre agli interpreti l'opportunità di brillare sia per la brillantezza tecnica (senza eccessive difficoltà) sia per l'espressività dell'interpretazione musicale.

James Rae, Sonata in sol minore per clarinetto e pianoforte, UE 21 623, € 18,95, Universal Edition, Vienna 2014

18 note canzoni popolari svizzero-tedesche e una ciascuna in romancio e italiano sono qui registrate a una voce con tutte le strofe disponibili. Nella seconda parte del libretto, il compositore si prende la libertà di imitare il grande compositore Béla Bartók e riesce a trasformare le semplici melodie in duetti per violino fantasiosamente arrangiati, carichi di emozioni, canonici o pittorici. Entrambe le voci hanno una parte nella melodia. La maggior parte della musica è facile da suonare in prima posizione. Tuttavia, Birrer non si sottrae alle fughe cromatiche, canoniche, di doppio stop, bitonali o sincopate, cosicché anche gli esecutori più esperti sono messi alla prova in alcuni duetti e sperimentano molte sorprese umoristiche.

Myriam Birrer, Schweizer Volkslieder, 20 duetti per violino tra tradizione e modernità, M&S 2261, fr. 28.00, Müller & Schade, Berna 2014

Il virtuoso clarinettista Hidan Mamudov, nato nel 1982 a Stip, in Macedonia, ha arrangiato la musica popolare della sua terra e di altre regioni dei Balcani per sassofono e pianoforte (compresi i simboli degli accordi) per un'edizione World Music della Universal Edition, che può essere praticata con un'emozionante e originale versione play-along. Tutti i brani possono essere eseguiti con ensemble flessibili a seconda dell'umore (la partitura e le parti sono incluse nel CD). E per gli amanti dell'improvvisazione, nulla impedisce di sviluppare ulteriormente il materiale con fraseggi e ornamenti.

L'intero pacchetto, con un livello di difficoltà medio (firme di tempo dispari!), può anche essere scaricato come campione audio direttamente dal sito web di Universal Edition.

World Music Balkan, Play-along Saxophone, 7 pezzi per sassofono contralto o tenore e CD o accompagnamento di pianoforte, arrangiamento di Hidan Mamudov, UE 35574, con CD, € 17,50, Universal Edition, Vienna 2014

Mansurian ha adattato le canzoni per mezzosoprano e pianoforte, composte nel 1967 e basate su versi del cantante folk armeno del XVI secolo Nahapet Khutschak, per lo strumento del famoso violista Kim Kashkashian. I testi di queste antiche canzoni d'amore - aggiunti in tedesco e inglese - contribuiscono a ricreare il misticismo delle semplici melodie. Il contenuto emotivo di ogni nota deve essere inserito con attenzione. Il pianoforte accompagna con suoni su larga scala.

Nato il 27 gennaio (compleanno di Mozart!) del 1939 in Libano, Mansurian è tornato con i genitori nella natia Armenia nel 1947; ha studiato a Erivan ed è diventato docente di analisi musicale e nuova musica. Inizialmente attratto dal complicato stile musicale di Boulez, col tempo ha sviluppato uno stile semplice, quasi liturgico, influenzato dalle tradizioni armene.

Tigran Mansurian, Four Hayras, per viola e pianoforte, Bel 422, € 11,99, M. P. Belaieff (Schott), Mainz 2014